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segunda-feira, 14 de novembro de 2022

A canção que David Bowie achou melhor que a faixa-título de 'Space Oddity'

Muito antes de seu período experimental em Berlim com Brian Eno, ou mesmo de seus anos estelares sob a maravilha do glam rock de Ziggy Stardust e Aladdin Sane, David Bowie era um jovem vagabundo circulando pelas ruas de Londres que explodiu com a energia criativa dos anos 1960. Foi nessa época que Bowie fez seus primeiros esforços como artista de gravação, mas sua fama e fortuna acabaram se tornando uma xícara de chá lentamente.

Bowie saiu da armadilha com seu álbum de estreia homônimo em 1967. O disco teve um desempenho lamentável nas paradas e foi uma decepção esmagadora. As faixas pareciam limitadas por seu distanciamento das formalidades normais da música pop. Elas também eram difíceis de levar a sério com seu som irônico que parecia mais condizente com alguma produção bizarra de rima infantil.

O primeiro sucesso comercial de Bowie veio com o lançamento de "Space Oddity", um álbum que ainda não alcançou muita atenção crítica ou comercial, mas seu primeiro single homônimo foi perfeitamente sincronizado com os desembarque na lua nos EUA com seu lançamento em 1969 e se tornou seu primeiro grande sucesso. .

Enquanto Bowie seguiu a direção comercialmente lucrativa de “Space Oddity” em seus álbuns subsequentes e mais bem-sucedidos na década de 1970, ele sustentou que uma das faixas há muito esquecidas do LP "Space Oddity" merecia muito mais apreciação do que qualquer uma de suas faixas vizinhas.

Bowie estava apaixonado pelo lado de 9,5 minutos de "Space Oddity", 'Cygnet Committee' e esperava que sua gravadora lhe permitisse lançá-lo como um single ao lado de 'Space Oddity'.

A peça criativamente densa faz referência ao Beckenham Arts Lab de Bowie e sua namorada Angela Barnett. Eles montaram a instalação de arte para incentivar os jovens a serem criativos. No entanto, ele descontinuou o Arts Lab quando percebeu que a maioria das pessoas vinha apenas para vê-lo se apresentar e não para participar. 'Cygnet Committee' expressa o encontro decepcionante de Bowie com hippies durante esse período, pois ele sentiu que estava sendo usado pelos adolescentes: "Eu dei a eles [minha] vida... Eles drenaram minha alma..."

Em Living on the Brink, Bowie discutiu a faixa com George Tremlett. “Sou eu olhando para o movimento hippie, dizendo como começou tão bem, mas deu errado”, disse Bowie. “Os hippies se tornaram como todo mundo, materialistas e egoístas”, disse Bowie, antes de citar a faixa como a melhor e mais importante do álbum.

Muito trabalho foi feito no épico, e Bowie queria que sua mensagem permeasse a sociedade. Em uma conversa com a Interview Magazine em 1973, Bowie falou com paixão sobre a faixa mais uma vez. “Eu basicamente queria que fosse um grito para a porra da humanidade”, disse ele, mais tarde citando os escritores da geração Beat Allen Ginsberg e Jack Kerouac como “a forma mais verdadeira de qualquer forma de qualquer esquerda revolucionária”.

Continuando o ponto, Bowie explicou que os seguidores hippies do ideal da Geração Beat infelizmente perderam o rumo. “Os hippies, receio, não sabem o que está acontecendo”, disse ele à Interview, antes de acrescentar que Yoko Ono era o verdadeiro “underground

Via FAR OUT.

domingo, 18 de setembro de 2022

Black Sabbath: como "Paranoid" "matou" os anos 60

Às vezes, um álbum pode fazer você sentar e prestar atenção.  Às vezes pode pegar um grupo de indivíduos anteriormente desconhecido e transformá-los em sua nova banda favorita.  Raramente esses álbuns criam um gênero totalmente novo e, ainda mais raramente um álbum consegue fazer todos os três em apenas oito músicas.  Hoje, no aniversário de seu lançamento, estamos relembrando o magnífico "Paranoid" do Black Sabbath.

Olhando para trás, é fácil ver como o "Paranoid" acabou com o amor livre e os espíritos elevados dos anos sessenta com uma estaca no coração.  Black Sabbath viu o corpo ferido da década, sangrando esperanças tecnicolor de reinos da contracultura e vomitando as falsas promessas de uma geração de artistas e, em vez de realizar RCP, estava feliz em matar a década com uma mão forte sobre a boca e um  fogo nos olhos coletivos da banda.  Este foi o álbum que começou não apenas o domínio do rock do Sabbath, nem se tornou um modelo de heavy metal para todos seguirem.  Este foi o álbum que assassinou os anos sessenta.

O segundo álbum da banda estava cheio de intenções maliciosas quando foi lançado do estúdio por Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Bill Ward e Geezer Butler. Quer eles soubessem ou não, o Sabbath tinha acabado de colocar os anos sessenta em uma cova rasa e eles fizeram isso com um dos discos de heavy metal mais abrangentes de todos os tempos. No final de 1970, a visão do mundo dos anos sessenta e o movimento de amor livre que emanou de São Francisco em 1967 azedaram. Drasticamente.

Muito do que borbulhava no bairro de Haight-Ashbury, o epicentro do movimento de contracultura e o local privilegiado do Summer of Love, foi construído com base na esperança e na crença de que a ação coletiva poderia mudar as coisas. À medida que o tempo passava e nada parecia mudar, exceto a capacidade mental daqueles hippies que participavam continuamente de experimentos com LSD, a visão que havia sido mapeada na década oscilante estava começando a escurecer a cada passo. Em 1970, tudo ficou preto.

Entra o Sabbath.

Se você estava procurando a antítese do bairro nobre de São Francisco, então você só precisa virar a cabeça para os anos setenta de Birmingham, Inglaterra. A cidade sempre teve um coração industrial pulsante, mas agora essas indústrias estavam começando a empacotar. Deixou a cidade em ruínas e as ruas cobertas de pó de carvão não eram exatamente o tipo de lugar que você poderia andar descalço. É fácil ver como as visões e as paisagens sonoras criadas dentro deles combinam com a música que foi feita neles.

Claro, o álbum foi realmente gravado em Londres e supervisionado por Rodger Bain. Embora seja um pouco difícil chamar "Paranoid" de o primeiro álbum de heavy metal, o próprio stonker do Led Zeppelin foi lançado quase dois anos antes, mas certamente tem todas as características e talvez vá um pouco mais longe com sua iconografia obviamente mais distorcida. Enquanto o Zeppelin foi inspirado por Aleister Crowley, sempre parecia que Ozzy e a banda estavam realmente vivendo nele.

Através de músicas como a faixa-título, 'Electric Funeral' e 'Iron Man' os Sabbath criaram um som totalmente novo, extrapolando o melhor do blues e a revolução do rock que o antecedeu, mas agora com uma lâmina brilhante nas costas. Ozzy Osbourne era aquela lâmina muito brilhante, é quase impossível retirar seu carisma deste álbum, ele se integra a cada nota. Vocalmente, ele é magistral, sinceramente magistral. No entanto, é no comando das músicas que ele realmente brilha.

Sob sua orientação, embora não tenhamos certeza de quão consciente ele estava, ele supervisionou o Black Sabbath criando um dos álbuns mais potentes de todos os tempos.  Eles conseguiram porque Ozzy sempre se sentiu incrivelmente autêntico ao cantar as músicas.  Ou neste disco, onde vocalmente ele mostra o quão bom ele realmente era ou no palco – seja o que for, Osbourne tinha.  Na verdade, ele ainda faz.

No resto das oito faixas do disco, há lembretes de por que o Sabbath se tornou um muso-culto.  Seja o alívio enervante de 'Planet Caravan' ou o blues sombrio que ressoa em 'Hand of Doom', aqui está um álbum que é certamente tudo assassino e sem enchimento. Claro, talvez o álbum também tenha uma arma de abertura diferente de qualquer outro LP, a incrível música 'War Pigs'. A faixa tem uma intensidade inigualável e conta tudo o que você precisa saber sobre o que foi esse álbum. Guerra.

Este foi o álbum que confirmou toda a esperança e liberdade dos anos sessenta. Agora, a realidade de uma festa de uma década caiu pesadamente aos pés de uma nova geração. Ao invés de resgatar a situação, com "Paranoid", Black Sabbath acabou com a década inteira de sua miséria.

Via FAR OUT.

sábado, 20 de agosto de 2022

O filme erótico “agonizantemente ruim” que David Bowie fez com a ex-namorada Susan Sarandon

Encontramos o amor em um lugar sem esperança”, elogiou uma vez exuberantemente a cantora barbadense Rhianna; se ela estava ou não falando sobre o romance sensual que floresceu entre David Bowie e Susan Sarandon em meio à produção de sujeira de cachorro de "The Hunger" ("Fome de Viver")" é uma incógnita, mas certamente soaria fiel à vida. O filme de vampiros sexy esquecido que o crítico Roger Ebert descreveu como “agonizantemente ruim” é um lugar tão esperançoso para o amor florescer quanto o Estádio da Luz em uma tórrida terça-feira de janeiro.

Seu fracasso é uma estranheza quando se trata do pedigree envolvido. Você imaginaria que Tony Scott dirigindo Bowie, Sarandon e Catherine Deneuve em um triângulo amoroso com presas atrevidas em 1983 foi uma aposta infalível como uma brincadeira abrasadora. No entanto, quando você entra no âmago dos detalhes dos detalhes, fica com um caso espalhafatoso e confuso que faz com que o estimado desdém de Ebert seja um jogo justo.

O filme é uma adaptação livre do romance de mesmo nome de Whitley Strieber, lançado dois anos antes. A descrição do romance dá uma ideia vaga do que estamos lidando aqui, diz: “A juventude eterna é uma coisa maravilhosa para poucos que a têm, mas para Miriam Blaylock, é uma maldição – uma existência marcada pela morte e tristeza. Porque para a eterna Miriam, todos que ela ama murcham e morrem. Agora, assombrada pelos sinais da morte iminente de seu adorado marido, Miriam sai em busca de um novo parceiro, alguém que possa saciar sua sede de amor e resistir ao teste do tempo.

Se isso deixou suas calças pingando de emoção, então há mais emoções fortes nesta luta que se desenrola por amor e carne por vir. Continua: “Ela encontra na bela Sarah Roberts, uma jovem cientista brilhante que pode guardar o segredo da imortalidade. Mas uma coisa está entre a intoxicante Miriam Blaylock e o objeto de seu desejo: Dr. Tom Haver… e ele está prestes a perceber que amor e morte andam de mãos dadas.

Se isso ainda soa como um deleite, então essencialmente é porque, em um sentido abreviado, é. Até Ebert, que o pintou com 1,5 estrelas sujas, admitiu que era “uma espécie de erótico sonhador” e circulou em torno de “uma cena de sexo requintadamente eficaz”, mas são as emoções e os derramamentos no meio que dependem mais da história do que da química do celulóide que voam como um aborto que foi umedecido pelo resíduo fumegante que sobrou das cenas de banho atrevidas que não conseguem ventilar totalmente (confira o trailer sensual abaixo).

E se a química erótica é palpável entre o trio do triângulo amoroso ao longo do filme, é porque Bowie e Sarandon estavam desfrutando de um namoro lindamente atraente. Chegou em um momento em que Bowie queria sossegar e se aconchegou nos braços abertos de Sarandon. Como ele disse na época em que os dois foram entrevistados juntos: “Quando você é jovem e está determinado a realizar o grande sonho de 'eu tenho uma grande declaração e o mundo precisa ouvir minha declaração', há algo um pouco irresponsável sobre sua atitude em relação ao futuro. Um não reconhecimento de que o futuro existe. Acho importante que os jovens tenham isso”.

No entanto, infelizmente, como Sarandon explicaria recentemente a você, eles eram amantes e bastante intensos. Bowie queria que eles tivessem uma família juntos, mas “eu não deveria ter filhos”, diz Sarandon ao tocar em sua endometriose. O relacionamento não poderia sobreviver além disso. No entanto, seus dias de romance no set de "The Hunger" e além foram sempre lembrados com carinho.

Felizmente, eles também tiveram a chance de reconciliar seu passado antes da morte de Bowie. Como Sarandon explica sobre sua comovente reunião quando os dias de David estavam contados: “Tive a sorte de estar mais perto dele pouco antes de morrer, nos últimos dois meses. Ele me encontrou novamente. Conversamos e dissemos algumas coisas que precisavam ser ditas. Tive a sorte de poder vê-lo quando ele me contou o que estava acontecendo com ele.

Então, com carinho, ela lembrou: “Eu amo sua esposa Iman, alguém que era tão igual em estatura [a dele]. Era claramente com quem ele estava destinado a ficar. Eu estava tão feliz que ela estava com ele durante tudo isso. E tenho mantido contato com ela. A última vez que o vi foi na estreia de seu musical Lazarus.” Concluindo: “Houve um arco-íris duplo em Nova York no dia em que David Bowie faleceu.

Via FAR OUT.

quarta-feira, 13 de abril de 2022

Fleetwood Mac se despede de sua era clássica em 'Tango in the Night'

O Fleetwood Mac sempre foi sobre sobrevivência. Inflamável desde o início, a banda de mestres do blues britânico se filtrou através de tantos membros talentosos que um supergrupo inteiro de refugos poderia ter sido reunido antes mesmo de Lindsey Buckingham e Stevie Nicks se juntarem. A mudança de pessoal, revisões estilísticas e até mesmo uma versão falsa da banda em turnê não conseguiram impedir o Fleetwood Mac de seguir em frente, e quando a formação Buckingham/Nicks finalmente se uniu em meados da década de 1970, surgiu uma nova alquimia estranha que deu nova vida ao a banda já com uma década de idade.

Essa base sólida foi quase totalmente deteriorada em 1987. O drama central de relacionamentos, rompimentos e casos assumiu a narrativa da banda, a ponto de ofuscar seu lendário catálogo de músicas. Nicks havia encontrado sucesso comercial fora do grupo com sua carreira solo, enquanto os próprios esforços de Buckingham falharam em comparação, levando-o de volta ao comando do navio que era o Fleetwood Mac. Embora certamente menos proeminente do que era uma década antes, o abuso de drogas e álcool ainda cercava a banda, e as comunicações estavam começando a se desgastar enquanto o brilho de "Rumours" e "Tusk" estava desaparecendo.

Mas não se engane: em 1987, o Fleetwood Mac ainda era uma das maiores bandas do mundo. Capaz de se adaptar bem ao som pesado de sintetizadores da década de 1980, o Mac se estabeleceu em um nicho de pop-rock no "Mirage" de 1982. Após um intervalo de cinco anos, foi decidido que um novo álbum do Fleetwood Mac era necessário para manter a banda no mercado mainstream, e então Buckingham interrompeu o trabalho em seu terceiro álbum solo para começar a trabalhar em "Tango in the Night".

As contribuições de Buckingham, de forma reveladora, compõem metade do álbum: canções como 'Family Man', 'Big Love' e 'Caroline' já estavam programadas para serem apresentadas em seu álbum solo, com apenas pequenas contribuições feitas por seus companheiros de banda com gravações quase completas. Buckingham também ajudou a dar vida a 'Mystified' e 'Isn't It Midnight' de Christine McVie. Como produtor, arranjador e principal organizador das sessões, Buckingham foi a força motriz que fez "Tango in the Night" acontecer.

Por sua parte, McVie também trouxe seu melhor jogo para as sessões. Isso incluiu 'Little Lies', o hit top five que manteve o Fleetwood Mac na vanguarda da música pop quando eles completaram 20 anos. 'Everywhere' de McVie também foi um hit top 20 em ambos os lados do Atlântico, e suas contribuições para 'You and I, Part II' ajudaram a concretizar um álbum dominado por Buckingham.

Mais esquiva foi Nicks, que estava infeliz por ter que interromper sua carreira solo para retornar à banda. Nicks estava no meio da promoção de seu álbum solo "Rock a Little" durante a gravação de "Tango in the Night", e quando juntamente com sua crescente animosidade em relação a Buckingham, as tensões resultaram em ela enviar demos e supostamente passar apenas cerca de duas semanas no estúdio. durante todo o processo de gravação de 18 meses.

Embora ela tenha se afastado das sessões, as contribuições de Nicks também foram sólidas: 'Seven Wonders', 'Welcome to the Room... Sara' e 'When I See You Again' deram ao álbum uma sensação mais suave, mesmo que não fossem seu material de primeira linha. Nicks não estava na mesma vibe que seus colegas de banda, o que irritou especialmente Buckingham, que havia pausado sua própria carreira solo para se dedicar ao Fleetwood Mac. Embora raramente se vissem, as poucas vezes que Buckingham e Nicks estiveram juntos no estúdio foram marcadas por discussões significativas e falta de colaboração. A voz de Nicks está notavelmente ausente da maioria das músicas que não são dela, o que Buckingham atribuiu a performances ruins da cantora.

Buckingham descobriu que na verdade ele não precisava de Nicks para gravar seus vocais. Utilizando os recursos de amostragem do teclado Fairlight, o mesmo instrumento que deu ao álbum seu som arejado, Buckingham conseguiu montar diferentes tomadas em um corte final para músicas como "When I See You Again". Em outros casos, Buckingham levantou sua própria voz para replicar os tons nasais de Nicks. Com a maior parte da pressão caindo sobre seus ombros, Buckingham trabalhou por mais de um ano para produzir "Tango in the Night".

Quando o álbum foi finalizado, começaram os requisitos promocionais. Buckingham inicialmente participou deles, inclusive fazendo entrevistas e aparecendo em videoclipes. Mas depois de sentir que havia sacrificado uma quantidade significativa de seu tempo e energia sem compensação adequada, Buckingham começou a sentir que havia cometido um erro trabalhando em "Tango in the Night". Em uma reunião da banda para planejar a turnê do álbum, outra briga com Nicks foi a gota d'água quando Buckingham anunciou que estava deixando o grupo. O homem que havia dedicado dois anos de sua vida ao "Tango in the Night" agora estava se separando dele no momento em que o álbum e os singles estavam subindo nas paradas.

Como o Fleetwood Mac sempre foi sobre sobrevivência, a perda de Buckingham não impediu a banda de seguir em frente. Em seu lugar, dois novos guitarristas e cantores nomeados: Rick Vito e Billy Burnette foram contratados para ajudar a preencher as lacunas que Buckingham deixou. Esta nova versão do Fleetwood Mac só conseguiu ficar por um álbum, "Behind the Mask", antes de Nicks decidir sair também. Várias configurações diferentes se seguiram, incluindo uma reunião de todos os cinco membros da era clássica, mas "Tango in the Night" continua sendo o último álbum a apresentar o que a maioria das pessoas vê como Fleetwood Mac.

Mesmo sendo o álbum que mais soa dos anos 80, "Tango in the Night" pode ser o melhor da banda além de "Rumours": por causa da extrema dedicação de Buckingham, combinada com as contribuições estelares de McVie e Nicks, "Tango in the Night" representa o último momento em que o Fleetwood Mac estava realmente disparando em todos os cilindros.

Tornando-se o segundo álbum mais vendido da banda, "Tango in the Night" também encontrou uma audiência imediata com ouvintes casuais e fãs dedicados de Mac. O fato de representar o fim de uma era parece muito apropriado, já que "Tango in the Night" foi o último momento em que Fleetwood Mac realmente se sentiu como os gigantes pop contemporâneos que poderiam dominar a cultura. A única coisa que o Fleetwood Mac não conseguiu sobreviver foi a si mesmo, um fato que foi transferido para a formação moderna da banda. Se você quiser se lembrar do Fleetwood Mac saindo por cima, a história logicamente termina com "Tango in the Night", um dos álbuns mais subestimados da década de 1980.

Via FAR OUT.

sexta-feira, 25 de março de 2022

Deep Purple: os 50 anos da obre-prima "Machine Head"

O clássico sexto álbum de estúdio do Deep Purple, "Machine Head", chegou há 50 anos. O disco apresenta algumas das músicas mais emblemáticas dos roqueiros bretões, incluindo “Highway Star”, “Space Truckin”” e, claro, a música de assinatura da banda, “Smoke on the Water”.

Deep Purple - Ian Gillan: "Smoke On the Water" foi gravada só pra completar o álbum.

Impulsionado pela popularidade de “Smoke on the Water”, "Machine Head" tornou-se o álbum mais vendido do Deep Purple nos EUA, chegando ao 7º lugar na Billboard 200 e vendendo mais de dois milhões de cópias.

Smoke on the Water” alcançou o 4º lugar na Billboard Hot 100, o single da banda nos EUA com melhor desempenho, juntamente com “Hush” de 1968.

O Deep Purple gravou "Machine Head" no final de 1971 em Montreux, Suíça, no Lago Genebra. Enquanto a banda estava lá, ocorreu o infame incidente que inspirou “Smoke on the Water”. Frank Zappa estava fazendo um show no Montreux Casino e, durante o show, alguém na plateia disparou um sinalizador no teto de bambu do local, causando um incêndio que queimou o prédio.

Depois que a banda gravou uma faixa com o famoso riff do guitarrista Ritchie Blackmore, o cantor Ian Gillan e o baixista Roger Glover criaram a letra contando a história do incêndio.

Em 2016, a revista Guitar Player classificou o riff de “Smoke on the Water” como o segundo maior riff de guitarra de todos os tempos. Blackmore disse à ABC Audio que com músicas de The Kinks e The Rolling Stones em mente, ele intencionalmente escreveu o riff simplesmente imaginando que teria um apelo mais amplo.

[Minha] ideia era me afastar e pensar: ‘Quero tocar algo que o carteiro possa assobiar quando estiver… entregando cartas’”, explica ele.

Ritchie acrescenta: “Acho que é por isso que muitos guitarristas vão a lojas de música e tocam, porque é muito simples de tocar”.

Via everettpost.com

Ouça o álbum na íntegra:

Tracklist:

“Highway Star”

“Maybe I’m a Leo”

“Pictures of Home”

“Never Before”

“Smoke on the Water”

“Lazy”

“Space Truckin"”

quinta-feira, 3 de fevereiro de 2022

David Bowie: Caindo na Terra duas vezes: 25 anos de 'Earthling'

O álbum ganha vida com um som semelhante ao suspiro raivoso de um robô satânico que acaba de ser informado de que não trabalhará à noite na próxima semana. Segundos depois, uma melodia contrastante que não parece evitar a luz do dia vem à tona, uma bateria eletrônica pode mascarar, mas o refrão não é de longe as peças mais bonitas de "Hunky Dory". Na verdade, essa mistura estranha é um paradigma do disco e da arte de David Bowie como um todo.

Notavelmente, "Earthling" foi o 21º álbum de estúdio do Starman e seu olho ainda estava voltado para a inovação. Bowie nesta fase, no entanto, não estava necessariamente se destacando no futuro e orquestrando de longe. As ideias apresentadas no disco têm claras influências dos principais atos da época. Essas influências são então temperadas com a beleza inerente sempre no trabalho de Bowie e muitas vezes subnotificada, daí uma paisagem infernal industrial, intrometendo-se com uma tenra linha superior nos primeiros segundos do disco como um toque de laranja em uma seringa de lixo. Bowie estava sempre se movendo com os tempos, mesmo quando ele mesmo não os estava movendo, mas por baixo de tudo, havia uma espinha dorsal de composições atemporais.

O álbum foi seu primeiro LP auto-produzido desde "Diamond Dogs" 23 anos antes. Este é outro exemplo de Bowie como artista. Quantas pessoas por aí você acha que seriam ousadas o suficiente para não apenas arriscar um legado brilhante e voltar ao volante novamente depois de quase duas décadas e meia, mas para fazê-lo ao dirigir um protótipo com um manual completamente novo, ele não estava apenas se pressionando a gravar e distribuir cantigas acústicas aqui, este álbum foi tão fortemente produzido que você não ficaria surpreso ao ver Bill Gates receber um crédito.

Além do mais, a carreira de Bowie esteve um pouco vacilante por um tempo nesta fase. Ele enfrentou novos mundos a cada passo, mas seria difícil argumentar que a década anterior aos terráqueos foi a mais frutífera. O álbum quase parece um reconhecimento desse fato. Ele começou a gravar alguns dias depois de terminar sua última turnê e, por sua própria admissão, começou a retornar a algo semelhante a "Scary Monster (And super Creeps)", seu último álbum verdadeiramente magnífico na época.

Tudo isso é, obviamente, altamente crível. Na verdade, é uma marca registrada do trabalho de Bowie que, mesmo quando ele falhou, ele o fez com integridade e sempre havia algo a salvar, não apenas um reconhecimento de ousadia criativa. Mas e os próprios terráqueos como experiência de escuta?

Bem, a experimentação maníaca e a mistura de várias ideias malucas é certamente deslumbrante e não há dúvida de que um momento de tédio é tão estranho quanto um sanduíche de queijo na China no disco, mas além de 'Little Wonder', 'I'm Afraid of Americans' e talvez 'Dead Man Walking' não tenho certeza se muitas pessoas ainda ouvem. E mesmo quando se trata de 'I'm Afraid of Americans', não tenho certeza se alguém gostou tanto quanto Bowie.

Foi a hibridização das sensibilidades europeia e americana e, para mim, isso é emocionante”, disse ele ao Live! revista após o lançamento, “Isso é o que eu faço melhor. Eu sou um sintetizador.” Nunca uma palavra mais verdadeira foi dita, mas ele sintetizou melhor do que os terráqueos no passado e mesmo depois disso. Talvez haja muita coisa acontecendo na mixagem do álbum e, embora isso possa ter injetado em sua discografia uma dose de adrenalina de inovação após o lançamento há 25 anos, parece que depois a poeira que sacudiu foi admirável, mas agora se estabeleceu , você não estraga tudo com tanta frequência.

Via FAR OUT.

quarta-feira, 2 de fevereiro de 2022

Estreando no Star Plus: "Pam & Tommy", a maior história de amor já vendida

Estrelando os excepcionais Lily James e Sebastian Stan, o conto da fita de sexo de Pamela Anderson e Tommy Lee é engraçado, inteligente e realmente comovente. Que pena que ela não aprovou.

Por mais absurdo que pareça, e por mais que resistamos, o universo continua a insistir que os anos 90 foram 30 anos atrás, em vez de 10 minutos. Assim, somos cada vez mais confrontados com dramas que tomam as manchetes de nossos jovens e os examinam como os momentos centrais da história que de fato foram.

Pelo menos eles não são (ainda) antigos o suficiente para serem tratados com reverência ou mistificação. Nós, bebês dos anos 70, ainda não somos Stonehenge ou as ruínas de Herculano. Mas o espírito interrogativo do rei do gênero, Ryan Murphy (que dramatizou o caso OJ Simpson, o assassinato de Gianni Versace e o caso Clinton-Lewinsky) ainda parece estar dando o tom para aqueles que o seguem.

Pam & Tommy (Nota 78/10 no IMDB), adaptado do artigo de Amanda Chicago Lewis, desvenda o escândalo da fita de sexo que envolveu o casal de celebridades em meados dos anos 90. A estrela de Baywatch e símbolo sexual internacional (para dar o que era então seu título oficial completo), Pamela Anderson, e o baterista do Mötley Crüe, Tommy Lee, se tornaram ainda maiores do que a soma de suas partes (e a parte de Lee em particular já era lendária, e prestes a tornar-se ainda mais) casando-se quatro dias depois de se conhecerem. A minissérie de oito partes de Robert Siegel analisa o que aconteceu com o casal depois que uma fita privada deles fazendo sexo em sua lua de mel foi (pela primeira vez graças ao poder da internet juvenil) muito, muito pública.

A série consiste em três narrativas entrelaçadas. A primeira, ao qual o episódio de abertura é dedicado, embora voltemos a ele por toda parte, é uma alcaparra de assalto, verdadeira até em seus detalhes mais incríveis. Rand Gauthier (Seth Rogen) é um empreiteiro demitido, sem remuneração, pelo caprichoso Lee por um trabalho supostamente de má qualidade, que se vinga roubando o cofre da garagem do astro do rock. Ele escapa dos seguranças e câmeras usando um tapete peludo para se disfarçar de cachorro grande. Dentro do cofre, ele encontra várias armas, dinheiro e uma fita de vídeo Hi8 sem identificação, que ele leva para seu amigo, um diretor pornô interpretado por Nick Offerman. "Procurando por trabalho?" ele pergunta a Rand. "Carpintaria? Anal?" Quando eles vêem o que está nele, o palco está montado.

É uma abertura divertida, por assim dizer, mas não mostra o que se tornará um drama caloroso, engraçado, inteligente e bastante comovente, com performances surpreendentes de Lily James como Anderson e Sebastian Stan como Lee. Cada um deles consegue a façanha de se assemelhar estranhamente, esteticamente, vocalmente e em todos os maneirismos, às pessoas da vida real, sem cair na mímica.

A série se move para frente e para trás no tempo à medida que a segunda e a terceira narrativa entram em jogo. Há a história de amor, tão pouco convencional como todos sabem, com certeza, mas mostrando o que o par encontrou um no outro (além, sim, do óbvio), e como, mesmo que uma separação fosse provavelmente inevitável, seu relacionamento foi colocado sob pressão sem precedentes quando a fita foi a público. A terceira vertente é a que praticamente define o gênero: uma crítica às maquinações midiáticas, ao apetite público e aos vieses jurídicos sistêmicos naquele momento específico, que permitiram que os eventos se desenrolassem como aconteceram. E, como sempre, podemos ver a misoginia que infundiu tudo, e aqui garantiu que Anderson carregasse o peso da humilhação e danos a si mesma e à sua carreira. Há uma cena particularmente brutal em que ela é deposta por um advogado que parece querer degradá-la o máximo possível. Mas há toda uma teia de momentos menores (no set de Baywatch, durante as aparições pessoais, em suas filmagens da Playboy), quando ela está no no comando dos homens.

A visão da imagem de Anderson dos anos 90 e o escândalo sendo reconsiderado de acordo com os costumes modernos e mais esclarecidos (por mais imperfeitos que ainda sejam) é bem-vinda. Mas, isso é prejudicado pelo fato de que todo o empreendimento foi realizado sem sua aprovação. Ironicamente, é o próprio estado de alerta e compaixão da coisa que, supondo que ela tenha visto o roteiro ou tenha tido uma ideia do tom, faz você pensar o quanto ela deve ter desejado, qualquer que fosse a visão, toda a história. sujeito a ser deixado em paz.

Via The Guardian.

quinta-feira, 12 de agosto de 2021

Janis Joplin: o derradeiro show no Harvard Stadium

Peter Warrack compareceu ao show no Harvard Stadium, em agosto de 1970 com seu parceiro, Kevin McElroy, e tirou fotos em sua Nikon. Warrack já faleceu, mas suas fotos foram adquiridas pela House of Roulx, um novo selo de comércio eletrônico da empresa maior JG Autographs.

Onze anos atrás (2010), McElroy inicialmente vendeu à empresa uma série de autógrafos, mas só recentemente ele compartilhou com eles uma coleção de cerca de 15.000 fotos que Warrack havia tirado, todas incluindo os negativos originais. Horas folheando essas fotos renderam fotos de Diana Ross e muitos outros, mas o mais importante, várias fotos do show final de Joplin.

As imagens foram restauradas de seus negativos e agora estão disponíveis para compra na House of Roulx. Dada a importância das fotos, a empresa até fez parceria com um artista, Jace McTier, para criar uma representação artística das fotos de Warrack. Embora essas fotos sejam a maioria das evidências surpreendentemente limitadas do show, a tradição local também faz parte dela.

Décadas atrás, Scheafer Beer co-patrocinou uma série de concertos de verão no Harvard Stadium, juntamente com a iniciativa artística "Summerthing" da cidade de Boston, um programa lançado em 1968 para ajudar a "refrescar" a cidade no calor do verão. O estádio podia acomodar mais de 35.000 participantes, mas esses eventos foram limitados a 10.000 e uma taxa de ingresso de US $ 2 por pessoa. Em 1970, a programação não era nada desprezível: os destaques incluíam The Grateful Dead, Miles Davis, Ike e Tina Turner, Van Morrison, B.B. King e The Supremes.

Grandes nomes atraíam grandes multidões e os problemas no início da série ameaçavam seu futuro.

As primeiras apresentações foram prejudicadas por grandes estrondos e estragos no portão, por crimes menores, como roubo de bolsa e vandalismo pós-concerto na Harvard Square'', Nathan Cobb escreveu para o The Boston Globe.

Os poderosos de Harvard em 1970, não tenho certeza de como eles ficaram emocionados com todo o movimento hippie que estava acontecendo '', diz Ken Zambello, professor de história do rock na Berklee College of Music. “1970 foi uma espécie de ponto de viragem em que as primeiras fases de‘ se vender ’começaram a aparecer. Os promotores queriam cobrar $ 10 para experimentar essa contracultura.’’

O aumento da segurança ajudou a série de concertos a amadurecer e, em agosto, tornou-se tão agradável quanto havia sido previsto. Fossem garotos mauricinhos de Harvard ou jovens drogados, o estádio bateu lotação na noite de 12 de agosto para Joplin, apesar do show quase não ter acontecido.

Houve um atraso incrível para o início do show’, diz McElroy, um residente de South End que tinha 19 anos quando compareceu ao show com Warrack. “O equipamento foi roubado durante a noite, foi o que nos explicaram. Eles estavam esperando a chegada de mais equipamentos e acabamos parados por uma hora ou hora e meia."

McElroy se lembra de estar a poucos metros de Joplin durante esse atraso. Ela estava "em seu próprio mundo", bebendo Southern Comfort ao lado do palco, esperando.

Foi o início de um bom envolvimento entre ela e o público quando ela finalmente subiu ao palco'', diz McElroy. “Era uma música incrível, ela simplesmente disparou. Eles se comunicaram para frente e para trás, tornou-se quase sexual, para frente e para trás entre ela e o público. Ela brincou com isso, ela fez acontecer. E o público a queria, eles gritavam, ‘We wanna ball you’. Pode ter sido uma referência a ‘Ball‘ n ’Chain’, que ela estava cantando, não tenho certeza. Ela tinha um bom senso de humor.’’

Joplin não estava visivelmente embriagada com sua performance, mas seu set durou apenas oito músicas. De acordo com Zambello, no entanto, isso era normal naquele momento da carreira de Joplin.

Acho que muitas pessoas ficariam chocadas com o quão curtas suas apresentações regulares se tornaram'', diz ele. “Ela tinha uma boa ideia de quanta energia seria necessária para durar um certo tempo no palco. Depois de um tempo, ela estabeleceu uma espécie de regra de que depois de 30 ou 40 minutos, isso seria o suficiente para ela."

McElroy não se lembra de nada de anormal sobre o show, ninguém a empurrando para fora do palco, nenhuma distração visível, nenhum arauto do que seria de Joplin.

Foi uma noite fantástica, ela foi ótima e éramos apenas crianças. Foi um período de tempo louco, tínhamos acabado de passar pelo estado de Kent. Se você morava na cidade de Boston naquela época, foi um período de empolgação e protesto."

Menos de dois meses depois, em 4 de outubro de 1970, Joplin morreu de overdose de heroína.

Jared Gendron, fundador da House of Roulx, ficou inicialmente surpreso com a pouca quantidade de material disponível desse show. Mas faz sentido, em retrospecto, que o programa não foi exatamente lotado de imprensa.

Você tem que dar um passo para trás por um segundo e lembrar que, para os presentes, não foi o último show dela'', diz ele. “Foi apenas mais um concerto que por acaso foi o último."

Via BOSTON.COM .

sábado, 26 de junho de 2021

Chegou o álbum ao vivo do último show de Frank Zappa nos EUA; ouça

"Zappa '88: The Last U.S. Show" também inclui performances de shows adicionais da turnê de 1988 e do 1º lançamento oficial de "The Beatles Medley".

Los Angeles - 21 de junho de 2021 - Ninguém sabia, nem mesmo Frank Zappa, enquanto ele liderava sua banda de 11 integrantes em uma versão comemorativa de "America The Beautiful" para encerrar seu show no Nassau Coliseum em Uniondale, NY em 25 de março , 1988, que seria a última vez que tocaria nos Estados Unidos. Dias depois, a banda de 88 viajaria para a Europa para uma turnê por vários países, apenas para implodir na estrada antes que pudessem voltar aos Estados Unidos para outra rodada de shows agendados. Apesar das tensões crescentes na banda, o conjunto foi considerado um dos melhores Zappa já reunidos, uma mistura habilidosa de músicos extremamente talentosos composta por membros de longa data que tocaram com o Maestro desde os primeiros dias ao lado de novas adições emocionantes, reforçadas por seu novo instrumento favorito, o Synclavier. Uma máquina bem oleada, armada com um extenso repertório de 100 canções, a ágil banda era tão hábil em tocar as canções complexas e desafiadoras do gênero de Zappa quanto executava composições clássicas de nomes como Bartók, Ravel e Stravinsky.

O último show americano histórico de Zappa está agora disponível pela primeira vez como o novo álbum ao vivo, "Zappa '88: The Last U.S. Show" via Zappa Records / UMe. O primeiro lançamento póstumo de arquivo da banda em turnê de 1988, o álbum apresenta 29 apresentações inéditas, incluindo duas apresentações adicionais da mesma turnê: as interpretações selvagens de Zappa de "Whipping Post" da Allman Brothers Band no show de 16 de março em Providence, RI e “Stairway To Heaven” do Led Zeppelin, do show de 23 de março em Towson, Maryland. O disco também se destaca por conter o primeiro lançamento oficial do tão falado “The Beatles Medley”.

"Zappa '88: The Last US Show" está disponível agora para streaming e download, em 2 CDs, em uma caixa de vinil 4LP 180 gramas, disponível em vinil preto ou como uma edição limitada da variante de vinil roxo de 180 gramas, exclusivamente através da loja online Frank Zappa ou uDiscover. Totalmente autorizado pela família de Zappa e produzido por Ahmet Zappa e Zappa Vaultmeister Joe Travers. As gravações foram recentemente mixadas por Craig Parker Adams em 2020 a partir das fitas master digitais de 48 faixas. Os programas foram gravados usando dois gravadores Sony 3324 DASH PCM de 24 trilhas sincronizados usando um Módulo de Código de Tempo Lynx, fornecendo recursos de gravação de 48 trilhas. O álbum é complementado com notas de capa detalhadas de Travers e o baterista do Zappa '88 Chad Wackerman, que celebrou seu 28º aniversário no palco e é saudado por Zappa e a multidão, bem como fotos da turnê de Peder Andersson.

Como Travers escreve nas notas do encarte, “Comece com o fulcro das bandas em turnê de 1981-1984 (Robert, Scott & Chad), traga de volta Ike Willis, adicione a estação de trabalho digital Synclavier, uma seção de sopro de 5 peças com o multi-instrumentista Mike Keneally e você tem o que o FZ descreveu como "A melhor banda que você nunca ouviu na sua vida"". Embora dizer “nunca ouvi” possa ter sido um pouco exagerado, não estava muito longe, pois a banda de curta duração (quatro meses de ensaio em 1987/1988, seguidos por uma turnê de fevereiro a junho de 1988) tocou apenas alguns uma dúzia de shows na Costa Leste e na Europa antes de se separar. No entanto, os shows que tocaram juntos foram eletrizantes e uma classe de mestre em musicalidade.

Com Zappa na guitarra principal, vocais e empunhando sua nova obsessão, o Synclavier, ele liderou o processo em um set de carreira, apoiado por um elenco estelar de membros veteranos da banda e membros recém-adicionados: Mike Keneally (guitarra, sintetizador, vocais) , Scott Thunes (baixo elétrico, Minimoog), Ike Willis (guitarra rítmica, sintetizador, vocais), Chad Wackerman (bateria, percussão eletrônica), Ed Mann (vibrações, marimba, percussão eletrônica), Robert Martin (teclados, vocais) e  a seção de metais de Walt Fowler (trompete, flugel horn, sintetizador), Bruce Fowler (trombone), Paul Carman (sax alto, soprano e barítono), Albert Wing (sax tenor) e Kurt McGettrick (barítono e sax baixo, clarinete contrabaixo) . A banda preparou quase 100 canções e os sets eram variados, abrangendo as músicas dos primeiros álbuns do Mothers of Invention, mas com arranjos caracteristicamente atualizados e muitas vezes em constante evolução ("I Ain't Got No Heart", "Love Of My Life , ”“ Who Needs The Peace Corps?”), A novas composições criadas para a turnê de 1988 (“ Jesus Thinks You're A Jerk” e “When The Lie's So Big”), bem como composições clássicas (Bartók, Ravel, Stravinsky) que Zappa gostava de tocar para expor seu público à música que ele apreciava. Além da inclusão da seção de buzinas de 5 peças e sendo a única turnê do Keneally, os shows também incluíram o uso extensivo de samples através da máquina então atual, o Synclavier, que Zappa levou para a estrada pela primeira vez, bem como o uso de sons eletrônicos pelos percussionistas Mann e Wackerman em suas montagens.

"Zappa '88: The Last U.S. Show" inclui tudo isso e muitos outros destaques, como as favoritas dos fãs, “Peaches In Regalia”, “The Black Page”, “Inca Roads”, “Sharleena” “Sofa # 1” e “Pound For A Brown". Também inclui uma versão carregada de trompas de "I Am The Walrus", dos Beatles, e o primeiro lançamento oficial do muito procurado "The Beatles Medley", que apresenta a banda tocando a música "Norwegian Wood “, "Lucy In The Sky With Diamonds” e “Strawberry Fields Forever”, com as letras completamente alteradas para refletir o então recente escândalo sexual do televangelista Jimmy Swaggart. As letras obscenas zombam do ministro hipócrita e fazem parte da agenda de Zappa para desmistificar os televangelistas.

Exatamente como Zappa sentia que era importante protestar contra os defensores da cultura autoproclamados toxicamente puritanos e qualquer que fosse a hipocrisia ou hipócrita que o irritasse naquele dia, ele também era um motivador de ações positivas, apaixonado por causas, especialmente pelo direito de voto, tornando sua missão conseguir suas audiências se registrem para votar. Com a eleição presidencial se aproximando, Zappa ofereceu o registro de eleitor durante a turnê, com a ajuda da Liga das Eleições. Os fãs foram encorajados a votar antes do show ou durante um intervalo especial de 20 minutos no meio do show de mais de duas horas, que começaria com Zappa acionando o Synclavier para tocar uma peça musical. Em Uniondale era “One Man, One Vote”. Notavelmente, a versão aqui é uma mistura diferente da versão de estúdio lançada em "Frank Zappa Meets The Mothers Of Prevention. Zappa 88: The Last U.S". Show começa com Zappa exaltando a importância de votar e encorajar os não registrados a se inscreverem no show, registrando alguém ao vivo no palco. Em seguida, um representante do gabinete do governador Mario Cuomo leu uma mensagem de parabéns ao “Sr. Zappa pelo importante trabalho que você está realizando, incentivando o seu público e outros a se registrar e votar.

Infelizmente, depois que a perna europeia acabou”, como Travers escreve nos forros, “Frank Zappa escolheu dissolver o grupo e cancelar o resto da turnê, supostamente perdendo $ 400.000,00 em receita e privando públicos adicionais a oportunidade de testemunhar o quão especial este grupo foi mesmo. Com todo o tempo e dinheiro gastos para preparar e promover a turnê, sem mencionar o potencial dentro da talentosa banda e equipe, agora em 2021, é uma perda ainda mais histórica, considerando que o FZ nunca mais fez turnê.

Felizmente, o último show de Zappa nos EUA, como tantos outros dele, foi documentado e agora pode ser vivenciado em sua glória, mais de três décadas depois.

Tracklist:

1. “WE ARE DOING VOTER REGISTRATION HERE”

2. THE BLACK PAGE (NEW AGE VERSION)

 3. I AIN’T GOT NO HEART

 4. LOVE OF MY LIFE

 5. INCA ROADS

 6. SHARLEENA

7. WHO NEEDS THE PEACE CORPS?

 8. I LEFT MY HEART IN SAN FRANCISCO

 9. DICKIE’S SUCH AN ASSHOLE

10. WHEN THE LIE’S SO BIG

 11. JESUS THINKS YOU’RE A JERK

 12. SOFA #1

 13. ONE MAN, ONE VOTE

 14. HAPPY BIRTHDAY, CHAD! 

 15. PACKARD GOOSE PT.I 2:56

 16. ROYAL MARCH FROM “L’HISTOIRE DU SOLDAT” (STRAVINSKY)

 17. THEME FROM THE BARTOK PIANO CONCERTO #3 (BARTOK)

 18. PACKARD GOOSE PT.II

 19. THE TORTURE NEVER STOPS PT. I

 20. THEME FROM “BONANZA”

 DISC TWO 

1. LONESOME COWBOY BURT

 2. THE TORTURE NEVER STOPS PT. II

 3. CITY OF TINY LITES

 4. POUND FOR A BROWN

 5. THE BEATLES MEDLEY (LENNON/McCARTNEY) 

 6. PEACHES EN REGALIA

 7. STAIRWAY TO HEAVEN (PAGE/PLANT)

 8. I AM THE WALRUS (LENNON/McCARTNEY) 

9. WHIPPING POST (ALLMAN)

10. BOLERO (RAVEL)

11. AMERICA THE BEAUTIFUL~


segunda-feira, 31 de maio de 2021

Review: "An Evening With Nightwish In A Virtual World"

Jukka Koskinen, baixista do Wintersun, se juntara aos mestres sinfônico-metálicos do Nightwish para a primeira de duas ambiciosas transmissões ao vivo em um ambiente virtual

O Nightwish não faz nada pela metade, então eles nunca se contentariam com uma transmissão ao vivo genérica na sala de estar. No primeiro de dois programas, eles levaram os fãs em uma jornada virtual através de florestas e oceanos mágicos para chegar ao The Islanders Arms, por meio de uma aeronave retro-futurista, é claro.

Sua taverna steampunk, completa com lâmpadas de coruja e um farol no topo, parece ter sido retirada da série Discworld de Terry Pratchett e transportada para uma releitura da Disney de His Dark Materials de Philip Pulman. Há vitrais, velas tremeluzentes e até várias árvores que se estendem até o telhado de vidro abobadado, atrás das quais telas gigantes exibem o tipo de visual fantástico que você poderia ter visto em um de seus shows ao vivo pré-pandêmico. Lá fora, as estações mudam como se cada música fosse um encantamento mágico. O ilustrador da banda, Janne Pitkänen, esteve envolvido em algumas das imagens e há até ovos de Páscoa para os fãs com olhos de águia verem.


Mas espere, há alguém novo no palco! Quando o baixista e co-vocalista Marco Hietala anunciou sua saída em janeiro de 2021, os fãs se perguntaram quem poderia substituí-lo. Ele tem sido um elemento central do som do Nightwish desde que entrou em 2001, e enquanto Jukka Koskinen, baixista do Wintersun duplica suas partes de baixo perfeitamente, seus vocais agora estão divididos entre Floor Jansen e Troy Donockley. Os resultados são em sua maioria positivos. Em "Planet Hell", Jansen canta ambas as partes de forma brilhante, enquanto as harmonias dela e de Donockley funcionam lindamente. em "7 Days To The Wolves". No entanto, os vocais de Hietala fazem muita falta em "I Want My Tears Back", que carece de seu soco usual. As coisas soarão diferentes nos arredores de uma arena lotada? A banda poderia acabar usando um vocalista convidado para esses shows? Teremos que esperar para ver.

Rosnados não são a única coisa que falta: o cenário virtual significa que não há aplausos e o silêncio entre as músicas às vezes é um pouco desconfortável. Foi-nos prometido uma experiência mais interativa com avatares de fãs e emojis, talvez inspirados no show astronômico de Travis Scott em Fortnite,- mas, infelizmente, eles não estão disponíveis e também não há opções para explorar o ambiente virtual. A ausência de elementos tão ambiciosos e os pirós da marca registrada da banda só fazem o coração crescer mais pelo retorno de shows ao vivo reais, onde você pode ficar ombro a ombro com outros fãs.


Apesar das limitações tecnológicas, o Nightwish genuinamente parece que está se divertindo muito e não há nenhum indício das preocupações de Tuomas Holopainen sobre o futuro deles. Já se passaram dois anos e meio desde seu último show ao vivo e eles claramente perderam o palco. O set desta noite é apertado e embalado com material do álbum "Human. :II: Nature". Favoritas dos fãs e algumas adições surpreendentes, incluindo "Harvest", "Bless The Child" e uma adorável interpretação acústica de "How's The Heart?" O ambiente íntimo também captura gestos amigáveis que poderiam ter sido perdidos; a banda frequentemente troca sorrisos e acenos de cabeça, e Jansen até dá a Koskinen um sincero polegar para cima durante "Ghost Love Score".

Uma noite com o Nightwish ... é uma viagem mágica e um delicioso aperitivo para quando as coisas puderem voltar ao normal. Este escritor não pode esperar.

Setlist:

Music
Noise
Planet Hell
Tribal
Elan
Storytime
She Is My Sin
Harvest
7 Days To The Wolves
I Want My Tears Back
Bless The Child
Nemo
How's The Heart?
Shoemaker
Last Ride Of The Day
Ghost Love Score
Greatest Show On Earth


quinta-feira, 13 de maio de 2021

Cream: Um furacão passou pelo rock

Na segunda metade dos anos 60 o rock estava  saindo da 'puberdade'(com seus "iê-iê-iê's" e "oh baby, give me a kiss") e chegando a 'fase adulta', onde as virtuoses começaram a se sobressair e a levarem este gênero por inúmeros caminhos. Uma dessas bandas foi o Cream, que tinha na sua formação o primeiro power trio da história do rock.

Em 1966, Eric Clapton, que na época já era "deus" e alcançou a divindade tocando e amando o blues juntava-se aos incríveis Jack Bruce e Ginger Baker, que eram jazzistas por definição e religião. Era uma "fé cega", se me permitem a torta referência.

Depois de um caminho tortuoso no início, com o primeiro single do álbum "Fresh Cream", a banda colocou pra fora toda a sua genialidade e compôs músicas que fariam parte de seus 4 álbuns de estúdio e se tornariam verdadeiras pérolas do Rock, como "Sunshine of Your Love", "I Feel Free", "White Room", "Tales of Brave Ulysses", "Strange Brew", "Toad", "Badge" e versões poderosas de "Spoonful", "Outside Woman Blues", "Crossroads", "Born Under a Bad Sign" e "Steppin' Out".

Se no estúdio a banda já era absurdamente prolífica, as performances ao vivo eram algo sem igual, marcadas pela genialidade e excelência, onde a plateia ficava numa espécie de transe diante daquilo, condensando-se em um som inovador, poderoso, psicodélico e que tomou de assalto os amantes do rock na época. E então veio o fim. As desgastantes turnês(a banda fez cerca de 300 shows em um intervalo de um ano) e as tensões entre seus membros(especialmente Bruce e Baker) acabaram esgotando o trio e seus integrantes resolveram seguir com a vida em outros projetos.

Em 26 de novembro de 1968 o Cream subia ao palco do lendário Royal Albert Hall de Londres para seu último concerto e sairia daquele palco sendo ovacionado por uma multidão consternada que jogava inúmeras rosas em direção aos três e bradava "God save the Cream!", numa espécie de alusão à "God save the Queen!", saldação costumeira feita à rainha Elisabeth.

Muitos defendem que o Cream foi o precursor do que viria a ser o heavy metal, algo que categoricamente não era a intenção da banda, tanto que anos depois numa entrevista, um "doce e gentil" Ginger Baker soltou a seguinte frase: "O Heavy Metal deveria ter sido abortado". O Cream durou menos de 3 anos, mas deixou uma marca indelével na história do rock. A lista de admiradores e músicos que foram fortemente influenciados pela banda inclui nomes como Jimi Hendrix, Roger Waters, Eddie Van Halen e David Bowie, e grupos como Hush, Led Zeppelin, Queen e Black Sabbath, entre tantos outros. 

 O Cream foi único. Um legado que poucas bandas na história da música puderam deixar. Sei que o texto é repleto de "nostalgia do que não vivemos" e cheio de romantismo. Mas o que fica é a reverência à uma das maiores bandas da história e que pavimentou o caminho para tudo o que veio depois. Como diria a revista britânica "Beat Instrumental" na sua manchete sobre o penúltimo álbum da banda, "Wheels of Fire": "Comprem este álbum ou vivam miseravelmente o resto de suas vidas!"

Por Jaderson Gomes.

sábado, 24 de abril de 2021

Jethro Tull: assista ao novo clipe animado de "Aqualung"

No início deste mês de abril o canal oficial do Jethro Tull divulgara um clipe animado oficial para a faixa-título do álbum "Aqualung", que completara 50 no mês passado.

Assista no player abaixo e na sequência, leia a nossa resenha sobre o álbum:

As sementes da complexidade e esmero já tinham sido plantadas anteriormente no antecessor "Benefit", álbum embrionário do poderoso e maciço "Aqualung", que chegaria em 19 de março de 1971, mostrando ao mundo uma já gigantesca banda de rock progressivo e que só faria crescer no decorrer daquela década.

Apesar do genial frontman do Jethro Tull, o vocalista, violonista e flautista Ian Anderson posteriormente negar isso em entrevista, sabe-se que "Aqualung" teria sido um álbum conceitual satirizando e criticando a relação entre personagens, religião e o próprio Deus, onde segundo os temas das canções, a religião não cumpriria o seu verdadeiro papel de possibilitar o "religare' do homem com o Deus e sim o afastando dele.

Marcando as estreias do baixista Jeffrey Hammond e do pianista John Evan, porém também a despedida do baterista Clive Bunker, musicalmente o disco é um trabalho primoroso, tendo quase como de praxe, praticamente todas as canções emanando da mente criativa de Ian Anderson, salvo raras exceções de algumas pouquíssimas composições em parceria.


A faixa-título, que inclusive abre o disco é uma das obras-primas do rock progressivo e classic rock de todos os tempos, com seu riff introdutório marcante sendo um dos mais emblemáticos e reconhecidos do gênero, além do estupendo solo do guitarrista Martin Barre, deveras subestimado nas listas dos grandes guitarristas do século passado.

Assim como a faixa-título, este álbum rendeu mais algumas canções que passariam a integrar eternamente os setlists dos shows da banda, como "Cross-Eyed Mary", "Locomotive Breath" e principalmente à época, a belíssima e profunda "My God".

Vale ressaltar que mesmo como todo o crescente mergulho no prog rock, "Aqualung" não deixa de lado as icônicas influências celta e folk da banda, ficando isso claro na trinca das ótimas faixas "Mother Goose", "Wond'ring Aloud" e "Up to Me".


Como uma canção "lado B de luxo", não tão badalada assim, o álbum se fecha com a espetacular "Wind Up", música lindíssima, que deveria ser lembrada dentre as maiores da carreira do grupo e mais executadas nos shows tanto do Jethro Tull, quanto nas apresentações solo de Ian Anderson, ainda na ativa.

Com o enorme sucesso de público e crítica de "Aqualung", ficava difícil imaginar que a banda de Anderson pudesse repetir o feito ou mesmo ir além, mas sim, ela o fizera no ano seguinte com outra-obra-prima, contendo uma só música, "Thick As A Brick".


Tracklist:

"Aqualung"
"Cross-Eyed Mary"
"Cheap Day Return"
"Mother Goose"
"Wond'ring Aloud"
"My God"
"Hymn 43"
"Slipstream"
"Locomotive Breath"
"Wind Up"

A Banda:

Ian Anderson: vocais, violão, flauta
Martin Barre: guitarra, flauta doce soprana
John Evan: piano, órgão, mellotron
Jeffrey Hammond (como "Jeffrey Hammond-Hammond"): baixo, flauta doce alta vocais
Clive Bunker: bateria, percussão


sexta-feira, 16 de abril de 2021

Marcela Bovio volta vigorosa em EP de estreia de sua nova banda, a Dark Horse White Horse; ouça, assista e leia resenha

A Dark Horse White Horse, nova banda da cantora Marcela Bovio, ex-Streaming of Passion e integrante do MaYan e Ayreon, lançara hoje o seu 1º EP auto-intitulado.

Miss Bovio recebera o convite dos ex-integrantes do Revamp, Jord Otto (guitarra) e Ruben Wijga (teclas), para formarem um power-trio prog-symphonic-metal. O baixista Siebe Sol Sijpkens (Phantom Elite, Destiny Potato, Sordid Pink) e  Ariën van Weesenbeek (Epica e MaYan) às baquetas completaram o time no estúdio, sob a produção sempre magistral de Joost van den Broek.

O trabalho trouxera 5 canções formidáveis que felizmente teimam em soar pesadas, com intermitentes nuances prog-melódico-líricas em alto nível, sempre.

É como se Marcela tivesse ressuscitado uma versão fênix de sua antiga banda, a Stream of Passion. Aqui o fluxo musical voltara a correr com toda a força de uma correnteza sonora pulsante, potencializada por riffs, fraseados e solos de guitarra vitaminados.

Nossa prima-dona denotara todo o seu esplendor oriundo de suas quase biônicas cordas vocais, sem pudor nem temor de deliciosamente romper nossos tímpanos, porém concomitantemente os amaciando, com partes de canto aveludadas em intermezzos dentre seu vocal rascante.

Rascante, pois agora não poderia deixar de sê-lo, uma vez que ela já deixara claro, inclusive em entrevista para a Confraria Floydstock, que sempre faz tudo com muita entrega e intensidade. Logo era de se esperar que nossa Bovio irrompesse cantando o mais alto e forte possível, como se expurgando recentes dramas pessoais e de saúde que bravamente superara. E em tempos como esse, nada melhor do que cantar alto para deixar os males bem longe.

O melhor deste EP é saber que ele é só o 1º passo e que a Dark Horse White Horse está só começando e que muitas alegrias sonoras ainda poderá nos trazer.

Ouça o EP na íntegra e também assista aos vídeos lançados:


Tracklist:

Judgement Day (04:01)

Black Hole (04:14)

The Spider (04:16)

Get Out (04:12)

Cursed (05:21)

A Banda:

Marcela Bovio - Vocals,

Jord Otto - Guitar,

Ruben Wijga - Keyboard,

Siebe Sol Sijpkens - Bass,

Ariën van Weesenbeek - Drums

domingo, 28 de março de 2021

Pink Floyd: "The Division Bell"


"The Division Bell" ("Os Sinos da Divisão") é o álbum n°14 do Pink Floyd lançado em 28 de Março de 1994 pela gravadora EMI/Columbia.
CONCEITO/CAPA : O título do álbum refere-se aos sinos do Parlamento Britânico que são tocados nos debates e diálogos ou quando ocorrem divergências mais acirradas entre os parlamentares no momento de votação. Storm Thorgerson, colaborador de longa data, construiu duas cabeças metálicas de 4,5m de altura que formam uma única face. As duas faces em perfil indicariam o diálogo como um solucionador de problemas, visto que a COMUNICAÇÃO (como algo importante no relacionamento entre pessoas) é o tema que permeia o álbum.

Destaco a intensa tristeza da instrumental "CLUSTER ONE" que abre o disco. "WHAT DO YOU WANT FROM ME?" uma música forte (ainda que lenta) é trata de relacionamentos interpessoais. O título (O QUE VOCÊ QUER DE MIM?) foi dito por Gilmour ou pela sua esposa Polly Samson numa desentendimento de casal. POLES APART mostra o primeiro verso falando de Syd. O segundo verso fala de Waters. Minha música preferida do álbum. Bela, atmosférica e com aquela guitarra linda de Gilmour no final dramático. "A GREAT DAY FOR FREEDOM" aborda sobre o Muro de Berlim e a liberdade vinda por sua queda. Todavia parece haver um ar de descrença em meio as mudanças que não se concretizaram. "MAROONED" é aquela faixa instrumental que transporta a mente para uma ilha a ouvir sons e barulhos relaxantes. Uma viagem maravilhosa, proporcionada graças aos pedais DigiTech Whammy de David Gilmour. "MAROONED" ganhou o Grammy em 1995 como melhor faixa instrumental. "HIGH HOPES" é um épico sagrado! Como não se emocionar com tamanha obra-prima?

Uma letra que fala das lembranças de Gilmour sobre sua infância mas que podemos conjecturar sobre o que vivemos ao longo da vida e de nossas lembranças vivas que carregamos. Mística. O solo final com a lap steel guitar de Gilmour é simplesmente pra chorar. Maravilha sonora!

Nas tabelas ao redor do mundo, atingiu o número 1 em diversos países, entre eles : EUA (Billboard 200), Reino Unido, Alemanha, Noruega, França, Espanha, Austrália, Canadá, Holanda, Áustria, Suíça, Nova Zelândia e Suecia 27 anos de um belo álbum, ao qual, particularmente tenho um carinho enorme.

Pelo confrade Moisés Floydiano.


Tracklist:

1. Cluster One (5:58)
2. What Do You Want From Me (4:21)
3. Poles Apart (7:04)
4. Marooned (5:28)
5. A Great Day For Freedom (4:18)
6. Wearing The Inside Out (6:48)
7. Take It Back (6:12)
8. Coming Back To Life (6:19)
9. Keep Talking (6:11)
10. Lost For Words (5:14)
11. High Hopes (8:31)

Total Time: 66:24

A Banda :

David Gilmour / vocais, guitarras elétricas e violões, e-bow (7), teclados, baixo, vocal principal, talk box, programação, co-produtor
Richard Wright / teclados, piano, vocal (6), vocais de apoio
Nick Mason / bateria, percussão

Com:

Tim Renwick / guitarras
Jon Carin / teclados, programação, vocais
Bob Ezrin / teclados, percussão, co-produtor
Dick Parry / tenor saxofone
Guy Pratt / baixo, vocais
Gary Wallis / acústico e eletrônico percussão
Sam Brown / backing vocals
Carol Kanyon / backing vocals
Rebecca Leigh-White/ backing vocals
Durga McBroom / backing vocals
Jackie Sheridan / backing vocals
Stephen Hawkins / voz sintetizada
Michael Kamen / arranjos orquestrais
Edward Shearmur / orquestrações