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terça-feira, 23 de agosto de 2022

The Who: Como tocar bateria como Keith Moon

Por seu status lendário no rock and roll, Keith Moon não recebe o nível de respeito que merece como músico. Atribua isso às suas travessuras selvagens fora do palco, energia exclusivamente enlouquecida e deterioração infame no final de sua vida, mas aqui estão alguns termos que se ligam ao nome de Moon: desleixado, desfocado, maníaco, exagerado e superestimado.

A própria avaliação de Moon de suas habilidades também foi modesta. “Acho que como baterista, sou adequado”, disse Moon autodepreciativamente à Melody Maker em 1970. “Não tenho aspirações reais de ser um grande baterista. Eu só quero tocar bateria para o The Who e é isso.

Pete Townshend pareceu concordar. “A bateria de Keith Moon era uma expressão de sua personalidade e seu ego e sua grandiosidade e seu ridículo e sua teatralidade e seu senso de humor!” Townshend explicou durante o episódio Classic Albums do "Who's Next". “Muito do que Keith fez foi incrivelmente engraçado… apenas diferentes variações disso tocaram muito, muito rápido. E às vezes ele tocava ‘dum dum dum dum duda-duda-dum dum’ e depois caía no chão.

Mas os outros colegas de banda de Moon foram mais simpáticos. “Se tocássemos nossa música no estúdio, se pudéssemos tocar a bateria, saberíamos que música era porque ele sempre tocava com os vocais”, explicou John Entwistle durante o episódio. De todos os companheiros de banda de Moon, Roger Daltrey foi o que mais elogiou seu estilo de tocar.

Muitas pessoas realmente, realmente, nunca entenderam a importância do estilo de bateria de Keith para o The Who”, explicou Daltrey. “E eu meio que o descrevo pictoricamente como se você imaginasse Pete e John como duas agulhas de tricô e Keith como um novelo de lã. Ele meio que manteria tudo junto, e com os vocais no topo, produziria um produto. Se você tirar Keith disso, meio que desmorona.

Foi o produtor e engenheiro do "Who's Next", Glyn Johns, que provavelmente resumiu melhor o enigma de Keith Moon. “Eu acho que a imagem dele sendo um pouco fora dos trilhos foi algo que ele promoveu, e isso realmente fez com que ele falasse mais sobre qualquer baterista em qualquer banda como resultado, porque ele se tornou uma personalidade: sua imprevisibilidade”, compartilhou Johns. “Mas se você conversar com os fãs do Who, acho que descobrirá que todos o achavam um baterista brilhante, e se você conversar com os músicos, eles concordariam e diriam a mesma coisa. Eles falariam sobre sua habilidade de tocar bateria muito mais do que os outros episódios de sua vida.

Na verdade, você não precisa ir muito fundo para encontrar lendas da bateria como Dave Grohl, Roger Taylor, Clem Burke e Mike Portnoy cantando louvores a Moon the Loon. Praticamente qualquer pessoa nascida depois de 1960 que pegou um par de baquetas ouviu e provavelmente foi inspirada pelo estilo de tocar singular de Keith Moon. Não procure mais do que talvez o maior baterista de rock de todos os tempos, Neil Peart do Rush, para resumir adequadamente a genialidade de Moon.

Certamente é verdade que Keith Moon foi um dos primeiros bateristas a me deixar realmente empolgado com a bateria de rock”, Peart disse ao Modern Drummer em 1980. “Sua personalidade irreverente e maníaca, expressa através de sua bateria, me afetou muito. [Ele me ensinou] uma nova ideia de liberdade e que não havia necessidade de ser fundamentalista. Eu realmente gostei de sua abordagem de colocar pratos de impacto no meio de um rolo. Depois, comecei a adotar um estilo mais disciplinado, à medida que ganhei um pouco mais de compreensão do lado técnico. Para mim, ele era o tipo de baterista que fazia grandes coisas por acidente ao invés de design. Mas a energia, expressividade e inovação que ele representou na época foi muito importante e grande.

A personalidade de Keith Moon foi totalmente formada a partir do dia em que ele apareceu como uma “visão ruiva”, de acordo com Townshend, em um show inicial do Who e assumiu oficialmente o banco da bateria. Mas demorou um pouco para que seu estilo fosse totalmente liberado no disco. Nos primeiros discos do Who, como 'Happy Jack' e 'I Can't Explain', o estilo frenético de Moon é decepcionado pelos modestos padrões de produção da época. Moon está claramente morrendo de vontade de sair do confinamento, mas sua restrição a um pequeno tambor o estava segurando.

O avanço veio no quarto single da banda, 'My Generation'. Estridente e selvagem diferente de qualquer disco que veio antes dele, 'My Generation' apresentava uma estrutura de acordes simples e amplo espaço para Moon se soltar. Entre cada preenchimento vocal veio uma oportunidade para Moon soltar a fera, e no final explosivo da música, o id indomável de Moon foi mostrado para o público pela primeira vez.

Mas para qualquer um que afirmasse que Moon não conseguia manter o tempo ou tocar ritmos complicados, 'My Generation' funciona como um contador perfeito. O padrão shuffle de Moon apresenta o tipo de destreza de pulso amplamente reservada para bateristas de jazz, enquanto sua capacidade de parar e começar junto com as pausas para os vocais principais de Daltrey provou que ele tinha um forte senso inerente de tempo.

Nos anos seguintes, Moon começou a estabelecer a configuração que melhor se adequava ao seu estilo. Essa configuração de bateria e pratos dependia fortemente de toms de rack e pratos de choque, para Moon, era quanto mais, melhor. Em um ponto, Moon extirpou completamente o chimbal de sua configuração, uma decisão que paralisaria qualquer outro baterista. Moon também adicionou bumbos duplos para uma batida adicional, algo que pode ser melhor ouvido no álbum "Live at Leeds".

À medida que o The Who se tornava mais ambicioso em seu escopo, Moon estava ao lado de seus companheiros de banda em intensificar suas habilidades técnicas. 'Underture' de "Tommy", 'Bargain' de "Who's Next" e 'Love Reign O'er Me' de "Quadrophenia" mostraram que Moon entendia o delicado equilíbrio entre seu estilo incansável e a necessidade de contenção quando uma música pedia. O flash e a agressividade de seus hits geralmente são os motivos pelos quais Moon é marcado, mas esses são talvez os exemplos mais importantes a serem apontados ao avaliar as habilidades de bateria de Moon: sua compreensão, embora breve, de manter as coisas simples.

Se você simplesmente agitar a bateria em uma fúria bêbada, descobrirá que na verdade não soa muito como Keith Moon. Para replicar com precisão o estilo de Moon, você deve se concentrar em preenchimentos que seguem padrões vocais, trabalhando sua destreza de bumbo duplo e um estilo agressivo que toca em cada música individual. Para o bem ou para o mal, tudo o que Moon tocou em cada música do Who era diferente, e o que ele deixou para trás foram algumas das faixas de bateria mais fascinantes e emocionantes da história do rock and roll.

Via FAR OUT.

segunda-feira, 8 de agosto de 2022

Lemmy Kilmister: sua experiência e a sua música favorita de Jimi Hendrix

Para um homem que podia ferver água com um olhar, Lemmy nunca estava vestido de couro demais para revelar seu centro macio. Assim, não é surpresa que a noção de Jimi Hendrix nas pastagens problemáticas do amor rejeitado seja uma que atraia Lemmy. Isso é particularmente proeminente, dada a conexão do frontman do Motörhead com o deus da guitarra em um nível pessoal.

Acontece que, por um breve período em 1967, Lemmy foi roadie com o músico psicodélico de Seattle. “Eu estava dormindo no andar de Neville Chester – ele estava dividindo um apartamento com Noel Redding”, disse Lemmy à Rolling Stone, acrescentando: “Então, sempre que eles precisavam de um par extra de mãos, eu estava lá. Eu não consegui o emprego por nenhum talento ou qualquer coisa.” Naturalmente, esta experiência teve um impacto profundo no futuro roqueiro.

Uma das vantagens do trabalho era ver o magistral Hendrix trabalhando: “Mas eu vi Jimi tocar muito. Duas vezes por noite durante cerca de três meses. Eu o vi tocar nos bastidores também. Ele tinha um velho violão Epiphone, era um de 12 cordas, com cordas de seis cordas, e costumava ficar de pé em uma cadeira nos bastidores e tocá-lo. Por que ele se levantou na cadeira, eu não sei.

Como disse Lemmy ao refletir sobre os maiores artistas do período, “[Os Beatles] subiam ao palco e você ficava simplesmente impressionado. Eles tinham essa presença, o que é muito raro. Hendrix tinha, Ozzy Osbourne tem até certo ponto. Ou você tem ou não tem.” Lemmy também tinha e aprendeu muitos truques com seu ex-chefe.

Além da noção de presença, um elemento que ficou com ele foi colocar um pouco de alma em seu balanço. Uma música, em particular, provou ser esclarecedora para Lemmy nessa frente. Quando ele estava listando suas músicas favoritas, a única escolha de Hendrix que entrou na lista foi 'Love or Confusion'.

A música mostra Hendrix questionando se ele finalmente encontrou o tipo de amor que permitirá que ele levante os pés e se aqueça, ou se é apenas outro falso impostor prometendo engano e dor. Afinal, Hendrix era uma alma sensível e tímida, e os modos selvagens do estilo de vida do rock 'n' roll não eram tão adequados para ele, pois os parasitas flertavam com ele por razões além da norma.

Isso fez de “Love or Confusion” um dos mais diretos de seu catálogo. Hendrix pode ter distorcido o blues além do reconhecimento, mas sempre formou a força vital antes que os floreios entrassem na mistura. Como John Frusciante disse sobre a estrela: “Sua vida, seu estilo de vida e as mulheres em sua vida afetaram sua música mais do que outros músicos, porque é assim que ele toca livremente”, explicou certa vez. “Quando você ouve Jimi Hendrix tocar, é uma expressão pura dele como pessoa.

Adicionando: “Você o vê no palco e não há absolutamente nenhuma separação entre ele e sua guitarra – eles são completamente um porque ele está colocando cada pedacinho de energia, tudo em toda a sua psique e cada parte de seu corpo em sua guitarra, tocando”, disse. Com ‘Love or Confusion’ isso é particularmente aparente e certamente chamou a atenção de Lemmy.

Via FAR OUT.

sexta-feira, 29 de julho de 2022

Frank Zappa: seus três guitarristas favoritos de todos os tempos

3 grandes ídolos do saudoso maestro.

Frank Zappa foi um músico, líder de banda, cantor e compositor americano extremamente influente. Considerado um dos músicos mais inovadores e estilisticamente diversos de sua geração, Zappa compôs música dentro de uma variedade de gêneros e produziu mais de 60 álbuns. Ele teve uma carreira cheia de elogios e sucessos, experimentação e descoberta.

Trabalhando com sua banda e como artista solo, Frank Zappa teve a oportunidade de trabalhar com uma variedade de músicos e profissionais da indústria, o que enriqueceu sua experiência como bandleader e compositor, especialmente no caso de alguns de seus favoritos.

Se seus guitarristas favoritos são pessoas com quem ele trabalhou ou músicos que ele admira, ele tem coisas boas a dizer sobre alguns guitarristas. Ele elogiou Guitar Slim, Johnny 'Guitar' Watson, Clarence 'Gatemouth' Brown, Wes Montgomery, Jimi Hendrix, Jeff Beck, Allan Holdsworth, Bryan May e Billy Gibbons ao longo dos anos.

No entanto, quando se trata de seus favoritos absolutos, ele cravou Jeff Beck, Johnny Watson e Allan Holdsworth.

Sobre Holdsworth, Zappa disse uma vez: “Bem, há um outro cara cujo trabalho eu sei que deveria ser incluído nessa lista que eu respeito e esse é Allan Holdsworth”, quando perguntado sobre seus músicos favoritos.

Ao falar de Johnny 'Guitar' Watson, Zappa comentou: "Bem, meu guitarrista favorito original era Johnny 'Guitar' Watson não do ponto de vista técnico, mas de ouvir o que suas notas significavam no contexto em que foram tocadas, e também Guitar Slim, que foi o primeiro guitarrista que ouvi que tinha distorção - mesmo durante os anos 50. De uma maneira estranha, acho que provavelmente extraio mais do meu estilo de sua abordagem à guitarra dos solos que ouvi na época.

Ele até fez uma pequena menção ao Guitar Slim. Quanto ao seu outro favorito, Jeff Beck, ele simplesmente diz: “Um dos meus guitarristas favoritos do planeta. Do ponto de vista melódico e apenas na concepção do que toca. Ele é fabuloso. Eu gosto de Jeff.

É sempre bom saber o que os grandes artistas pensam de seus contemporâneos, especialmente no caso de um homem que muitas vezes descreve seus colegas músicos em termos como “não o conheço” ou “nunca ouvi ele tocar”. e “ele não usa drogas”, que parecem ser descritores comuns que ele distribui em relação a seus pares.

Pode-se supor que esses comentários sejam justos, como ele mesmo diz: “Eu não escuto rock and roll”.

Via FAR OUT.

sexta-feira, 1 de julho de 2022

Como Bob Dylan influenciou os Beatles, Rolling Stones e The Who

A influência de Bob Dylan na forma da música britânica tem sido examinada em grande detalhe por historiadores da música por décadas. Tudor Jones, um historiador acadêmico com forte formação em história política e pesquisa honorária, reuniu um de seus estudos mais recentes em um livro intitulado Bob Dylan And The British Sixties, detalhando o impacto significativo de Dylan em alguns dos ícones mais aclamados da Grã-Bretanha. Em seu estudo, Jones detalha como Dylan influenciou significativamente a dupla dos Beatles John Lennon e George Harrison, bem como o vocalista dos Rolling Stones, Mick Jagger. A influência de longo alcance de Dylan também teve um efeito proeminente em Pete Townshend, do The Who.

A influência de Dylan na composição de músicas na cultura popular britânica moderna durante a década de 1960 foi profunda e de longo alcance”, diz Jones, que tem vasta experiência em pesquisas na Coventry University.

Jones continua: “O efeito de sua influência foi sentido em três níveis principais: primeiro, na ampliação do leque de assuntos e temas que poderiam ser abordados nas letras da música popular; segundo, ao transmitir a noção de que as letras poderiam ter algo reflexivo e significativo a dizer sobre a sociedade contemporânea, as relações humanas ou mesmo as realidades existenciais da condição humana; e terceiro, na promoção de um modo de tratamento mais pessoal e emocionalmente direto”.

Jones também detalha como os Beatles, antes de serem influenciados por Dylan, escreveram predominantemente músicas sobre o tema “romance menino-garota”, mas mudaram depois de ouvir Dylan: “Na Grã-Bretanha, a influência das composições de Dylan foi particularmente evidente durante a década de 1960 no caso dos Beatles, e especialmente John Lennon e George Harrison”, acrescenta Jones.

Embora admitindo que as músicas escritas como “reflexões adicionais sobre aspectos da sociedade britânica contemporânea” ainda são predominantes na música de todas as bandas mencionadas, Jones acrescenta: referência a Ray Davies do The Kinks e acrescentou: “Quem provavelmente foi menos influenciado por Bob Dylan”.

O vocalista do The Who, Townshend, está de acordo com a análise de Jones, dizendo à Rolling Stone em 2012: “Dylan definitivamente criou um novo estilo de escrita. Dylan foi quem eu acho que transmitiu a mensagem aos Beatles, que você poderia escrever músicas sobre outros assuntos além de se apaixonar.”Foi algo que John Lennon, talvez acima de tudo, percebeu imediatamente. Ele rapidamente abandonou os tropos do rock de antigamente e concentrou suas expressões em músicas pop personalizadas”.

Quando comecei a trabalhar em ‘My Generation’, comecei a trabalhar em um híbrido de Mose Allison/Bob Dylan de uma música folk falante, sabe. 'As pessoas tentam nos colocar para baixo'", conta Townshend antes de acrescentar: "Isso é um pouco Mose e um pouco Dylan. Você pode pegar qualquer música dele e encontrar algo que seja pertinente aos dias de hoje.

Embora um olhar reflexivo sobre a influência de Dylan possa muitas vezes parecer óbvio, seu impacto significativo também foi sentido durante o auge da fama para todos os artistas mencionados. Durante a breve carreira de John Lennon, ele era um camaleão confesso na composição. Lennon, ao lado de seu parceiro Paul McCartney, escreveu algumas das músicas mais amadas dos Beatles. No entanto, uma seleção delas foi retirada do estilo de outro cantor, um certo Bob Dylan.

Em 1965, perguntaram a Lennon quais músicas dos Beatles ele mais gostava. Sua resposta revelou uma encruzilhada para sua carreira. “Uma que eu faço e que gosto é: ‘You’ve Got To Hide Your Love Away’, mas não é comercial.” Essa frase disse tudo. Os Beatles estavam dominando as paradas, mas com músicas que eram puro pop e sem muita gravidade. Foi algo que Lennon mudaria durante a carreira do Fab Four e uma música que viu o início desse movimento foi a "Help!" de 1965! cortar 'You’ve Got To Hide Your Love Away'.

A música atuou como uma ponte para longe da forragem pop que Lennon-McCartney se tornou tão hábil em escrever e, em vez disso, em direção a um som mais reflexivo e expressivo. Em 1971, Lennon descreveu sucintamente a faixa: "É uma daquelas que você meio que canta um pouco triste para si mesmo, 'Aqui estou / cabeça na mão'. Comecei a pensar sobre minhas próprias emoções".

Foi um momento decisivo para Lennon e a banda, embora não esteja claro quando a decisão foi tomada. Lennon continua: “Eu não sei exatamente quando começou, como ‘I’m A Loser’ ou ‘Hide Your Love Away’, ou esse tipo de coisa. Em vez de me projetar em uma situação, eu apenas tentaria expressar o que eu sentia sobre mim mesmo que eu já o tivesse feito em meus livros.

No entanto, houve um homem que a banda conheceu no ano anterior que pode ter ajudado na decisão de abordar as músicas de maneira diferente. “Acho que foi Dylan que me ajudou a perceber isso”, continuou o Beatle de óculos. “Eu tinha uma atitude de compositor profissional ao escrever músicas pop, mas para me expressar eu escrevia ‘Spaniard In The Works’ ou ‘In His Own Write’ – as histórias pessoais que expressavam minhas emoções pessoais.

Embora a faixa certamente tenha seu próprio mérito, é difícil não ouvir a influência de Bob Dylan. O grupo conheceu o artista em 64 e na época de "Help!" e certamente estavam trabalhando para uma nova estrutura. Como Lennon descreve a música em sua entrevista para a Playboy de 1980: “Esse sou eu no meu período Dylan novamente. Eu sou como um camaleão… influenciado por tudo o que está acontecendo. Se Elvis pode fazê-lo, eu posso fazê-lo. Se os Everly Brothers podem fazer isso, eu e Paul podemos. O mesmo com Dylan.

Em 1984, McCartney ficou feliz em confirmar isso também, dando um passo adiante para sugerir que Lennon estava tentando imitar Bob. “Aquele era John fazendo um Dylan… fortemente influenciado por Bob. Se você ouvir, ele está cantando como Bob.

Via FAR OUT.

domingo, 26 de junho de 2022

Lemmy Kilmister, fundador do Motörhead, é homenageado oficialmente durante o Hellfest 2022

Homenagem acontece seis anos após a morte de Lemmy no final de dezembro de 2015.

A cerimônia de homenagem ao lendário músico acontecera no dia 23 de junho último, durante o festival em Clisson, na França; começando após o The Scorpions concluir sua apresentação. Os membros do Motorhead, Phil Campbell e Mikkey Dee estiveram presentes e falaram algumas palavras sobre seu amigo e colega de banda, antes de um vídeo em homenagem ao artista ser tocado e os colegas de banda fazerem um brinde em sua homenagem.

A peça central da cerimônia é a nova e enorme estátua que foi feita dele. Consagrado dentro da estátua estará uma porção das próprias cinzas de Lemmy. Também presente na cerimônia, uma réplica da urna que guarda as cinzas de Lemmy no Forest Cemetery Hall, em Hollywood. A estátua permanente no local permitirá que os fãs em cada edição futura do Hellfest prestem homenagem ao renomado e saudoso artista.

Veja uma foto da estátua abaixo.


Os fãs de Lemmy foram convidados a prestar suas próprias homenagens ao artista nas mídias sociais sob a hashtag #LemmyLivesAtHellfest.

Membros do Pantera, Exodus e outros artistas se uniram recentemente para oferecer um cover de “Ace of Spades” do Motorhead.

sexta-feira, 24 de junho de 2022

Stevie Nicks e Chris Isaak lançam 'Cotton Candy Land', canção da trilha sonora da cinebiografia 'Elvis'

Stevie Nicks lançou um cover de "Cotton Candy Land", que aparece na cena de abertura de "Elvis", a nova cinebiografia que narra a ascensão de Elvis Presley à fama. Ela se juntou na faixa ao cantor e compositor Chris Isaak.

Christine McVie lança sua compilação "Songbird (A Solo Collection)"; ouça.

"Cotton Candy Land" foi escrito por Ruth Batchelor e Bob Roberts, e foi gravado por Presley em 1962. Ele foi apoiado pelo Mellomen, um quarteto vocal que também apoiou estrelas populares como Rosemary Clooney, Bing Crosby, Doris Day e Peggy Lee. A versão de Presley da música apareceu no filme de 1963, "It Happened at the World's Fair", no qual ele interpretou um piloto de pulverização de colheitas.

Nicks é um dos vários artistas que contribuem para a trilha sonora de Elvis. Jack White, Eminem, Tame Impala e Kacey Musgraves estão no álbum, enquanto Yola (como Sister Rosetta Tharpe) e Gary Clark Jr. (como Arthur Crudup) aparecem no filme.

"Elvis", estrelado por Austin Butler como o Rei, chegará no dia 14 de julho próximo, a caminho de grandes números de bilheteria. "Por todas as contas, Austin Butler recarregou a vida [de] Elvis Presley", postou a ex-esposa de Presley, Priscilla, nas redes sociais. "Não que isso tenha nos deixado, mas, eu sinto, dará à nossa geração mais jovem um gostinho de por que Elvis ainda é o rei do [rock 'n' roll], amado e sempre será."

Nicks está atualmente em uma turnê solo e está programada para se apresentar em vários festivais em setembro.

Via UCR.

Ouça 'Cotton Candy Land' no player abaixo: 


Confira o trailer do filme:

terça-feira, 7 de junho de 2022

The Who: Pete Townshend "explode" com pedido de fã em show

Pete Townshend, do The Who mordeu e assoprou em uma interação com um pedido de fã durante um show em Tampa recentemente. Depois de atacar um membro da plateia por gritar um pedido, Townshend então perguntou a Roger Daltrey qual música ele queria tocar apenas para o cantor concordar com o fã e fazer Townshend ser forçado a recuar.

Configurando a interação, o set do The Who teve uma breve interrupção enquanto os problemas técnicos ocorriam. Depois de alguns momentos para que tudo voltasse a funcionar, o The Who parecia pronto para retomar o show, mas teve um momento de incerteza sobre o que viria a seguir no set. Foi quando um fã na multidão gritou seu pedido de "Naked Eye".

O guitarrista olhou para a plateia, respondendo: "Apenas cale a boca. Apenas cale a boca com a porra do Naked Eye, certo? Nós não fazemos pedidos." Ele então suavizou um pouco o tom, acrescentando: “Por mais que eu te veja e te ame, você pagou pela porra da minha Ferrari, tenho certeza”.

Nesse ponto, Townshend parecia pronto para voltar ao fluxo do show, virando-se para Daltrey e perguntando o que ele gostaria de tocar, oferecendo: "Qualquer coisa que você quiser". E você adivinhou, Daltrey respondeu com humor: "Naked Eye".

"Você vai me fazer tocar 'Naked Eye' depois de tudo isso?" Townshend respondeu, enquanto Daltrey apenas sorria. Mas a sorte já estava lançada quando um ajudante de palco saiu com um violão para que os dois músicos pudessem liderar a performance acústica da faixa.

Para aqueles que não estão familiarizados com o extenso catálogo musical da banda, a faixa apareceu inicialmente em "Odds and Sods", de 1974, que era uma coleção de outtakes de estúdio e raridades. Embora tenha aparecido pela primeira vez em um álbum de estúdio em 1974, a faixa já existia há vários anos, aparecendo pela primeira vez durante a turnê de 1970.

Embora inicialmente irritado com o pedido dos fãs, Townshend parecia encontrar o humor na situação, pois no final da apresentação, ele também estava sorrindo. Assista a imagens de fãs do discurso e da performance abaixo.

O The Who está atualmente num intervalo da turnê, enquanto Roger Daltrey faz alguns shows solo no Reino Unido neste verão. Mas a banda estará de volta à ação nos EUA e Canadá em outubro para a próxima etapa da turnê "The Who Hits Back". Obtenha informações sobre ingressos aqui.

Via LOUDWIRE.

quinta-feira, 23 de maio de 2019

The Who: "Tommy", o álbum que trouxe a primeira ópera-rock da história


Pete Townshend sempre foi obcecado por histórias, não apenas músicas. Em meados dos anos 60, havia poucos compositores que estavam mais interessados ​​do que o guitarrista do The Who na elaboração de canções que relatavam um conto ou pintavam um retrato de personagem. Ouça aqueles primeiros singles e cortes de álbuns; muitos deles são simples, histórias de dois e meio minutos - "A Legal Matter", "Pictures of Lily", "Tattoo" e (mais importante) "I’m a Boy".

Quando a ideia de uma "ópera rock" era apenas um lampejo no olhar de Pete, ele teve a ideia de uma peça musical maior chamada "Quads", que foi ambientada em um futuro quando os pais podiam selecionar os gêneros de seus filhos. O principal conflito da história (e o que está no coração de "I'm a Boy") é que um casal recebe um menino em vez da garota que eles pediram, mas fazem o melhor que podem com a criança indesejada. O projeto maior nunca foi completado - e pode não ter sido realmente tentado - mas resultou em uma grande fatia de power pop para o Who e um hit Nº2 no Reino Unido em 1966.

Townshend continuou a pensar em histórias musicais que poderiam se expandir além de um single de rádio de sucesso rápido. Quando material extra foi necessário para o segundo LP de sua banda em 1966, ele escreveu o clipe de seis partes, nove minutos, "A Quick One, While He’s Away" - o precursor mais significativo da história do álbum "Tommy". Um ano depois, o Who lançou, sem dúvida, o melhor álbum conceitual da década. O "Who Sell Out" não vincula músicas por assunto, mas sim pela ideia de uma transmissão de rádio pirata completa com anúncios falsos e patéticos.

Como o Who estava criando uma presença global maior para si com o avanço americano de "I Can See for Miles" e a performance eletrizante da banda no Monterey International Pop Festival, as ambições de Townshend continuaram a crescer. Em sua autobiografia, Who I Am, Pete discutiu a tempestade perfeita que levou à criação da ópera rock Tommy, que foi lançada em 23 de maio de 1969.

Por um lado, o álbum estava se tornando mais importante do que o single no rock and roll (graças a bandas como os Beatles, os Beach Boys e, sim, o Who). Townshend queria fazer algo para capitalizar totalmente o álbum como uma forma de arte contínua ... mais ainda do que o Sell Out. Ele também queria alcançar novos públicos, aqueles que não estavam particularmente interessados ​​nas explosões de "Maximum R & B" do Who, e pessoas que ele achava que se interessariam por uma peça musical mais longa.

Ele se esforçou para abordar temas da espiritualidade na música pop. Como alguém que recentemente se tornara um seguidor dos ensinamentos do líder espiritual indiano Meher Baba, Townshend estava procurando uma saída para explorar o que estava aprendendo. Ele sentiu que os fãs de rock estariam dispostos a encontrar as mesmas respostas que ele estava procurando. Tommy seria dedicado a Baba, que morreu meses antes do lançamento do álbum.

Townshend brincou dizendo que, no período que antecedeu Tommy, ele falaria sobre a noção de uma ópera rock para quem quisesse ouvir. Isso incluiu o fundador da revista Rolling Stone, Jann Wenner, que conversou longamente com o guitarrista no verão de 1968 sobre o próximo projeto do Who. "O personagem será chamado de surdo, mudo e cego", disse ele. "É uma história sobre um garoto que nasceu surdo, mudo e cego e o que acontece com ele durante toda a vida. O menino surdo, mudo e cego é tocado pelo Who, a entidade musical ... Mas o que é realmente tudo isso é o fato de que, porque o menino é surdo, mudo e cego, ele está vendo coisas basicamente como vibrações que traduzimos como música. Isso é realmente o que queremos fazer: criar esse sentimento de que quando você ouve a música, você pode realmente se tornar consciente do garoto, e ciente do que ele é, porque nós o estamos criando enquanto tocamos”.

Como Townshend explorou sua espiritualidade recém descoberta e excursionou extensivamente com o Who, ele começou a juntar pedaços da história de Tommy. "Sensation" foi baseado em uma atração sexual que ele teve por um companheiro seguidor de Baba na Austrália. "Sally Simpson" veio de uma experiência feia na estrada. Outras músicas vieram de lugares profundamente pessoais na memória de Townshend. Ele produziu algumas músicas para o baixista John Entwistle, ambos envolvendo o abuso violento e sexual do protagonista do álbum. Pete disse mais tarde que ele havia sido abusado quando menino. Como ele não queria lidar com esse aspecto de seu passado na época, ele subconscientemente deixou essas músicas para John escrever, que escreveu "Cousin Kevin" e "Fiddle About" de uma maneira bem humorada.

Via UCR


Tracklist:

"Overture"
"It's A Boy"
"1921"
"Amazing Journey"
"Sparks"
"Eyesight To The Blind (The Hawker)"
"Christmas"
"Cousin Kevin"
"The Acid Queen"
"Underture"
"Do You Think It's Alright?"
"Fiddle About"
"Pinball Wizard"
"There's A Doctor"
"Go To The Mirror"
"Tommy Can You Hear Me?"
"Smash The Mirror"
"Sensation"
"Miracle Cure"
"Sally Simpson"
"I'm Free"
"Welcome"
"Tommy's Holiday Camp"
"We're Not Gonna Take It"

sábado, 18 de agosto de 2018

The Who: "Who Are You", um álbum ofuscado pela morte precoce de Moon


Como um dos maiores catalisadores do Zeitgeist de seu tempo, Pete Townshend ecoou a pergunta que todos nos fazemos após uma noite de excessos. Por isso a faixa-título do álbum que hoje completa 40 anos é conhecida como a maior música no estilo 'Jesus Cristo! Que ressaca...o que aconteceu ontem à noite?' do The Who.

Após um dia inteiro tentando se safar de um mau acordo de direitos autorais forjado por seus antigos empresários, Chris Stamp e Kit Lambert, Townshend agora se via na iminência de sair-se com algo ainda pior, pois a reunião em questão fora intermediada pelo notoriamente inescrupuloso advogado Allan Klein (os Beatles que o digam!).

No fim do dia, Pete esbarraria em Steve Jones e Paul Cook, do Sex Pistols, no clube londrino Speakeasy, encetando, entre incontáveis garrafas, a resposta do Who ao Punk Rock, ritmo para o qual Townshend sentia estar perdendo seus poderes de oráculo de uma geração.

Ironicamente, contudo, o lema de My Generation ainda parecia ecoar com tanta força que levou Keith Moon a segui-lo à risca, pois no mês seguinte, inconscientemente ou não, o baterista mais selvagem da história do rock decidiu que deveria 'morrer antes de ficar velho (Moon tinha 32 anos, então)'.

Apesar do sucesso do álbum, que alcançou o 2º lugar nas paradas americanas, toda repercussão seria ofuscada pela notícia da morte precoce de Moon, ocasionada por uma overdose de sedativos.

The Who - Roger Daltrey: "cantar “Won't Get Fooled Again” me deixa entediado"

Tracklist:

LP

"New Song" (Townshend) - 4:13
"Had Enough" (Townshend) - 4:27
"905" (Entwistle) - 4:02
"Sister Disco" (Townshend) - 4:22
"Music Must Change" (Townshend) - 4:38
"Trick Of The Light" (Entwistle) - 4:45
"Guitar And Pen" (Townshend) - 5:56
"Love Is Coming Down" (Townshend) - 4:04
"Who Are You" (Townshend) - 6:16

CD
Remasterizado, lançado em 19 de novembro de 1996, trouxe cinco faixas de bônus:

"No Road Romance" (Townshend) - 5:10
"Empty Glass" (Townshend) - 6:23
"Guitar And Pen [Olympic '78 Mix]" (Townshend) - 5:58
"Love Is Coming Down [Work-In-Progress Mix]" (Townshend) 4:06
"Who Are You [Lost Verse Mix]" (Townshend) - 6:18

A Banda:

Roger Daltrey: Vocais
Pete Townshend: Guitarra, piano, sintetizador, vocais
John Entwistle: Baixo, sintetizador, vocais
Keith Moon: Bateria e percussão
Andy Fairweather-Low: Vocal de apoio
Rod Argent: Sintetizador e piano

Ted Astley: Arranjos de cordas

Pelo confrade Renato Azambuja