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quarta-feira, 28 de setembro de 2022

Black Sabbath: "Neve Say Die!" - o derradeiro álbum da formação original

Se alguma vez um título de álbum foi provado falso, foi este. Após a demissão de Ozzy Osbourne em 1979, "Never Say Die!" acabou sendo o último álbum de estúdio feito pelo Black Sabbath original. E assim permanece, dada a ausência de Bill Ward no álbum de retorno da banda, "13".

Tendo saído brevemente do Sabbath em 1977, Ozzy admitiu que estava bastante desgastado durante a gravação de "Never Say Die!". "Todo mundo estava fodido", disse ele. "Mas não importa o quão fodido eu estivesse, eu ainda acordava cedo de manhã porque sempre tive esse distúrbio do sono, sempre me fodendo.

O resto do Sabbath acordava tarde porque eles estavam usando suas drogas, ou o que quer que fosse, a noite toda. Eles apareciam e tocavam, mas naquela época eu perdi a faísca, você sabe ? Até hoje não sei os detalhes, mas presumo e provavelmente estou errado, que Tony me queria fora da banda."

Mas mesmo carregando seu cantor, o Sabbath ainda produziu flashes de brilho na explosiva faixa-título do álbum, o boogie "A Hard Road", e a bela e influenciada pelo jazz "Air Dance", com Don Airey (Rainbow/Deep Purple) no piano. E em meio a todo o trauma, "Never Say Die!" pode ser um dos álbuns mais subestimados do Sabbath.

Via LOUDERSOUND.

segunda-feira, 26 de setembro de 2022

"Dio: Dreamers Never Die" é o documentário que Ronnie James Dio merece

Iluminado, engraçado e ocasionalmente brutalmente honesto, fime é um retrato perspicaz de uma das figuras mais amadas do metal.

Que Ronnie James Dio continua sendo um dos maiores vocalistas de rock e metal de todos os tempos é incontestável, uma verdade objetiva em uma forma de arte definida por gostos extremamente subjetivos. O motivo pelo qual ele é tão considerado é o foco de "Dio: Dreamers Never Die", o novo documentário autorizado que examina a vida de Dio desde seus dias de infância no interior de Nova York, passando por suas icônicas reviravoltas em Rainbow, Black Sabbath e Dio, até sua morte em 2010. Por vezes, familiar, esclarecedor e até engraçado (como o relato do fotógrafo Gene Kirkland de como foi tirar a foto da banda para o álbum "Holy Diver"), "Dreamers Never Die" é um passeio bem ritmado e envolvente do início ao fim .

À medida que uma linha do tempo linear percorre a vida de Dio, um panteão de luminares, incluindo Rob Halford, Tony Iommi, Geezer Butler, Jack Black, Glenn Hughes e a esposa e gerente de Dio, Wendy, pesam com anedotas e insights coloridos, na grande tradição do rock arquetípico.

Amplas imagens de arquivo do próprio Dio revelam um homem tão obstinadamente ligado à sua visão artística que perdeu empregos no Rainbow e no Sabbath em vez de chegar a um acordo com vários colegas de banda. Em última análise, a formação e ascendência de Dio, sua banda solo, validaria que seu som, seus temas e sua personalidade de palco de demônios e magos, tocando chifres, atingiria um acorde ressonante entre os fãs de rock que buscavam uma marca de música que emocionasse e empoderasse ao mesmo tempo.

Felizmente, nem tudo é um elogio servil. Uma cena assustadora com Don Dokken mostra o perfeccionismo inflexível de Dio e seu lado sarcástico, de uma maneira totalmente pouco lisonjeira. Em última análise, no entanto, esta é uma produção autorizada e a lenda duradoura de Dio está bem preservada. Na verdade, Ronnie James Dio realmente era um cara amigável e acessível que sempre arrumava tempo para seus fãs. Mas ele também era um artista complicado, de força de vontade e altamente introspectivo com medidas saudáveis ​​de orgulho e ambição, todas as quais aparecem mais brilhantemente através dos comentários de seus ex-colegas de banda; por exemplo, o baterista Vinny Appice lançando fitas antigas das primeiras jam sessions de Dio e revelando que "Rainbow In The Dark" quase foi pro lixo, porque Dio odiou muito depois do primeiro take.

O tratamento do filme sobre os últimos dias de Dio, contado principalmente por Wendy, é difícil, particularmente a história de sua última sessão de estúdio, onde ele gravou uma impressionante versão solo de "This Is Your Life". E sim, as origens dos chifres do diabo são cobertas com os devidos detalhes, com o próprio Dio explicando que eles foram inspirados por Ozzy Osbourne, a quem Dio substituiu no Black Sabbath, jogando o sinal da paz no palco.

A marca registrada de um documentário convincente é sua capacidade de informar e entreter não apenas aqueles familiarizados com o assunto, mas, mais importante, os não iniciados. A este respeito, "Dio: Dreamers Never Die" bate fora do parque com um retrato ricamente matizado e perspicaz de uma das figuras mais amadas do metal. Visualização essencial.

"Dio: Dreamers Never Die" chegará aos cinemas de todo o mundo a partir de 28 de setembro.

Via Metal Hammer.

domingo, 25 de setembro de 2022

Black Sabbath: os 50 anos do álbum "Vol.4"

Vindo do vasto deserto industrial de Birmingham (a Detroit do Reino Unido), o Black Sabbath lançou sua estreia auto-intitulada em 1970 e mostrou ao mundo como o rock and roll pode ser macabro e ainda soar estelar. Eles provaram ser o terceiro e último elo ao lado de Led Zeppelin e Deep Purple como as três principais bandas que iniciaram o ataque do heavy metal. Depois disso, eles fariam "Paranoid" e "Master of Reality" com grande sucesso. Mas em 1972, como todos os quatro membros estavam no meio do excesso de narcóticos, eles se retiraram para Los Angeles para gravar o "Vol. 4" depois de três anos seguidos de turnês e festas. O álbum em si custou US$ 65.000 para ser gravado quando, na verdade, eles gastaram US$ 75.000 em cocaína durante toda a sessão de gravação, a droga preferida neste momento de sua carreira. A capa do álbum ainda afirma: “Desejamos agradecer à grande COKE-Cola Company de Los Angles”. Mas o resultado final seria uma marca registrada para muitas bandas de hard rock que apareceriam nos próximos 30 anos e serviriam como protótipo para o stoner-metal. Entendi, gente. Se não fosse o "Vol. 4", não haveria Kyuss.

"Vol. 4" é acelerado quando “Wheels of Confusion/The Straighter” se transforma em oito minutos de caos progressivos cheios de riffs. Sendo uma das introduções mais soberbas para um álbum, a música contém o lendário guitarrista Tony Iommi tocando em um modo de boogie completo enquanto o baterista Bill Ward exibia seus colapsos de jazz ao estilo de Gene Krupa. O álbum gira em seu perímetro mais melódico e astuto com precisão absoluta graças à cadência do baixo fuzzed de Geezer Butler em “Tomorrow’s Dream”.

Ao longo dos anos 80 e início dos anos 90, no auge de sua carreira solo, o vocalista Ozzy Osbourne fez muito sucesso com uma série de baladas neoclássicas como "Mama I'm Coming Home", "No More Tears” e o dueto com Lita Ford, “Close My Eyes Forever”. Mas antes de tudo isso, ele ficou com os pés molhados no "Vol. 4" com as muito fervorosas “Changes”. Ozzy mais tarde cantaria em um dueto da mesma música 31 anos depois com sua filha Kelly, que alcançou o primeiro lugar nas paradas de singles do Reino Unido em dezembro de 2003. Como o Led Zeppelin estava prestes a lançar "Houses of the Holy" no ano seguinte, influência de os ganchos acústicos folclóricos de “Laguna Sunrise” sem dúvida tinham passado para “Over the Hills and Far Away”.

Uma das muitas características que tornam o "Vol. 4" tão incrível é o efeito cascata que causou para dar o pontapé inicial em alguns subgêneros do metal. “FX” é um minuto e meio de lamentação assustadora que salta para o tumulto da raiva na estrada de “Supernaut”, onde Bill Ward bate seus címbalos de bateria como um agiota faz com um caloteiro. Essa música por si só seria um estêncil para bandas como Motorhead e até certo ponto, Queens of the Stone Age, com sua mistura de riffs esticados e o chocalho do chocalho. Como a homenagem à cocaína “Snowblind” (que seria o título original do álbum) e “St. Vitus Dance” brilharam no mundo, Ozzy e companhia lançaram a primeira pedra para o que se tornaria o boom underground da cena doom metal no início do século 21 com a eclosão de bandas como High on Fire, Mastodon e Probot.

"Vol. 4" marcou oficialmente o início do fim do Black Sabbath, pois eles teriam apenas mais dois álbuns estelares na forma de "Sabbath Bloody Sabbath" e "Sabotage" antes que todos os membros sucumbissem aos seus vícios de drogas e egos enormes. O "Vol.4" mostra claramente os dias de glória do Sabbath enquanto eles estavam no auge antes que a formação original fosse dissolvida apenas seis anos depois.

Via TREBLE.

terça-feira, 20 de setembro de 2022

Ozzy Osbourne: o icônico álbum de estreia "Blizzard of Ozz"

Debut da carreira solo do Madman impressionou e o recolocou no auge.

Ozzy Osbourne é justamente uma das figuras mais queridas do rock; sem ele, a vida seria muito menos agradável. Um dos frontmen mais coloridos da história do rock, seu estilo icônico de entrega vocal carregava os sons pulsantes das lendas de West Midlands, Black Sabbath, de seus estágios primitivos como Earth até seus pioneiros discos de metal, como "Paranoid" e "Master of Reality".

A entrega vocal de outro mundo de Osbourne permitiu que a banda imbuísse seu trabalho com a negritude que pegou o mundo desprevenido, com seu lamento combinando com as letras góticas de Geezer Butler em sua estreia homônima em 1970. Seu trabalho estabeleceu um precedente para o que estava por vir, com quase todos os dos vários subgêneros do metal devido muito a Osbourne e ao Black Sabbath original, o baixista e letrista Butler, o guitarrista Tony Iommi e o baterista Bill Ward.

Apesar do quarteto Brummie ter feito muitos avanços em sua carreira, seu hedonismo e dedicação ao inferno fariam as relações interpessoais na banda se tornarem tão tensas que em 1979, Osbourne foi demitido. No entanto, exibindo seu talento indiscutível e natureza incrivelmente corajosa, ele formou outra roupa, que o faria realmente consolidar seu status como 'O Príncipe das Trevas'.

Chamado de The Blizzard of Ozz, o novo grupo era formado pelo ex-guitarrista do Quiet, Riot Randy Rhoads, o baixista e letrista Bob Daisley do Rainbow, o tecladista Don Airey, também do Rainbow, e o baterista Lee Kerslake do Uriah Heep.

Em 1980, eles lançaram seu álbum de estreia homônimo, que apresentava faixas como 'Crazy Train' e 'Mr. Crowley', e confirmou a todos que Osbourne e Rhoads formaram uma das parcerias criativas mais poderosas da época, tornando a morte prematura do guitarrista em 1982 um pouco mais difícil de suportar. No final da década, e com uma série de escapadas insanas em seu nome, Osbourne foi cimentado como um dos maiores de todos os tempos e um dos personagens mais célebres do rock 'n' roll.

Hoje em dia, a música assumiu um papel mais secundário para Osbourne, já que ele não é mais o frango da primavera que já foi, com sua prolongada batalha com sua saúde um fator determinante nisso. No entanto, isso não o impediu de ser um dos sábios residentes da música, e seus pensamentos sobre a forma são tão preciosos quanto qualquer um de seus contemporâneos sobreviventes.

Via FAR OUT.

sexta-feira, 16 de setembro de 2022

Pink Floyd lança, enfim, a versão remixada de "Animals"; ouça

Discordâncias entre Gilmour e Waters atrasaram o lançamento, antes previsto para 2018.

Os processos, os insultos nas entrevistas, as manchetes com citações furiosas sobre todos os assuntos do Pink Floyd, tem sido deprimente assistir Roger Waters e David Gilmour, o ex-yin-yang de uma grande banda de rock de todos os tempos, constantemente brigando em público.

Parte disso é a adoração dos fãs falando. Quem não preferiria a noção de conto de fadas de que todos os ex-colegas de banda continuam amigos, preservando o legado acima de tudo? Mas, neste caso, também é uma preocupação prática: um “novo” remix de "Animals", LP de 1977 da banda, foi finalizado em 2018, mas disputas no encarte (sim, sério) contribuíram para o grande atraso do projeto. (Entenda melhor as desavenças lendo a matéria no link abaixo) 

Pink Floyd supera brigas e enfim anuncia reedição de 'Animals'.

Ironicamente,  "Animals" original ofereceu o último sabor de seu equilíbrio criativo. Claro, você poderia ter um bom argumento para o sucessor de 1979, "The Wall", um álbum conceitual quase inteiramente liderado por Waters, como a obra-prima do Pink Floyd. Mas "Animals", pelo menos sonoramente, destacou o espírito da velha escola que definiu o pico dos anos 70.

Para não dizer que a vibe era totalmente democrática. Gilmour (guitarra e vocais) e Richard Wright (teclados), que fizeram contribuições significativas para "The Dark Side of the Moon" e "Wish You Were Here", estavam menos envolvidos desta vez: entre os dois, eles conseguiram apenas um co- escrever (Gilmour nos 17 minutos "Dogs"). Ainda assim, ao contrário de "The Wall", que muitas vezes soa como Waters com apoio de elite, "Animals" é muitas vezes mais sobre atmosfera e humor do que composição convencional de qualquer maneira, o conceito lírico de Waters, comparando falhas humanas ao comportamento animal, cria uma escuridão subjacente sobre a qual os músicos constroem.

Gilmour nunca tocou com tanta agressividade nua, desde o talk-box corajoso e o baixo funky de "Pigs (Three Different Ones)" até seu dedilhar acústico sincopado e solos harmonizados em "Dogs". Wright, embora nunca tão assertivo quanto em "Wish You Were Here", ainda é um mestre da textura: sua brilhante introdução de piano elétrico para "Sheep" é crucial para essa faixa, criando uma sensação de introspecção jazzística que é gradualmente desenraizada e subvertida ao longo de mais de 10 anos.

Em “Animals” o Pink Floyd mostra o prog rock numa atmosfera punk.

O remix de James Guthrie não oferece grandes revelações em "Animals", como a maioria dos álbuns do Floyd do período intermediário, já era perfeito em um nível de fidelidade. As alterações aqui são interessantes, mas sutis, modernizando o som um pouco: bateria mais forte e efeitos vocais mais proeminentes em "Pigs (Three Different Ones)", uma dissolução mais pronunciada do vocal gritado de Waters no sintetizador rodopiante durante os versos de "Sheep." (Uma escolha estranha: o pequeno e saboroso riff de baixo aos 4:25 em "Dogs" soa visivelmente mais silencioso.)

Os fãs provavelmente discutirão os méritos de uma versão sobre a outra. Justo, realmente, não seria um projeto do Pink Floyd sem um pouco de drama.

Via UCR.

Ouça via Spotify no player abaixo ou clique AQUI para outras plataformas.

Tracklist:

Pigs on the Wing (Part One)

Dogs

Pigs (Three Different Ones)

Sheep

Pigs on the Wing (Part Two).

terça-feira, 13 de setembro de 2022

Yes: o lindo álbum "Close to the Edge"

"Close to the Edge", o quinto álbum de estúdio do Yes e possivelmente a obra-prima que define o rock progressivo,– foi originalmente lançado em 13 de setembro de 1972. Apesar de sua idade, a música em si permanece atemporal.

Embora tenham continuado a produzir música bonita, desafiadora e influente ao longo das décadas que se seguiram, esses britânicos com visão de futuro estabeleceram um precedente intocável durante esse período fértil, como "Close to the Edge" deixa mais do que evidente.

O maior motivo é a química visceral entre os músicos. O quinteto formado pelo vocalista e letrista Jon Anderson, o guitarrista Steve Howe, o baixista Chris Squire, o tecladista Rick Wakeman e o percussionista Bill Bruford fizeram apenas dois álbuns juntos: após um processo de mixagem especialmente árduo, Bruford saiu da banda para se juntar ao grupo liderado por Robert Fripp, King Crimson.

Mas de certa forma, eles disseram tudo o que precisavam dizer neste álbum. A combinação das letras psicodélicas e de olhos arregalados de Anderson e melodias vocais de hinos se encaixam perfeitamente com algumas das passagens instrumentais mais ferozes e intrincadas da história do rock. Essas passagens vieram como cortesia da finesse jazz-fusion de Bruford, da elegância tingida de clássico de Wakeman, do ecletismo de aranha de Howe e do baque surdo e musculoso de Squire.

Outra razão pela qual este álbum continua sendo uma pedra de toque é que ele nunca cai nas palhaçadas ou exibicionismo que atormentaram tantos álbuns de rock progressivo durante o auge do gênero. Em vez disso, "Close to the Edge" (particularmente a suíte-título de quatro partes e 18 minutos) é incrivelmente matizada, composta com um fluxo e economia tão magistral que cada solo, letra ou riff parece conectado de uma maneira cósmica e abrangente. Mesmo em sua forma mais complexa (a seção enganosamente complicada "Total Mass Retain"), as ideias mais simples brilham. O tema sublime da guitarra de Howe (que percorre toda a faixa-título) é um dos mais elegantes do canhão prog.

Mas enquanto "Close to the Edge" pode ser o destaque inevitável do álbum, duas outras faixas excelentes completam o disco: "And You And I" é um mini-épico, utilizando o trabalho de 12 cordas mais melódico e emocional de Howe e um arrepiante vocal principal de Anderson, enquanto "Siberian Khatru" fecha as festividades com um treino instrumental que mistura riffs de banda completa com interação estilo jazz-fusion, colocando o órgão borbulhante de Wakeman contra os solos ascendentes de Howe (co-arranjado por Bruford, em um exemplo clássico da banda escrevendo para os instrumentos uns dos outros).

Do ponto de vista lírico (e pessoal), Anderson estava cada vez mais interessado em explorar seu lado espiritual. Em particular, ele foi influenciado pelo romance Siddhartha, de Herman Hesse, no qual um homem indiano vivo na época de Buda experimenta um despertar interior através da natureza. Esses temas explodiriam em uma fascinante indulgência no álbum seguinte da banda, o frequentemente insultado (e amplamente subestimado) "Tales from Topographic Oceans", de 1973. Em "Close to the Edge", as visões espirituais e drogadas de Anderson atingiram o pico em clareza.

"Jon tiraria as coisas do sentido pessoal e autobiográfico e as colocaria em um sentido mundano", observa Howe no encarte do relançamento do álbum em 2003. "São todas as metáforas", Anderson disse mais tarde ao Sea of ​​Tranquility. "Foi quando eu passei por um período muito forte de apenas esboçar e escrever o que quer que eu cantasse como sendo um estado de consciência.

"Eu fumava um baseado e me divertia e escrevia: 'Uma bruxa experiente pode ligar para você das profundezas de sua desgraça / E reorganizar seu fígado para a graça mental sólida', e eu sei exatamente o que isso significa", acrescentou Anderson. "'Uma bruxa experiente pode chamá-lo das profundezas de sua desgraça' - Seu eu superior pode chamá-lo das profundezas de seus sentimentos vergonhosos, suas dúvidas. 'E rearranje seu fígado' - você pode reorganizar seu corpo para um 'sólido mental. graça.' O fígado é uma parte muito poderosa do corpo, por isso pode reorganizar o seu eu físico para um estado mental mais elevado.

"Perto da borda, na esquina", continua Anderson, "eu estava lendo Sidarta. Então tudo significa algo para mim. E as pessoas podem dizer o que quiserem. Não me importo, porque sei que o que eu estava dizendo era o que eu estava pensando, o que eu estava sonhando."

Na mesma entrevista, Anderson expande os temas espirituais do álbum. "Quando eu estava escrevendo 'Close to the Edge' com Steve [Howe], eu estava lendo muito sobre espiritualidade e como ela se estende por todo o mundo. Há uma conexão, como todos os rios levam ao mesmo oceano, então pensei: você sabe, 'Perto da borda, perto do rio.' E é tipo, as pessoas dizem que 'Close to the Edge' é sobre desastre', mas não, é sobre realização! Estamos nesta jornada, e a única razão pela qual vivemos é encontrar o divino. Encontrar Deus a partir de dentro."

As missões espirituais de Yes colheriam muitas outras recompensas ao longo dos anos. Mas do ponto de vista musical, eles realmente "encontraram Deus" em Close to the Edge, estabelecendo um precedente impressionante para o domínio do rock progressivo que nenhuma outra banda (inclusive Yes) conseguiu alcançar desde então.

Via UCR.

quarta-feira, 31 de agosto de 2022

"Goats Head Soup": os Rolling Stones vão além do rock com nova receita

"Goats Head Soup" dos Rolling Stones teve seu lançamento como seu 11º álbum de estúdio no Reino Unido em 31 de agosto de 1973. Quarenta e sete anos depois, voltou a rodar em edições de luxo e multiformato que, notavelmente, o levaram de volta ao primeiro lugar em o Reino Unido. Como Mick Jagger disse na época de seu primeiro lançamento: “Eu realmente me sinto próximo a este álbum, e realmente coloquei tudo o que tinha nele... acho que parece que eu gosto mais de suas músicas.Não foi tão vago quanto o último álbum, que durou tanto tempo que eu não gostei de algumas coisas”, frisou ele, em uma referência depreciativa a "Exile On Main St." Foi gravado em todo o lugar durante cerca de dois ou três meses. As faixas são muito mais variadas do que a última. Eu não queria que fosse apenas um monte de músicas de rock.

"Goats Head Soup" foi gravado entre novembro de 1972 e julho de 1973 no Dynamic Sound Studios, Kingston, Jamaica; Gravadores da Vila, Los Angeles; Olympic Studios e Island Studios em Londres. Tornou-se o quinto álbum número 1 consecutivo da banda na Grã-Bretanha em 22 de setembro e o terceiro na América.

No topo das paradas americanas por quatro semanas, o LP refletiu o desempenho de "Exile On Main St." e "Sticky Fingers". Em 2020, tornou-se seu 13º álbum mais vendido e fez dos Stones a primeira banda a liderar as listas de músicos longos em seis décadas diferentes.

O novo lançamento de 1973 tinha um ingrediente não tão secreto que tornou a perspectiva do novo álbum ainda mais convidativa para os milhões de fãs dos Stones. Quando o LP estreou, a balada matadora “Angie”, com seu arranjo de cordas de Nick Harrison e piano igualmente elegante de Nicky Hopkins, estava passando uma segunda semana em seu pico de número 5 no Reino Unido. Faltava uma semana para reivindicar a coroa na Billboard Hot 100, como o trailer perfeito para o novo LP.

Rolling Stones: "Angie", um dos maiores "Mea Culpa" em forma de música.

Além disso, a banda havia iniciado uma turnê europeia em 1º de setembro na Áustria, na qual a perna britânica incluiria quatro noites no Empire Pool, Wembley, mais tarde renomeado Wembley Arena. “Angie” estava no set, assim como as faixas do álbum “Star Star”, “Dancing With Mr. D” e “Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)”.

"Obstáculos em nosso caminho"

Star Star” causou muita polêmica com sua letra sobre uma groupie altamente ativa e contém o tipo de linguagem que ainda tem a capacidade de chocar. Em 1973, foi ultrajante, e a BBC proibiu a música de ser transmitida no rádio. De acordo com Keith Richards, “A Atlantic Records nos deu muitos problemas por todas as razões erradas, quero dizer, eles chegaram a dizer que Steve McQueen iria aprovar uma liminar contra a música por causa da fala sobre ele. Então nós apenas enviamos uma fita da música para ele e é claro que ele aprovou. Foi apenas um aborrecimento embora. Obstáculos colocados em nosso caminho.

O álbum foi gravado principalmente no Dynamic Sound Studio de Byron Lee em Kingston, Jamaica e produzido, em sua última saída de estúdio com os Stones, por Jimmy Miller. Além da formação Jagger-Richards-Taylor-Wyman-Watts, apresentava membros do esquadrão dos Stones como Hopkins, Bobby Keys, Ian 'Stu' Stewart e Billy Preston.


De acordo com Danny Holloway, escrevendo no NME: “Das minhas três visitas às sessões dos Stones, a primeira foi de longe a mais interessante. Na pequena sala de 20 x 30 pés, com divisórias primitivas ao redor dos amplificadores, havia cerca de uma dúzia de guitarras, principalmente Gibson e Fender, um piano Yamaha, pequenos amplificadores Fender, um pequeno PA e a bateria Gretsch de Charlie. O microfone do bumbo foi apoiado por um tijolo e um travesseiro e a cabeça foi deixada na frente.

Os Stones se aqueceram com um simples blues de 12 compassos com o road manager Ian Stewart adicionando licks saborosos dos anos 88. Wyman se arrastava em um pequeno baixo Fender Mustang, que deve servir para suas mãos pequenas. Watts e Wyman podem nem estar olhando um para o outro, mas de repente ambos mudam o sotaque do ritmo simultaneamente. Eles sentaram enquanto tocavam, exceto por Jagger e Richard.

Obra de Hipgnosis

"Goats Head Soup" tem uma das capas mais intrigantes de todos os discos dos Stones, e a história por trás dela também é. Em meados de maio de 1973, a conhecida empresa de design Hipgnosis, famosa por sua arte do Pink Floyd, foi contratada para trabalhar na nova capa. Eles levaram a banda para o estúdio Floral Hall em Covent Garden para uma sessão de fotos.

De acordo com Aubrey Powell, um dos sócios da Hypnosis, “As filmagens foram organizadas para as 13h e Mick e Keith apareceram por volta das 17h. Storm Thorgerson e eu delineamos o conceito para os Stones e todos ficaram entusiasmados, especialmente Mick. Todos eles deveriam ser centauros e minotauros saltitando na foto em uma paisagem da Arcádia, como os jovens fanfarrões que eram.” No final, a capa foi rejeitada e na quarta-feira, 6 de junho, os Stones fizeram uma sessão de fotos na casa de David Bailey em Gloucester Ave, London NW1.

quarta-feira, 3 de agosto de 2022

'Hysteria': como o Def Leppard levou o mundo a um frenesi

"Hysteria", do Def Leppard, é um daqueles raros registros que parecem muito maiores do que a soma de suas partes. Embora superficialmente um álbum de hard rock sem sentido, seu melodismo inerente e ganchos matadores ainda atraem fãs de pop de todas as persuasões, e a crença amplamente difundida de que o disco é a declaração definitiva do grupo duradouro de Yorkshire é apoiada por uma série de influências da indústria. prêmios e vendas globais totalizando mais de 25 milhões.

As estatísticas certamente não mentem, mas também não contam toda a história. Enquanto "Hysteria" levou o Def Leppard ao auge do estrelato, sua criação foi inicialmente repleta de contratempos. De fato, em retrospectiva, parece surpreendente que o álbum tenha sido concluído.

Com seu sucesso de 1983, "Pyromania", tendo movimentado mais de 10 milhões de cópias, Leppard começou a fazer "Hysteria" em alta, mas problemas os arruinaram desde o início. O produtor da "Pyromania", Mutt Lange, deixou a banda devido à exaustão, e a banda ficou frustrada depois de passar oito meses longos e relativamente improdutivos no estúdio com seu substituto, o compositor/produtor de Meat Loaf, Jim Steinman.

Então, em 31 de dezembro de 1984, ocorreu um desastre quando o baterista Rick Allen perdeu o braço esquerdo em um terrível acidente de carro na A57, fora da cidade natal da banda, Sheffield. Compreensivelmente, o Leppard ficou devastado, mas apesar da gravidade de seu acidente, Allen estava determinado a continuar tocando.


Eu tive que parar de me comparar com o que eu costumava ser… mas também percebi que poderia fazer certas coisas que nunca poderia fazer antes”, disse Allen na época do 30º aniversário de "Hysteria", em 2017. “E percebi que poderia chutar quase tão bem com a perna esquerda quanto com a direita.

Incentivado por seus colegas de banda, Allen trabalhou com a empresa de bateria Simmons para projetar um kit personalizado, que ele tocou pela primeira vez em "Hysteria". Apresentando gatilhos eletrônicos, sua configuração de bateria revisada inadvertidamente deu ao Leppard uma dimensão totalmente nova, algo que combinava com o reorientado Mutt Lange, que retornou à cadeira do produtor quando a saúde de Allen se recuperou o suficiente para as sessões de "Hysteria" reiniciarem.

[Mutt] queria fazer de "Hysteria" uma versão hard rock de "Thriller" [de Michael Jackson]”, disse o guitarrista do Leppard, Phil Collen, ao Guitar World em 2012. "Tudo, até rock com Eddie Van Halen tocando em 'Beat It', isso realmente atraiu Mutt e a nós.

O Leppard estava familiarizado com as técnicas de estúdio exatas de Lange, mas com "High'n'Dry" e "Pyromania" ele provou que poderia obter resultados, então quando ele decidiu que queria gravar a bateria por último e capturar a maioria das partes de guitarra de Collen e Steve Clark através dos amplificadores Rockman de fone de ouvido, em vez de pilhas Marshall tradicionais, a banda alegremente o atendeu. Além disso, à medida que começaram a estocar hinos atemporais como “Rocket”, “Animal” e o incendiário “Armageddon It”, todos os envolvidos começaram a perceber que estavam criando algo excepcional.


Os fãs estavam compreensivelmente preocupados com o fato do sucessor de "Pyromania" ter demorado quatro anos, mas esses sentimentos de ansiedade evaporaram rapidamente assim que o ouviram, superconfiante e recheado de hits. De fato, o disco rapidamente fez jus ao seu título quando liderou a parada de álbuns do Reino Unido após seu lançamento, em 3 de agosto de 1987, e acabou ficando no Top 40 por 105 semanas consecutivas.

Nos EUA, dois dos singles derivados do álbum, “Animal” e a música-título chegaram ao Top 20 da Billboard Hot 100. Na parte de trás dessa música, a balada de queima lenta do álbum "Love Bites" liderou o Hot 100 em janeiro de 1989. Com o impulso em bola de neve, "Hysteria" atingiu o primeiro lugar na Billboard 200 e permaneceu na parada dos EUA por mais de três anos. durante o qual o Def Leppard se tornou uma das maiores bandas do planeta.

Superou nossas expectativas”, disse Phil Collen, refletindo sobre o momento decisivo de sua banda, em 2017. “[Com Hysteria], o objetivo não era apenas tocar para o público do rock, mas tocar para todos. E acho que conseguimos isso. Isso, para mim, é o auge da nossa carreira.

Via YAHOO.

quinta-feira, 28 de julho de 2022

Em guerra: como o Black Sabbath fez a "Sabotage"?

6° álbum de estúdio da banda foi feito de costas para a parede, mas foi uma obra-prima, sem medo de experimentar e adicionar mais uma dimensão à sua música.

6 de abril de 1974. No calor de um início de noite na Califórnia, com o sol ainda brilhando, os quatro membros do Black Sabbath olharam para o maior público que já tinham visto.

300.000 pessoas se reuniram na pista de corrida Ontario Motor Speedway, a 35 milhas de Los Angeles, para testemunhar o primeiro festival California Jam, co-liderado por Deep Purple e ELP.

No enorme palco, sob o arco de um arco-íris de aço e vidro, o Sabbath lançou as canções de sucesso que venderam milhões de álbuns: "War Pigs", "Children Of The Grave" e "Paranoid".

Além do peito nu de Ward, a banda preferia a alta-costura extravagante da estrela do rock'n'roll endinheirado: o cantor Ozzy Osbourne em jaqueta branca com borlas roxas e botas enormes, o baixista Geezer Butler em cetim prateado, o guitarrista Tony Iommi (menos o marca registrada bigode) em seda azul com franjas brancas.

Ozzy até falou com um sotaque falso americano enquanto exortava a multidão: “Vamos dar uma festa!

Mas depois do pico do California Jam, o Black Sabbath desabaria na terra. De acordo com Geezer Butler: “Nós não paramos de fazer turnês e gravar por cinco anos. Precisávamos ir para casa e voltar ao normal por algumas semanas.

Mas nos meses que se seguiram, o Black Sabbath enfrentaria um problema muito maior do que a mera fadiga. A banda decidiu demitir seu empresário. O resultado foi uma longa batalha legal, uma luta amarga que ameaçou atrapalhar sua carreira. Foi um período que Butler descreve como “caos total”.

Mas desse caos viria um dos maiores e mais influentes álbuns da história do rock, e o último álbum clássico que o Sabbath faria com Ozzy. Seu título, um comentário sombrio e bem-humorado sobre as forças que pesam sobre a banda, era "Sabotage".

Foi em 1970 que Patrick Meehan foi nomeado gerente do Black Sabbath. A banda já havia feito progressos significativos a essa altura, sob a orientação de seu primeiro empresário, Jim Simpson, um promotor de clubes na cidade natal do Sabbath, Birmingham. Seu primeiro álbum, "Black Sabbath", alcançou o Top 10 do Reino Unido; seu segundo, "Paranoid", foi para No.1. Mas à medida que sua popularidade aumentava rapidamente, havia um sentimento dentro da banda de que Simpson estava um pouco fora de seu prumo. Na opinião de Osbourne: “sobrecarregado”.

Entra Meehan, um ex-assistente do autodenominado 'Mr Big' dos empresários do rock'n'roll, Don Arden. A banda ficou impressionada com seu plano de negócios global, simbolizado pelo nome de sua empresa, Worldwide Artists, e por sua atitude empreendedora. “Meehan falou bem”, disse Iommi. Uma vez instalado como gerente do Sabbath, Meehan cumpriu suas promessas.

Nos primeiros dias”, disse Iommi, “ele realmente fez as coisas acontecerem. Ele foi quem nos levou para a América.

Com Meehan no comando, Black Sabbath se tornou um verdadeiro sucesso internacional. Os três álbuns que se seguiram ao "Paranoid", Master Of Reality em 1971, "Vol.4", em 1972 e "Sabbath Bloody Sabbath" em 1973, todos atingiram o Top 10 do Reino Unido e o Top 20 dos EUA.

Mas depois de quatro anos em um ciclo contínuo de turnês e gravações, eles estavam vazios. Como Butler diz: “Queríamos fazer uma pausa depois que Tony desmaiou de exaustão na turnê do "Sabbath Bloody Sabbath". Estávamos na Inglaterra, acabando de voltar da turnê, quando nosso empresário ligou para todos nós e disse que tínhamos que voltar para fazer o California Jam. Dissemos que não, mas acabamos sendo forçados a fazê-lo.

Além disso, o Black Sabbath havia suspeitado de Meehan. Osbourne reclamou: “Patrick Meehan nunca dava uma resposta direta quando você perguntava a ele quanto dinheiro você estava ganhando”. Butler disse, mais sem rodeios: “Sentimos que estávamos sendo roubados”.


Logo após seu retorno do California Jam, a banda notificou Meehan de sua decisão de encerrar seu contrato com a Worldwide Artists. Mas Meehan não iria desistir de uma das maiores bandas de rock do mundo sem lutar.

Tal foi a turbulência gerencial em torno do Black Sabbath que levou quase um ano para completar a gravação de "Sabotage". Geezer Butler resume o estado de espírito da banda durante esse período em quatro palavras: “Preocupado, cansado, bêbado, chapado”.

O álbum foi gravado no Morgan Studios em Willesden, noroeste de Londres, uma instalação de última geração onde o Sabbath havia feito seu álbum anterior, "Sabbath Bloody Sabbath". A banda trabalhou no Morgan por um total de quatro meses, divididos em sessões de três semanas.

Mike Butcher foi o engenheiro do "Sabbath Bloody Sabbath" e foi encarregado de produzir "Sabotage". Butcher lembra que as sessões funcionavam com uma agenda vaga. “Chegava às duas da tarde, mas a banda só começava a aparecer às quatro. E como Morgan tinha um bar, era lá que os caras esperavam os outros chegarem. Então, na maioria dos dias, começávamos a trabalhar às nove e íamos até uma ou duas da manhã seguinte.

Muitas horas foram passadas naquele bar, onde Butler passou uma noite bêbado jogando dardos com o baterista dos Rolling Stones, Charlie Watts. “Chamamos o alvo de dardos de ‘barba do Bill’”, diz Butler, “porque todo o recheio estava saindo na marca número 3”.

A bebida continuou nas salas 3 e 4 do estúdio de Morgan. A banda também tinha um suprimento abundante de cocaína e maconha: “Bags of the stuff”, diz Mike Butcher. Durante a gravação real, no entanto, foi um trabalho completo. “Quando se tratava de gravar faixas, minha ingestão de qualquer coisa que alterasse a mente diminuiria um pouco”, diz Bill Ward, secamente.


Butcher lembra que houve apenas uma ocasião durante as sessões em que o trabalho foi impedido pela propensão de um membro da banda à automedicação. “Como tudo foi gravado ao vivo, a banda sempre quis que Ozzy cantasse junto enquanto eles estavam gravando”, diz ele. “Mas desta vez, Ozzy estava desmaiado, bêbado no sofá, bem fora de si.

Tony Iommi, identificado por Mike Butcher como o “líder não oficial” do Black Sabbath, afirmou que "Sabotage" foi em parte uma reação ao estilo complexo do "Sabbath Bloody Sabbath", no qual a banda combinou sua assinatura heavy metal com elementos de rock progressivo, auxiliado pelo tecladista do Yes, Rick Wakeman e até mesmo uma orquestra.

Poderíamos ter continuado a ficar mais técnicos”, disse Iommi, “usando orquestras e tudo mais. [Mas] queríamos fazer um álbum de rock.

Iommi também estava reagindo, em um nível mais profundo, ao litígio em andamento com Patrick Meehan. “Estávamos no estúdio um dia e no tribunal ou nos reunindo com advogados no dia seguinte”, disse o guitarrista. E sua raiva e ansiedade alimentaram Sabotagem. “O som era um pouco mais difícil do que o "Sabbath Bloody Sabbath"”, explicou Iommi. “Meu som de guitarra era mais difícil. Isso foi causado por todo o agravamento que sentimos em todos os negócios com a administração e os advogados.

Certamente os riffs pesados ​​de Iommi são o tom dominante em "Sabotage", principalmente na música escolhida como faixa de abertura do álbum, "Hole In The Sky", que começa com o zumbido dos amplificadores no volume máximo e um grito de “Attack!” O grito era uma piada interna, proferida por Mike Butcher.

Sabbath tinha um ato de apoio que tinha um empresário que ficava atrás deles no palco gritando: ‘Attack! Attack!”, diz o produtor. “Então foi isso que eu gritei da sala de controle através do Tannoy.

Ainda mais pesada foi "Symptom Of The Universe", a música mais famosa e influente de "Sabotage". Seu riff contundente e staccato forneceria o modelo para o Metallica e inúmeras outras bandas de metal, mas era mais do que um headbanger de uma nota. Terminou em uma coda funky, criada pela banda tocando durante a gravação da faixa e posteriormente overdub com violão.

Houve mais curvas à esquerda ao longo do álbum. Iommi pode ter se proposto a fazer um álbum de rock mais direto, mas o Sabbath continuou a experimentação que eles começaram no "Sabbath Bloody Sabbath". E, ironicamente, foi Iommi quem criou a música mais bizarra e pouco ortodoxa que já apareceu em um álbum do Black Sabbath: "Supertzar".

Mais atmosférica ainda do que a música que deu nome à banda, "Supertzar" era uma peça sombria e onírica com o Coro de Câmara Inglês, e descrita por Ward como “um canto demoníaco”. Sinos tubulares, tocados por Ward, carregavam um eco do filme de 1973, "O Exorcista".

A única conexão com o rock convencional era o riff de guitarra lento de Iommi, tocado como uma marcha da morte. Ozzy não teve participação em "Supertzar", mas o que ele ouviu ao observar a música sendo gravada foi, em suas palavras, “um barulho como Deus conduzindo a trilha sonora para o fim do mundo”. Iommi disse, com a reserva característica, que “soava muito diferente e muito bom”.

Em forte contraste estava "Am I Going Insane (Radio)", essencialmente uma música pop escrita por Ozzy em um sintetizador Moog, que ele tocou na faixa finalizada. “Oz nos deixou loucos com aquela coisa do Moog”, lembra Ward, “mas a música era ótima. E em retrospectiva, foi uma espécie de precursor para sua carreira solo. Sua personalidade estava florescendo nesta música."

"O 'Radio' no título era uma gíria de rima britânica: Radio Rental, mental. As letras de Ozzy eram “definitivamente autobiográficas”, diz Butler.

Ainda melhor, e ainda mais claramente autobiográfica, foram as letras de Ozzy para a faixa final do álbum, na qual ele desprezou o algoz do Black Sabbath, Patrick Meehan. ‘Você me comprou e me vendeu com suas palavras mentirosas’, cantou Ozzy, antes de ameaçar amaldiçoar seu inimigo. A música foi nomeada "The Writ", um título que foi sugerido por Mike Butcher depois que os advogados de Meehan chegaram sem aviso prévio ao Morgan Studios.

Um cara entrou e disse: 'Black Sabbath?'” Butcher lembra. "E Tony disse: 'Sim'. O cara disse: 'Tenho algo para você', e deu a ele um mandado."

Somando-se à vibração ameaçadora de "The Writ" havia uma introdução sinistra misturando risos e gritos de angústia. A risada foi a de um amigo australiano de Geezer. “Ele era um maluco completo”, diz o baixista. “Nós o convidamos para o estúdio quando ele estava visitando Londres.

Os gritos eram os de um bebê, gravados em uma fita cassete sem identificação que Mike Butcher encontrou em um console no Morgan. Quando ele tocou na metade da velocidade, o choro do bebê assumiu uma qualidade assustadora. “Foi tão estranho”, diz ele, “que funcionou perfeitamente para essa faixa”. Butcher nunca descobriu de quem era a fita.

Para Ozzy, escrever e cantar a letra dessa música teve um efeito terapêutico. "Um pouco como ver um psiquiatra", disse ele. “Toda a raiva que senti por Meehan veio à tona.

E, no entanto, apesar de todo o sarcasmo em "The Writ", havia uma nota de esperança e desafio em sua linha final: "Tudo vai dar certo." E, pelo menos a curto prazo, essas palavras soariam verdadeiras. Patrick Meehan não quebraria o Black Sabbath. Em última análise, eles fariam isso para si mesmos.

Na primavera de 1975, um mês após o término das gravações em Londres, Mike Butcher voou para Nova York para supervisionar a mixagem e masterização de "Sabotage". E foi aqui que o produtor acrescentou, ao final de "The Writ", um trecho de 31 segundos de música que havia gravado sem o conhecimento da banda. “Os microfones estavam conectados em todo o estúdio”, explica Butcher. “Então, uma noite, quando Ozzy e Bill estavam brincando no piano, apertei o botão de gravação.

O que ele capturou foi uma música de brincadeira chamada "Blow On The Jug". “Essa porra de coisa estúpida”, diz Ward. “Uma música bêbada que Ozzy e eu cantávamos juntos em uma van ou em um avião. Esse sou eu no piano e Ozzy soprando em uma daquelas jarras de cidra marrons, tocando como uma tuba.

Ward insiste que não tinha ideia de que "Blow On The Jug" acabaria no álbum. Mas para a roupa que ele usou na foto de capa do álbum, jaqueta de couro preta e um par de meias vermelhas, ele não tem ninguém para culpar além de si mesmo.

Eu tinha um jeans velho que estava muito sujo”, explica ele, “então peguei emprestado a meia-calça da minha esposa. E para que minhas bolas não aparecessem por baixo da meia-calça, também peguei emprestada a cueca do Ozzy, porque eu não tinha nenhuma.” Ozzy não parecia muito melhor, em trajes tradicionais japoneses que o levaram a ser ridicularizado como “o homo de quimono”. Ele falou muito sobre onde as cabeças da banda estavam. “Caos personificado”, Butler diz sem rodeios.

No entanto, quando Sabotage foi lançado em 27 de julho de 1975, foi bem recebido. Na parada do Reino Unido, alcançou a 7ª posição e, embora tenha ficado apenas na 28ª posição nos EUA, uma decepção após quatro álbuns consecutivos no Top 20, foi muito elogiado pela revista Rolling Stone. “"Sabotage" não é apenas o melhor disco do Black Sabbath desde "Paranoid", pode ser o melhor de todos os tempos”, afirmou o revisor Billy Altman.

Altman observou “os temas usuais de morte, destruição e doença mental que percorrem este álbum”. Mas Geezer Butler, principal letrista do Black Sabbath, não se limitou a "Sabotage". Em "Symptom Of The Universe" ele abordou o sentido da vida.

O título era sobre amor, destino e crença”, explica ele. “O amor é o sintoma que traz a vida. A morte é a cura, mas o amor nunca morre. Eu era muito religioso enquanto crescia, e tudo na minha vida parecia pré-planejado.

A teologia também estava no coração de "Megalomania", uma visão de pesadelo de loucura induzida por drogas. “Foi baseada em uma rara experiência com heroína que tive”, diz Butler. “Fiquei acordado a noite toda olhando no espelho: eu era Deus, e meu reflexo era o Diabo. Foi a batalha dos dois maiores egos do universo. Infelizmente não me lembro do resultado.

Butler admite abertamente que muito de seus escritos para "Sabotage" foi feito enquanto estava chapado. Mas com a letra de "Hole In The Sky" ele escreveu com uma presciência que se provaria assustadoramente precisa.

As letras mais proféticas que já escrevi”, diz ele. “O mundo ocidental afundando no leste, um buraco na camada de ozônio, sem futuro nos carros. Parecia-me que tudo a leste da Europa estava se tornando uma ameaça. O Japão estava crescendo no mundo dos negócios, o presidente Mao estava construindo a China, a União Soviética estava ameaçando uma guerra nuclear e o Oriente Médio estava em turbulência como sempre. Na época, o petróleo estava na mente de todos e a gasolina estava sendo racionada.


Com "Hole In The Sky", Butler pegou o clima da época, assim como havia feito cinco anos antes com a música de protesto do Sabbath, "War Pigs", da era do Vietnã. Mas, como ele diz agora: “Eu geralmente tentava instilar alguma esperança nas imagens mais sombrias das minhas letras. Crescendo em Aston, tive minha cota de violência e negatividade. Então eu era um cara meio ‘paz e amor, cara’.”

E foi essa sensibilidade, intensificada por um gosto compartilhado por fumar maconha, que manteve o Black Sabbath unido durante esse período conturbado.

Estávamos constantemente chapados”, diz Butler, “então nunca brincávamos um com o outro. Era uma atitude de 'nós contra eles' na banda. Confiávamos um no outro, não havia mais ninguém em quem pudéssemos confiar.

Bill Ward acredita que foi pura força de vontade que fez o Black Sabbath fazer "Sabotage". “Levamos alguns golpes”, diz ele, “mas continuamos. Era uma banda difícil.

Butler lembra que “estávamos esgotados quando o álbum terminou”.

E no final de 1975, o Black Sabbath percebeu o quanto havia perdido em sua batalha com Patrick Meehan. “Tivemos que pagá-lo para rescindir nosso contrato”, diz Butler. “Isso nos custou milhares de dólares em contas de advogados. E então tivemos uma enorme conta de impostos. A Receita Federal não simpatizava conosco. Eles nos culparam por sermos ingênuos. A maior parte do nosso dinheiro foi para advogados e impostos.

Livres de Meehan, os membros do Black Sabbath decidiram administrar os negócios da banda por conta própria. Mas o bom senso prevaleceu quando eles nomearam Mark Forster para administrar o negócio do dia-a-dia (ironicamente, Forster era um ex-funcionário de Patrick Meehan).

E o sábado continuou. Em termos puramente pragmáticos, eles tinham que fazer isso. Mas depois da "Sabotage" eles nunca mais seriam os mesmos. O caos que tomou conta da banda durante a produção daquele álbum teria um efeito profundo em suas vidas. “Isso nos mudou”, diz Ward. “Não tenho dúvidas sobre isso.

Sem um gerente designado para mediar entre eles, os membros da banda, cansados, chateados, viciados em drogas e esgotados financeiramente, começaram lentamente a se separar. “A banda”, revela Butler, “estava se desintegrando”.

Em 1976 eles contrataram Don Arden como seu novo empresário, mas havia pouco que Arden pudesse fazer para salvar o Black Sabbath. O álbum de 1976 da banda, "Technical Ecstasy", foi o início de um declínio acentuado, tanto criativa quanto comercialmente. Após o fraco "Never Say Die!", de 1979, o Sabbath demitiu Ozzy Osbourne. A notícia não foi um choque: Ozzy já havia saído da banda duas vezes nos anos que antecederam sua demissão. A tensão que vinha crescendo dentro da banda desde a produção de "Sabotage" finalmente chegou ao ponto de ruptura.

Embora este álbum carregue memórias que antes seriam esquecidas pelos homens que o criaram, há um aspecto maior de seu legado. O que o Black Sabbath criou enquanto eles estavam de costas para a parede era uma obra-prima. Seus primeiros quatro álbuns possuem status mítico como clássicos que definem o gênero. "Sabotage", tão destemidamente experimental quanto o "Sabbath Bloody Sabbath" anterior, acrescentou outra dimensão à música do Black Sabbath. Seu poder ainda é profundo hoje.

Aquele álbum”, diz Bill Ward, “foi tão difícil para nós fazê-lo. Mas quando eu escuto agora… Deus, é incrível.


sexta-feira, 15 de abril de 2022

Edgar Winter lança “Brother Johnny”, álbum-tributo ao seu irmão Johnny; ouça

Álbuns de tributo de estrelas de grande elenco geralmente são uma proposta de "tenha cuidado" para o comprador. Muitas vezes eles são descuidados e desfocados, um conceito montado no escritório de alguém que parece bom, ou pelo menos potencialmente bom, no papel, mas não chega a maturar no estúdio. "Brother Johnny", felizmente, é uma rara exceção. Oito anos em produção, é uma carta de amor musical de Edgar Winter para seu irmão mais velho Johnny, o grande blues-rock que morreu em 2014 aos 70 anos.

É grande, 17 faixas em 76 minutos e cheio de nomes de primeira linha, especialmente à guitarra. Mas o trabalho é um verdadeiro tributo de amor, e cada segundo é preenchido com uma genuína paixão e consideração por um cara que, apesar de não estar mais vivo, deixou uma grande quantidade de música excelente que ainda está conosco e recebe seu reconhecimento devido nesta homenagem. Mais de 50 anos depois, alguns fãs de rock podem não se lembrar ou nunca saber sobre o impacto que Johnny Winter causou quando emergiu de Beaumont, Texas, recebendo um contrato de gravação - supostamente por um adiantamento recorde de US$ 600.000, depois que Mike Bloomfield o convidou para jam com ele e Al Kooper no Fillmore East.

Com seus longos cabelos loiros e pele albina, Winter foi um choque visual, enquanto seu blues elétrico foi um choque para o sistema que imediatamente colocou Winter no alto escalão dos heróis da guitarra. Edgar Winter estava junto nos dois primeiros álbuns do irmão Johnny e em Woodstock, e ele o trouxe de volta de um hiato induzido por substâncias com uma participação especial em "Roadwork", o álbum ao vivo de 1972 da banda de Edgar, White Trash. Os Winters trabalharam juntos durante toda a vida de Johnny, tornando seu irmão o único qualificado para dirigir esse tipo de tributo. O disco consegue ser muito, mas muito bom. É impulsionado pela visão de Edgar, mas também pela presença de um único baterista, Gregg Bissonette (exceto por Ringo Starr em "Stranger"), que dá ao conjunto uma personalidade rítmica coesa que é sutil, mas certamente sentida. Há apenas dois baixistas: Sean Hurley e Bob Glaub, e também, o que significa que a base é forte para os convidados reunidos brilharem em homenagem a Winter.

E isso eles fazem. "Brother Johnny" é o tipo de negócio em que você pode largar a agulha em qualquer lugar e encontrar algo para se empolgar. Começa em alta velocidade, com o slide de Joe Bonamassa atravessando "Mean Town Blues", enquanto Kenny Wayne Shepherd e Phil X de Bon Jovi colocam o crunch em "Still Alive and Well". Billy Gibbons e Derek Trucks duelam através de um vigoroso e carnudo "I'm Yours and I'm Hers", e Joe Walsh fornece o vocal principal em "Johnny B. Goode" de Chuck Berry, com David Grissom interpretando o heroísmo da guitarra. Então pega seu machado para uma dolorosa "Stranger", cantada por Michael McDonald.

É assim por todo o disco. Shepherd e John McFee, dos Doobie Brothers, travam trompas sobre a linha de guitarra de Edgar em "Highway 61 Revisited", de Bob Dylan, e Edgar assume o vocal principal em "Rock 'n' Roll Hoochie Koo", com Steve o solo de Lukather. Warren Haynes, do Gov't Mule, toca um pouco de funk em "Memory Pain", e o veterano bluesman Bobby Rush é uma escolha inspirada, nos vocais e na gaita, para "Got My Mojo Workin'". Há momentos tranquilos também, tomadas rústicas na varanda da frente em "Lone Star Blues" com Keb' Mo' e "When You Got a Good Friend" com Doyle Bramhall II", enquanto uma seção de metais acompanha Edgar em uma tomada lenta de "Drown in My Own Tears", de Ray Charles, enquanto uma "End of the Line", adoçada com quarteto de cordas, que encerra as festividades, arranca algumas lágrimas próprias. E é difícil não se emocionar com a presença do agora saudoso Taylor Hawkins, do Foo Fighters, que morreu repentinamente apenas três semanas antes da liberação deste tributo, em uma versão contundente de "Guess I'll Go Away". Havia uma sensação de que, mesmo aos 70 anos, Johnny Winter se foi cedo demais, e seus álbuns recentes, como "Roots" e o póstumo "Step Back", vencedor do Grammy, certamente apoiaram essa noção. "Brother Johnny" celebra o garanhão de seis cordas que ele era e, esperançosamente, essa saudação pode servir como um portal para enviar os ouvintes de volta para explorar as obras originais.

Via UCR.

Ouça “Brother Johnny” via Spotify no player abaixo ou clique aqui para ouvir em outras plataformas digitais  

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Tracklist:

Mean Town Blues (com Joe Bonamassa)

Alive and Well (com Kenny Wayne Shepherd)

Lone Star Blues (com Keb’ Mo’)

I’m Yours and I’m Hers (com Billy Gibbons e Derek Trucks)

Johnny B. Goode (com Joe Walsh e David Grissom)

Stranger (com Michael McDonald, Joe Walsh e Ringo Starr)

Highway 61 Revisited (com Kenny Wayne Shepherd e John McFee)

Rock ‘n’ Roll Hoochie Koo (com Steve Lukather)

When You Got a Good Friend (com Doyle Bramhall II)

Jumpin’ Jack Flash (com Phil X)

Guess I’ll Go Away (com Taylor Hawkins e Doug Rappoport)

Drown in My Own Tears

Self Destructive Blues (com Joe Bonamassa)

Memory Pain (com Warren Haynes)

Stormy Monday Blues (com Robben Ford)

Got My Mojo Workin’ (com Bobby Rush)

End of the Line (com David Campbell Strings)