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segunda-feira, 8 de fevereiro de 2021

Pink Floyd: "Meddle" mostrou o caminho através da tempestade da ausência de Syd Barrett

Era uma única nota, cintilando como um farol a liderar um navio instável durante a noite. O Pink Floyd não tinha novas canções preparadas quando começou a gravar no início de 1971, mas eles tiveram acesso ao lendário Abbey Road Studios e rédeas livres de sua gravadora para mexer por aí até que encontrassem seu caminho. Eles passaram semanas improvisando com cada membro posto à parte do que os outros tocavam, uma busca descuidada pelo tipo de inspiração estranha e espontânea que seu antigo líder, guitarrista e compositor Syd Barrett, conjurou à vontade.

Eles chamaram os resultados de “Nadas 1-24”: Previsivelmente, eles eram quase totalmente inutilizáveis - exceto por esta única nota: um Si agudo, tocada em um piano perto do limite de seu alcance, distorcida pelas ondulações de um alto-falante Leslie giratório. Era penetrante, mas ligeiramente obscurecido, como se tivesse percorrido uma grande distância para alcançar sua consciência. “Nunca poderíamos recriar a sensação dessa nota no estúdio, especialmente a ressonância particular entre o piano e a Leslie”, o baterista Nick Mason escreveu mais tarde. Então, eles usaram a fita demo e começaram a compor em torno dela. "Echoes" cresceu dessa nota para algo incrível: uma viagem psych-prog de 23 minutos da tranquilidade ao triunfo à desolação e de volta, com um riff como um relâmpago atingindo o mar aberto e um vocal principal aconchegante mantendo você confortável e seguro debaixo do deck. Foi a primeira música que o Pink Floyd completou para "Meddle", seu conflituoso e brilhante sexto álbum.

Depois de um período de agitação por direção, “Echoes” ofereceu um caminho para os épicos art-rock pops que tornariam o Pink Floyd uma das bandas de maior sucesso da história. Mas também foi uma espécie de finalização. Durante o final dos anos 60, sob o reinado louco de Barrett, o Pink Floyd era turbulento e intuitivo, equilibrando suas canções de contos de fadas com o tipo de improvisações caóticas e barulhentas que provavelmente inspiraram Kim Gordon do Sonic Youth a batizar seu cachorro com o mesmo nome. À medida que sua fama crescia e o baixista Roger Waters tomava um controle criativo cada vez mais rígido ao longo dos anos 70, a música cada vez mais favorecia a solenidade ao invés do capricho, o formalismo à exploração. "Echoes" e "Meddle" como um todo - ficam na interseção dessas duas abordagens, oferecendo uma prévia nebulosa do futuro do Pink Floyd como estrelas internacionais, sem ainda abandonar seu passado como jovens bandoleiros visionários.

Desde a fundação do Pink Floyd em 1965 até a saída de Barrett em 1968, eles foram a banda da casa da cena psicodélica nascente de Londres. Os membros, um grupo de intelectuais desajustados que se reuniram enquanto frequentavam a universidade de arte e arquitetura, em sua maioria mantinham uma distância profissional dos verdadeiros psicodélicos, com exceção de Barrett, que se entregou de coração. Logo após o lançamento do álbum de estreia do Pink Floyd, "The Piper at the Gates of Dawn" de 1967, ele se tornou retraído e errático: ele se recusava a participar de apresentações, permanecia indiferente enquanto as pessoas tentavam falar com ele, sabotou uma aparição na TV ao ficar parado quando ele deveria fazer mímica durante uma trilha de apoio. Seus companheiros de banda ficavam frustrados com esses empecilhos para o sucesso. Um dia, em fevereiro de 1968, eles decidiram que simplesmente não iriam buscá-lo no caminho para o show naquela noite. Esse foi o fim de seu período no Pink Floyd. Barrett gravou dois álbuns solo, depois se retirou da vida pública até sua morte em 2006. "Estou desaparecendo, evitando a maioria das coisas", disse ele a um entrevistador da Rolling Stone em 1971, ano em que o Pink Floyd lançou "Meddle" sem ele. Duas das últimas canções que ele gravou com eles foram consideradas muito obscuras e perturbadoras para serem lançadas até várias décadas depois. "Tenho procurado por todo canto por um lugar para mim", ele canta em uma delas, sua voz assumindo um tom teatral de Chapeleiro Maluco. "Mas não encontro em lugar nenhum."

A história de Syd Barrett se encaixa perfeitamente dentro de dois arquétipos do final dos anos 60: a vítima do ácido e a estrela do rock condenada. A realidade é provavelmente mais triste e comum. Com o mito do astro do rock não mais tão culturalmente potente como era antes, e uma compreensão contemporânea mais matizada da relação do LSD com transtornos como a esquizofrenia, ele pode precipitar surtos psicóticos em pessoas que já estão predispostas a eles, mas não os causa por si, ele se parece simplesmente com um homem com uma doença mental grave, sem desejo de fama e sem ninguém por perto que soubesse como ajudá-lo.

Nick Mason, em seu livro de memórias "Inside Out", retorna várias vezes à insensibilidade com que ele e seus companheiros de banda trataram seu frontman enquanto ele estava se revelando, apresentando seu desprezo por Barrett como consequência de sua fixação em fazer sucesso como músicos. Começando com "The Dark Side of the Moon" de 1973, seus anos de superestrelas pós-Barrett podem ser vistos como uma série de tentativas de reconhecer sua ausência e culpa, mesmo quando eles se afastaram de sua visão da banda: "Dark Side", uma suíte sobre como as pressões da vida moderna podem levar uma pessoa à insanidade, explorando a angústia mental à luz de uma lâmpada de lava; "Wish You Were Here", um álbum elegíaco e às vezes cínico apresentado mais ou menos explicitamente como um tributo a Barrett; "The Wall", uma ópera rock sobre a crescente alienação de um cantor da sociedade e de seus entes queridos. O status desses álbuns como clássicos de dormitório pode fazer com que sua preocupação com a instabilidade psicológica pareça um pouco melodramática, mas parece improvável que seus criadores vejam dessa forma.

Foram seis anos e seis álbuns entre "The Piper at the Gates of Dawn" e "The Dark Side of the Moon". Durante esse período de limbo, o Pink Floyd parecia estar evitando um confronto sobre sua identidade, quem eles realmente eram sem seu líder. "A Saucerful of Secrets" de 1968, segue principalmente o estilo de "Piper"; ele veio quando Barrett estava saindo da banda, e é o único álbum do Pink Floyd onde ele e Gilmour, seu amigo desde o ensino médio, aparecem juntos. Em seguida, houve uma trilha sonora, um LP duplo com gravação ao vivo e uma série de peças gravadas pelos membros individualmente, e uma laboriosa obra quase-sinfônica montada em grande parte por um arranjador convidado. “"Meddle" foi o primeiro álbum em que trabalhamos juntos como uma banda no estúdio desde A Saucerful of Secrets”, escreve Mason, posicionando o sexto álbum do Pink Floyd como a verdadeira continuação do segundo, e sua primeira declaração propriamente colaborativa, sem qualquer envolvimento de Barrett.

Fazer "Meddle" levou a maior parte do ano, graças à agenda de turnês da banda e sua insistência em fazer as coisas "da maneira mais complicada possível", como diz Mason. As jams cada-um-por-si que produziram o som do piano "Echoes" foram apenas o começo: houve tentativas infrutíferas de gravar vocais ao contrário, pedais conectados da maneira errada, um cachorro treinado para uivar junto com a música introduzido como um colaborador. Em algum ponto, eles convenceram a EMI, sua gravadora, de que Abbey Road não tinha sofisticação técnica para a música que estavam tentando fazer, e mudaram a operação para o recém-inaugurado AIR Studio de George Martin, que tinha o gravador de 16 trilhas de última geração que faltava em Abbey Road.

Em breve, o Pink Floyd introduziria a precisão das novas tecnologias de gravação para álbuns que eram cuidadosamente planejados de cima a baixo, com cada momento derivado de um tema abrangente e ajustado para o máximo impacto. Em "Meddle", eles chegaram quase à riqueza e envolvência sonora de "Dark Side", mas ainda não ao seu holismo composicional elaborado. Nenhum outro álbum do Pink Floyd se encaixa exatamente no mesmo ponto ideal: enorme e ambicioso, mas sem nenhuma narrativa extramusical, empurrando os limites do rock sem ir além deles para as virtudes do cinema e do teatro. Não é necessário enredo de três atos ou temas operísticos e represálias para achatá-lo no sofá e abrir um buraco em seu cérebro; o estrondo da banda é o suficiente para fazer isso por conta própria.

O rock progressivo estava em alta no Reino Unido no início dos anos 70, e o punk não ficou muito atrás. O Pink Floyd acabaria sendo associado à grandiloquência do primeiro, mas eles sempre foram um par imperfeito para o progressivo, eles eram certamente grandiloquentes, mas simplesmente não tinham o virtuosismo instrumental de bandas como Yes e King Crimson. No início, eles tinham muito a ver com o noise rock, embora o termo ainda demorasse décadas para ser inventado. Johnny Rotten vestiu a famosa camiseta "Eu odeio o Pink Floyd" no palco com os Sex Pistols; não muito depois, suas jams desconstruídas com a Public Image Ltd. não eram tão diferentes dos surtos de "Careful With That Axe, Eugene" ou "Interstellar Overdrive". "Meddle" tem ambos: a amplitude progressiva do Floyd maduro e a agressividade de suas origens.

A abertura predominantemente instrumental “One of These Days” soa como um Camaro disparando pelo cosmos. É uma emoção visceral que existe apenas por si mesma, apresentando "Meddle" com um pouco de hard rock sci-fi que não faz nada para prepará-lo para a correnteza narcotizada do resto do primeiro lado. As primeiras letras do álbum (além de uma breve interjeição falada em "One of These Days") fazem um trabalho melhor em definir o tom lânguido predominante: "Uma nuvem de edredom se desenha em torno de mim, suavizando o som/Hora de dormir, e eu deito com meu amor ao meu lado, e ela está respirando baixo”, canta Gilmour para abrir “A Pillow of Winds”. Conscientemente ou não, essas linhas contêm fortes ecos de Barrett, que cantou sobre estar “Sozinho nas nuvens todo azul/Deitado em um edredom” em "The Piper at the Gates of Dawn".

Se o Pink Floyd do "Dark Side" e daí em diante engalfinhou-se ao legado de Barrett em seus temas enquanto se livrava de sua influência musical direta, "Meddle" está em dívida com ele como músico, sem ainda reconhecê-lo diretamente como homem. Sua única música não essencial é "Seamus", apresentando o canino mencionado, cuja mistura de pastiche blueseiro e colagem de som lúdica é a tentativa mais clara de reproduzir o personagem maluco da era anterior de Floyd. Mas onde Barrett poderia ter instalado alguma estranheza essencial no encontro da slide guitar com o cachorro cantor, o resto do Pink Floyd parece acreditar que a própria justaposição é o suficiente. As letras - "Eu estava na cozinha/Seamus, esse é o cachorro, estava lá fora", são quase perversas em sua recusa em se envolver com qualquer coisa substancial.

Fearless” é outro assunto. Ela se concentra na dignidade silenciosa de um "idiota" seguindo seu próprio caminho colina acima, enquanto uma multidão zomba de baixo, dizendo que ele nunca chegará ao topo. Como acontece com muito de "Meddle", a guitarra parece avançar em câmera lenta, combinando com sua subida humilde, um riff majestoso e ascendente com cordas abertas que Waters tocava usando uma afinação alternativa que Barrett lhe ensinou anos antes. Gilmour assume o vocal principal, e seu discurso sonolento, o que geralmente implica um estado de beatitude chapada, em vez disso, transmite tristeza e futilidade por baixo da determinação. “Fearless” está entre as melhores e mais comoventes canções do Pink Floyd, comovente, mesmo quando o idiota parece prevalecer sobre as vozes que dizem que ele não o fará.

Se a banda sentiu que a estória tinha alguma ressonância com seus próprios desafios pessoais, eles não o mostraram abertamente. “Fearless” termina com a gravação de uma multidão de futebol gritando o hino do Liverpool F.C., enquadrando sua história de perseverança com a simples sensação boa de um azarão derrotando um rival. Mason nunca conseguiu entender a insistência de Waters nessa estranha coda, especialmente porque o baixista era um torcedor dedicado do Arsenal. Talvez sua afinidade fosse pelo sentimento familiar da própria música, uma melodia de musical de Rodgers e Hammerstein adotada pelos fãs do Liverpool depois que um grupo local a transformou em um hit pop, apesar de seu contexto esportivo. “Ande com esperança em seu coração”, os fãs podem ser ouvidos cantando enquanto “Fearless” desaparece, “e você nunca andará sozinho”.

Mas a verdadeira razão de ser de Meddle é "Echoes", que ocupa todo o segundo lado do álbum. Ambicioso além de qualquer coisa que o Pink Floyd tenha tentado antes, selvagem além de qualquer coisa que eles tentaram depois, ela toma a origem da própria vida como seu tema, outra humilde ascensão. Em harmonia cadenciada, Gilmour e Wright descrevem uma cena nas profundezas do mar: “Ninguém sabe onde ou por que/Mas algo se move e algo tenta/E começa a subir em direção à luz.” Conforme a tempestade da música ganha força, seu foco muda para um encontro casual ambíguo entre duas pessoas, descendentes dessas amebas agitadas. A bateria fica mais forte; as guitarras passam de vapor a líquido, a sólido a chamas. No lugar de um clímax, há desintegração. O ritmo para, o fundo cai e, pela última vez, o Pink Floyd soa mais como improvisadores de vanguarda do que músicos de rock de estádio: gemendo, se contorcendo, guinchando, expressando a complicada liberdade de se desvencilhar de qualquer plano.

Eventualmente, o farol daquele Si agudo no piano retorna. A banda remonta e termina a música. Mais tarde, eles lançam um dos melhores álbuns do rock com "Dark Side of the Moon", e solidificam seu status de ícones para sempre. Como se estivesse em um sonho, Barrett faz uma última visita ao estúdio enquanto eles gravam "Wish You Were Here", sua continuação. Ele vagueia por Abbey Road como um convidado indesejado, careca e quase irreconhecível, parecendo confuso e desinteressado quando eles tocam amostras de um álbum que escreveram parcialmente sobre ele. O Pink Floyd encontra seu caminho através da tempestade de sua ausência e, eventualmente, segue para outra: ego, dinheiro, fama, seus efeitos corrosivos sobre a fraternidade. Mas, por enquanto, eles estão no centro da turbulência, fazendo barulho, demorando-se na escuridão e na incerteza até que seja hora de sair.

Traduzido pelo confrade Renato Azambuja, via Pitchfork.

quarta-feira, 19 de agosto de 2020

Como o Fleetwood Mac se reuniu para o Ao Vivo "The Dance"


Via UCR

O Fleetwood Mac estava saindo de uma de suas eras mais decepcionantes. Isso levou a formação mais conhecida da banda a deixar de lado as diferenças do passado e se reunir para "The Dance", que chegara às lojas em 19 de agosto de 1997.

O trio vocal de Lindsey Buckingham, Stevie Nicks e Christine McVie concordou com mais uma temporada que seria destaque em um especial do MTV Unplugged. Querendo aproveitar uma rara oportunidade quando eles estavam todos juntos, o grupo também compusera uma série de novas faixas que se misturariam com suas canções clássicas.

No momento em que eles chegaram à Warner Bros. Studios em 23 de maio de 1997 em Burbank, Califórnia, a banda estava totalmente atualizada tanto com o material antigo quanto com o novo. Embora faixas como "Bleed to Love Her" e "My Little Demon" tenham se destacado durante as sessões, nenhuma delas ganhou destaque quando o álbum foi lançado. Em vez disso, os fãs gravitaram em torno das versões recém-despojadas de favoritas do passado, como "Landslide" e "Silver Springs", as quais passaram um bom número de semanas na parada Adult Contemporary. "Landslide" fora melhor na corrida das duas, chegando ao Top 10 do rádio.


"The Dance" foi o primeiro novo álbum desta edição de cinco peças desde "Tango in the Night" de 1987, uma década antes. Pouco antes do retorno de todos os três cantores, John McVie e Mick Fleetwood tentaram continuar sem sucesso com várias novas adições. Mas o sucesso de "The Dance", que catapultou para o primeiro lugar nas paradas, derrubando o rapper Sean "Puff Daddy" Combs - levou o Fleetwood Mac a reconsiderar o futuro e trabalhar em mais uma turnê juntos. O álbum viria a se tornar o quinto álbum ao vivo mais vendido de todos os tempos nos EUA, com mais de cinco milhões de cópias vendidas.

Quanto ao especial da MTV, também foi um grande sucesso. Os fãs puderam retomar seus hits favoritos como "The Chain", "Dreams", "Rihannon", "You Make Lovin 'Fun" e "Don't Stop", e havia um bônus adicional como o USC moderno. A banda marcial seguiu os passos de seus predecessores tocando "Tusk" com Fleetwood Mac na gravação. Eles também ficaram para "Don't Stop".


Aqueles que compraram o DVD puderam ver uma versão mais completa da performance real, que também mostrou as habilidades dos vários membros. Lindsey Buckingham trabalhou em um banjo para a música "Say You Love Me", que também contou com Christine McVie no pandeiro e John McVie nos backing vocals. Enquanto isso, Christine McVie tocava vários instrumentos, tocando teclado, piano, acordeão e maracas, além de cantar.

Mantendo o pouco de nostalgia fornecida com o disco, Fleetwood Mac ofereceu alguns acenos ao seu trabalho anterior na arte da capa do disco. O fotógrafo David LaChappelle tirou uma foto do grupo com Mick Fleetwood recriando sua pose da capa de "Rumours" e Buckingham segurando a bengala do LP de 1975 da banda.



sábado, 4 de julho de 2020

Quando Debbie Harry combinara forças artísticas com H.R. Giger

Via OPEN CULTURE

Após quatro anos de sucesso fenomenal nas paradas, a banda Blondie entrou em hiato em 1981.

Enquanto Debbie Harry prosseguia com a atuação que havia começado nos trabalhos do cineasta punk rock Amos Poe, ela também seguiu o caminho do álbum solo. No papel, este álbum, "KooKoo", deve ter parecido um sucesso infalível: Nile Rogers e Bernard Edwards, da banda Chic, foram trazidos para escrever e produzir, logo após sua ressuscitação bem-sucedida da carreira de Diana Ross no ano anterior. Harry e o namorado / membro da banda / guitarrista Chris Stein também escreveram faixas e se entregaram aos gêneros de Black Music com os quais eles já estavam brincando no "Autoamerican" da Blondie, como "Rapture" e "The Tide Is High".


Mas aqui é onde fica um pouco estranho, e tudo sai do normal. A escolha da arte do álbum e dos vídeos promocionais foi H.R. Giger, o artista que sacudiu os cérebros dos espectadores no ano anterior com seus projetos para o "Alien" de Ridley Scott.

O casal conheceu Giger em 1980 na recepção de suas pinturas na Galeria Hansen de Nova York.

"Lá fui apresentado a uma mulher muito bonita, Debbie Harry, a cantora do grupo Blondie, e seu namorado, Chris Stein", disse Giger em entrevista. "Eles estavam aparentemente empolgados com o meu trabalho e me perguntaram se eu estaria preparado para criar a capa do novo álbum de Debbie Harry."

Embora ele não conhecesse o grupo, Giger preferia ouvir jazz, ele concordou com a capa e os vídeos promocionais, mesmo dirigindo quando o diretor original não apareceu.


A capa do álbum é provavelmente mais conhecida do que o tracklist, e não é de admirar: apresenta o rosto de Harry perfurado horizontalmente por quatro pontas. Sua expressão é ambígua, possivelmente extática. Foi, de certa forma, um retrocesso para a outra famosa capa de Giger, a de Emerson, Lake e Palmer: "Brain Salad Surgery". Mas a capa também veria sua influência em filmes como "Hellraiser", a ascensão do chamado movimento "primitivo moderno", e ajudaria a cultivar o personagem masoquista sombrio que Harry interpretaria no Videodrome de David Cronenberg. Foi um sentimento que floresceria nos decadentes anos 80.

Harry escreveu sobre isso na revista Heavy Metal, que muitas vezes apresentava o artista, dizendo que "o trabalho de Giger tem um efeito subconsciente: gera o medo de ser transformado em metal".


segunda-feira, 29 de junho de 2020

quarta-feira, 24 de junho de 2020

Como Pink Floyd fez o "Final Cut" e aprendeu a se odiar

Via Classic Rock

O último álbum que Roger Waters fez com Pink Floyd fora ambientado no conflito das Malvinas, com a separação da banda no horizonte.

Quase 10 anos após o lançamento do "Dark Side Of The Moon", o álbum do Pink Floyd, "The Final Cut", foi lançado. Uma década antes, o material para o Dark Side havia sido trabalhado minuciosamente na estrada, e todos os quatro membros da banda tinham créditos para escrever no disco. Com "The Final Cut", o grupo - um trio, após a demissão do tecladista Rick Wright - tornou-se, por padrão, mais do que por design, um método de transporte para as palavras e a música do líder de fato Roger Waters sozinho, com músicos de sessão destacando-se fortemente ao longo de sua gravação.

O álbum teve poucos ganchos discerníveis, nenhum momento comercial de destaque, e o Floyd nunca tocou nada dele ao vivo. Inicialmente, isso não impediu o juggernaut do Floyd. Os fãs de todo o mundo esperavam três anos e meio por um novo álbum, a maior espera até hoje. E assim, em seu lançamento em março de 1983, o "Final Cut" se tornara o primeiro álbum do Pink Floyd no 1 do Reino Unido desde 1975, "Wish You Were Here". A Rolling Stone deu as cinco estrelas completas e sugeriu que poderia ser a "obra-prima da coroação do art rock".

Mas o onipotente logo faria um canivete. O "Final Cut" desapareceu quase assim que chegou, deixando o álbum, um single e um "vídeo" de 19 minutos como suas únicas pegadas. Não houve aparições promocionais, fotografias de publicidade em grupo, turnê. Mas logo se tornou crucial no doloroso colapso público de um dos maiores e mais bem-sucedidos grupos do mundo.

Se o álbum apareceu em entrevistas posteriores de Roger Waters e David Gilmour, foi retratado como proveniente de um período de miséria abjeta.

"Foi assim que acabou", disse Gilmour a David Fricke, da Rolling Stone, em 1987. "Muito infeliz. Até Roger diz que período miserável foi - e foi ele quem o fez completamente miserável, na minha opinião.

"Ele veio e morreu, realmente, não foi?" diz Willie Christie, que tirou a foto de capa do álbum. Christie tem uma ótima visão do álbum e do período. Waters era seu cunhado e, na época, Christie estava morando em uma dependência na garagem da casa de Waters em Sheen, "depois que um affair fora para o sul.
Como o rompimento estava no horizonte”, ele acrescenta, “acho que David estava achando isso muito difícil; Roger por diferentes razões. Isso foi uma grande vergonha. David havia dito publicamente que as músicas eram excertos do "The Wall". Por que regurgitar? Eu nunca vi isso assim. Adorei e achei que havia ótimas coisas.

Embora provavelmente seria um fã perverso que nomearia "The Final Cut" como seu álbum favorito do Pink Floyd, certamente vale muito mais crédito do que costuma ser dado. Sim, o álbum é o maior exemplo de Waters megalomaníaco de toda a carreira da banda. No entanto, apesar de toda a sua escrita e canto, ele precisa ser considerado um lançamento do Floyd, e não um solo do Waters - ele tem alguns dos melhores solos de guitarra de Gilmour, e o baterista Nick Mason tecera alguns dos melhores efeitos sonoros da carreira de Floyd.


Como um álbum de protesto, é um dos mais fortes de todos os tempos no rock britânico. Se tivesse sido feito por, digamos, Elvis Costello, Robert Wyatt ou The Specials, teria gravitas muito mais retrospectivas.

"O que fizemos na Inglaterra?" Waters canta na faixa de abertura "The Post War Dream", como uma banda de metais, o som mais britânico do mundo. Ele localiza o álbum diretamente na paisagem pós-invasão das Malvinas em 1982, enquanto olha para as praias de WorldWar II de 1944. Como Cliff Jones observou em "Echoes": As histórias por trás de todas as músicas do Pink Floyd, era “o mais liricamente inequívoco de todos os álbuns do Pink Floyd”.

Além disso, o álbum é fenomenalmente significativo na carreira do grupo. Se tivesse sido uma experiência muito melhor e um vendedor maior, poderia ter permitido a Floyd concluir, ou talvez continuar, em um nível triunfante e cordial. Em vez disso, deixou uma sensação incômoda de negócios inacabados, que levaram à cisão, ao triunfo comercial dos anos de Gilmour e a enorme vida após a morte do grupo.

A gênese de "The Final Cut" é bem conhecida. Parte de seu material data de cinco anos antes, quando Waters lançou a gravação original de "The Wall" no verão de 1978.

Ele havia escrito material para cerca de três álbuns. Ele foi escrito de uma maneira que os outros membros da banda, que pareciam querer escapar do Floyd na época, simplesmente não se identificavam. Para Waters, era como se esforçar demais - ele sabia que não deveria, mas só precisava explorar mais esse monstro que havia ajudado a criar.

O Pink Floyd como os conhecíamos terminou em 17 de junho de 1981 na arena de Earls Court em Londres, quando o último dos 31 shows de "The Wall" terminou. O retorno daquele ano às turnês foi reunir material para a versão filmada de Wall, dirigida por Alan Parker.

Havia ofertas - com considerável ironia - para a banda visitar estádios. Waters, é claro, corria uma milha deles. Enquanto isso, uma séria contemplação foi dada à idéia de tocar nos shows com Andy Bown, do grupo de tributo ao Floyd, a Surrogate Band, substituindo Waters.

"Me perguntaram se eu estaria interessado se a situação surgisse", diz Bown hoje. "Eu disse que sim, eu estaria." Mas a idéia foi rapidamente vetada por Waters. Falou-se de um álbum da trilha sonora para o filme de Parker, mas não havia muito material: versões de "In The Flesh" (com e sem o ponto de interrogação) executadas por Pink, Bob Geldof; "When The Tigers Broke Free" e "What Shall We Do Now?", que foram deixadas de fora do álbum.

Este projeto evoluiu para Spare Bricks, onde essas faixas foram complementadas com os excertos de "The Wall": "Your Possible Pasts", "One Of The Few", "The Hero’s Return" e "The Final Cut". No entanto, quando a Argentina invadiu as Malvinas, as ilhas dominadas pelos britânicos no Atlântico Sul em abril de 1982 - e a primeira-ministra do Reino Unido, Margaret Thatcher, enviou uma força-tarefa para combater isso, Waters repentinamente tratou do assunto.


A inutilidade do conflito de 74 dias que se seguiu, resultando na perda de 907 vidas, evocou novamente a morte do pai de Waters, Eric na Segunda Guerra Mundial, em Anzio, em 1944. Waters adorou a fusão do passado e do presente. Ele ia escrever um requiem moderno.

E assim Spare Bricks se tornara "The Final Cut". Seu título era uma referência shakespeariana a Júlio César sendo esfaqueado nas costas por Brutus: "Este foi o corte mais cruel de todos".

O "Final Cut" na terminologia do filme é o artigo final”, explicou Gilmour em 1983. “Quando você junta todos os juncos basicamente na ordem certa, você o chama de 'corte bruto', e quando o limpa e limpa perfeito, você chama isso de 'corte final'. É também uma expressão de uma facada nas costas, que eu acho que é a maneira como Roger vê a indústria cinematográfica."

Os freqüentes desentendimentos de Waters com o diretor Alan Parker na produção do filme não são segredo. Também ficou claro que os membros do Pink Floyd, nunca o grupo mais tímido, estavam cada vez mais distantes. A estréia no Reino Unido de The Wall em 14 de julho de 1982, no Empire Theatre em Leicester Square, em Londres, foi a única vez que o Pink Floyd, de três homens - ninguém sabia ainda que Rick Wright não estava mais na banda, com a linha da festa sendo que ele estava 'de férias' - já foram vistos juntos em público.

"When The Tigers Broke Free" (originalmente intitulado Anzio, 1944), lançado como single em julho de 1982, estava cheio de pathos e enorme em sua intenção. Desde "Apples And Oranges", lançado em 1967, tantos olhos se voltavam para um single do Floyd, com "Tigers..." sendo o primeiro single desde "Another Brick In The Wall, Part 2" em 1979.

"Tigers...", que era fundamentalmente Waters com o Coro de Voz Masculino Pontarddulais e uma orquestra, foi creditada a "The Final Cut". Ironicamente, ele não entrou no álbum até que a lista de faixas fosse reconfigurada para CD em 2004. "Tigers..." alcançou apenas o número 39 no Reino Unido.


Após o lançamento do single, Waters disse à Melody Maker em agosto de 1982: "Fiquei mais interessado nos aspectos de lembrança e requiem da coisa, se isso não parecer pretensioso".

Depois de chegar ao "Final Cut", "tudo começou a desenvolver um sabor diferente, e finalmente escrevi o requisito que venho tentando escrever há tanto tempo".

"Requiem For The Post War Dream" se tornaria a legenda para o álbum. A essa altura, Waters disse que o grupo "chegou ao estágio de reunir todos os trabalhos que fizemos até agora".

Após a estréia nos EUA do filme The Wall e um recesso, Waters voltou a trabalhar seriamente naquele outono. As sessões começaram em julho e duraram até o Natal. Apropriadamente, é um álbum verdadeiramente centrado no Reino Unido, com sessões em Abbey Road, Olympic, Mayfair, RAK, Eel Pie, Audio International, o estúdio em casa de Gilmour, Hookend, e o estúdio em casa de Waters, The Billiard Room.

Com o co-produtor de "The Wall", Bob Ezrin excomungado, Michael Kamen e James Guthrie co-produziram com Waters e Gilmour. Com Mason absorto com os seus carros de corrida e administrando um relacionamento fracassado enquanto começava um novo, Gilmour lutava para escrever um novo material, e a partida de Wright agora era apenas uma lembrança, Waters estava com uma pressa frenética de concluir o álbum que agora assumira um novo patamar. locação de vida.

Comecei a escrever este artigo sobre meu pai”, ele disse em 1987. “Eu estava em um rolo e fui embora. O fato é que eu estava gravando esse disco e Dave não gostou. E ele disse isso."

"Dave não gostou" se tornou a abreviação de "The Final Cut". Após um começo cordial, logo ficou claro que Waters e Gilmour precisariam trabalhar separadamente. O engenheiro Andy Jackson trabalharia com Waters, e Guthrie trabalharia com Gilmour e, ocasionalmente, eles se encontravam.

"O relacionamento foi definitivamente gelado nesse estágio", disse Jackson ao programa de rádio Floydian Slip, em 2000. "Não acho que alguém queira negar isso. Então, o tempo em que Dave - Dave em particular - e Roger estavam juntos no estúdio, foi gelado. Não há dúvida sobre isso." No entanto, deesse gelo se fez uma grande arte.

Também houve inovação. O inventor de áudio de origem italiana, nascido na Argentina (que sem dúvida teria apelado ao senso de humor de Waters), Hugo Zuccarelli havia abordado o grupo para experimentar seu novo som surround "holofônico" que poderia ser gravado em fita estéreo. Para um grupo tão associado ao pioneirismo em áudio, esse foi um benefício positivo.

O sistema usou um par de microfones na cabeça de um boneco. Zuccarelli interpretou Mason, Gilmour e Waters uma demonstração de uma caixa de fósforos sendo sacudida que parecia estar se movendo em torno de sua cabeça. O grupo tinha o mesmo pensamento de usar o sistema. Mason começou a reunir os sons na cabeça holofônica (que, como ele observou em sua biografia do Floyd, "Inside Out",recebera o nome "Ringo").

Ele gravou devidamente as aeronaves Tornado na RAF Honington, o som de carros passando, o vento e vários carrapatos, tacadas, cães, gaivotas, degraus, gritos e guinchos. No álbum, os efeitos sonoros mudaram entre os canais esquerdo e direito. O ataque com mísseis no início de "Get Your Filthy Hands Off My Desert" é sem dúvida o maior efeito sonoro em qualquer disco do Pink Floyd.

Ray Cooper tocou percussão, Raphael Ravenscroft adicionou saxofone e, na faixa final, "Suns In The Sunset", o baterista veterano do New, Andy Newmark, tomou o lugar de Nick Mason. Foram necessários dois músicos para substituir Rick Wright: Michael Kamen no piano e Andy Bown no órgão Hammond.

Foi maravilhoso trabalhar para eles nessa situação ao vivo. É raro conhecer uma banda de rock que sabe se comportar”, lembra Bown. “E a organização Floyd tratou muito bem as armas contratadas. A gravação é diferente - você não vive da mesma maneira. Não me lembro de quase nada dessas sessões. Eu quero saber porque."


As tentativas exatas de Waters de pregar uma gravação vocal levaram ao incidente bem relatado de Kamen gravando Jack Nicholson em "The Shining", escrevendo furiosamente na sala de controle. Quando Waters foi investigar o que estava fazendo, viu que Kamen havia escrito repetidamente: "Não devo foder ovelhas". Segundo Andy Bown, Kamen era "um urso fofinho adorável com um senso de humor maluco".

"Era óbvio que Roger estava concorrendo", disse Nick Mason em Inside Out, de um período de gravação no Mayfair Studios. "Às vezes, acredita-se que Roger aprecia o confronto, mas não acho que seja esse o caso. Eu acho que Roger muitas vezes não sabe o quão alarmante ele pode ser, e uma vez que ele vê um confronto como necessário, ele está tão comprometido com a vitória que joga tudo na briga - e tudo pode ser bem assustador ... David, por favor por outro lado, pode não ser tão inicialmente alarmante, mas uma vez decidido o curso de ação, é difícil de influenciar. Quando seu objeto imóvel encontrou a força irresistível de Roger, as dificuldades foram estabelecidas."

"Eu estava muito triste", disse Waters. "Quando chegamos a um quarto do caminho para o "The Final Cut", eu sabia que nunca faria outro disco com Dave Gilmour ou Nick Mason."

Gilmour disse em 2000: "Havia todo tipo de discussão sobre questões políticas, e eu não compartilhei suas opiniões políticas. Mas eu nunca, nunca quis ficar no caminho dele expressando a história do "The Final Cut". Só não achei que parte da música estava certa.”

Depois de muita discussão com Waters, Gilmour abdicara de seu crédito de produtor pelo álbum - mas não sua participação nos royalties do produtor. Ele chegou a dizer: "Chegou a um ponto em que eu apenas tinha que dizer: 'Se você precisar de um guitarrista, ligue para mim e eu virei e farei isso'".

Em 1983, ele disse: "Saí dos créditos de produção porque minhas idéias de produção não eram da maneira que Roger via".

"Eu estava apenas tentando superar isso", disse-me Gilmour em 2002. "Não foi nada agradável. Se fosse tão desagradável, mas os resultados tivessem valido a pena, então eu poderia pensar sobre isso de uma maneira diferente. Na verdade, eu não. Não acho que os resultados sejam muito grandes ... quero dizer, algumas faixas razoáveis, na melhor das hipóteses. Eu votei na "The Fletcher Memorial Home" no Echoes. Eu gosto dessa. "Fletcher", "The Gunner's Dream" e a faixa-título são as três faixas mais razoáveis."


Coberta pelo desgosto de Waters na Guerra das Malvinas, o colapso do sonho socialista do pós-guerra e o luto pelo pai que ele nunca conheceu, a narrativa de "The Final Cut" se concentra na figura do professor de "The Wall", que era um artilheiro. na guerra, encarando a vida moderna. O personagem central de "The Wall", Pink, faz uma aparição na faixa-título. Waters é frequentemente auto-referencial na escolha de palavras. Por exemplo, "desespero silencioso" e "lado sombrio", duas das frases mais floydianas, são usadas.

Das 12 faixas do álbum original, "The Hero's Return" e "The Gunner's Dream" são dois dos melhores momentos de Waters lado a lado: paranóia sangrenta, com sua capacidade ilimitada de beleza e empatia. O Retorno do Herói começou a vida como Professor, Professor do Muro. A demo da banda de janeiro de 1979 tem um drone de sintetizador, com Gilmour na guitarra slide alta; aqui, o herói é assombrado por imagens da guerra que ele não pode discutir com sua esposa.

Em "The Gunner's Dream", há pouca guitarra, mas muito saxofone, uma característica do Floyd 1973-75. Aqui, como em grande parte do álbum, a voz de Waters é o instrumento principal. A música examina a repentina impotência de uma situação quando confrontada pela bota. Referenciando o poeta de guerra Rupert Brooke, Waters apresenta uma de suas melhores performances vocais. Ele também apresenta o personagem imaginário Max, um nome de brincadeira para o produtor Guthrie das sessões.

O jornalista Nicholas Schaffner diz: "De certa forma, o "Final Cut" se qualifica como o equivalente de Roger ao altamente aclamado LP de John Lennon (John Lennon/Plastic Ono Band), lançado na esteira da desintegração dos Beatles em 1970".

E os gritos não param. Uma década e meia depois de suas lamentações em "Careful With That Axe, Eugene", possivelmente o melhor grito da carreira de Waters está em "The Gunner's Dream", onde ele uiva por 20 segundos completos. A Rolling Stone disse que continha alguns dos "cantos mais apaixonados e detalhados que Waters já fez". E certamente é, pois ele enuncia todas as vogais como se sua vida dependesse disso.


"The Fletcher Memorial Home", onde 'desperdícios coloniais da vida e dos membros' se reúne, oferece outro momento de destaque, com Waters dando aos tiranos passado e presente a chance de se reunir antes de aplicar uma solução final para eles. O solo de Gilmour e o belo arranjo de metais de Kamen melhoram a gravidade da música.

Embora a faixa-título seja semelhante a "Comfortably Numb" em seu arranjo, "Not Now John" é o rock do álbum. É uma ligação e resposta entre Gilmour e Waters - uma como a direita jingoística tão celebrada no início dos anos 80, a outra tentativa de razão. Os EUA, sentindo a única música que lembrava o rock convencional (completo com o trabalho de guitarra ultra-Floyd de Gilmour), sugeriram uma recriação de rádio, com Gilmour e as vocalistas de apoio cantando 'coisas' em voz alta sobre o uso óbvio da música da palavra 'fuck'.

Foi lançada como um single, acompanhado por um vídeo dirigido por Willie Christie, em maio de 1983 e incluído no Top 30 do Reino Unido. O álbum mais próximo, "Two Suns In The Sunset", foi inspiradA pela exibição recente de Waters do documentário proibido The War Game. No final, o herói se afasta e vê uma explosão nuclear, resultado da raiva de alguém se espalhando até o ponto em que o botão é pressionado. Ele agora entende 'os sentimentos de poucos'. Quando a explosão chega, Waters sugere: 'Cinzas e diamantes, inimigo e amigo, éramos todos iguais no final'.

A faixa final do "Pink Floyd original" termina com um saxofonista, um baterista e um produtor tocando piano. Até então, parecia que até Waters havia sido removido de sua própria história. A banda substituta havia assumido o controle.

Até os designers Hipgnosis, colaboradores de longa data do Floyd e o cartunista/ilustrador Gerald Scarfe estavam agora excedendo os requisitos. Scarfe disse que fez uma versão de teste de uma capa para "The Final Cut", mas o próprio Waters supervisionou a obra de arte com a empresa de design gráfico Artful Dodgers. Seu cunhado, o fotógrafo da Vogue Willie Christie, foi trazido para tirar as fotos da manga. Com o convidado da casa de Christie Waters na época, a dupla discutiu o conceito longamente.

"Estávamos conversando sobre isso o tempo todo desde a concepção", diz Christie. “Roger me pediu para tirar as fotos. ElAs surgiram de idéias sobre as quais tínhamos conversado - as papoulas apareceram muito por causa do tema. Fiz as fotos - as papoulas e a tira de medalhas - em novembro de 1982. O campo estava perto de Henley. Nós precisávamos de um campo de milho, e eu fiz uma sessão de fotos na Vogue lá em 1977. Uma empresa de adereços chamada Asylum me preparou algumas papoilas, pois as papoilas de verdade não duram."

Asilo também fez dois uniformes, completos com a faca nas costas. O assistente de Christie, Ian Thomas, modelou a roupa, segurando uma caixa de filme debaixo do braço. "Essa foi a idéia da faca na parte de trás e da caixa do filme", ​​diz Christie. "Que [Alan] Parker o esfaqueou [Waters] nas costas."

Em outro tiro, Thomas é visto morto no campo de papoulas, vigiado por Stewart, o spaniel de estimação do Waters. Na dobra dos portões, Thomas pode ser distinguido à distância, enquanto a mão estendida de uma criança segura papoulas. A capa também contém uma imagem de "Two Suns In The Sunset" e o soldador japonês (outro assistente, futuro fotógrafo de moda Chris Roberts) de "Not Now John", que foi filmado no estúdio de Christie em Londres.


Christie lembra de ter mostrado ao grupo seu trabalho em andamento: "David não havia sido envolvido ou consultado. Eu me encontrei um pouco no meio. Foi um pouco estranho, pois eu estava conversando com Roger. Mas David é um cara muito bom, um gênio. Foi um pouco: 'Oh, David, desculpe, eu não lhe mostrei. Não sou eu, tipo de coisa."

Gilmour olhou para as fotografias e depois disse a Christie: "Bem, na verdade, a faca não entrava assim, entrava de lado, pois sua caixa torácica não permitia que ela fosse reta, vertical".

"Roger cagou que, felizmente, como eu pensei que teria que refazer a coisa e ter que refazê-la. Pode ter parecido um pouco estranho se você tivesse a faca achatada. Esteticamente, sempre que você vê uma faca nas costas, ela é sempre vertical, não horizontal. Portanto, é um bom argumento, mas não recebeu muita credibilidade".

A imagem da capa é um poderoso close da lapela de um soldado, mostrando uma papoula e suas medalhas. A parte de trás da manga listava apenas três membros do Pink Floyd. Foi a primeira vez que o mundo inteiro percebeu que Rick Wright não era mais um membro do grupo - e que esse era claramente um trabalho "de Roger Waters, realizado pelo Pink Floyd".

Agora é difícil transmitir o quão emocionante foi o lançamento do "The Final Cut", em 21 de março de 1983. Chegou ao primeiro lugar no Reino Unido, permaneceu no gráfico por 25 semanas e vendeu três milhões de cópias em todo o mundo. Assim como o Reino Unido, liderou as paradas na França, Alemanha Ocidental, Suécia, Noruega e Nova Zelândia. Nos EUA, alcançou o sexto lugar.

Os críticos foram, é claro, deliciosamente misturados. Richard Cook escreveu na NME que Waters “escolhe as palavras como um nadador de praia terminal descalço, medindo um sussurro rachado ou subitamente se preparando para um grito colossal… um comando embriagado e furioso." A revisão termina com o comentário extremamente perspicaz: "Por trás da meditação chorosa e dos exasperados gritos de raiva, está a velha e familiar fera de pedra: um homem que é infeliz em seu trabalho".

Em Melody Maker, Lynden Barber escreveu: “Verdadeiramente, um marco na história do terrível. Espere a revisão bajulatória usual nas páginas da Rolling Stone.”

Uma semana depois, Kurt Loder cumpriu, com uma crítica de cinco estrelas que incluía: "Esta pode ser a principal obra-prima do art rock, mas também é algo mais. Com o The Final Cut, o Pink Floyd encerra sua carreira da forma clássica, e o líder Roger Waters - para quem o grupo há pouco se tornou pouco mais que um pseudônimo, finalmente sai de trás do muro, onde o deixamos pela última vez.
O resultado é essencialmente um álbum solo de Roger Waters, e é uma conquista superlativa em vários níveis. Desde o "Masters of War" de Bob Dylan, há 20 anos, um artista popular desencadeou na ordem política mundial um desprezo moral tão convincentemente corrosivo ou uma vida - amar o ódio tão estimulante e brilhantemente sustentado ... Em comparação, em quase todos os aspectos, o "The Wall! era apenas um aquecimento."


"Eu estava em uma mercearia, e essa mulher de cerca de quarenta anos de casaco de pele veio até mim", disse Waters ao jornalista Chris Salewicz em 1987. "Ela disse que achava que era o disco mais comovente que já tinha ouvido. o pai também havia sido morto na Segunda Guerra Mundial, explicou ela. E voltei para o meu carro com meus três quilos de batatas, fui para casa e pensei: 'Bom o suficiente'”.

E foi bom o suficiente. Mas não é bom o suficiente para o que o Pink Floyd se tornou na percepção popular. Como Nick Mason escreveu mais tarde: “Depois que o "Final Cut" terminou, não havia planos para o futuro. Não tenho lembrança de nenhuma promoção e não houve lembrança de nenhuma performance ao vivo para promover o disco.

Se houvesse uma turnê para divulgá-lo, o "Final Cut" poderia ter sido um enorme sucesso. Há algo sobre isso, como muita arte daquele estranho período de 1980-83 no Reino Unido, como Boys From The Black Stuff ou Brideshead Revisited, que quando você está preso a ele, não pode deixar de se sentir emocionado.

O início dos anos 80, a menos que você os tenha vivido, é muito difícil de explicar. Os anos 60 e 70 pareciam bem definidos. Quando as pessoas pensam nos anos 80, é o tempo mais tarde, impetuoso e categórico. Também precisamos revisar onde estavam os colegas dos anos 70 do Floyd em 1983. O Led Zeppelin já se fora há muito tempo. O Queen lambia as feridas de uma incursão mal aconselhada e total à discoteca. O Genesis tinha sido 'pop'. Yes, por acaso, estavam prestes a se reinventar como um monstro do estádio techno.

Pode-se dizer que o Pink Floyd foi o único a fazer o que sempre fez, ou pelo menos depois de 1975. Mas, como dito, não foi suficiente.

Menos de três meses após o lançamento do "The Final Cut", o governo conservador de Margaret Thatcher foi reeleito com uma vitória esmagadora da maioria, e os trabalhistas sofreram seu pior desempenho no pós-guerra.

Imediatamente, o resultado reforçou as preocupações de Waters sobre o paradeiro do sonho do pós-guerra e demonstrou o quanto ele estava fora de sintonia com seu público. Os dois principais protagonistas lançaram um álbum solo no ano seguinte: "About Face", de Gilmour, Waters, sua outra idéia conceitual de 1978, "The Pros And Cons Of Hitch Hiking", feita com muito do mesmo time de "The Final Cut". ("Foi muito divertido", lembra Andy Bown. "E ótimos músicos para trabalhar. Sangrento álbum também.")

Em outubro de 1985, Waters emitiu um pedido na High Court para impedir que o nome Pink Floyd fosse usado novamente, considerando-o uma "força gasta". Com isso, ele finalmente teve a coragem de fazer o corte final. Gilmour e Mason, no entanto, não o fizeram, e o próximo capítulo do Pink Floyd estava prestes a começar, um que veria a banda voltar aos estádios e emitir um ruído que soou como o melhor dos álbuns do Floyd entre 1971 e 1975.

Ao contrário do Led Zeppelin, que praticamente entrou em um depósito após a morte de John Bonham e reativou apenas uma boa década depois, as ações que se seguiram à perda de um membro fundador do Pink Floyd fizeram com que a banda se tornasse o estridente prog prognóstico que eles são hoje e um que Roger Waters acabaria por igualar com os seus próprios esforços nos estádios na última década.


segunda-feira, 18 de maio de 2020

Em “The Fool’s Path”, Fabiano Negri traz riffs grudentos e refrões que fazem você cantar junto


Os verdadeiros apreciadores sabem: disco é algo que começa a ser curtido muito antes de se apertar a tecla “play”. A capa e até o próprio nome, se bem sacados, já começam a instigar o ouvinte antes que qualquer nota musical seja ouvida.

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É o caso de “The Fool’s Path”, mais novo álbum solo do compositor, produtor, vocalista e multi-instrumentista Fabiano Negri. O título (algo como “o caminho do tolo”) e a capa, de autoria de Emerson Penerari e que mostra alguém aparentemente preso no topo de um penhasco, já colocam o público a pensar sobre o que tem ali. “O ‘tolo’ tem dois significados”, explica o autor. “Fala do tolo que insistiu 25 anos numa missão praticamente impossível e o tolo da carta do tarô, que indica uma guinada na vida, abandonando um caminho para recomeçar de forma diferente, mas sem saber se é certo ou errado.
O tolo, no caso, é o próprio músico. Conceitual, “The Fool’s Path” mostra-se uma prefeita reflexão sobre a carreira do artista independente que, a despeito do talento que possua, tem que brigar contra um leão por dia – e nem sempre vence a luta. Isso fica claro nas letras, todas fortes, às vezes até pesadas, e que inevitavelmente levam à reflexão (apesar de muitas delas poderem ter outras interpretações, como, por exemplo, o momento que vivemos).

Neste que é seu trigésimo trabalho em 25 anos de trajetória, na qual lançou discos solo e com Rei Lagarto, Dusty Old Fingers e Unsuspected Soul Band, Fabiano apostou naquela fórmula infalível: riffs grudentos e refrões que fazem você cantar junto na primeira ouvida são a tônica do disco.
Gravado no Estúdio Minster e com produção do próprio Fabiano, o álbum traz Cesar Pinheiro na bateria e Ricardo Palma no baixo – Ricardo também responde pela mixagem e masterização. Detalhe importante, “The Fool’s Path” não vão estar na íntegra nas plataformas de streaming, já que apenas uma versão reduzida estará disponível lá. Para conferir o disco na íntegra,  pré-venda da versão física já está no ar nas redes sociais de Fabiano.

Valendo-se de muito teclado, piano principalmente, Fabiano criou uma obra variada e consistente. Logo após a intro “Voiceless”, os fãs do finado Rei Lagarto vão matar as saudades da banda, já que a segunda faixa (e primeiro single) “The Wicked” lembra o hard rock do quinteto. Com a guitarra no comando, “The Last Man on Earth” tem riff grudento e também faz referência à antiga banda de Fabiano.

A viagem aos anos 70 se completa em “Lies Behind the Mask”, pesada e com o teclado dando as ordens, enquanto “Blind Superman” é uma balada pesada e de letra forte. Quer mais peso? Ouça “No One Gets Here Alive”, em que Cesar Pinheiro mostra uma perfomance digno de elogios.


O segundo single já lançado é “Changing Times”, que tem linha melódica e estrutura que provam o quanto Fabiano é influenciado por Elton John. Cesar mais uma vez é o destaque na intrincada “The Fool’s Path”, enquanto “Cursed Artist” tem alguns toques de progressivo e letra que vale uma conferida mais atenta. Por fim, “Dying City” é mais um tema pesado, que remete ao Rei Lagarto e tem refrão que fica na sua cabeça queira você ou não.

É absolutamente natural que após ouvir um disco bem composto, bem gravado e bem executado como este a gente fique buscando as referências e influências em que aquele artista bebeu. Dá para fazer isso com facilidade aqui. Mas não é o caso. “The Fool’s Path” é um álbum em que Fabiano Negri mostra a personalidade musical que formou ao longo desses 25 anos de carreira – e, por isso mesmo, é um disco único.

Antonio Carlos Monteiro
Jornalista, músico e crítico musical

Contatos:
E-mail: fabianonegri@yahoo.com.br
Telefone: (19) 99994-1769
Site: www.fabianonegri.com
Facebook: https://www.facebook.com/fabianonegrisolo/

quinta-feira, 7 de maio de 2020

Nightwish: "Human :||: Nature" traduz toda a riqueza da mente criativa de Tuomas Holopainen


Evolução, Planeta Terra, Natureza, Ser Humano. Todos estes, temas individuais e entremesclados, que fascinam Tuomas Holopainen, possuinte da mente pensante, propulsora e compositora do Nightwish.

Nightwish: 7 curiosidades sobre Floor Jansen (por ela mesma)

Após o profuso evolucionista álbum "Endless Forms Most Beautiful" (2015), onde mergulhado na obra literária do cientista darwinista bretão Richard Dawkins, e, notoriamente permear o prog rock dentro da atmosfera musical do Nightwish, Holopainen, agora empodera-se com tudo o que tem direito nas características pré-descritas para tecer o novíssimo "Human :||: Nature", 9º álbum de estúdio de sua nórdica banda, cada vez mais agigantada, que chegara em dez de abril último, num momento onde as questões biológicas x humanidade estão apicais, devido ao cotidiano viral-pandêmico em que vivemos.

Nightwish - Floor Jansen: "a música que mudou minha vida"

Subdividido em duas partes, o trabalho traz em sua primeira, 9 canções típicas da banda, mas já temperada no conceito proposto a partir do álbum antecessor, contendo maiores elaborações harmônicas e de arranjos, flertando a todo momento com o rock progressivo e o folk-erudito (que ótimo). Parte essa a qual discorrei melhor um pouco adiante.

Nightwish no Brasil: devido ao COVID-19, shows foram adiados para janeiro de 2021

Na segunda parte, o folk-erudito, com nuances celtas torna-se mais intenso e totalitário, na canção única deste segmento, "All The Works Of Nature Which Adorn The World" segmentada em oito partes, todas elas instrumentais e ambientais, vez ou outra contendo vocalizaçoes da frontwoman Floor Jansen.

Este tipo de sonoridade da 2ª parte desta obra não chega a ser uma surpresa, se for considerado que Tuomas sempre a desejara, desde os tempos embrionários do grupo, quando mudara de ideia após se deparar com o tamanho potencial vocal da cantora original, Tarja Turunen. Quem conhece seu trabalho paralelo, o AURI, onde ele, o multi-instrumentista Troy Donocley e sua esposa e cantora, Johanna Kurkela navegam por uma sonoridade semelhante, também não se espantara.

Mas agora voltemos à majestosa 1ª parte do disco, onde nove estupendas e fascinantes canções contemplam os ouvidos do apreciador.

"Music" abre o álbum com direito à intro prog tibal climática, desembocando numa belíssima canção evocada pelos sintetizadores de Tuomas e o canto coralístico que a entregam para os primeiros versos cantados pela absoluta Floor Jansen, que no refrão, conclama todo a banda para tocar, com direito ao solo melódico do guitarrista Emppu Vuoriinen.

"Noise" vem a seguir trazendo o selo padrão Nightwish, com aquela formatação conhecida pelos fãs, presente em canções de todos os álbuns da banda, "as de trabalho", tendo inclusive sendo lançada anteriormente como single e ganhando clipe próprio. O maravilhoso power-metal sinfônico, de andamento rápido e harmônico, com as imponentes bases do  teclado de Tuomas, e o refrão forte, para cantar junto e bangear a cabeça, típico do grupo.


Em "Shoemaker", Floor Jansen começa cantando, puxando o freio da cadência acelerada das canções anteriores, nesta peça esplêndida e cadenciada, onde ela divide os vocais com o multi-instrumentista e também vocalista, Troy Donocley, que fornece o seu serenado canto. As partes de Tuomas aqui também merecem todo enaltecimento. Uma das melhores canções da carreira da banda.

A bateria do estreante em estúdio com o Nightwish, Kai Hahto, ritma a aveludada e tenra canção "Harvest", que recebera os vocais principais de Troy, que canta em tom macio, tornando a música uma delícia de se apreciar e cantar junto, além de brindar o ouvinte com um belo solo de sua gaita irlandesa.

As coisas voltam a ficar rápidas e possantes em "Pan", embora aqui, miss Jansen a entoe maviosamente, bem como as teclas de Tuomas parecem pingos sutis na melodia, marcada pela interessante linha de baixo de Marko Hietala. E o coral a alavanca e a torna pujante novamente.

A linda "How's The Heart?" se inicia com o tripé Troy, Floor e Marko funcionando nela perfeitamente. O primeiro com sua ímpar gaita irlandesa novamente, a segunda com sua afinadíssima voz e o terceiro com sua precisa marcação nas quatro cordas. Tudo se completa com um refrão que pega o ouvinte.

A paz pode ser encontrada nos primeiros versos entoados por Floor Jansen na tranquila linha melódica de "Procession", canção de beleza lírico atmosférica em canto suave irrompido pela guitarra de Emppu e a bateria de Kai.

A presença de povos primitivos é transmutada em canção erudito-rústica em "Tribal", uma espécie de "Roots"* do Nightwish.

O baixista e vocalista Marko Hietala tem seu grande momento em "Human :||: Nature" na faixa que encerra o primeiro disco, "Endlessness", onde elegantemente destila todo o seu poder de tenor frente às bases harmônicas oriundas das teclas de Tuomas Holopainen.

Concluindo, "Human :||: Nature" traduz toda a riqueza da mente criativa de Tuomas Holopainen, que só fora possível se realizar, por este estar cercado de virtuosíssimos executores que o cercam em todos os instrumentos e aos microfones, contando ele com o canto de 3 vocalistas brilhantes.

E pensar que a turnê de divulgação desta belíssima obra estaria passando por terras brasileiras neste fim de semana próximo, com um show em São Paulo e outro no Rio. Ambos adiados para janeiro de 2021, em virtude da pandemia do COVID-19 (Coronavírus). É de se lamentar e muito, mas tudo passará e o Brasil e o mundo enfim poderão assistir as canções de "Human :||: Nature"executadas ao vivo nos palcos.

*"Roots" = faixa-título do álbum do Sepultura, lançado em 1996, que conta com elementos indigenas brasileiros.

Tracklist:

CD 1:

1. Music
2. Noise
3. Shoemaker
4. Harvest
5. Pan
6. How's The Heart?
7. Procession
8. Tribal
9. Endlessness

CD 2:

1. All The Works Of Nature Which Adorn The World - Vista
2. All The Works Of Nature Which Adorn The World - The Blue
3. All The Works Of Nature Which Adorn The World - The Green
4. All The Works Of Nature Which Adorn The World - Moors
5. All The Works Of Nature Which Adorn The World - Aurorae
6. All The Works Of Nature Which Adorn The World - Quiet As The Snow
7. All The Works Of Nature Which Adorn The World - Anthropocene (incl. "Hurrian Hymn To Nikkal")
8. All The Works Of Nature Which Adorn The World - Ad Astra

A Banda:

Tuomas Holopainen – teclado, piano, produção, gravação, mixagem
Emppu Vuorinen – guitarra
Marko Hietala – baixo, vocais, guitarra acústica
Troy Donockley – gaita irlandesa, apito baixo, bouzouki, bodhrán, aerofone, guitarra, vocais
Floor Jansen – vocais
Kai Hahto – bateria


sexta-feira, 20 de março de 2020

KISS: Os 45 anos de "Dressed to Kill"


"Dressed to Kill" é o terceiro álbum da banda Kiss, lançado em 19 de março de 1975.

Contando com alguns clássicos da banda como, "Rock Bottom", "C'mon and Love Me", "She", "Love Her All I Can" e a versão original do hino "Rock n Roll All Nite", inicialmente, "Dressed To Kill" não foi tao bem recebido pelo público, apesar de ser o álbum da banda com a melhor qualidade de gravação até então.


O álbum só veio chamar a atenção dos fãs, ganhando dois discos de ouro, após o enorme sucesso do álbum "Kiss Alive!", também lançado em 1975,  que popularizou a versão ao vivo de "Rock N Roll All Nite", consequentemente, chamando atenção para sua versão de estúdio em "Dressed to Kill".

o álbum segue como padrão uma das maiores características da banda, a variedade de faixas cantadas pelos seus integrantes. Nele Encontramos músicas cantadas por Paul Stanley, Gene Simmons e Peter Criss - esse último cantando a faixa "Getaway". Nessa época Ace Frehley, guitarrista solo e backing vocal da banda, ainda não protagoniza vocais em faixas.


Hoje em dia, "Rock n Roll all nite" é tocada nos fins de todos os shows, tida como um hino não só da banda, mas da história do rock n roll. Em eventos especiais como o cruzeiro anual comemorativo Kiss Kruise e os shows acústicos de Meet and Greet, é comum ouvir quase todo o álbum sendo tocado.

Por Andi Corrêa.


Tracklist:

Room Service
Two Timer
Ladies In Waiting
Getaway
Rock Bottom
C'mon And Love Me
Anything For My Baby
She
Love Her All I Can
Rock And Roll All Nite

A Banda:

Gene Simmons - Baixo, Vocal
Paul Stanley - Guitarra Base, Vocal
Ace Frehley - Guitarra Solo
Peter Criss - Bateria, Vocal


sexta-feira, 14 de fevereiro de 2020

Black Sabbath: ...sobre os 50 anos do álbum de estreia auto-intitulado


Pelo confrade Renato Azambuja.

Pare de estragar seu toca-discos girando LPs no sentido anti-horário.

Se você deseja, e realmente tem colhões pra sentir o verdadeiro hálito do Cão queimando suas narinas, ele e sua falange infernal nos deram o ar da (des)graça há 50 anos, com o lançamento do álbum homônimo da banda Black Sabbath.

Reza a lenda que seu andamento arrastado, característico desde então a todos os clássicos do grupo, se deve à deficiência de Tony Iommi, que teve dois dedos parcialmente decepados numa prensa industrial, e aprendeu com o grande Django Reinhardt que é possível ser um ícone do instrumento mesmo sem poder contar com a integridade de todos os seus membros.

Acho que não passa de lenda, mas parece sim que o inferno é uma questão de frequência. A mínima distorção do dial pode encerrar a conexão pra sempre.

Tanto é que a capa, considerada icônica por muitos, me soa bastante cliché. Não, eu encomendaria para o trabalho nada menos que Hyeronimus Bosch. Por sorte ele nos legou sua "versão" (com desconfiadas aspas) definitiva do inferno em seu Jardim das Delícias Terrenas.

Imagem da casa usada na capa do álbum. 

Ozzy Osborne ora soa como Judas, servindo de aperitivo pro tinhoso, eternamente mastigado da cintura pra baixo no nono círculo do inferno.

Ora soa como o próprio Dante Alighieri, alertando-nos contra nós mesmos, e nisso as pequenas suítes com mudanças de andamento nos remetem às passagens pelos nove círculos. Ás vezes soa ainda como o próprio Satã, com sua risada congelante.

Muito se discute sobre a paternidade do Heavy Metal, principalmente quando o assunto é Black Sabbath.

É claro que o ritmo estava no ar, esperando a conjunção perfeita de fatores. Era possível senti-lo aqui e ali. Eu cito a guitarra em espiral de George Harrison ao final de "I Want You (She´s So Heavy)", em "Abbey Road", como um belíssimo indício.


Mas também é claro que esse tipo de discussão somente surge quando alguma banda concebe a fórmula definitiva do ritmo, e no caso do Sabbath, chega ao ponto de esgotar o assunto, fazendo com que 99,9% (666 de ponta cabeça) das tentativas de segui-los soe miseravelmente afetado.


Tracklist:

1. "Black Sabbath"
2. "The Wizard"
3. "Behind the Wall of Sleep"
4. "N.I.B."
5. "Evil Woman"
6. "Sleeping Village"
7. "Warning"

A Banda:

Tony Iommi - guitarra
Geezer Butler - baixo
Ozzy Osbourne - vocais, gaita
Bill Ward - bateria



segunda-feira, 23 de dezembro de 2019

Matanza Inc. Em álbum de estreia e com formação ajustada

O QUE ACONTECE DEPOIS DA MORTE?

Em álbum de estreia e com formação ajustada, Matanza Inc persegue o universo musical e de personagens que lhe é peculiar.

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Os 20 melhores álbuns de rock e metal de 2019, segundo a Confraria Floydstock

Se o Matanza encerrou as atividades em meados do ano passado, deixando fãs inconsoláveis em concorridos shows de despedida pelo país, não demorou para a boa notícia chegar. Depois da morte, o purgatório vem em uma nova corporação, como Matanza Inc. O “Inc”, inspirado no Venom Inc., um desdobramento da banda inglesa seminal do metal extremo, que passou por uma reestruturação semelhante, vem no modo “pessoas emancipadas agindo como um corpo só”.

A vida após a morte é explicitada no álbum de estreia, batizado com o singelo título “Crônicas do Post Mortem”, e a explicação subtitulada como “Guia Para Demônios & Espíritos Obsessores”. É mais um trabalho conceitual sacado pelo guitarrista e compositor de quase toda as músicas e letras, e agora assumidamente capo da corporação, Marco Donida. Além de Maurício Nogueira (guitarra), Dony Escobar (baixo) e Jonas Cáffaro (bateria), ele tem o experiente Vital Cavalcante nos vocais.

Contemporâneo de Donida, Vital cultiva mais de duas décadas de berros, gritos e todo o tipo de cantoria na beirada dos palcos, liderando bandas como Jason (uma das atuais), Jimi James e Poindexter, onde foi revelado no início da década de 1990. Cascudo, Vital dá valiosa contribuição ao disco, em um incrível e instantâneo processo de adaptação ao modo Matanza Inc de ser.

Modo este que faz do cantor um verdadeiro intérprete da gama de personagens criada por Donida. Porque não é possível ser suave, gentil ou afável ao se falar sobre bebuns incorrigíveis, psicopatas inveterados, viciados em jogatina, traídos por mulheres más, condenados sem piedade e outros tipos azarados em cujas vidas tudo dá errado e eles nunca sabem o porquê. Cronista desse universo há mais de 20 anos, Marco Donida chega ao Matanza Inc com a pena afiada. E as guitarras também.

No primeiro single, “Seja o Que Satan Quiser”, o bebum sem saída se vê descompromissado diante do Cão no purgatório, num rock pesado com as referências que fazem parte do ambiente da banda: metal, hardcore e base country. E com aquele refrão pegajoso, outra marca das composições de Donida. Refrão que bate ponto na ótima “Tudo de Ruim Que Acontece Comigo”, um doo-wop pesadão dançante incomum ao grupo, no qual o sujeito retratado se vê injustiçado pela própria vida – maldição, crime ou castigo? -, mesmo que persiga a ruína.

A ruína também é tema do country core (invenção do próprio Marco Donida) “As Muitas Maneiras de Arruinar a Sua Vida” – “não precisa escolher uma só” -, e as referências mais explícitas ao metal extremo do disco estão em “Para o Inferno”, na qual o condenado se conforma em ir para a parte de baixo com a sensação de dever cumprido. A música tem a participação cavernosa de Vladimir Korg, vocalista do The Mist, lenda do metal nacional da qual o jovem Marco Donida era fã lá na década de 1980.

O vocalista do Dead Fish, Rodrigo Lima, outro peso pesado do barulho nacional, canta brilhantemente junto com Vital em “O Elo Mais Fraco da Corrente”, mais trabalhada no hardcore: o pobre do cidadão morre sem saber o motivo “pela evidente falta de bom senso”. Até a extrema-unção é tema, em “Péssimo Dia”, e o indelével padre é rejeitado, em música conduzida por um belo riff de guitarra, resultando em um heavy rock de sotaque setentista com peso abissal.

O terceiro convidado é Marcelo Schevano, que empresta sutis teclados em “Pode Ser Que Eu Me Atrase”, rock à Motörhead anos 70 convertido em Matanza Inc com ótimo refrão e que prevê que um notável ruim de roda pode escapar do acidente automobilístico e perder até a hora do juízo final; e a guitarra chora que é uma beleza.

Compor tantas variações sobre um mesmo tema – e o Velho Oeste só reaparece em “A Cena do Seu Enforcamento”, quando se entende que “no firmamento não há mais lugar” - não é para qualquer um. O genial Donida – que outro artista brasileiro criou um subgênero do rock mundial? - investe bastante tempo em busca de músicas que sejam ao mesmo tempo afins e distintas entre si.

Trabalhando em total solitude, leva mais ou menos um ano no desenvolvimento das ideias, e outro para chegar ao acabamento com as letras, em geral com farta riqueza vocabular, e ao conceito de cada disco. Aí, parte para o sempre impactante material visual, que ele também assina.

É quando entra a banda, que, não é nada, não é nada, já está com essa formação, à exceção do caçula Vital, há quatro anos, o que garante um ótimo entrosamento não só nos palcos, mas na hora de entrar em estúdio. E facilita as coisas para que um novo modus operandi, mais ameno, se imponha, mas sem desperdiçar as antigas experiências.

Crônicas do Post Mortem - Guia Para Demônios & Espíritos Obsessores” tem lançamento previsto para o início de junho, com shows agendados em várias capitais. Em disco físico, sai pela Monstro, meca do rock independente nacional, em CD e LP, e desde meados de maio todas as músicas estão liberadas nos serviços de streaming. A versão europeia também já está acertada, numa parceria com a Raging Planet de Portugal. Se a turnê do disco promete se estender por muito tempo, que seja o que Deus, ops, o que Satã quiser...

Marcos Bragatto, maio de 2019

Da um confere em Chumbo Derretido uma das faixas do novo álbum.

quinta-feira, 5 de dezembro de 2019

"Band On The Run" - Wings

Traduzido pelo confrade Renato Azambuja via This Day in Music.com

Em 8 de junho de 1974, o Wings começou uma corrida de sete semanas no primeiro lugar na parada de álbuns do Reino Unido com "Band On The Run". O álbum se tornou um dos mais vendidos de McCartney, passando 124 semanas na parada britânica.

Mas na preparação para e durante a gravação - McCartney e sua banda estavam verdadeiramente "em fuga". O ex-Beatle estava numa maré de sucesso, seu último álbum, "Red Rose Speedway", liderou as paradas dos EUA e, finalmente, após um início instável pós-Beatles, o futuro parece bom para McCartney e seu novo grupo, Wings.

Armado com um lote de novas músicas escritas em sua fazenda na Escócia, Paul entrou em contato com a EMI para reservar o ambiente familiar dos estúdios da Abbey Road - sendo informado de que estavam reservados pelo período que McCartney havia solicitado. Ele pediu à EMI que lhe enviasse uma lista dos estúdios internacionais de gravação, restando ao cantor a escolha entre o Rio de Janeiro e Lagos, na Nigéria. Paul e Linda sonhavam com algumas semanas na África, então seria Lagos.

Mais tarde, o cantor afirmou que a idéia de ficar na praia o dia inteiro e gravar à noite parecia uma ótima maneira de fazer um novo álbum.

Então os problemas começaram.

No final de agosto de 73, cinco dias antes de partir para a África - o guitarrista do Wings, Henry McCullough, ligou para Paul para anunciar que estava deixando o grupo. Um problema nem tão grande à medida que Paul consegue fazer ele mesmo alguns licks. Mas as piores notícias ainda estavam por vir - no dia em que eles partiram e apenas três horas antes da decolagem do avião - o baterista Denny Seiwell também deixou a banda.


Isso deixou apenas o núcleo da banda - Paul, Linda e Denny Laine - para se aventurar em Lagos, junto com o ex-engenheiro de som dos Beatles, Geoff Emerick.

Ao chegar em Lagos, a banda descobriu um país, administrado por um governo militar, com corrupção e doenças correndo desenfreadas. O estúdio, no perigoso subúrbio de Apapa, era decrépito e mal equipado. A mesa de controle estava com defeito e havia apenas uma máquina de fita.

Perseverante, o trio iniciou as sessões, trabalhando do final da tarde para a noite. Paul tocava bateria e partes de guitarra, com Denny tocando violão e Linda adicionando teclados.

Justo quando eles pensaram que nada mais poderia dar errado - dando um passeio noturno, Paul e Linda foram assaltados à faca. Os agressores descartaram todos os seus objetos de valor e roubaram uma sacola contendo um caderno cheio de letras e músicas manuscritas e cassetes contendo demos de músicas a serem gravadas. Eles tiveram sorte de não serem fisicamente atacados.

Algumas noites depois, quando McCartney estava finalizando uma faixa vocal, ele começou a arfar. Sentindo-se mal, saiu para tomar um ar fresco - mas, uma vez exposto ao calor abrasador, desmaiou e caiu no chão. Ele foi levado às pressas para consultar um médico - que informou Paul de que ele havia sofrido um espasmo brônquico causado pelo excesso de fumo.

McCartney se recuperou e as sessões foram concluídas nas semanas seguintes. Quando lançado, "Band on the Run" recebeu críticas positivas e viu o álbum gradualmente avançando nas paradas. Na primavera de 1974, reforçado pelos sucessos "Helen Wheels" (em homenagem ao Land Rover de McCartney, que eles apelidaram de "Hell on Wheels"), "Jet" e a faixa-título "Band on the Run", o álbum alcançou o n.º 1 nos EUA em três ocasiões separadas.

"Band on the Run" contém alguns dos melhores esforços solo de McCartney. Então, vamos terminar com uma nota mais leve.

Mais recentemente, Paul contou a história de como ele escreveu a música "As últimas palavras de Picasso (Drink to Me)". Paul e Linda estavam de férias em Montego Bay, Jamaica, onde ele encontrou Dustin Hoffman e Steve McQueen, que estavam trabalhando no filme Papillon. Depois de um jantar com Hoffman, com McCartney brincando com o violão, Hoffmann não acreditava que McCartney pudesse escrever uma música "sobre qualquer coisa", então Hoffman retirou uma revista onde eles viram a história da morte de Pablo Picasso e suas últimas famosas palavras: “Bebam a mim, beba à minha saúde. Vocês sabem que eu não posso mais beber.” Paul aceitou o desafio e escreveu a música no local.

Review: Ex Libris - ANN - A Progressive Metal Trilogy


In a creative process that had lasted a little over a year, three splendid parts finally formed a wonderful whole.

The Dutch band Ex Libris, led by frontwoman Dianne Van Giersbergen, set out headlong on an audacious project but extremely happy outcome: the album "ANN - A Progressive Metal Trilogy", designed from August 2018 onwards in the form of 3 EPs of approximately 20 minutes, with 3 songs each, addressing in each of them the musical story of 3 great "Annes" of world history, all huge victims of terror from the human race itself, namely:

Review: Ex Libris - “Ann, Chapter 1: Anne Boleyn”.


Review: “Ann, Chapter 2: Anastasia Romanova” - Ex Libris (also in English).


... And finally, the newcomer "Chapter 3 - Anne Frank", which I will talk about in the lines below.

In the third chapter of this prog-metallic trilogy, Dianne and her companions of Ex-Libris invites us to explore Anne Frank's strong and sad story, but with the impressive lyrical charm they always manage to deliver in their works.

Anne Frank, born in Frankfurt to a Jewish family, desperate by the Nazi terror, takes refuge in the Netherlands in 1943, where Anne begins making her famous dutch written diary in a tiny notebook she had been given for her 13th birthday, which would later be published by his father and translated into over seventy languages.

The work begins precisely with the song "The Diary", which brings us to Dianne, emerging with her beautiful and smooth voice, accompanied by piano and keyboards, by the incredible Joost van den Broek, creating an initially lucid and tranquil atmosphere, where Frank begins the diary writing, writing the first lines, still serene and with a certain tranquility.

Harmony and contemplation give way to fear, anguish, and tension in the face of the coming threat in EP's second song "The Annex," which erupts bursting with ex-Libris' wonderful prog-metal elements: powerful riffs, phrasing, and guitar solos by Bob Wijtsma, variations of tempo, always pervaded by Lady Dianne's breaking voice. Here we even have a beautiful little excerpt that brings us to flamenco music, with guitars and voice.

Suddenly, sirens announce the dread and turn "The Annex" to "The Raid", undoubtedly one of the best songs of the Ex-libris career. A beautiful ten-minute suite, bringing the moment of the arrest of Anne Frank and her family by the Nazi Gestapo in August 1944 and the torturous stay and death in the Bergen-Belsen concentration camp in February 1945.

Here, there are qualities to spare. First, Dianne does almost too much of her well singing, showing one of her greatest vocal virtues: her ability to sway intermittently between lyric singing and raw metal. Moreover, the instrumental part of the song is elaborately exquisite, with the musicians seeming to frolic, as if shifting melodic cadences from here to there was extremely easy.

The song, the EP and the album ends with Dianne van Giersbergen singing a beautiful chant without lyrics, as if the specters of Anne Boleyn, Anastasia Romanova and Anne Frank looked at us in farewell and grateful for the beautiful tribute they received from Ex Libris.

Five stars.

Review: Ex Libris - ANN - A Progressive Metal Trilogy (Chapter 3 - Anne Frank) (Texto em Português)

Transleted from Portuguese by Renato Azambuja.

Ex Libris: Exclusive Interview with Dianne van Giersbergen



Tracklist:

1.The Diary (04:22)
2.The Annex (06:03)
3.The Raid (10:16)

A Banda:

Dianne van Giersbergen – Vocals
Joost van den Broek – Synth, Keys
Bob Wijtsma – Guitars
Luuk van Gerven – Bass
Harmen Kieboom – Drums