Confraria Floydstock: the beatles
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quinta-feira, 7 de abril de 2022

Fita demo rara de Paul McCartney será vendida por £ 10.000 em leilão

A rara fita cassete demo de Paul McCartney está programada para ser leiloada e tem o potencial de arrecadar muito dinheiro. Prevista para ser arrematada pelas cifras aproximadas de £ 10.000 (mais de R$62mil), ela atiça e muito a curiosidade do fãs sobre o que exatamente contém.

A música em questão é uma canção antiga dos Beatles intitulada 'Attention', que foi apresentada no álbum de 1981 de Ringo Starr, "Stop and Smell the Roses". A fita dura quatro minutos e dois segundos e foi mantida relativamente em segredo até agora.

A demo foi originalmente dada ao saxofonista Howie Casey, para fazer referência antes da sessão de gravação do disco. A esposa de Casey, Sheila, também aparece fazendo backing vocals na demo, assim como Linda McCartney.

A fita cassete também possui uma nota manuscrita anexada a ela e é gravada em uma fita cassete Maxwell C-60. A fita está programada para ir a leilão em 26 de abril no Omega Auctions de Liverpool. Embora não esteja claro exatamente por quanto a fita será leiloada, esse alto preço é o melhor palpite de todos no momento.

O leiloeiro Paul Fairweather disse sobre a fita: “Ouvir [McCartney] desacompanhado trabalhando através dos ossos de uma música como essa é realmente fascinante e dá uma visão de seu talento surpreendente para compor”. Com o qual muitos podem concordar, daí o valor do artefato.

Esta não é a única grande notícia de McCartney recentemente, conforme seu anúncio anterior de que ele está abrindo sua casa de infância para artistas musicais sem contrato usarem como base para escrever, tocar e se inspirar. Parece que em 2022, McCartney está mais ocupado do que nunca.

Via FAR OUT.

Se você quiser ouvir um trecho da fita demo, o faça via player abaixo.

quarta-feira, 6 de abril de 2022

A canção dos Rolling Stones inspirada em 'Hey Jude' dos Beatles

Os Beatles e os Rolling Stones tinham uma amizade e uma "rivalidade" que definiram os anos 1960. Enquanto eles inicialmente se padronizaram na era do terno e gravata dos Beatles, os Stones acabaram se transformando nos anti-Beatles: sem gravatas, cabelos desgrenhados, blues crus e uma percepção pública volátil. Enquanto os Beatles eram amados por todos, havia uma sensação palpável de perigo e vantagem que seguia os Stones.

Ainda assim, qualquer rivalidade amarga entre as duas bandas era puramente comercial. Os membros de cada grupo eram conhecidos por frequentar clubes e festas ao redor da cena londrina e, em 1963, John Lennon e Paul McCartney deram a música 'I Wanna Be Your Man' aos Stones para que eles gravassem. Brian Jones participou da gravação de 'Yellow Submarine', enquanto Mick Jagger e Keith Richards fizeram backing vocals em 'All Your Need is Love', com os Stones rapidamente retribuindo o favor ao ter Lennon e McCartney com o backing em 'We Love You' .

Em 1969, os Beatles e os Stones estabeleceram seus próprios sons exclusivos. Ao mesmo tempo, ambas as bandas estavam mais do que dispostas a incorporar novas tecnologias, sons adicionais e amplas influências em sua música, incluindo psicodelia, music hall e pop orquestral. Os Beatles já eram grandes na orquestração, graças à assistência do produtor George Martin, mas os Stones também tinham muitas faixas de apoio orquestrais, principalmente nas músicas 'She's a Rainbow' e 'Have You Seen Your Mother Baby Standing in the Shadows' '.

Mas quando os Beatles utilizaram uma orquestra completa no épico de oito minutos 'Hey Jude', foi quando Mick Jagger realmente notou. "Gostei da maneira como os Beatles fizeram isso com 'Hey Jude'", disse Jagger em 1969. "A orquestra não era apenas para encobrir tudo, era algo extra. Podemos fazer algo assim no próximo álbum.” Os Stones estavam no estúdio criando "Let It Bleed" na época, e a influência foi mais claramente ouvida em 'You Can't Always Get What You Want'.

Com trompas e acompanhamento de coral do London Bach Choir, 'You Can't Always Get What You Want' não chegou a incorporar a orquestra completa de 36 peças que 'Hey Jude' tinha, mas as conexões entre as duas músicas e suas grandeza arrebatadora é clara. Mesmo que sua rivalidade criativa estivesse apenas esquentando, os Stones logo se viram sem um grande oponente: menos de quatro meses após o lançamento de "Let It Bleed", os Beatles se separaram oficialmente.

Via FAR OUT.

Confira o áudio de 'You Can't Always Get What You Want' no player abaixo.

quinta-feira, 31 de março de 2022

Pink Floyd: Qual é a opinião de Roger Waters sobre os Beatles e Bob Dylan?

Uma das bandas que ajudaram a levar o Rock Progressivo a outro patamar, o Pink Floyd se tornou uma das bandas mais vendidas de todos os tempos. O ex-baixista e cantor da banda Roger Waters deu sua opinião sobre muitas outras bandas e músicos ao longo dos anos sempre dando sua opinião real sobre eles e dois deles foram Bob Dylan e The Beatles.

Em uma conversa com Howard Stern em 2012 (transcrita pela Rock and Roll Garage), o ex-baixista e cantor do Pink Floyd Roger Waters deu sua opinião sobre Bob Dylan e os Beatles.

Quando eu estava na faculdade, ouvia The Beatles. Quando eles fizeram o "Sgt.. Pepper's" em 67 estávamos no mesmo estúdio fazendo nosso primeiro disco. Lembro-me de quando foi lançado, puxando o Zephyr Ford para um descanso e ouvindo a coisa toda, apenas sentado lá com a boca aberta dizendo 'Uau, isso é tão completo e realizado e soa fácil.

Mas também foi mais do que isso. Tinha uma tonelada de ideias e uma tonelada de narrativa nele. Sinto que mais do que qualquer outro disco foi o disco que deu a mim e a minha geração permissão para nos expandirmos e fazermos o que quisermos. Se eles podem fazer isso, nós podemos fazê-lo. Não precisamos mais do Tin Pan Alley, podemos escrever nossas próprias coisas, isso mudou tudo. Eles instigaram sua própria revolução, porque obviamente, quando eles começaram, era tudo 'Please, Please Me' e qualquer outra coisa.”

Eles transcenderam tudo isso e transcenderam todas as bobagens no Shea Stadium e você sabe, garotas gritando e ninguém sendo capaz de ouvir nada. Fazer músicas que as pessoas realmente queriam ouvir porque eram músicas musicais muito, muito inteligentes, inteligentes e lindas.

Em uma entrevista em 2015 com a estação de rádio KLCS, Waters disse que aprendeu com Lennon, McCartney e Harrison que não havia problema em escrever sobre suas vidas e como eles se sentiam.

A opinião de Waters sobre Bob Dylan

Na mesma entrevista com Howard Stern, Waters falou sobre Bob Dylan e revelou que uma música do músico mudou completamente sua vida. Quando perguntado por Stern se ele odiava a “regra” que as gravadoras tinham quando ele estava começando, de que as músicas não podiam ter mais de 3 ou 4 minutos, para que pudessem ser tocadas no rádio, Waters respondeu falando de Bob Dylan: ""Sad-Eyed Lady of the Lowlands" mudou minha vida.

Quando ouvi isso, pensei ‘Digno’, se Bob pode fazer, eu também posso. Tem 20 minutos de duração, é uma hora inteira e de forma alguma fica chato ou enfadonho ou qualquer coisa. Só fica mais e mais e mais intenso e cresce. Torna-se cada vez mais hipnótico quanto mais tempo dura.

Ao longo dos anos, Roger Waters fez cover de algumas músicas de Bob Dylan ao vivo durante shows especiais como “Forever Young” e até fez um cover de estúdio de “Knocking On Heaven’s Door” para a coletânea “Flickering Flame”.

No entanto, Waters criticou Dylan quando fez o álbum de covers “Shadows in the Night” em 2015, que consistia em faixas que foram gravadas apenas por Frank Sinatra.

Via Rock and roll garage.

quarta-feira, 30 de março de 2022

Paul McCartney homenageia o saudoso baterista do Foo Fighters, Taylor Hawkins


Paul McCartney compartilhou uma homenagem sincera ao falecido baterista do Foo Fighters, Taylor Hawkins.

Hawkins foi tragicamente encontrado morto em seu quarto de hotel no Four Seasons em Bogata na noite de sexta-feira, poucas horas antes do Foo Fighters ser a atração principal de um festival na capital colombiana. O mundo musical desde então está de luto pela perda do baterista, e o Foo também cancelaou todas as próximas datas da turnê.

Em um comunicado, a banda disse: “É com grande tristeza que o Foo Fighters confirma o cancelamento de todas as próximas datas da turnê devido à perda impressionante de nosso irmão Taylor Hawkins. Lamentamos e compartilhamos a decepção de não nos vermos como planejado”.

Adicionando: “Em vez disso, vamos aproveitar esse tempo para lamentar, curar, aproximar nossos entes queridos e apreciar todas as músicas e memórias que fizemos juntos”.

Paul McCartney agora aumentou as homenagens nas mídias sociais e compartilhou suas memórias de Hawkins. Ele escreveu: “A morte repentina de Taylor foi um choque para mim e para as pessoas que o conheciam e o amavam. Ele não era apenas um GRANDE baterista, mas sua personalidade era grande e brilhante e fará muita falta a todos que tiveram a sorte de viver e trabalhar ao lado dele.

Macca continuou: “Fui convidado pelo Foo Fighters para tocar em uma de suas faixas. Acontece que eles queriam que eu tocasse bateria! – em uma das músicas de Taylor. Esse pedido veio de um grupo com DOIS bateristas incríveis!

Foi uma sessão incrível e cimentou meu relacionamento com Taylor e os caras. Mais tarde, eles perguntaram se eu os introduziria no Rock and Roll Hall of Fame. Eu cantei com eles em 'Get Back'. Taylor forneceu uma parte de bateria poderosa. Eu nunca vou esquecer aquela noite.

Tudo isso tornou muito mais um choque desesperadamente triste saber que ele havia morrido. Então, obrigado Taylor por compartilhar alguns minutos gloriosos comigo. Você foi um verdadeiro herói do Rock and Roll e sempre permanecerá no meu coração.

McCartney então assinou sua declaração emocional escrevendo: “Deus abençoe sua família e banda – Love Paul X”.

A causa da morte de Hawkins permanece desconhecida, mas um teste de urina confirmou que ele tinha várias drogas em seu corpo no momento de sua morte, incluindo opióides, benzodiazepínicos, antidepressivos tricíclicos e cannabis.

Via FAR OUT.

segunda-feira, 28 de março de 2022

The Beatles: John Lennon realmente odiava jazz?

John Lennon era conhecido por comentários incendiários. Ele afirmou que os Beatles eram “maiores que Jesus”; ele disse que os Beatles fizeram George Martin, e não o contrário; e ele ainda teve a coragem de mirar no jazz, a única forma de música que dá ao pop uma via de entrada em termos de expressão, adoração e dedicação. “Jazz”, ele disse, “é apenas um monte de velhos bebendo cerveja no bar, fumando cachimbo e não ouvindo música”.

Bem, isso é um pouco demais, não é? Sim e não: Lennon disparou do quadril e dizia coisas que ele contradizia minutos depois de dizer. Basta olhar para sua entrevista com Jann Wenner, onde ele tanto insulta quanto adora a ética de trabalho de Paul McCartney. Ou simplesmente dê uma olhada em algumas das entrevistas que ele deu em 1980, tanto defendendo quanto criticando as virtudes de envelhecer. E há as observações que Lennon fez sobre o produtor dos Beatles, George Martin, que mais tarde ele se retratou.

O guitarrista George Harrison comentou que Lennon tinha uma maneira curiosa de mostrar como ele queria que uma música soasse. “Basicamente, a maioria das músicas de John, como as de Paul, foram escritas no estúdio”, explicou Harrison. “Ringo e eu estávamos lá o tempo todo. Então, enquanto as músicas estavam sendo escritas, elas recebiam ideias e estruturas, principalmente de John. Como você disse, John tinha um talento para 'sentir', mas ele era muito ruim em saber exatamente o que queria transmitir."

O guitarrista continuou: "Ele poderia tocar uma música e dizer: 'É assim'. Então ele tocava novamente e perguntava: 'Como é isso?' Então ele tocava de novo, totalmente diferente! Além disso, seu ritmo era muito fluido. Ele perderia uma batida, ou talvez pularia uma batida…” Harrison admitiu que Lennon era um pouco “velho cara do blues”, o que é interessante porque está apenas alguns tons de distância do jazz. Mas, apesar das acusações acima, Lennon era parcial para as tendências do jazz e regularmente infundia muitas de suas músicas no campo do jazz.

'I Want You (She's So Heavy)' funciona como um número de jazz, misturado com uma batida de samba, assim como 'Well, Well, Well', ouvida em seu álbum de estreia, pouco produzido. Muitas das faixas ouvidas em "Somewhere In New York City" são embebidas na forma de jazz, e é somente através da inclusão de outros músicos que o ex-Beatle pode se distanciar diretamente da influência. Ele estava genuinamente interessado na forma, apesar de suas afirmações de que era a verdade que ele sempre buscava.

O álbum "Imagine" também contém alguns sabores de jazz. Basta dar uma olhada em 'I Don't Want To Be A Soldier Mama', reforçada por uma batida de tambor, ou simplesmente ouvir 'Crippled Inside', e nos dizer que ele não foi influenciado pelo gênero em si. De fato, muitos dos padrões de bateria de Ringo Starr no álbum "Plastic Ono Band" são exposições orientadas para o jazz de excelência na percussão, então é justo que seu estilo de música tenha impregnado o álbum como um todo.

Para que não esqueçamos que Lennon regularmente criticava seu próprio trabalho, e passou a suspeitar de "Sgt.Peppers Lonely Hearts Club Band", especialmente porque seu trabalho assumiu um tom mais autobiográfico. 'Strawberry Fields Forever', comumente descrito como seu melhor trabalho, foi um que ele admitiu a Martin que gravaria tudo de novo, e mais tarde ele descartou 'And Your Bird Can Sing' como a expressão de um homem que não conseguia se reconciliar sua mente sobre a importância de seu trabalho.

'Eight Days A Week' foi outro single que ele descartou, sentindo que não representava a integridade de seu trabalho, e ele detestava admirar qualquer um dos números de 1967, exceto a melancólica 'Within You Without You' de Harrison.

O que também devemos lembrar é que este foi um homem que morreu na tenra idade de 40 anos, deixando um filho de cinco anos para trás, sem esquecer o filho adolescente que teve na Grã-Bretanha. Quem sabe o quanto Lennon poderia ter crescido, com seu filho para guiá-lo nas virtudes da paternidade? Talvez ele possa ter reavaliado o trabalho dos Beatles, como Harrison fez quando viu o valor do trabalho pelos olhos de seu filho. E talvez ele pudesse ter gostado de jazz, precisamente porque era uma forma muito difícil de música que ele nunca poderia dominar de verdade.

Tudo isso não dá para pensar. Lennon deixa um impressionante corpo de trabalho para trás e, embora seu trabalho solo raramente corresponda ao nível dos Beatles, o trabalho solo de McCartney foi muito mais inventivo, ele deixou sua marca com um forte álbum de estreia e uma coleção de singles arrumados lançados em breve. E não importa como ele via o jazz, os músicos de jazz ficavam felizes em reinterpretar o trabalho de Lennon como se estivessem tocando pela primeira vez. ‘Dear Prudence’ se presta muito bem ao jazz, como é evidente pela rearranjada versão de Al Di Meola.

Via FAR OUT.

Con o cover de jazz de ‘Dear Prudence’ abaixo.

terça-feira, 20 de julho de 2021

Aline Happ lança versão celta de Beatles; assista

Nos tempos mais escuros, é a luz que nos traz esperança de que tudo pode melhorar. Assim é também com a música. A canção “Here comes the sun”, um clássico dos Beatles ganha uma nova versão na voz de Aline Happ, cantora conhecida por seu trabalho à frente do Lyria. Com influência da música folk e celta, a canção surge em busca de tempos melhores, em busca da iluminação.

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Composta por George Harrison, "Here comes the sun", foi gravada pelos Beatles e lançada no álbum Abbey Road (1969). Também é George que canta originalmente nesta canção, enquanto Paul faz o coro. John Lennon não participou da música por estar se recuperando de um acidente de carro. Como se pode notar a canção foi inspirada por uma manhã ensolarada, enquanto George estava na mansão de Eric Clapton. No Brasil, a música ganhou uma versão em português,na voz de Lulu Santos, em 1989, chamada "Lá Vem o Sol".

Conhecida mundialmente por seu trabalho como líder, vocalista e compositora do Lyria, Aline Happ é hoje uma das vozes mais famosas do metal brasileiro. Em seu projeto solo, a artista promove releituras Gothic/Folk/Celtic de canções do rock e do metal mundial que estão disponíveis em seu canal no YouTube. Graças ao apoio dos fãs, a cantora arrecadou mais de 200% da meta do financiamento coletivo para o seu disco solo de estreia, que será lançado ainda neste ano.

Os vídeos postados no canal de Aline Happ contam com o apoio de fãs no Patreon e no Padrim. Conhecidos mundialmente, o Lyria é uma banda carioca fundada em 2012 por Aline Happ. De lá pra cá, o grupo lançou dois discos com apoio de crowdfunding, "Catharsis" (2014) e "Immersion" (2018) e tocou em diversas cidades brasileiras como Rio de Janeiro, Belo Horizonte, Curitiba, São Paulo, entre outras, além de transmitir shows online com venda de ingressos para o mundo todo.

Assista “Here comes the sun”:

Adquira o álbum em pré-venda:

https://www.lyriaband.com/alinehappbr

sexta-feira, 21 de maio de 2021

Os caminhos de Alan Parsons

Alan Parsons é um dos caras mais subestimados da história da música. O reconhecimento à sua obra sempre foi inferior ao que ele mereceu. Você já deve ter ouvido falar de Alan Parsons. Ou ouviu alguma música dele. Ou ainda ouviu alguma música em que ele trabalhou. Ou ouviu algo dele e ainda não sabe que ouviu. Mas ouviu. O fato é que Alan Parsons contribuiu para alguns dos grandes momentos do rock. Ele foi assistente de engenharia de som dos Beatles nas gravações dos álbuns "Abbey Road" e "Let It Be" e trabalhou como engenheiro de som do Pink Floyd no seu mais bem sucedido álbum, "Dark Side of The Moon". O relógio no começo de "Time" foi idéia dele, pra citar um exemplo.

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Alan colaborou ainda com os Wings e com Al Stewart, entre outros nomes da música. Após quase uma década trabalhando como produtor musical, ele resolveu ir além. Em 1975 se uniu ao músico erudito Eric Woolfson e criou o Alan Parsons Project. Lançou nos anos seguintes diversos álbuns conceito, algo que ele trouxe do trabalho com o Pink Floyd. Com elementos psicodélicos, de música clássica e um espírito inventivo, Parsons enveredou pelo "Prog" e o fez com maestria. E assim como outras bandas de rock progressivo (Como o Pink Floyd pós Roger Waters, por exemplo), acabou sendo influenciado pela música Pop da década de 80, em que este gênero atingiu seu auge, com gente como Michael Jackson, Prince e Madonna comandando o cenário, e mesmo assim, Alan teve seu destaque. 

     Seus trabalhos abrageram diversos temas, desde as obras de Edgar Allan Poe e Isaac Asimov, até dramas do cotidiano e temas atemporais, como o papel da mulher na sociedade. O auge de seu sucesso se deu na virada da década de 70 para a de 80, com as músicas "Eye In The Sky", "Time", "Sirius"(que acabou sendo adotada como hino do Chicago Bulls de Michael Jordan), "Prime Time" e "Let's Talk About Me" (no melhor estilo Supertramp) entre outros sucessos. Alan Parsons seria ainda o responsável, junto a Andrew Powell (membro do Alan Parsons Project) pela trilha sonora do filme "O Feitiço de Áquila", dirigido por Richard Donner e lançado em 1985.

      A parceria com Woolfson terminaria em 1990 e Alan investiria seu tempo em turnês mundo afora, algo que antes não era de seu feitio. Embora não tenha atingido o mesmo sucesso de antes, Alan Parsons já havia cravado seu nome entre os grandes. Uma obra a ser celebrada e cada vez mais valorizada. É o que fica de um artista da música que sempre foi maior do que pareceu.

Por Jaderson Gomes.

segunda-feira, 19 de abril de 2021

The Who - Pete Townshend: "os Beatles nos copiaram!"

"Sgt. Pepper" foi inspirado em "A Quick One, While He's Away ", afirma ele

Pete Townshend afirmou que os Beatles se inspiraram para ‘Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band 'da música de nove minutos do The Who' A Quick One, While He Away '.

Townshend conversou recentemente com a Rolling Stone para promover a releitura de luxo do álbum de 1967 do The Who, "The Who Sell Out", e foi perguntado se era inspirado nos Beatles "Sgt. Pepper’, lançado sete meses antes.

Ele respondeu: “Não, não. Vamos. Os Beatles nos copiaram! Paul McCartney veio até mim no Bag O’Nails (local do show), que mencionamos na capa do álbum.

Ele sempre foi muito, muito doce comigo. Eu deveria dizer isso primeiro. Mas ele me disse que realmente amava nossa mini ópera, que se chamava "A Quick One, While He's Away". Isso estava no álbum que precedeu "The Who Sell Out" ("A Quick One" de 1966). E ele me disse que eles estavam pensando em fazer coisas semelhantes.

Acho que qualquer pessoa que tivesse um pouco de escola de arte na época, um pouco aventureira - e, é claro, os Beatles foram encorajados a experimentar ao máximo no estúdio - teria pensado em fazer algo que fosse um conceito.

Prosseguindo generoso ‘Sgt. Pepper 'com elogios, Townshend continuou: “Não há muito de um conceito para esse disco, mas até hoje, sempre que me sento e pego o vinil, algo sempre salta para fora que eu nunca percebi antes .

Acho que o mesmo se aplica aos sons para animais de estimação (dos Beach Boys). Esses dois álbuns são mudanças seminais no que todos nós acreditávamos que seria possível se você estivesse em uma banda gravando discos, apenas atos extraordinários de fé de que o público aceitaria.

No início desta semana, The Who anunciou que havia se reunido com Heinz Beanz para lançar latas de edição limitada "Beanz Meanz The Who". Os rendimentos de todas as vendas no Reino Unido irão arrecadar fundos para a organização de caridade Magic Breakfast, para a fome de crianças, e para a instituição de caridade de apoio ao câncer Teenage Cancer Trust, Heinz e os respectivos parceiros de caridade do Who.

Via Planet Rock.

quinta-feira, 23 de maio de 2019

The Beatles: 9 coisas que fizeram "Sgt. Pepper" possível


A história pode ser dividida em Pré-Pepper e Pós-Pepper

"Sgt. Pepper" ocupa um posto único no catálogo dos Beatles e na memória coletiva das pessoas. Não importam suas inclinações musicais, não há como negar a grande influência do álbum na música e na cultura em geral. A história pode ser dividida em Pré-Pepper e Pós-Pepper.
Aos que não estavam lá para experimentar em primeira mão durante o seu lançamento, o "Sgt. Pepper" é reduzido ao familiar. O que já foi considerado experimental e profundamente novo é categorizado como “rock clássico”. Ainda assim,  "Sgt. Pepper" é o que tornou o rock uma forma "respeitável" de arte e suas repercussões podem ser ouvidas nas décadas que se seguiram. "Sgt. Pepper" só poderia ter nascido em 1967 e, para entender por que, é preciso reconhecer a importante relação simbiótica entre cultura e música. Ao comemorarmos seu 50º aniversário, aqui estão apenas algumas das circunstâncias que levaram à conquista mais louvada dos Beatles.

1: A contracultura dos anos 60

O espírito da contracultura já estava em andamento muito antes de "Sgt. Pepper" aparecer. Dylan tinha entregue seu épico álbum duplo "Blonde On Blonde", enquanto Brian Wilson estava preparando Pet Sounds com The Beach Boys.
Aparentemente, todo artista estava criativamente a todo vapor e o tremendo ritmo dos lançamentos foi notável no período de apenas um ano. Tanto nos Estados Unidos quanto no Reino Unido, parecia haver um intercâmbio cultural aberto, já que os artistas inspirariam uns aos outros e, por sua vez, criariam algo inteiramente novo. Como John Lennon apontou, os Beatles não criaram a contracultura, mas eles certamente eram o símbolo mais visível. “Isso de termos mudado os penteados de todos? Mas algo nos influenciou ... o que está no ar”, disse Lennon. “Nós fazíamos parte dos anos 60. Isso estava acontecendo por conta própria. Nós fomos os escolhidos para representar o que estava acontecendo nas ruas.” Enquanto Sgt. Pepper pode não ter capturado a natureza anti-establishment da cultura dos anos 60, certamente definiu sua abertura, tanto em termos de música, arte visual e imagens líricas. Do Vaudevilliano "Being For The Benefit Of Mr Kite!" à palavra cantada em 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band' e uma orquestra completa em "A Day In The Life", eles desfocaram a linha entre a arte de vanguarda e a música pop.


2. Nomes de Bandas Psicodélicas da Califórnia

Enamorado pelo que estava acontecendo na cena da Costa Oeste, especificamente em São Francisco, Paul McCartney notara que a última onda de nomes de bandas estava ficando progressivamente mais longa e mais imaginativa. Já não eram os The Beatles, The Byrds ou The Kinks, era de repente Lothar e The Hand People, Big Brother e The Holding Company, ou a sugestão de Lennon, “Fred And His Incredible Shrinking Grateful Airplanes”. Como a banda especulava sobre paródias de disfarces, isso também deu origem à ideia de deixar os “The Beatles” para trás e criar uma nova identidade para eles mesmos.

3: Adoção de Alter Egos

A essa altura, os Beatles haviam alcançado níveis estratosféricos de popularidade e a Beatlemania havia ofuscado a música da banda. A banda queria liberdade para crescer além de sua imagem, e isso levou a uma exploração de alter egos. Como McCartney mais tarde lembrou, "achei que seria bom perder nossas identidades, nos submergir na persona de um grupo falso", e assim "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band" nasceu. Essa idéia de identidade fluida ressoou fortemente entre a juventude da contracultura. Os seus antecedentes não precisavam mais determinar todo o seu futuro, podia-se simplesmente reinventar-se.


4: O  Pet Sounds dos The Beach Boys

Ambos George Martin e Paul McCartney foram registrados exaltando o "Pet Sounds" dos Beach Boys e que força influente ele foi para o "Sgt. Pepper". Martin disse que se Brian Wilson e os Beach Boys não tivessem criado seu álbum clássico, “Sgt. Pepper nunca teria acontecido", enquanto McCartney disse: "A invenção musical nesse álbum foi, tipo, "Wow!" Essa foi a grande coisa para mim. Eu apenas pensei, Oh meu caro, esse é o álbum de todos os tempos. O que diabos vamos fazer? ”Enquanto estava em rotação permanente durante as sessões de gravação, "Pet Sounds" também não teria existido sem que Brian Wilson se inspirasse no "Rubber Soul" dos Beatles. E assim o ciclo continuou.


5:  Freak Out!, de Frank Zappa And The Mothers of Invention

Se Brian Wilson ajudou a conduzir o lado pop das coisas, Frank Zappa iria impulsionar os Beatles para se tornarem mais experimentais. O álbum de estréia de Frank Zappa And the Mothers of Invention de 1966, "Freak Out!", também foi o primeiro do gênero, incorporando orquestração neoclássica com jazz improvisado e política contracultural, e com o objetivo de transformar o formato LP em uma declaração conceitual. Ambos, "Pet Sounds" e "Freak Out!" tinham provado que o rock poderia ser tanto uma mídia de produtor de estúdio como uma arte performática. Se Freak Out! foi o manifesto para a cultura freak em LA, em seguida, "Sgt. Pepper" seria o endosso intelectual da subcultura hippie de São Francisco.




6: Deixar de ser uma banda de turnê

Antes que decidissem adotar um alter ego, os Beatles decidiram que terminariam as turnês. Esqueça o inconveniente, as turnês se tornaram fisicamente perigosas para a banda, tanto devido a fãs fervorosos quanto por alguns públicos não tão favoráveis que não gostaram dos comentários aparentemente blasfemos de John Lennon sobre o cristianismo. Sua apresentação no Candlestick Park, em San Francisco, em 29 de agosto de 1966, seria o último show que eles iriam tocar, exceto por uma famosa apresentação no telhado da Apple em 1969.
Cada membro escapou à sua maneira, e quando eles se reuniram em novembro de 1966, decidiram fazer a mudança de banda de trabalho para uma "idéia" mais conceitual. Se suas músicas não exigissem que partes vocais e instrumentais fossem democraticamente divididas entre elas, o grupo era livre para jogar com os pontos fortes uns dos outros e mexer no estúdio até conseguir algo próximo da perfeição. Ringo resumiu o pensamento da banda no livro Anthology, dizendo: “Depois de decidir não fazer turnês, acho que não nos importamos mais. Nós estávamos nos divertindo mais no estúdio, como você pode ouvir em "Revolver" e "Rubber Soul". Em vez de sermos tirados do estúdio para ir à estrada, agora poderíamos passar um tempo lá e relaxar.


7: Experimentação de estúdio e George Martin

Durante suas sessões no Abbey Road, os Beatles estavam fechando o capítulo da Beatlemania em suas carreiras e iniciando um novo capítulo: os “anos de estúdio”. Durante anos, a maior parte do rock e da música pop foi escrita de forma a poder ser executada ao vivo. Quanto ao processo de gravação, a regra prática era recriar e capturar uma “performance ao vivo” no álbum. Mas Martin e os meninos queriam virar esse conceito de cabeça para baixo. Como Martin disse, "Nós estávamos colocando algo em fita que só poderia ser feito em fita." Ele era mais do que apenas um produtor; ele foi o arquiteto do som dos Beatles e expôs o grupo às gravações e idéias mais vanguardistas que expandiram seu campo de visão.

8: Limitações Técnicas

É notável o quanto Martin e a banda conseguiram realizar usando a tecnologia de estúdio da época - até certo ponto, isso é o que faz "Sgt.Pepper" tão impressionante. Como todas as grandes ideias, com a adversidade vem a engenhosidade. Enquanto a gravação multi-track era padrão da indústria em 1967, os gravadores de oito faixas eram mais comuns nos EUA e não estavam amplamente disponíveis no Reino Unido até o final de 1967. Muitos dos efeitos sonoros psicodélicos do álbum foram criados por meio de microfones separados ou acoplados a quase todos os objetos na sala, além de reaproveitar fones de ouvido como microfones e outros truques de engenhosidade.
Os Beatles, como o resto do mundo ocidental, apaixonaram-se pelas tradições musicais indianas, espiritualidade e cultura. Sua influência foi sentida desde "Norwegian Wood", no "Rubber Soul", e especialmente no "Revolver", com "Love You To", de George Harrison. O interesse de Harrison pela música indiana floresceria em uma paixão ao longo da vida. Antes das sessões de "Sgt. Pepper" começarem, Harrison voou para Mumbai (Bombaim) para tomar lições de citara de Ravi Shankar, culminando em sua orientalizada "Within You Without You" e nos timbres de fundo de "Lucy In The Sky With Diamonds".


9: Tendências da indústria ignoradas

Em 1966, os Beatles já haviam acumulado uma enorme série de sucessos, com "Revolver" vendendo 1.187.869 cópias até 31 de dezembro de 1966, só nos Estados Unidos. Seu sucesso os colocou em uma posição única de experimentar novas abordagens de composição e instrumentação. Com cada registro, eles expandiram a definição aceitável de “rock music”, e sua capacidade de alcançar fãs de todos os gêneros permitiu que eles tocassem estilos e instrumentos diferentes, mantendo o apelo tradicional. Sem ter que responder aos caprichos da música popular, os Beatles poderiam evitar fazer música de dança ou singles de rádio. Em vez disso, eles elevaram o rock a um padrão mais alto, abrindo caminho para o iminente rock progressivo e o art-rock do futuro.

Traduzido pelo confrade Renato Azambuja via UDISCOVERMUSIC