Confraria Floydstock: resenhas

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sábado, 26 de junho de 2021

Chegou o álbum ao vivo do último show de Frank Zappa nos EUA; ouça

"Zappa '88: The Last U.S. Show" também inclui performances de shows adicionais da turnê de 1988 e do 1º lançamento oficial de "The Beatles Medley".

Los Angeles - 21 de junho de 2021 - Ninguém sabia, nem mesmo Frank Zappa, enquanto ele liderava sua banda de 11 integrantes em uma versão comemorativa de "America The Beautiful" para encerrar seu show no Nassau Coliseum em Uniondale, NY em 25 de março , 1988, que seria a última vez que tocaria nos Estados Unidos. Dias depois, a banda de 88 viajaria para a Europa para uma turnê por vários países, apenas para implodir na estrada antes que pudessem voltar aos Estados Unidos para outra rodada de shows agendados. Apesar das tensões crescentes na banda, o conjunto foi considerado um dos melhores Zappa já reunidos, uma mistura habilidosa de músicos extremamente talentosos composta por membros de longa data que tocaram com o Maestro desde os primeiros dias ao lado de novas adições emocionantes, reforçadas por seu novo instrumento favorito, o Synclavier. Uma máquina bem oleada, armada com um extenso repertório de 100 canções, a ágil banda era tão hábil em tocar as canções complexas e desafiadoras do gênero de Zappa quanto executava composições clássicas de nomes como Bartók, Ravel e Stravinsky.

O último show americano histórico de Zappa está agora disponível pela primeira vez como o novo álbum ao vivo, "Zappa '88: The Last U.S. Show" via Zappa Records / UMe. O primeiro lançamento póstumo de arquivo da banda em turnê de 1988, o álbum apresenta 29 apresentações inéditas, incluindo duas apresentações adicionais da mesma turnê: as interpretações selvagens de Zappa de "Whipping Post" da Allman Brothers Band no show de 16 de março em Providence, RI e “Stairway To Heaven” do Led Zeppelin, do show de 23 de março em Towson, Maryland. O disco também se destaca por conter o primeiro lançamento oficial do tão falado “The Beatles Medley”.

"Zappa '88: The Last US Show" está disponível agora para streaming e download, em 2 CDs, em uma caixa de vinil 4LP 180 gramas, disponível em vinil preto ou como uma edição limitada da variante de vinil roxo de 180 gramas, exclusivamente através da loja online Frank Zappa ou uDiscover. Totalmente autorizado pela família de Zappa e produzido por Ahmet Zappa e Zappa Vaultmeister Joe Travers. As gravações foram recentemente mixadas por Craig Parker Adams em 2020 a partir das fitas master digitais de 48 faixas. Os programas foram gravados usando dois gravadores Sony 3324 DASH PCM de 24 trilhas sincronizados usando um Módulo de Código de Tempo Lynx, fornecendo recursos de gravação de 48 trilhas. O álbum é complementado com notas de capa detalhadas de Travers e o baterista do Zappa '88 Chad Wackerman, que celebrou seu 28º aniversário no palco e é saudado por Zappa e a multidão, bem como fotos da turnê de Peder Andersson.

Como Travers escreve nas notas do encarte, “Comece com o fulcro das bandas em turnê de 1981-1984 (Robert, Scott & Chad), traga de volta Ike Willis, adicione a estação de trabalho digital Synclavier, uma seção de sopro de 5 peças com o multi-instrumentista Mike Keneally e você tem o que o FZ descreveu como "A melhor banda que você nunca ouviu na sua vida"". Embora dizer “nunca ouvi” possa ter sido um pouco exagerado, não estava muito longe, pois a banda de curta duração (quatro meses de ensaio em 1987/1988, seguidos por uma turnê de fevereiro a junho de 1988) tocou apenas alguns uma dúzia de shows na Costa Leste e na Europa antes de se separar. No entanto, os shows que tocaram juntos foram eletrizantes e uma classe de mestre em musicalidade.

Com Zappa na guitarra principal, vocais e empunhando sua nova obsessão, o Synclavier, ele liderou o processo em um set de carreira, apoiado por um elenco estelar de membros veteranos da banda e membros recém-adicionados: Mike Keneally (guitarra, sintetizador, vocais) , Scott Thunes (baixo elétrico, Minimoog), Ike Willis (guitarra rítmica, sintetizador, vocais), Chad Wackerman (bateria, percussão eletrônica), Ed Mann (vibrações, marimba, percussão eletrônica), Robert Martin (teclados, vocais) e  a seção de metais de Walt Fowler (trompete, flugel horn, sintetizador), Bruce Fowler (trombone), Paul Carman (sax alto, soprano e barítono), Albert Wing (sax tenor) e Kurt McGettrick (barítono e sax baixo, clarinete contrabaixo) . A banda preparou quase 100 canções e os sets eram variados, abrangendo as músicas dos primeiros álbuns do Mothers of Invention, mas com arranjos caracteristicamente atualizados e muitas vezes em constante evolução ("I Ain't Got No Heart", "Love Of My Life , ”“ Who Needs The Peace Corps?”), A novas composições criadas para a turnê de 1988 (“ Jesus Thinks You're A Jerk” e “When The Lie's So Big”), bem como composições clássicas (Bartók, Ravel, Stravinsky) que Zappa gostava de tocar para expor seu público à música que ele apreciava. Além da inclusão da seção de buzinas de 5 peças e sendo a única turnê do Keneally, os shows também incluíram o uso extensivo de samples através da máquina então atual, o Synclavier, que Zappa levou para a estrada pela primeira vez, bem como o uso de sons eletrônicos pelos percussionistas Mann e Wackerman em suas montagens.

"Zappa '88: The Last U.S. Show" inclui tudo isso e muitos outros destaques, como as favoritas dos fãs, “Peaches In Regalia”, “The Black Page”, “Inca Roads”, “Sharleena” “Sofa # 1” e “Pound For A Brown". Também inclui uma versão carregada de trompas de "I Am The Walrus", dos Beatles, e o primeiro lançamento oficial do muito procurado "The Beatles Medley", que apresenta a banda tocando a música "Norwegian Wood “, "Lucy In The Sky With Diamonds” e “Strawberry Fields Forever”, com as letras completamente alteradas para refletir o então recente escândalo sexual do televangelista Jimmy Swaggart. As letras obscenas zombam do ministro hipócrita e fazem parte da agenda de Zappa para desmistificar os televangelistas.

Exatamente como Zappa sentia que era importante protestar contra os defensores da cultura autoproclamados toxicamente puritanos e qualquer que fosse a hipocrisia ou hipócrita que o irritasse naquele dia, ele também era um motivador de ações positivas, apaixonado por causas, especialmente pelo direito de voto, tornando sua missão conseguir suas audiências se registrem para votar. Com a eleição presidencial se aproximando, Zappa ofereceu o registro de eleitor durante a turnê, com a ajuda da Liga das Eleições. Os fãs foram encorajados a votar antes do show ou durante um intervalo especial de 20 minutos no meio do show de mais de duas horas, que começaria com Zappa acionando o Synclavier para tocar uma peça musical. Em Uniondale era “One Man, One Vote”. Notavelmente, a versão aqui é uma mistura diferente da versão de estúdio lançada em "Frank Zappa Meets The Mothers Of Prevention. Zappa 88: The Last U.S". Show começa com Zappa exaltando a importância de votar e encorajar os não registrados a se inscreverem no show, registrando alguém ao vivo no palco. Em seguida, um representante do gabinete do governador Mario Cuomo leu uma mensagem de parabéns ao “Sr. Zappa pelo importante trabalho que você está realizando, incentivando o seu público e outros a se registrar e votar.

Infelizmente, depois que a perna europeia acabou”, como Travers escreve nos forros, “Frank Zappa escolheu dissolver o grupo e cancelar o resto da turnê, supostamente perdendo $ 400.000,00 em receita e privando públicos adicionais a oportunidade de testemunhar o quão especial este grupo foi mesmo. Com todo o tempo e dinheiro gastos para preparar e promover a turnê, sem mencionar o potencial dentro da talentosa banda e equipe, agora em 2021, é uma perda ainda mais histórica, considerando que o FZ nunca mais fez turnê.

Felizmente, o último show de Zappa nos EUA, como tantos outros dele, foi documentado e agora pode ser vivenciado em sua glória, mais de três décadas depois.

Tracklist:

1. “WE ARE DOING VOTER REGISTRATION HERE”

2. THE BLACK PAGE (NEW AGE VERSION)

 3. I AIN’T GOT NO HEART

 4. LOVE OF MY LIFE

 5. INCA ROADS

 6. SHARLEENA

7. WHO NEEDS THE PEACE CORPS?

 8. I LEFT MY HEART IN SAN FRANCISCO

 9. DICKIE’S SUCH AN ASSHOLE

10. WHEN THE LIE’S SO BIG

 11. JESUS THINKS YOU’RE A JERK

 12. SOFA #1

 13. ONE MAN, ONE VOTE

 14. HAPPY BIRTHDAY, CHAD! 

 15. PACKARD GOOSE PT.I 2:56

 16. ROYAL MARCH FROM “L’HISTOIRE DU SOLDAT” (STRAVINSKY)

 17. THEME FROM THE BARTOK PIANO CONCERTO #3 (BARTOK)

 18. PACKARD GOOSE PT.II

 19. THE TORTURE NEVER STOPS PT. I

 20. THEME FROM “BONANZA”

 DISC TWO 

1. LONESOME COWBOY BURT

 2. THE TORTURE NEVER STOPS PT. II

 3. CITY OF TINY LITES

 4. POUND FOR A BROWN

 5. THE BEATLES MEDLEY (LENNON/McCARTNEY) 

 6. PEACHES EN REGALIA

 7. STAIRWAY TO HEAVEN (PAGE/PLANT)

 8. I AM THE WALRUS (LENNON/McCARTNEY) 

9. WHIPPING POST (ALLMAN)

10. BOLERO (RAVEL)

11. AMERICA THE BEAUTIFUL~


segunda-feira, 31 de maio de 2021

Review: "An Evening With Nightwish In A Virtual World"

Jukka Koskinen, baixista do Wintersun, se juntara aos mestres sinfônico-metálicos do Nightwish para a primeira de duas ambiciosas transmissões ao vivo em um ambiente virtual

O Nightwish não faz nada pela metade, então eles nunca se contentariam com uma transmissão ao vivo genérica na sala de estar. No primeiro de dois programas, eles levaram os fãs em uma jornada virtual através de florestas e oceanos mágicos para chegar ao The Islanders Arms, por meio de uma aeronave retro-futurista, é claro.

Sua taverna steampunk, completa com lâmpadas de coruja e um farol no topo, parece ter sido retirada da série Discworld de Terry Pratchett e transportada para uma releitura da Disney de His Dark Materials de Philip Pulman. Há vitrais, velas tremeluzentes e até várias árvores que se estendem até o telhado de vidro abobadado, atrás das quais telas gigantes exibem o tipo de visual fantástico que você poderia ter visto em um de seus shows ao vivo pré-pandêmico. Lá fora, as estações mudam como se cada música fosse um encantamento mágico. O ilustrador da banda, Janne Pitkänen, esteve envolvido em algumas das imagens e há até ovos de Páscoa para os fãs com olhos de águia verem.


Mas espere, há alguém novo no palco! Quando o baixista e co-vocalista Marco Hietala anunciou sua saída em janeiro de 2021, os fãs se perguntaram quem poderia substituí-lo. Ele tem sido um elemento central do som do Nightwish desde que entrou em 2001, e enquanto Jukka Koskinen, baixista do Wintersun duplica suas partes de baixo perfeitamente, seus vocais agora estão divididos entre Floor Jansen e Troy Donockley. Os resultados são em sua maioria positivos. Em "Planet Hell", Jansen canta ambas as partes de forma brilhante, enquanto as harmonias dela e de Donockley funcionam lindamente. em "7 Days To The Wolves". No entanto, os vocais de Hietala fazem muita falta em "I Want My Tears Back", que carece de seu soco usual. As coisas soarão diferentes nos arredores de uma arena lotada? A banda poderia acabar usando um vocalista convidado para esses shows? Teremos que esperar para ver.

Rosnados não são a única coisa que falta: o cenário virtual significa que não há aplausos e o silêncio entre as músicas às vezes é um pouco desconfortável. Foi-nos prometido uma experiência mais interativa com avatares de fãs e emojis, talvez inspirados no show astronômico de Travis Scott em Fortnite,- mas, infelizmente, eles não estão disponíveis e também não há opções para explorar o ambiente virtual. A ausência de elementos tão ambiciosos e os pirós da marca registrada da banda só fazem o coração crescer mais pelo retorno de shows ao vivo reais, onde você pode ficar ombro a ombro com outros fãs.


Apesar das limitações tecnológicas, o Nightwish genuinamente parece que está se divertindo muito e não há nenhum indício das preocupações de Tuomas Holopainen sobre o futuro deles. Já se passaram dois anos e meio desde seu último show ao vivo e eles claramente perderam o palco. O set desta noite é apertado e embalado com material do álbum "Human. :II: Nature". Favoritas dos fãs e algumas adições surpreendentes, incluindo "Harvest", "Bless The Child" e uma adorável interpretação acústica de "How's The Heart?" O ambiente íntimo também captura gestos amigáveis que poderiam ter sido perdidos; a banda frequentemente troca sorrisos e acenos de cabeça, e Jansen até dá a Koskinen um sincero polegar para cima durante "Ghost Love Score".

Uma noite com o Nightwish ... é uma viagem mágica e um delicioso aperitivo para quando as coisas puderem voltar ao normal. Este escritor não pode esperar.

Setlist:

Music
Noise
Planet Hell
Tribal
Elan
Storytime
She Is My Sin
Harvest
7 Days To The Wolves
I Want My Tears Back
Bless The Child
Nemo
How's The Heart?
Shoemaker
Last Ride Of The Day
Ghost Love Score
Greatest Show On Earth


quinta-feira, 13 de maio de 2021

Cream: Um furacão passou pelo rock

Na segunda metade dos anos 60 o rock estava  saindo da 'puberdade'(com seus "iê-iê-iê's" e "oh baby, give me a kiss") e chegando a 'fase adulta', onde as virtuoses começaram a se sobressair e a levarem este gênero por inúmeros caminhos. Uma dessas bandas foi o Cream, que tinha na sua formação o primeiro power trio da história do rock.

Em 1966, Eric Clapton, que na época já era "deus" e alcançou a divindade tocando e amando o blues juntava-se aos incríveis Jack Bruce e Ginger Baker, que eram jazzistas por definição e religião. Era uma "fé cega", se me permitem a torta referência.

Depois de um caminho tortuoso no início, com o primeiro single do álbum "Fresh Cream", a banda colocou pra fora toda a sua genialidade e compôs músicas que fariam parte de seus 4 álbuns de estúdio e se tornariam verdadeiras pérolas do Rock, como "Sunshine of Your Love", "I Feel Free", "White Room", "Tales of Brave Ulysses", "Strange Brew", "Toad", "Badge" e versões poderosas de "Spoonful", "Outside Woman Blues", "Crossroads", "Born Under a Bad Sign" e "Steppin' Out".

Se no estúdio a banda já era absurdamente prolífica, as performances ao vivo eram algo sem igual, marcadas pela genialidade e excelência, onde a plateia ficava numa espécie de transe diante daquilo, condensando-se em um som inovador, poderoso, psicodélico e que tomou de assalto os amantes do rock na época. E então veio o fim. As desgastantes turnês(a banda fez cerca de 300 shows em um intervalo de um ano) e as tensões entre seus membros(especialmente Bruce e Baker) acabaram esgotando o trio e seus integrantes resolveram seguir com a vida em outros projetos.

Em 26 de novembro de 1968 o Cream subia ao palco do lendário Royal Albert Hall de Londres para seu último concerto e sairia daquele palco sendo ovacionado por uma multidão consternada que jogava inúmeras rosas em direção aos três e bradava "God save the Cream!", numa espécie de alusão à "God save the Queen!", saldação costumeira feita à rainha Elisabeth.

Muitos defendem que o Cream foi o precursor do que viria a ser o heavy metal, algo que categoricamente não era a intenção da banda, tanto que anos depois numa entrevista, um "doce e gentil" Ginger Baker soltou a seguinte frase: "O Heavy Metal deveria ter sido abortado". O Cream durou menos de 3 anos, mas deixou uma marca indelével na história do rock. A lista de admiradores e músicos que foram fortemente influenciados pela banda inclui nomes como Jimi Hendrix, Roger Waters, Eddie Van Halen e David Bowie, e grupos como Hush, Led Zeppelin, Queen e Black Sabbath, entre tantos outros. 

 O Cream foi único. Um legado que poucas bandas na história da música puderam deixar. Sei que o texto é repleto de "nostalgia do que não vivemos" e cheio de romantismo. Mas o que fica é a reverência à uma das maiores bandas da história e que pavimentou o caminho para tudo o que veio depois. Como diria a revista britânica "Beat Instrumental" na sua manchete sobre o penúltimo álbum da banda, "Wheels of Fire": "Comprem este álbum ou vivam miseravelmente o resto de suas vidas!"

Por Jaderson Gomes.

sábado, 24 de abril de 2021

Jethro Tull: assista ao novo clipe animado de "Aqualung"

No início deste mês de abril o canal oficial do Jethro Tull divulgara um clipe animado oficial para a faixa-título do álbum "Aqualung", que completara 50 no mês passado.

Assista no player abaixo e na sequência, leia a nossa resenha sobre o álbum:

As sementes da complexidade e esmero já tinham sido plantadas anteriormente no antecessor "Benefit", álbum embrionário do poderoso e maciço "Aqualung", que chegaria em 19 de março de 1971, mostrando ao mundo uma já gigantesca banda de rock progressivo e que só faria crescer no decorrer daquela década.

Apesar do genial frontman do Jethro Tull, o vocalista, violonista e flautista Ian Anderson posteriormente negar isso em entrevista, sabe-se que "Aqualung" teria sido um álbum conceitual satirizando e criticando a relação entre personagens, religião e o próprio Deus, onde segundo os temas das canções, a religião não cumpriria o seu verdadeiro papel de possibilitar o "religare' do homem com o Deus e sim o afastando dele.

Marcando as estreias do baixista Jeffrey Hammond e do pianista John Evan, porém também a despedida do baterista Clive Bunker, musicalmente o disco é um trabalho primoroso, tendo quase como de praxe, praticamente todas as canções emanando da mente criativa de Ian Anderson, salvo raras exceções de algumas pouquíssimas composições em parceria.


A faixa-título, que inclusive abre o disco é uma das obras-primas do rock progressivo e classic rock de todos os tempos, com seu riff introdutório marcante sendo um dos mais emblemáticos e reconhecidos do gênero, além do estupendo solo do guitarrista Martin Barre, deveras subestimado nas listas dos grandes guitarristas do século passado.

Assim como a faixa-título, este álbum rendeu mais algumas canções que passariam a integrar eternamente os setlists dos shows da banda, como "Cross-Eyed Mary", "Locomotive Breath" e principalmente à época, a belíssima e profunda "My God".

Vale ressaltar que mesmo como todo o crescente mergulho no prog rock, "Aqualung" não deixa de lado as icônicas influências celta e folk da banda, ficando isso claro na trinca das ótimas faixas "Mother Goose", "Wond'ring Aloud" e "Up to Me".


Como uma canção "lado B de luxo", não tão badalada assim, o álbum se fecha com a espetacular "Wind Up", música lindíssima, que deveria ser lembrada dentre as maiores da carreira do grupo e mais executadas nos shows tanto do Jethro Tull, quanto nas apresentações solo de Ian Anderson, ainda na ativa.

Com o enorme sucesso de público e crítica de "Aqualung", ficava difícil imaginar que a banda de Anderson pudesse repetir o feito ou mesmo ir além, mas sim, ela o fizera no ano seguinte com outra-obra-prima, contendo uma só música, "Thick As A Brick".


Tracklist:

"Aqualung"
"Cross-Eyed Mary"
"Cheap Day Return"
"Mother Goose"
"Wond'ring Aloud"
"My God"
"Hymn 43"
"Slipstream"
"Locomotive Breath"
"Wind Up"

A Banda:

Ian Anderson: vocais, violão, flauta
Martin Barre: guitarra, flauta doce soprana
John Evan: piano, órgão, mellotron
Jeffrey Hammond (como "Jeffrey Hammond-Hammond"): baixo, flauta doce alta vocais
Clive Bunker: bateria, percussão


sexta-feira, 16 de abril de 2021

Marcela Bovio volta vigorosa em EP de estreia de sua nova banda, a Dark Horse White Horse; ouça, assista e leia resenha

A Dark Horse White Horse, nova banda da cantora Marcela Bovio, ex-Streaming of Passion e integrante do MaYan e Ayreon, lançara hoje o seu 1º EP auto-intitulado.

Miss Bovio recebera o convite dos ex-integrantes do Revamp, Jord Otto (guitarra) e Ruben Wijga (teclas), para formarem um power-trio prog-symphonic-metal. O baixista Siebe Sol Sijpkens (Phantom Elite, Destiny Potato, Sordid Pink) e  Ariën van Weesenbeek (Epica e MaYan) às baquetas completaram o time no estúdio, sob a produção sempre magistral de Joost van den Broek.

O trabalho trouxera 5 canções formidáveis que felizmente teimam em soar pesadas, com intermitentes nuances prog-melódico-líricas em alto nível, sempre.

É como se Marcela tivesse ressuscitado uma versão fênix de sua antiga banda, a Stream of Passion. Aqui o fluxo musical voltara a correr com toda a força de uma correnteza sonora pulsante, potencializada por riffs, fraseados e solos de guitarra vitaminados.

Nossa prima-dona denotara todo o seu esplendor oriundo de suas quase biônicas cordas vocais, sem pudor nem temor de deliciosamente romper nossos tímpanos, porém concomitantemente os amaciando, com partes de canto aveludadas em intermezzos dentre seu vocal rascante.

Rascante, pois agora não poderia deixar de sê-lo, uma vez que ela já deixara claro, inclusive em entrevista para a Confraria Floydstock, que sempre faz tudo com muita entrega e intensidade. Logo era de se esperar que nossa Bovio irrompesse cantando o mais alto e forte possível, como se expurgando recentes dramas pessoais e de saúde que bravamente superara. E em tempos como esse, nada melhor do que cantar alto para deixar os males bem longe.

O melhor deste EP é saber que ele é só o 1º passo e que a Dark Horse White Horse está só começando e que muitas alegrias sonoras ainda poderá nos trazer.

Ouça o EP na íntegra e também assista aos vídeos lançados:


Tracklist:

Judgement Day (04:01)

Black Hole (04:14)

The Spider (04:16)

Get Out (04:12)

Cursed (05:21)

A Banda:

Marcela Bovio - Vocals,

Jord Otto - Guitar,

Ruben Wijga - Keyboard,

Siebe Sol Sijpkens - Bass,

Ariën van Weesenbeek - Drums

domingo, 28 de março de 2021

Pink Floyd: "The Division Bell"


"The Division Bell" ("Os Sinos da Divisão") é o álbum n°14 do Pink Floyd lançado em 28 de Março de 1994 pela gravadora EMI/Columbia.
CONCEITO/CAPA : O título do álbum refere-se aos sinos do Parlamento Britânico que são tocados nos debates e diálogos ou quando ocorrem divergências mais acirradas entre os parlamentares no momento de votação. Storm Thorgerson, colaborador de longa data, construiu duas cabeças metálicas de 4,5m de altura que formam uma única face. As duas faces em perfil indicariam o diálogo como um solucionador de problemas, visto que a COMUNICAÇÃO (como algo importante no relacionamento entre pessoas) é o tema que permeia o álbum.

Destaco a intensa tristeza da instrumental "CLUSTER ONE" que abre o disco. "WHAT DO YOU WANT FROM ME?" uma música forte (ainda que lenta) é trata de relacionamentos interpessoais. O título (O QUE VOCÊ QUER DE MIM?) foi dito por Gilmour ou pela sua esposa Polly Samson numa desentendimento de casal. POLES APART mostra o primeiro verso falando de Syd. O segundo verso fala de Waters. Minha música preferida do álbum. Bela, atmosférica e com aquela guitarra linda de Gilmour no final dramático. "A GREAT DAY FOR FREEDOM" aborda sobre o Muro de Berlim e a liberdade vinda por sua queda. Todavia parece haver um ar de descrença em meio as mudanças que não se concretizaram. "MAROONED" é aquela faixa instrumental que transporta a mente para uma ilha a ouvir sons e barulhos relaxantes. Uma viagem maravilhosa, proporcionada graças aos pedais DigiTech Whammy de David Gilmour. "MAROONED" ganhou o Grammy em 1995 como melhor faixa instrumental. "HIGH HOPES" é um épico sagrado! Como não se emocionar com tamanha obra-prima?

Uma letra que fala das lembranças de Gilmour sobre sua infância mas que podemos conjecturar sobre o que vivemos ao longo da vida e de nossas lembranças vivas que carregamos. Mística. O solo final com a lap steel guitar de Gilmour é simplesmente pra chorar. Maravilha sonora!

Nas tabelas ao redor do mundo, atingiu o número 1 em diversos países, entre eles : EUA (Billboard 200), Reino Unido, Alemanha, Noruega, França, Espanha, Austrália, Canadá, Holanda, Áustria, Suíça, Nova Zelândia e Suecia 27 anos de um belo álbum, ao qual, particularmente tenho um carinho enorme.

Pelo confrade Moisés Floydiano.


Tracklist:

1. Cluster One (5:58)
2. What Do You Want From Me (4:21)
3. Poles Apart (7:04)
4. Marooned (5:28)
5. A Great Day For Freedom (4:18)
6. Wearing The Inside Out (6:48)
7. Take It Back (6:12)
8. Coming Back To Life (6:19)
9. Keep Talking (6:11)
10. Lost For Words (5:14)
11. High Hopes (8:31)

Total Time: 66:24

A Banda :

David Gilmour / vocais, guitarras elétricas e violões, e-bow (7), teclados, baixo, vocal principal, talk box, programação, co-produtor
Richard Wright / teclados, piano, vocal (6), vocais de apoio
Nick Mason / bateria, percussão

Com:

Tim Renwick / guitarras
Jon Carin / teclados, programação, vocais
Bob Ezrin / teclados, percussão, co-produtor
Dick Parry / tenor saxofone
Guy Pratt / baixo, vocais
Gary Wallis / acústico e eletrônico percussão
Sam Brown / backing vocals
Carol Kanyon / backing vocals
Rebecca Leigh-White/ backing vocals
Durga McBroom / backing vocals
Jackie Sheridan / backing vocals
Stephen Hawkins / voz sintetizada
Michael Kamen / arranjos orquestrais
Edward Shearmur / orquestrações

sábado, 6 de março de 2021

Review: "Ωmega", oitavo álbum do Epica, é puro Jung em metal-lírico

O UM, a unidade proliferativa, a expansão, subdivisão, início, meio fim e reagrupamento ao começo e origem de tudo.

Eis o conceito de "Ωmega", diretamente calcado no Ponto Ωmega, desde o bing bang e a criação do universo, convergindo-se nova e unificadamente para o mesmo ponto, agora bem maior, assim como Gaia, a Grande Mãe Terra, que abriga tudo num vasto todo, unificando todas as mentes individuais numa só coletiva, (olha o Jung aí) .

Mark Jansen, guitarrista, co-vocalista e principal criador dos conceitos dos álbuns e canções do Epica, é também psicólogo e deixa cada vez mais entrever nuances do eterno pupilo de Sigmund Freud, o suiço Carl Gustav Jung, trazedor da psicologia analítica ao mundo.

Jansen vem se mostrando cada vez um pesquisador mais afeito às ciências da mente e seus potenciais quânticos, com suas intersecções ou não com os aspectos religiosos, trazendo tais abordagens desde "The "Divine Conspiracy", seu aclamado álbum de 2007 e ficando ainda mais exponencial na agora nominada "trilogia quântica", envolvendo os álbuns "The Quantum Enigma" (2014), "The Holographic Principle" (2016) e agora em "Ωmega", que chegara em 26 de fevereiro último.

O trabalho fora minunciosamente pensado, composto, elaborado, desenvolvido e executado pelo sexteto epiciano, reclusos num estúdio rural nos confins neerlandeses a fim de se concentrarem com mais veemência na obra, sob novamente a produção do competente Joost van den Broek.

Simone, Coen, Isaac, Rob, Mark e Ariën ganharam a companhia da Orquestra Filarmônica de Praga, um coro infantil e mais as incríveis Marcela Bovio e Linda Janssen nos backing vocals, além de Zaher Zorgati, para as traduções e textos em árabe, Paul Babikian e Vicky Psarakis nas narrações.

A impecabilidade musical deste álbum recai sobremaneira nas vigorosas orquestrações e potentes partes coralísticas, notórias em canções como “Abyss of Time – Countdown to Singularity”, uma espécie de futuro hino ao vivo, assim como vem no início do disco, provavelmente deverá abrir futuros concertos, quando a pandemia permitir; “Seal of Solomon” e "Gaia", sim esse álbum felizmente parece possuir duas canções a la "Beyond the Matrix", com refrões coralísticos empolgantes; “Code of Life”, que poderia levar o nome da própria banda, devido à sua atmosfera preponderantemente épico-medieval; “Freedom – The Wolves Within”, brindada com um clipe gráfico lindíssimo; e finalmente, o fator orquestra-coralístico impressiona definitivamente nas suítes, a magnânima “Kingdom of Heaven Part III – The Antediluvian Universe”, encerrando uma feliz trilogia cancioneira, que se iniciara ainda nos tempos de Mark Jansen no After Forever, sua banda de outrora; e a faixa-título, que encerra o trabalho.

"É o nosso oitavo álbum de estúdio. O número oito também é muito espiritual porque se você colocá-lo no lado, é o símbolo do infinito. "Kingdom Of Heaven" é sobre a vida após a morte e também é o número oito no álbum. Portanto, há muito simbolismo oculto no álbum e na capa. A grande questão da vida, "O quê é o verdadeiro sentido da vida? ' Como navegamos pela vida dentro de nós mesmos? Somos todos 'yin e yang'. Todos nós somos feitos de luz e escuridão. Todos nós temos esse labirinto dentro de nós mesmos no qual temos que navegar. Esperamos encontrar nosso caminho para sair do labirinto e não nos perder dentro do labirinto de nós mesmos." - discorrera Simone Simons sobre "Ωmega".

A mezzo-soprano Simone Simons se mostrara cada vez mais madura neste oitavo e simbólico álbum do Epica, tanto como compositora, como entoando notas altas e suaves com crescente autoridade, dividindo o canto com Mark, este com o seu canto gutural marca registrada. Abaixo, "Rivers" e mais adiante "The Skeleton Key", que não me deixam mentir.

Isaac Delahue aqui nos traz uma guitarra com refinadas elaborações e o melhor: mais solos harmônicos, bem como o tecladista, Coen Jenssen, deixando sua assinatura magistral nas harmônicas e bases às teclas.

Se o número 8 remete ao conceito de infinito, "Ωmega", o oitavo álbum do Epica o envia para infindas proposições conceito-sonoras, culminando novamente na unidade absoluta da excelência.

Como cereja do bolo a banda ainda disponibilizara um material bônus, o "ΩmegAcoustic", trazendo 4 versões acústicas.

Tracklist:

01. Alpha – Anteludium (1:38)

02. Abyss of Time – Countdown to Singularity (5:20)

03. The Skeleton Key (5:06)

04. Seal of Solomon (5:28)

05. Gaia (4:46)

06. Code of Life (5:58)

07. Freedom – The Wolves Within (5:37)

08. Kingdom of Heaven Pt. 3 – The Antediluvian Universe (13:24)

09. Rivers (4:48)

10. Synergize – Manic Manifest (6:36)

11. Twilight Reverie – The Hypnagogic State (4:29)

12. Omega – Sovereign of the Sun Spheres (7:06)

segunda-feira, 8 de fevereiro de 2021

Pink Floyd: "Meddle" mostrou o caminho através da tempestade da ausência de Syd Barrett

Era uma única nota, cintilando como um farol a liderar um navio instável durante a noite. O Pink Floyd não tinha novas canções preparadas quando começou a gravar no início de 1971, mas eles tiveram acesso ao lendário Abbey Road Studios e rédeas livres de sua gravadora para mexer por aí até que encontrassem seu caminho. Eles passaram semanas improvisando com cada membro posto à parte do que os outros tocavam, uma busca descuidada pelo tipo de inspiração estranha e espontânea que seu antigo líder, guitarrista e compositor Syd Barrett, conjurou à vontade.

Eles chamaram os resultados de “Nadas 1-24”: Previsivelmente, eles eram quase totalmente inutilizáveis - exceto por esta única nota: um Si agudo, tocada em um piano perto do limite de seu alcance, distorcida pelas ondulações de um alto-falante Leslie giratório. Era penetrante, mas ligeiramente obscurecido, como se tivesse percorrido uma grande distância para alcançar sua consciência. “Nunca poderíamos recriar a sensação dessa nota no estúdio, especialmente a ressonância particular entre o piano e a Leslie”, o baterista Nick Mason escreveu mais tarde. Então, eles usaram a fita demo e começaram a compor em torno dela. "Echoes" cresceu dessa nota para algo incrível: uma viagem psych-prog de 23 minutos da tranquilidade ao triunfo à desolação e de volta, com um riff como um relâmpago atingindo o mar aberto e um vocal principal aconchegante mantendo você confortável e seguro debaixo do deck. Foi a primeira música que o Pink Floyd completou para "Meddle", seu conflituoso e brilhante sexto álbum.

Depois de um período de agitação por direção, “Echoes” ofereceu um caminho para os épicos art-rock pops que tornariam o Pink Floyd uma das bandas de maior sucesso da história. Mas também foi uma espécie de finalização. Durante o final dos anos 60, sob o reinado louco de Barrett, o Pink Floyd era turbulento e intuitivo, equilibrando suas canções de contos de fadas com o tipo de improvisações caóticas e barulhentas que provavelmente inspiraram Kim Gordon do Sonic Youth a batizar seu cachorro com o mesmo nome. À medida que sua fama crescia e o baixista Roger Waters tomava um controle criativo cada vez mais rígido ao longo dos anos 70, a música cada vez mais favorecia a solenidade ao invés do capricho, o formalismo à exploração. "Echoes" e "Meddle" como um todo - ficam na interseção dessas duas abordagens, oferecendo uma prévia nebulosa do futuro do Pink Floyd como estrelas internacionais, sem ainda abandonar seu passado como jovens bandoleiros visionários.

Desde a fundação do Pink Floyd em 1965 até a saída de Barrett em 1968, eles foram a banda da casa da cena psicodélica nascente de Londres. Os membros, um grupo de intelectuais desajustados que se reuniram enquanto frequentavam a universidade de arte e arquitetura, em sua maioria mantinham uma distância profissional dos verdadeiros psicodélicos, com exceção de Barrett, que se entregou de coração. Logo após o lançamento do álbum de estreia do Pink Floyd, "The Piper at the Gates of Dawn" de 1967, ele se tornou retraído e errático: ele se recusava a participar de apresentações, permanecia indiferente enquanto as pessoas tentavam falar com ele, sabotou uma aparição na TV ao ficar parado quando ele deveria fazer mímica durante uma trilha de apoio. Seus companheiros de banda ficavam frustrados com esses empecilhos para o sucesso. Um dia, em fevereiro de 1968, eles decidiram que simplesmente não iriam buscá-lo no caminho para o show naquela noite. Esse foi o fim de seu período no Pink Floyd. Barrett gravou dois álbuns solo, depois se retirou da vida pública até sua morte em 2006. "Estou desaparecendo, evitando a maioria das coisas", disse ele a um entrevistador da Rolling Stone em 1971, ano em que o Pink Floyd lançou "Meddle" sem ele. Duas das últimas canções que ele gravou com eles foram consideradas muito obscuras e perturbadoras para serem lançadas até várias décadas depois. "Tenho procurado por todo canto por um lugar para mim", ele canta em uma delas, sua voz assumindo um tom teatral de Chapeleiro Maluco. "Mas não encontro em lugar nenhum."

A história de Syd Barrett se encaixa perfeitamente dentro de dois arquétipos do final dos anos 60: a vítima do ácido e a estrela do rock condenada. A realidade é provavelmente mais triste e comum. Com o mito do astro do rock não mais tão culturalmente potente como era antes, e uma compreensão contemporânea mais matizada da relação do LSD com transtornos como a esquizofrenia, ele pode precipitar surtos psicóticos em pessoas que já estão predispostas a eles, mas não os causa por si, ele se parece simplesmente com um homem com uma doença mental grave, sem desejo de fama e sem ninguém por perto que soubesse como ajudá-lo.

Nick Mason, em seu livro de memórias "Inside Out", retorna várias vezes à insensibilidade com que ele e seus companheiros de banda trataram seu frontman enquanto ele estava se revelando, apresentando seu desprezo por Barrett como consequência de sua fixação em fazer sucesso como músicos. Começando com "The Dark Side of the Moon" de 1973, seus anos de superestrelas pós-Barrett podem ser vistos como uma série de tentativas de reconhecer sua ausência e culpa, mesmo quando eles se afastaram de sua visão da banda: "Dark Side", uma suíte sobre como as pressões da vida moderna podem levar uma pessoa à insanidade, explorando a angústia mental à luz de uma lâmpada de lava; "Wish You Were Here", um álbum elegíaco e às vezes cínico apresentado mais ou menos explicitamente como um tributo a Barrett; "The Wall", uma ópera rock sobre a crescente alienação de um cantor da sociedade e de seus entes queridos. O status desses álbuns como clássicos de dormitório pode fazer com que sua preocupação com a instabilidade psicológica pareça um pouco melodramática, mas parece improvável que seus criadores vejam dessa forma.

Foram seis anos e seis álbuns entre "The Piper at the Gates of Dawn" e "The Dark Side of the Moon". Durante esse período de limbo, o Pink Floyd parecia estar evitando um confronto sobre sua identidade, quem eles realmente eram sem seu líder. "A Saucerful of Secrets" de 1968, segue principalmente o estilo de "Piper"; ele veio quando Barrett estava saindo da banda, e é o único álbum do Pink Floyd onde ele e Gilmour, seu amigo desde o ensino médio, aparecem juntos. Em seguida, houve uma trilha sonora, um LP duplo com gravação ao vivo e uma série de peças gravadas pelos membros individualmente, e uma laboriosa obra quase-sinfônica montada em grande parte por um arranjador convidado. “"Meddle" foi o primeiro álbum em que trabalhamos juntos como uma banda no estúdio desde A Saucerful of Secrets”, escreve Mason, posicionando o sexto álbum do Pink Floyd como a verdadeira continuação do segundo, e sua primeira declaração propriamente colaborativa, sem qualquer envolvimento de Barrett.

Fazer "Meddle" levou a maior parte do ano, graças à agenda de turnês da banda e sua insistência em fazer as coisas "da maneira mais complicada possível", como diz Mason. As jams cada-um-por-si que produziram o som do piano "Echoes" foram apenas o começo: houve tentativas infrutíferas de gravar vocais ao contrário, pedais conectados da maneira errada, um cachorro treinado para uivar junto com a música introduzido como um colaborador. Em algum ponto, eles convenceram a EMI, sua gravadora, de que Abbey Road não tinha sofisticação técnica para a música que estavam tentando fazer, e mudaram a operação para o recém-inaugurado AIR Studio de George Martin, que tinha o gravador de 16 trilhas de última geração que faltava em Abbey Road.

Em breve, o Pink Floyd introduziria a precisão das novas tecnologias de gravação para álbuns que eram cuidadosamente planejados de cima a baixo, com cada momento derivado de um tema abrangente e ajustado para o máximo impacto. Em "Meddle", eles chegaram quase à riqueza e envolvência sonora de "Dark Side", mas ainda não ao seu holismo composicional elaborado. Nenhum outro álbum do Pink Floyd se encaixa exatamente no mesmo ponto ideal: enorme e ambicioso, mas sem nenhuma narrativa extramusical, empurrando os limites do rock sem ir além deles para as virtudes do cinema e do teatro. Não é necessário enredo de três atos ou temas operísticos e represálias para achatá-lo no sofá e abrir um buraco em seu cérebro; o estrondo da banda é o suficiente para fazer isso por conta própria.

O rock progressivo estava em alta no Reino Unido no início dos anos 70, e o punk não ficou muito atrás. O Pink Floyd acabaria sendo associado à grandiloquência do primeiro, mas eles sempre foram um par imperfeito para o progressivo, eles eram certamente grandiloquentes, mas simplesmente não tinham o virtuosismo instrumental de bandas como Yes e King Crimson. No início, eles tinham muito a ver com o noise rock, embora o termo ainda demorasse décadas para ser inventado. Johnny Rotten vestiu a famosa camiseta "Eu odeio o Pink Floyd" no palco com os Sex Pistols; não muito depois, suas jams desconstruídas com a Public Image Ltd. não eram tão diferentes dos surtos de "Careful With That Axe, Eugene" ou "Interstellar Overdrive". "Meddle" tem ambos: a amplitude progressiva do Floyd maduro e a agressividade de suas origens.

A abertura predominantemente instrumental “One of These Days” soa como um Camaro disparando pelo cosmos. É uma emoção visceral que existe apenas por si mesma, apresentando "Meddle" com um pouco de hard rock sci-fi que não faz nada para prepará-lo para a correnteza narcotizada do resto do primeiro lado. As primeiras letras do álbum (além de uma breve interjeição falada em "One of These Days") fazem um trabalho melhor em definir o tom lânguido predominante: "Uma nuvem de edredom se desenha em torno de mim, suavizando o som/Hora de dormir, e eu deito com meu amor ao meu lado, e ela está respirando baixo”, canta Gilmour para abrir “A Pillow of Winds”. Conscientemente ou não, essas linhas contêm fortes ecos de Barrett, que cantou sobre estar “Sozinho nas nuvens todo azul/Deitado em um edredom” em "The Piper at the Gates of Dawn".

Se o Pink Floyd do "Dark Side" e daí em diante engalfinhou-se ao legado de Barrett em seus temas enquanto se livrava de sua influência musical direta, "Meddle" está em dívida com ele como músico, sem ainda reconhecê-lo diretamente como homem. Sua única música não essencial é "Seamus", apresentando o canino mencionado, cuja mistura de pastiche blueseiro e colagem de som lúdica é a tentativa mais clara de reproduzir o personagem maluco da era anterior de Floyd. Mas onde Barrett poderia ter instalado alguma estranheza essencial no encontro da slide guitar com o cachorro cantor, o resto do Pink Floyd parece acreditar que a própria justaposição é o suficiente. As letras - "Eu estava na cozinha/Seamus, esse é o cachorro, estava lá fora", são quase perversas em sua recusa em se envolver com qualquer coisa substancial.

Fearless” é outro assunto. Ela se concentra na dignidade silenciosa de um "idiota" seguindo seu próprio caminho colina acima, enquanto uma multidão zomba de baixo, dizendo que ele nunca chegará ao topo. Como acontece com muito de "Meddle", a guitarra parece avançar em câmera lenta, combinando com sua subida humilde, um riff majestoso e ascendente com cordas abertas que Waters tocava usando uma afinação alternativa que Barrett lhe ensinou anos antes. Gilmour assume o vocal principal, e seu discurso sonolento, o que geralmente implica um estado de beatitude chapada, em vez disso, transmite tristeza e futilidade por baixo da determinação. “Fearless” está entre as melhores e mais comoventes canções do Pink Floyd, comovente, mesmo quando o idiota parece prevalecer sobre as vozes que dizem que ele não o fará.

Se a banda sentiu que a estória tinha alguma ressonância com seus próprios desafios pessoais, eles não o mostraram abertamente. “Fearless” termina com a gravação de uma multidão de futebol gritando o hino do Liverpool F.C., enquadrando sua história de perseverança com a simples sensação boa de um azarão derrotando um rival. Mason nunca conseguiu entender a insistência de Waters nessa estranha coda, especialmente porque o baixista era um torcedor dedicado do Arsenal. Talvez sua afinidade fosse pelo sentimento familiar da própria música, uma melodia de musical de Rodgers e Hammerstein adotada pelos fãs do Liverpool depois que um grupo local a transformou em um hit pop, apesar de seu contexto esportivo. “Ande com esperança em seu coração”, os fãs podem ser ouvidos cantando enquanto “Fearless” desaparece, “e você nunca andará sozinho”.

Mas a verdadeira razão de ser de Meddle é "Echoes", que ocupa todo o segundo lado do álbum. Ambicioso além de qualquer coisa que o Pink Floyd tenha tentado antes, selvagem além de qualquer coisa que eles tentaram depois, ela toma a origem da própria vida como seu tema, outra humilde ascensão. Em harmonia cadenciada, Gilmour e Wright descrevem uma cena nas profundezas do mar: “Ninguém sabe onde ou por que/Mas algo se move e algo tenta/E começa a subir em direção à luz.” Conforme a tempestade da música ganha força, seu foco muda para um encontro casual ambíguo entre duas pessoas, descendentes dessas amebas agitadas. A bateria fica mais forte; as guitarras passam de vapor a líquido, a sólido a chamas. No lugar de um clímax, há desintegração. O ritmo para, o fundo cai e, pela última vez, o Pink Floyd soa mais como improvisadores de vanguarda do que músicos de rock de estádio: gemendo, se contorcendo, guinchando, expressando a complicada liberdade de se desvencilhar de qualquer plano.

Eventualmente, o farol daquele Si agudo no piano retorna. A banda remonta e termina a música. Mais tarde, eles lançam um dos melhores álbuns do rock com "Dark Side of the Moon", e solidificam seu status de ícones para sempre. Como se estivesse em um sonho, Barrett faz uma última visita ao estúdio enquanto eles gravam "Wish You Were Here", sua continuação. Ele vagueia por Abbey Road como um convidado indesejado, careca e quase irreconhecível, parecendo confuso e desinteressado quando eles tocam amostras de um álbum que escreveram parcialmente sobre ele. O Pink Floyd encontra seu caminho através da tempestade de sua ausência e, eventualmente, segue para outra: ego, dinheiro, fama, seus efeitos corrosivos sobre a fraternidade. Mas, por enquanto, eles estão no centro da turbulência, fazendo barulho, demorando-se na escuridão e na incerteza até que seja hora de sair.

Traduzido pelo confrade Renato Azambuja, via Pitchfork.

quarta-feira, 19 de agosto de 2020

Como o Fleetwood Mac se reuniu para o Ao Vivo "The Dance"


Via UCR

O Fleetwood Mac estava saindo de uma de suas eras mais decepcionantes. Isso levou a formação mais conhecida da banda a deixar de lado as diferenças do passado e se reunir para "The Dance", que chegara às lojas em 19 de agosto de 1997.

O trio vocal de Lindsey Buckingham, Stevie Nicks e Christine McVie concordou com mais uma temporada que seria destaque em um especial do MTV Unplugged. Querendo aproveitar uma rara oportunidade quando eles estavam todos juntos, o grupo também compusera uma série de novas faixas que se misturariam com suas canções clássicas.

No momento em que eles chegaram à Warner Bros. Studios em 23 de maio de 1997 em Burbank, Califórnia, a banda estava totalmente atualizada tanto com o material antigo quanto com o novo. Embora faixas como "Bleed to Love Her" e "My Little Demon" tenham se destacado durante as sessões, nenhuma delas ganhou destaque quando o álbum foi lançado. Em vez disso, os fãs gravitaram em torno das versões recém-despojadas de favoritas do passado, como "Landslide" e "Silver Springs", as quais passaram um bom número de semanas na parada Adult Contemporary. "Landslide" fora melhor na corrida das duas, chegando ao Top 10 do rádio.


"The Dance" foi o primeiro novo álbum desta edição de cinco peças desde "Tango in the Night" de 1987, uma década antes. Pouco antes do retorno de todos os três cantores, John McVie e Mick Fleetwood tentaram continuar sem sucesso com várias novas adições. Mas o sucesso de "The Dance", que catapultou para o primeiro lugar nas paradas, derrubando o rapper Sean "Puff Daddy" Combs - levou o Fleetwood Mac a reconsiderar o futuro e trabalhar em mais uma turnê juntos. O álbum viria a se tornar o quinto álbum ao vivo mais vendido de todos os tempos nos EUA, com mais de cinco milhões de cópias vendidas.

Quanto ao especial da MTV, também foi um grande sucesso. Os fãs puderam retomar seus hits favoritos como "The Chain", "Dreams", "Rihannon", "You Make Lovin 'Fun" e "Don't Stop", e havia um bônus adicional como o USC moderno. A banda marcial seguiu os passos de seus predecessores tocando "Tusk" com Fleetwood Mac na gravação. Eles também ficaram para "Don't Stop".


Aqueles que compraram o DVD puderam ver uma versão mais completa da performance real, que também mostrou as habilidades dos vários membros. Lindsey Buckingham trabalhou em um banjo para a música "Say You Love Me", que também contou com Christine McVie no pandeiro e John McVie nos backing vocals. Enquanto isso, Christine McVie tocava vários instrumentos, tocando teclado, piano, acordeão e maracas, além de cantar.

Mantendo o pouco de nostalgia fornecida com o disco, Fleetwood Mac ofereceu alguns acenos ao seu trabalho anterior na arte da capa do disco. O fotógrafo David LaChappelle tirou uma foto do grupo com Mick Fleetwood recriando sua pose da capa de "Rumours" e Buckingham segurando a bengala do LP de 1975 da banda.



sábado, 4 de julho de 2020

Quando Debbie Harry combinara forças artísticas com H.R. Giger

Via OPEN CULTURE

Após quatro anos de sucesso fenomenal nas paradas, a banda Blondie entrou em hiato em 1981.

Enquanto Debbie Harry prosseguia com a atuação que havia começado nos trabalhos do cineasta punk rock Amos Poe, ela também seguiu o caminho do álbum solo. No papel, este álbum, "KooKoo", deve ter parecido um sucesso infalível: Nile Rogers e Bernard Edwards, da banda Chic, foram trazidos para escrever e produzir, logo após sua ressuscitação bem-sucedida da carreira de Diana Ross no ano anterior. Harry e o namorado / membro da banda / guitarrista Chris Stein também escreveram faixas e se entregaram aos gêneros de Black Music com os quais eles já estavam brincando no "Autoamerican" da Blondie, como "Rapture" e "The Tide Is High".


Mas aqui é onde fica um pouco estranho, e tudo sai do normal. A escolha da arte do álbum e dos vídeos promocionais foi H.R. Giger, o artista que sacudiu os cérebros dos espectadores no ano anterior com seus projetos para o "Alien" de Ridley Scott.

O casal conheceu Giger em 1980 na recepção de suas pinturas na Galeria Hansen de Nova York.

"Lá fui apresentado a uma mulher muito bonita, Debbie Harry, a cantora do grupo Blondie, e seu namorado, Chris Stein", disse Giger em entrevista. "Eles estavam aparentemente empolgados com o meu trabalho e me perguntaram se eu estaria preparado para criar a capa do novo álbum de Debbie Harry."

Embora ele não conhecesse o grupo, Giger preferia ouvir jazz, ele concordou com a capa e os vídeos promocionais, mesmo dirigindo quando o diretor original não apareceu.


A capa do álbum é provavelmente mais conhecida do que o tracklist, e não é de admirar: apresenta o rosto de Harry perfurado horizontalmente por quatro pontas. Sua expressão é ambígua, possivelmente extática. Foi, de certa forma, um retrocesso para a outra famosa capa de Giger, a de Emerson, Lake e Palmer: "Brain Salad Surgery". Mas a capa também veria sua influência em filmes como "Hellraiser", a ascensão do chamado movimento "primitivo moderno", e ajudaria a cultivar o personagem masoquista sombrio que Harry interpretaria no Videodrome de David Cronenberg. Foi um sentimento que floresceria nos decadentes anos 80.

Harry escreveu sobre isso na revista Heavy Metal, que muitas vezes apresentava o artista, dizendo que "o trabalho de Giger tem um efeito subconsciente: gera o medo de ser transformado em metal".


segunda-feira, 29 de junho de 2020

quarta-feira, 24 de junho de 2020

Como Pink Floyd fez o "Final Cut" e aprendeu a se odiar

Via Classic Rock

O último álbum que Roger Waters fez com Pink Floyd fora ambientado no conflito das Malvinas, com a separação da banda no horizonte.

Quase 10 anos após o lançamento do "Dark Side Of The Moon", o álbum do Pink Floyd, "The Final Cut", foi lançado. Uma década antes, o material para o Dark Side havia sido trabalhado minuciosamente na estrada, e todos os quatro membros da banda tinham créditos para escrever no disco. Com "The Final Cut", o grupo - um trio, após a demissão do tecladista Rick Wright - tornou-se, por padrão, mais do que por design, um método de transporte para as palavras e a música do líder de fato Roger Waters sozinho, com músicos de sessão destacando-se fortemente ao longo de sua gravação.

O álbum teve poucos ganchos discerníveis, nenhum momento comercial de destaque, e o Floyd nunca tocou nada dele ao vivo. Inicialmente, isso não impediu o juggernaut do Floyd. Os fãs de todo o mundo esperavam três anos e meio por um novo álbum, a maior espera até hoje. E assim, em seu lançamento em março de 1983, o "Final Cut" se tornara o primeiro álbum do Pink Floyd no 1 do Reino Unido desde 1975, "Wish You Were Here". A Rolling Stone deu as cinco estrelas completas e sugeriu que poderia ser a "obra-prima da coroação do art rock".

Mas o onipotente logo faria um canivete. O "Final Cut" desapareceu quase assim que chegou, deixando o álbum, um single e um "vídeo" de 19 minutos como suas únicas pegadas. Não houve aparições promocionais, fotografias de publicidade em grupo, turnê. Mas logo se tornou crucial no doloroso colapso público de um dos maiores e mais bem-sucedidos grupos do mundo.

Se o álbum apareceu em entrevistas posteriores de Roger Waters e David Gilmour, foi retratado como proveniente de um período de miséria abjeta.

"Foi assim que acabou", disse Gilmour a David Fricke, da Rolling Stone, em 1987. "Muito infeliz. Até Roger diz que período miserável foi - e foi ele quem o fez completamente miserável, na minha opinião.

"Ele veio e morreu, realmente, não foi?" diz Willie Christie, que tirou a foto de capa do álbum. Christie tem uma ótima visão do álbum e do período. Waters era seu cunhado e, na época, Christie estava morando em uma dependência na garagem da casa de Waters em Sheen, "depois que um affair fora para o sul.
Como o rompimento estava no horizonte”, ele acrescenta, “acho que David estava achando isso muito difícil; Roger por diferentes razões. Isso foi uma grande vergonha. David havia dito publicamente que as músicas eram excertos do "The Wall". Por que regurgitar? Eu nunca vi isso assim. Adorei e achei que havia ótimas coisas.

Embora provavelmente seria um fã perverso que nomearia "The Final Cut" como seu álbum favorito do Pink Floyd, certamente vale muito mais crédito do que costuma ser dado. Sim, o álbum é o maior exemplo de Waters megalomaníaco de toda a carreira da banda. No entanto, apesar de toda a sua escrita e canto, ele precisa ser considerado um lançamento do Floyd, e não um solo do Waters - ele tem alguns dos melhores solos de guitarra de Gilmour, e o baterista Nick Mason tecera alguns dos melhores efeitos sonoros da carreira de Floyd.


Como um álbum de protesto, é um dos mais fortes de todos os tempos no rock britânico. Se tivesse sido feito por, digamos, Elvis Costello, Robert Wyatt ou The Specials, teria gravitas muito mais retrospectivas.

"O que fizemos na Inglaterra?" Waters canta na faixa de abertura "The Post War Dream", como uma banda de metais, o som mais britânico do mundo. Ele localiza o álbum diretamente na paisagem pós-invasão das Malvinas em 1982, enquanto olha para as praias de WorldWar II de 1944. Como Cliff Jones observou em "Echoes": As histórias por trás de todas as músicas do Pink Floyd, era “o mais liricamente inequívoco de todos os álbuns do Pink Floyd”.

Além disso, o álbum é fenomenalmente significativo na carreira do grupo. Se tivesse sido uma experiência muito melhor e um vendedor maior, poderia ter permitido a Floyd concluir, ou talvez continuar, em um nível triunfante e cordial. Em vez disso, deixou uma sensação incômoda de negócios inacabados, que levaram à cisão, ao triunfo comercial dos anos de Gilmour e a enorme vida após a morte do grupo.

A gênese de "The Final Cut" é bem conhecida. Parte de seu material data de cinco anos antes, quando Waters lançou a gravação original de "The Wall" no verão de 1978.

Ele havia escrito material para cerca de três álbuns. Ele foi escrito de uma maneira que os outros membros da banda, que pareciam querer escapar do Floyd na época, simplesmente não se identificavam. Para Waters, era como se esforçar demais - ele sabia que não deveria, mas só precisava explorar mais esse monstro que havia ajudado a criar.

O Pink Floyd como os conhecíamos terminou em 17 de junho de 1981 na arena de Earls Court em Londres, quando o último dos 31 shows de "The Wall" terminou. O retorno daquele ano às turnês foi reunir material para a versão filmada de Wall, dirigida por Alan Parker.

Havia ofertas - com considerável ironia - para a banda visitar estádios. Waters, é claro, corria uma milha deles. Enquanto isso, uma séria contemplação foi dada à idéia de tocar nos shows com Andy Bown, do grupo de tributo ao Floyd, a Surrogate Band, substituindo Waters.

"Me perguntaram se eu estaria interessado se a situação surgisse", diz Bown hoje. "Eu disse que sim, eu estaria." Mas a idéia foi rapidamente vetada por Waters. Falou-se de um álbum da trilha sonora para o filme de Parker, mas não havia muito material: versões de "In The Flesh" (com e sem o ponto de interrogação) executadas por Pink, Bob Geldof; "When The Tigers Broke Free" e "What Shall We Do Now?", que foram deixadas de fora do álbum.

Este projeto evoluiu para Spare Bricks, onde essas faixas foram complementadas com os excertos de "The Wall": "Your Possible Pasts", "One Of The Few", "The Hero’s Return" e "The Final Cut". No entanto, quando a Argentina invadiu as Malvinas, as ilhas dominadas pelos britânicos no Atlântico Sul em abril de 1982 - e a primeira-ministra do Reino Unido, Margaret Thatcher, enviou uma força-tarefa para combater isso, Waters repentinamente tratou do assunto.


A inutilidade do conflito de 74 dias que se seguiu, resultando na perda de 907 vidas, evocou novamente a morte do pai de Waters, Eric na Segunda Guerra Mundial, em Anzio, em 1944. Waters adorou a fusão do passado e do presente. Ele ia escrever um requiem moderno.

E assim Spare Bricks se tornara "The Final Cut". Seu título era uma referência shakespeariana a Júlio César sendo esfaqueado nas costas por Brutus: "Este foi o corte mais cruel de todos".

O "Final Cut" na terminologia do filme é o artigo final”, explicou Gilmour em 1983. “Quando você junta todos os juncos basicamente na ordem certa, você o chama de 'corte bruto', e quando o limpa e limpa perfeito, você chama isso de 'corte final'. É também uma expressão de uma facada nas costas, que eu acho que é a maneira como Roger vê a indústria cinematográfica."

Os freqüentes desentendimentos de Waters com o diretor Alan Parker na produção do filme não são segredo. Também ficou claro que os membros do Pink Floyd, nunca o grupo mais tímido, estavam cada vez mais distantes. A estréia no Reino Unido de The Wall em 14 de julho de 1982, no Empire Theatre em Leicester Square, em Londres, foi a única vez que o Pink Floyd, de três homens - ninguém sabia ainda que Rick Wright não estava mais na banda, com a linha da festa sendo que ele estava 'de férias' - já foram vistos juntos em público.

"When The Tigers Broke Free" (originalmente intitulado Anzio, 1944), lançado como single em julho de 1982, estava cheio de pathos e enorme em sua intenção. Desde "Apples And Oranges", lançado em 1967, tantos olhos se voltavam para um single do Floyd, com "Tigers..." sendo o primeiro single desde "Another Brick In The Wall, Part 2" em 1979.

"Tigers...", que era fundamentalmente Waters com o Coro de Voz Masculino Pontarddulais e uma orquestra, foi creditada a "The Final Cut". Ironicamente, ele não entrou no álbum até que a lista de faixas fosse reconfigurada para CD em 2004. "Tigers..." alcançou apenas o número 39 no Reino Unido.


Após o lançamento do single, Waters disse à Melody Maker em agosto de 1982: "Fiquei mais interessado nos aspectos de lembrança e requiem da coisa, se isso não parecer pretensioso".

Depois de chegar ao "Final Cut", "tudo começou a desenvolver um sabor diferente, e finalmente escrevi o requisito que venho tentando escrever há tanto tempo".

"Requiem For The Post War Dream" se tornaria a legenda para o álbum. A essa altura, Waters disse que o grupo "chegou ao estágio de reunir todos os trabalhos que fizemos até agora".

Após a estréia nos EUA do filme The Wall e um recesso, Waters voltou a trabalhar seriamente naquele outono. As sessões começaram em julho e duraram até o Natal. Apropriadamente, é um álbum verdadeiramente centrado no Reino Unido, com sessões em Abbey Road, Olympic, Mayfair, RAK, Eel Pie, Audio International, o estúdio em casa de Gilmour, Hookend, e o estúdio em casa de Waters, The Billiard Room.

Com o co-produtor de "The Wall", Bob Ezrin excomungado, Michael Kamen e James Guthrie co-produziram com Waters e Gilmour. Com Mason absorto com os seus carros de corrida e administrando um relacionamento fracassado enquanto começava um novo, Gilmour lutava para escrever um novo material, e a partida de Wright agora era apenas uma lembrança, Waters estava com uma pressa frenética de concluir o álbum que agora assumira um novo patamar. locação de vida.

Comecei a escrever este artigo sobre meu pai”, ele disse em 1987. “Eu estava em um rolo e fui embora. O fato é que eu estava gravando esse disco e Dave não gostou. E ele disse isso."

"Dave não gostou" se tornou a abreviação de "The Final Cut". Após um começo cordial, logo ficou claro que Waters e Gilmour precisariam trabalhar separadamente. O engenheiro Andy Jackson trabalharia com Waters, e Guthrie trabalharia com Gilmour e, ocasionalmente, eles se encontravam.

"O relacionamento foi definitivamente gelado nesse estágio", disse Jackson ao programa de rádio Floydian Slip, em 2000. "Não acho que alguém queira negar isso. Então, o tempo em que Dave - Dave em particular - e Roger estavam juntos no estúdio, foi gelado. Não há dúvida sobre isso." No entanto, deesse gelo se fez uma grande arte.

Também houve inovação. O inventor de áudio de origem italiana, nascido na Argentina (que sem dúvida teria apelado ao senso de humor de Waters), Hugo Zuccarelli havia abordado o grupo para experimentar seu novo som surround "holofônico" que poderia ser gravado em fita estéreo. Para um grupo tão associado ao pioneirismo em áudio, esse foi um benefício positivo.

O sistema usou um par de microfones na cabeça de um boneco. Zuccarelli interpretou Mason, Gilmour e Waters uma demonstração de uma caixa de fósforos sendo sacudida que parecia estar se movendo em torno de sua cabeça. O grupo tinha o mesmo pensamento de usar o sistema. Mason começou a reunir os sons na cabeça holofônica (que, como ele observou em sua biografia do Floyd, "Inside Out",recebera o nome "Ringo").

Ele gravou devidamente as aeronaves Tornado na RAF Honington, o som de carros passando, o vento e vários carrapatos, tacadas, cães, gaivotas, degraus, gritos e guinchos. No álbum, os efeitos sonoros mudaram entre os canais esquerdo e direito. O ataque com mísseis no início de "Get Your Filthy Hands Off My Desert" é sem dúvida o maior efeito sonoro em qualquer disco do Pink Floyd.

Ray Cooper tocou percussão, Raphael Ravenscroft adicionou saxofone e, na faixa final, "Suns In The Sunset", o baterista veterano do New, Andy Newmark, tomou o lugar de Nick Mason. Foram necessários dois músicos para substituir Rick Wright: Michael Kamen no piano e Andy Bown no órgão Hammond.

Foi maravilhoso trabalhar para eles nessa situação ao vivo. É raro conhecer uma banda de rock que sabe se comportar”, lembra Bown. “E a organização Floyd tratou muito bem as armas contratadas. A gravação é diferente - você não vive da mesma maneira. Não me lembro de quase nada dessas sessões. Eu quero saber porque."


As tentativas exatas de Waters de pregar uma gravação vocal levaram ao incidente bem relatado de Kamen gravando Jack Nicholson em "The Shining", escrevendo furiosamente na sala de controle. Quando Waters foi investigar o que estava fazendo, viu que Kamen havia escrito repetidamente: "Não devo foder ovelhas". Segundo Andy Bown, Kamen era "um urso fofinho adorável com um senso de humor maluco".

"Era óbvio que Roger estava concorrendo", disse Nick Mason em Inside Out, de um período de gravação no Mayfair Studios. "Às vezes, acredita-se que Roger aprecia o confronto, mas não acho que seja esse o caso. Eu acho que Roger muitas vezes não sabe o quão alarmante ele pode ser, e uma vez que ele vê um confronto como necessário, ele está tão comprometido com a vitória que joga tudo na briga - e tudo pode ser bem assustador ... David, por favor por outro lado, pode não ser tão inicialmente alarmante, mas uma vez decidido o curso de ação, é difícil de influenciar. Quando seu objeto imóvel encontrou a força irresistível de Roger, as dificuldades foram estabelecidas."

"Eu estava muito triste", disse Waters. "Quando chegamos a um quarto do caminho para o "The Final Cut", eu sabia que nunca faria outro disco com Dave Gilmour ou Nick Mason."

Gilmour disse em 2000: "Havia todo tipo de discussão sobre questões políticas, e eu não compartilhei suas opiniões políticas. Mas eu nunca, nunca quis ficar no caminho dele expressando a história do "The Final Cut". Só não achei que parte da música estava certa.”

Depois de muita discussão com Waters, Gilmour abdicara de seu crédito de produtor pelo álbum - mas não sua participação nos royalties do produtor. Ele chegou a dizer: "Chegou a um ponto em que eu apenas tinha que dizer: 'Se você precisar de um guitarrista, ligue para mim e eu virei e farei isso'".

Em 1983, ele disse: "Saí dos créditos de produção porque minhas idéias de produção não eram da maneira que Roger via".

"Eu estava apenas tentando superar isso", disse-me Gilmour em 2002. "Não foi nada agradável. Se fosse tão desagradável, mas os resultados tivessem valido a pena, então eu poderia pensar sobre isso de uma maneira diferente. Na verdade, eu não. Não acho que os resultados sejam muito grandes ... quero dizer, algumas faixas razoáveis, na melhor das hipóteses. Eu votei na "The Fletcher Memorial Home" no Echoes. Eu gosto dessa. "Fletcher", "The Gunner's Dream" e a faixa-título são as três faixas mais razoáveis."


Coberta pelo desgosto de Waters na Guerra das Malvinas, o colapso do sonho socialista do pós-guerra e o luto pelo pai que ele nunca conheceu, a narrativa de "The Final Cut" se concentra na figura do professor de "The Wall", que era um artilheiro. na guerra, encarando a vida moderna. O personagem central de "The Wall", Pink, faz uma aparição na faixa-título. Waters é frequentemente auto-referencial na escolha de palavras. Por exemplo, "desespero silencioso" e "lado sombrio", duas das frases mais floydianas, são usadas.

Das 12 faixas do álbum original, "The Hero's Return" e "The Gunner's Dream" são dois dos melhores momentos de Waters lado a lado: paranóia sangrenta, com sua capacidade ilimitada de beleza e empatia. O Retorno do Herói começou a vida como Professor, Professor do Muro. A demo da banda de janeiro de 1979 tem um drone de sintetizador, com Gilmour na guitarra slide alta; aqui, o herói é assombrado por imagens da guerra que ele não pode discutir com sua esposa.

Em "The Gunner's Dream", há pouca guitarra, mas muito saxofone, uma característica do Floyd 1973-75. Aqui, como em grande parte do álbum, a voz de Waters é o instrumento principal. A música examina a repentina impotência de uma situação quando confrontada pela bota. Referenciando o poeta de guerra Rupert Brooke, Waters apresenta uma de suas melhores performances vocais. Ele também apresenta o personagem imaginário Max, um nome de brincadeira para o produtor Guthrie das sessões.

O jornalista Nicholas Schaffner diz: "De certa forma, o "Final Cut" se qualifica como o equivalente de Roger ao altamente aclamado LP de John Lennon (John Lennon/Plastic Ono Band), lançado na esteira da desintegração dos Beatles em 1970".

E os gritos não param. Uma década e meia depois de suas lamentações em "Careful With That Axe, Eugene", possivelmente o melhor grito da carreira de Waters está em "The Gunner's Dream", onde ele uiva por 20 segundos completos. A Rolling Stone disse que continha alguns dos "cantos mais apaixonados e detalhados que Waters já fez". E certamente é, pois ele enuncia todas as vogais como se sua vida dependesse disso.


"The Fletcher Memorial Home", onde 'desperdícios coloniais da vida e dos membros' se reúne, oferece outro momento de destaque, com Waters dando aos tiranos passado e presente a chance de se reunir antes de aplicar uma solução final para eles. O solo de Gilmour e o belo arranjo de metais de Kamen melhoram a gravidade da música.

Embora a faixa-título seja semelhante a "Comfortably Numb" em seu arranjo, "Not Now John" é o rock do álbum. É uma ligação e resposta entre Gilmour e Waters - uma como a direita jingoística tão celebrada no início dos anos 80, a outra tentativa de razão. Os EUA, sentindo a única música que lembrava o rock convencional (completo com o trabalho de guitarra ultra-Floyd de Gilmour), sugeriram uma recriação de rádio, com Gilmour e as vocalistas de apoio cantando 'coisas' em voz alta sobre o uso óbvio da música da palavra 'fuck'.

Foi lançada como um single, acompanhado por um vídeo dirigido por Willie Christie, em maio de 1983 e incluído no Top 30 do Reino Unido. O álbum mais próximo, "Two Suns In The Sunset", foi inspiradA pela exibição recente de Waters do documentário proibido The War Game. No final, o herói se afasta e vê uma explosão nuclear, resultado da raiva de alguém se espalhando até o ponto em que o botão é pressionado. Ele agora entende 'os sentimentos de poucos'. Quando a explosão chega, Waters sugere: 'Cinzas e diamantes, inimigo e amigo, éramos todos iguais no final'.

A faixa final do "Pink Floyd original" termina com um saxofonista, um baterista e um produtor tocando piano. Até então, parecia que até Waters havia sido removido de sua própria história. A banda substituta havia assumido o controle.

Até os designers Hipgnosis, colaboradores de longa data do Floyd e o cartunista/ilustrador Gerald Scarfe estavam agora excedendo os requisitos. Scarfe disse que fez uma versão de teste de uma capa para "The Final Cut", mas o próprio Waters supervisionou a obra de arte com a empresa de design gráfico Artful Dodgers. Seu cunhado, o fotógrafo da Vogue Willie Christie, foi trazido para tirar as fotos da manga. Com o convidado da casa de Christie Waters na época, a dupla discutiu o conceito longamente.

"Estávamos conversando sobre isso o tempo todo desde a concepção", diz Christie. “Roger me pediu para tirar as fotos. ElAs surgiram de idéias sobre as quais tínhamos conversado - as papoulas apareceram muito por causa do tema. Fiz as fotos - as papoulas e a tira de medalhas - em novembro de 1982. O campo estava perto de Henley. Nós precisávamos de um campo de milho, e eu fiz uma sessão de fotos na Vogue lá em 1977. Uma empresa de adereços chamada Asylum me preparou algumas papoilas, pois as papoilas de verdade não duram."

Asilo também fez dois uniformes, completos com a faca nas costas. O assistente de Christie, Ian Thomas, modelou a roupa, segurando uma caixa de filme debaixo do braço. "Essa foi a idéia da faca na parte de trás e da caixa do filme", ​​diz Christie. "Que [Alan] Parker o esfaqueou [Waters] nas costas."

Em outro tiro, Thomas é visto morto no campo de papoulas, vigiado por Stewart, o spaniel de estimação do Waters. Na dobra dos portões, Thomas pode ser distinguido à distância, enquanto a mão estendida de uma criança segura papoulas. A capa também contém uma imagem de "Two Suns In The Sunset" e o soldador japonês (outro assistente, futuro fotógrafo de moda Chris Roberts) de "Not Now John", que foi filmado no estúdio de Christie em Londres.


Christie lembra de ter mostrado ao grupo seu trabalho em andamento: "David não havia sido envolvido ou consultado. Eu me encontrei um pouco no meio. Foi um pouco estranho, pois eu estava conversando com Roger. Mas David é um cara muito bom, um gênio. Foi um pouco: 'Oh, David, desculpe, eu não lhe mostrei. Não sou eu, tipo de coisa."

Gilmour olhou para as fotografias e depois disse a Christie: "Bem, na verdade, a faca não entrava assim, entrava de lado, pois sua caixa torácica não permitia que ela fosse reta, vertical".

"Roger cagou que, felizmente, como eu pensei que teria que refazer a coisa e ter que refazê-la. Pode ter parecido um pouco estranho se você tivesse a faca achatada. Esteticamente, sempre que você vê uma faca nas costas, ela é sempre vertical, não horizontal. Portanto, é um bom argumento, mas não recebeu muita credibilidade".

A imagem da capa é um poderoso close da lapela de um soldado, mostrando uma papoula e suas medalhas. A parte de trás da manga listava apenas três membros do Pink Floyd. Foi a primeira vez que o mundo inteiro percebeu que Rick Wright não era mais um membro do grupo - e que esse era claramente um trabalho "de Roger Waters, realizado pelo Pink Floyd".

Agora é difícil transmitir o quão emocionante foi o lançamento do "The Final Cut", em 21 de março de 1983. Chegou ao primeiro lugar no Reino Unido, permaneceu no gráfico por 25 semanas e vendeu três milhões de cópias em todo o mundo. Assim como o Reino Unido, liderou as paradas na França, Alemanha Ocidental, Suécia, Noruega e Nova Zelândia. Nos EUA, alcançou o sexto lugar.

Os críticos foram, é claro, deliciosamente misturados. Richard Cook escreveu na NME que Waters “escolhe as palavras como um nadador de praia terminal descalço, medindo um sussurro rachado ou subitamente se preparando para um grito colossal… um comando embriagado e furioso." A revisão termina com o comentário extremamente perspicaz: "Por trás da meditação chorosa e dos exasperados gritos de raiva, está a velha e familiar fera de pedra: um homem que é infeliz em seu trabalho".

Em Melody Maker, Lynden Barber escreveu: “Verdadeiramente, um marco na história do terrível. Espere a revisão bajulatória usual nas páginas da Rolling Stone.”

Uma semana depois, Kurt Loder cumpriu, com uma crítica de cinco estrelas que incluía: "Esta pode ser a principal obra-prima do art rock, mas também é algo mais. Com o The Final Cut, o Pink Floyd encerra sua carreira da forma clássica, e o líder Roger Waters - para quem o grupo há pouco se tornou pouco mais que um pseudônimo, finalmente sai de trás do muro, onde o deixamos pela última vez.
O resultado é essencialmente um álbum solo de Roger Waters, e é uma conquista superlativa em vários níveis. Desde o "Masters of War" de Bob Dylan, há 20 anos, um artista popular desencadeou na ordem política mundial um desprezo moral tão convincentemente corrosivo ou uma vida - amar o ódio tão estimulante e brilhantemente sustentado ... Em comparação, em quase todos os aspectos, o "The Wall! era apenas um aquecimento."


"Eu estava em uma mercearia, e essa mulher de cerca de quarenta anos de casaco de pele veio até mim", disse Waters ao jornalista Chris Salewicz em 1987. "Ela disse que achava que era o disco mais comovente que já tinha ouvido. o pai também havia sido morto na Segunda Guerra Mundial, explicou ela. E voltei para o meu carro com meus três quilos de batatas, fui para casa e pensei: 'Bom o suficiente'”.

E foi bom o suficiente. Mas não é bom o suficiente para o que o Pink Floyd se tornou na percepção popular. Como Nick Mason escreveu mais tarde: “Depois que o "Final Cut" terminou, não havia planos para o futuro. Não tenho lembrança de nenhuma promoção e não houve lembrança de nenhuma performance ao vivo para promover o disco.

Se houvesse uma turnê para divulgá-lo, o "Final Cut" poderia ter sido um enorme sucesso. Há algo sobre isso, como muita arte daquele estranho período de 1980-83 no Reino Unido, como Boys From The Black Stuff ou Brideshead Revisited, que quando você está preso a ele, não pode deixar de se sentir emocionado.

O início dos anos 80, a menos que você os tenha vivido, é muito difícil de explicar. Os anos 60 e 70 pareciam bem definidos. Quando as pessoas pensam nos anos 80, é o tempo mais tarde, impetuoso e categórico. Também precisamos revisar onde estavam os colegas dos anos 70 do Floyd em 1983. O Led Zeppelin já se fora há muito tempo. O Queen lambia as feridas de uma incursão mal aconselhada e total à discoteca. O Genesis tinha sido 'pop'. Yes, por acaso, estavam prestes a se reinventar como um monstro do estádio techno.

Pode-se dizer que o Pink Floyd foi o único a fazer o que sempre fez, ou pelo menos depois de 1975. Mas, como dito, não foi suficiente.

Menos de três meses após o lançamento do "The Final Cut", o governo conservador de Margaret Thatcher foi reeleito com uma vitória esmagadora da maioria, e os trabalhistas sofreram seu pior desempenho no pós-guerra.

Imediatamente, o resultado reforçou as preocupações de Waters sobre o paradeiro do sonho do pós-guerra e demonstrou o quanto ele estava fora de sintonia com seu público. Os dois principais protagonistas lançaram um álbum solo no ano seguinte: "About Face", de Gilmour, Waters, sua outra idéia conceitual de 1978, "The Pros And Cons Of Hitch Hiking", feita com muito do mesmo time de "The Final Cut". ("Foi muito divertido", lembra Andy Bown. "E ótimos músicos para trabalhar. Sangrento álbum também.")

Em outubro de 1985, Waters emitiu um pedido na High Court para impedir que o nome Pink Floyd fosse usado novamente, considerando-o uma "força gasta". Com isso, ele finalmente teve a coragem de fazer o corte final. Gilmour e Mason, no entanto, não o fizeram, e o próximo capítulo do Pink Floyd estava prestes a começar, um que veria a banda voltar aos estádios e emitir um ruído que soou como o melhor dos álbuns do Floyd entre 1971 e 1975.

Ao contrário do Led Zeppelin, que praticamente entrou em um depósito após a morte de John Bonham e reativou apenas uma boa década depois, as ações que se seguiram à perda de um membro fundador do Pink Floyd fizeram com que a banda se tornasse o estridente prog prognóstico que eles são hoje e um que Roger Waters acabaria por igualar com os seus próprios esforços nos estádios na última década.