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sexta-feira, 6 de janeiro de 2023

Pedro Bergamo abre caminho de um novo ano com MPB psicodélica no single e clipe “Escute o som que vem daqui”

Brasileiro radicado na Finlândia prepara álbum.

Quer anunciar sua banda/artista/eventos/notícias/produtos musicais na Confraria? Mande seu material para confrariafloydstock@gmail.com

Cantor, compositor e multi instrumentista brasileiro radicado na Finlândia, Pedro Bergamo une a sua paixão pela MPB setentista com o rock progressivo nórdico em uma viagem psicodélica e solar no single “Escute o som que vem daqui”. A faixa, que sugere início de ciclos e renascimentos, mostra o recomeço de um trabalho artístico para Bergamo ao mesmo tempo que pode dialogar com o ouvinte que busca no ano novo uma página em branco.

Ouça “Escute o som que vem daqui”: http://bit.ly/3iZtRL5

Assista ao clipe “Escute o som que vem daqui”: 

Nascido em uma família de músicos, Pedro busca desde cedo unir suas influências musicais ecléticas do flamenco, folk, forró e rock com seu interesse em assuntos místicos, históricos e filosóficos. Influenciado por seu avô que era benzedor, tarólogo e contador de causos, o artista iniciou sua discografia com o single “Lago Brasil” em 2019, contando uma trágica história indígeno-Brasileira fazendo uma ponte entre o dialeto caipira de trovadores paulistas como Tião Carreiro e Pardinho, e o folk rural do nordeste setentista de Zé Ramalho, seu maior ídolo. Um ano após, em meio a uma perda pessoal forte e inspirado pela obra de Ariano Suassuna, Pedro produz “Abrahadabra!”.

Trabalhando em seu disco de estreia, ele dá a primeira amostra de sonoridade com “Escute o som que vem daqui”. Produzido pelo guitarrista Lauri Loikkanen, da banda finlandesa The Halophones e masterizado por Jaakko Virtalähde (Death Hawks, Mikko Joensuu), a faixa chega com um clipe dirigido pelo diretor sueco-finlandês Anders Ragnar. A faixa está disponível em todas as plataformas de música digital e o clipe, no canal do YouTube do artista.

Ficha Técnica:

Letra & Música: Pedro Bergamo

Vozes & Violões: Pedro Bergamo

Contrabaixo: Nuutti Autio

Bateria: Eetu Peltoluhta

Guitarra, Orgão, Piano & Mellotron: Lauri Loikkanen

Produção & Mixagem: Lauri Loikkanen

Masterizaçäo: Jaakko Virtalähde

Arte de capa: Pedro Bergamo

Video: Anders Ragnar

Letra:

Querida trapezista, sorrindo outra vez eu te encontro suspensa do chão

Com a luz em sua face o palco se expande até você cair no colchão

Meu peito dispara, pois contemplo uma verdade escondida na sagrada paixão

Entre a vida e a morte de esplendidos sonhos

Ponha a mão em meu coração e escute o som que vem daqui que só vive para escutar 

O som que há em ti

Quem me dera amar-te eternamente até que a mão do pai eterno me roube essa ilusão

Voar ao teu lado nessa graciosa mentira dita por diversão

Que a luz de nosso ato venha de algum holofote e não de uma longe constelação

Com estranhas estrelas que nunca se tocam

Ponha a mão em meu coração e escute o som que vem daqui que só vive para te escutar

Abrace a luz que há em mim que só vive para te guiar

Escute o som que vem daqui que só vive para te escutar

Abrace a luz que há em mim que só vive para te guiar.

segunda-feira, 26 de dezembro de 2022

Jefferson Airplane: os dois maiores arrependimentos de Grace Slick na vida

Grace Slick viveu uma vida selvagem e louca. Ela atingiu as alturas de algumas das maiores performances vocais já gravadas no mundo do rock 'n' roll. Ela escreveu obras-primas que chegaram perto de definir o sentido da vida e também fez parte de 'We Built This City', uma faixa que foi eleita a pior de todos os tempos. Ela foi uma força pioneira no Verão do Amor. Ela esteve envolvida em confrontos armados com a polícia...

Relacionado: A verdadeira história épica de Grace Slick e Jefferson Airplane.

…E ela só tem dois arrependimentos na vida: nunca andar a cavalo e nunca transar com Jimi Hendrix. Essas são duas coisas que você não gostaria de errar. Mas concisão à parte, isso pode parecer mais um absurdo na vida colorida de um ícone, mas é, mais uma vez, a prova de como Slick continua sendo um modelo de uma era, encapsulando para sempre sua dualidade. Ela está mais livre do arrependimento do que Edith Piaf em um brunch sem fim, mas também teve alguns problemas com controvérsias que provavelmente merecem substituir um ponto de adestramento e ficar mais suja do que o lenço de um mineiro de carvão com um deus da guitarra falecido.

Suponho que, quando você pergunta à mulher que fez tudo do que se arrepende, é provável que você receba algo que ela não fez. “As coisas que eu gostaria de ter feito e não fiz”, ela respondeu, “foram transar com Jimi Hendrix e andar a cavalo”. Ela continuou a recitar uma série de outras coisas insignificantes das quais se arrependia para Phyllis Pollack, incluindo nunca ter saído com os lunáticos alcoólatras “Richard Harris, Oliver Reed, Richard Burton e Peter O'Toole”, acrescenta ela, “eles eram tudo um bando de contadores de histórias".

Além disso, ela gostaria de ter ido mais à França e de ter feito melhor uso de seu agente ao organizar ocasiões sociais. É por isso que ela diz aos filhos: “Vá em frente. Fazer tudo. Tente não se matar, mas faça o máximo que puder.” No entanto, ela também está disposta a aceitar: "Se eu não fosse Grace Slick, estaria morta". Felizmente, ela ainda está forte enquanto há caixas em sua lista que ela gostaria de marcar, sua caneta certamente passou por muita tinta. E ainda há arrependimentos que ela pode esperar, como ir para a Rússia e assistir mais do The History Channel.

Mas nunca é montar um maldito cavalo que mais atrapalha, nunca obter o simples prazer de caminhar lentamente no humilde e confiável corcel do homem. Eles estão lá o tempo todo, pastando e olhando com olhos de corça, mas muitas vezes simplesmente damos a eles uma maçã e seguimos nosso caminho alegre, nunca percebendo totalmente que nossos dias de cavalgada estão contados até que seja tarde demais, e você senta lá, uma estrela do rock de 70 anos (agora com 83) olhando para trás em uma vida de zênites artísticos e gafes problemáticas e se perguntando: “Andar a cavalo parece muito legal para mim”, suspirando, “nunca fiz isso”.

No entanto, enquanto ela evitava o chamado do hipismo, sua vida lhe oferecia muitas oportunidades e ela aproveitava a maioria delas. “Não há muitos arrependimentos”, lembra ela, “porque fiz praticamente o que queria fazer. Então agora, como uma pessoa idosa, não tenho esses grandes arrependimentos. Os meus são bem pequenos." No entanto, embora ela tenha feito tudo o que queria, seus arrependimentos ainda dizem respeito a não ter feito o suficiente. “Eles têm a ver com beber e transar”, diz ela, “então isso não é tão importante”.

Via FAR OUT.



quinta-feira, 1 de dezembro de 2022

The Jimi Hendrix Experience: O brilho subestimado de 'Axis: Bold as Love'

Tudo começa com uma abdução alienígena. Ou, pelo menos, uma transmissão alienígena. Depois de uma breve comédia apresentando um “Sr. Paul Caruso”, uma onda de feedback, overdrive e distorção invade os alto-falantes e suga o ouvinte para um mundo de rock pesado e psicodelia ainda mais inebriante. É assim que Jimi Hendrix dá as boas-vindas a você em seu segundo álbum, "Axis: Bold as Love".

Jimi Hendrix: Reis dos Reis.

Apesar de sua notável preocupação com a ficção científica, Hendrix tinha todos os motivos para se sentir um alienígena em 1967. Ele era um americano negro fazendo seu nome na cena do rock britânico branco, apaixonado pelo blues negro, mas nem sempre receptivo ao povo que o fazia. Hendrix era inegável: uma obra de arte ambulante e falante que empunhava uma guitarra como uma metralhadora e empilhava seus amplificadores mais alto do que a Tower Bridge.

Hendrix encontrou um nicho particular na cena do rock britânico. Enquanto seus contemporâneos estavam ficando mais preocupados com a arte psicodélica e os arranjos fantasiosos, Hendrix lançou "Are You Experienced?" em seu corpo.

Existe uma gravação com Frank Zappa e Jimi Hendrix, mas os Zappa não conseguem encontrar.

Não que Hendrix estivesse se abstendo de drogas. Longe disso, ele estava combinando as raízes práticas do blues com a fantasia alucinante do rock psicodélico. Ao mesmo tempo, ele foi o pioneiro do hard rock através da força bruta de sua forma de tocar. Ao seu lado estavam dois parceiros no crime que estavam mais do que dispostos a dar vida a essa mistura: o baterista de jazz Mitch Mitchell e o cantor/guitarrista (que virou baixista) Noel Redding.

Com seu segundo álbum, "Axis: Bold as Love", Hendrix procurou estabelecer um novo domínio. A psicodelia ainda estava em pleno vôo quando o Experience entrou no estúdio em meados de 1967, e então técnicas revolucionárias como panorâmica de estúdio, gravação reversa e dobragem de instrumentos como gravador e cravo foram totalmente adotadas. Os resultados foram o álbum mais alucinógeno de Hendrix, um produto tanto enraizado em 1967 quanto transmitido diretamente de outro mundo inteiramente.

A mistura familiar de blues, distorção e teatro de guitarra maníaco não aparece até a música número três. 'Spanish Castle Magic' inclui todo o poder atrevido que os ouvintes esperavam de Hendrix, mas para chegar lá, eles tiveram que passar primeiro pelo coquetel jazz de 'Up From the Skies'. Então, 'Wait Until Tomorrow' aparentemente inventa o power pop no mesmo ano em que Pete Townshend originalmente cunhou o termo.

Após a paisagem dos sonhos pop hiperveloz de 'Ain't No Telling', Hendrix volta com uma de suas faixas mais icônicas, 'Little Wing'. Até este ponto, Hendrix parecia muito menos preocupado em defender sua posição como o maior guitarrista do mundo. Tudo isso desaparece com 'Little Wing': com um alto-falante Leslie e sua destreza inigualável empurrando-o, Hendrix explora os alcances sonoros externos de seu som enquanto aprimora suas composições melódicas em seu pacote mais potente.

Não querendo perder tempo, a experiência então caiu na peça central do álbum. O épico de duas partes 'If 6 Was 9' apresenta ritmos stop-start e ameaça palpável enquanto Hendrix assume os conflitos entre hippiedom, conservadores e aqueles que apenas querem agitar suas bandeiras esquisitas. 'If 6 Was 9' é a faixa mais inerentemente “Summer of Love” em "Axis: Bold as Love", comprimindo toda a cultura em mudança da época em uma explosão potente de rock and roll.

A segunda metade de "Axis: Bold as Love" ganha vida com a batida insistente de 'You Got Me Floatin'. Ao longo do resto do álbum, vários zumbidos de guitarra e efeitos sonoros pairam sobre as canções. As paisagens sonoras ajudam a solidificar as canções como parte de uma peça maior, um longo sonho febril. Com uma breve parada na calmante 'Castles Made of Sand', Redding assume seu vocal principal em 'She's So Fine'.

A tensão entre Redding e Hendrix já estava presente desde as sessões de "Are You Experienced?" Redding queria mais autonomia e, embora Hendrix estivesse disposto a satisfazê-lo, o empresário Chas Chandler simplesmente queria que Hendrix fosse a estrela e que seus companheiros de banda ficassem em segundo plano. Por pura força de vontade, Redding conseguiu colocar exatamente uma música em ambos os discos: "Axis: Bold as Love" e sua continuação, "Electric Ladyland". No momento em que este último estava sendo gravado, Redding já estava brigado com Hendrix.

Abraçando os tons de raga que giravam em torno da música na época, Hendrix desenrola uma de suas baladas mais bonitas e subestimadas, 'One Rainy Wish'. Os mesmos tons que deram a 'Little Wing' seu gentil empurrão e puxão aparecem em 'One Rainy Wish', mas Hendrix coloca uma ponte mais muscular e um final nebuloso para adicionar novas dimensões à sua identidade sonora estabelecida.

Antes que haja tempo para pensar, Mitchell já está lançando uma de suas faixas de bateria mais icônicas. 'Little Miss Lover' certamente será familiar para qualquer fã de Frank Ocean que se identificou com a amostra usada para 'Crack Rock'. Mitchell não recebe muitos momentos de destaque em "Axis: Bold as Love", certamente nada tão notável quanto 'Fire' ou 'Manic Depression' de "Are You Experienced?", mas seus ritmos sólidos ajudam a manter as visões caleidoscópicas de Hendrix enraizadas na realidade.

Antes de partir, Hendrix lança mais um apelo apaixonado com 'Bold as Love'. A totalidade de "Axis: Bold as Love" está contida em seu título final, com uma inovação final borbulhando à tona quando a música chega ao fim: o primeiro efeito de fase já registrado. Por tudo isso, Hendrix lança um de seus solos mais inspirados já gravados, levando "Axis: Bold as Love" aos seus limites externos.

"Axis: Bold as Love" não tem o mesmo impacto imediato que "Are You Experienced?" ou os fogos de artifício alucinantes da guitarra de "Electric Ladyland". O que tem em vez disso é a mais psicodélica música conceitual que Hendrix já criou. Como Hendrix fez apenas três álbuns durante sua curta vida, "Axis: Bold as Love" geralmente recebe a medalha de bronze em seu catálogo. Mas não se engane: "Axis: Bold as Love" é tão inovador e revolucionário quanto qualquer coisa em que Hendrix já tenha colocado seu nome.

Via FAR OUT.

segunda-feira, 24 de outubro de 2022

O clássico álbum do Pink Floyd que Jerry Garcia considerou o melhor da década de 70

Grateful Dead e Pink Floyd se encontraram na trilha sonora do filme cult de Michelangelo Antonioni, "Zabriskie Point.

Apesar de serem dois dos grupos mais marcantes das décadas de 1960 e 1970, Pink Floyd e The Grateful Dead raramente se cruzaram fisicamente, em vez disso, forneceram as jams perfeitas para uma variedade de milhões de amantes da música. No entanto, apesar de as duas bandas serem muitas vezes consideradas sob o mesmo amplo guarda-chuva, suas abordagens eram marcadamente diferentes. Afinal, eles vieram de lados opostos do Atlântico e entregaram as mesmas jam sessions de alta qualidade com ética completamente diferente para os mesmos resultados de cair o queixo.

Antes do efeito homogeneizador da internet, a geografia de uma banda tinha um impacto notável em sua produção. Enquanto a música do Grateful Dead é enriquecida com gêneros exclusivamente americanos como R&B, bluegrass e gospel, álbuns como "Dark Side Of The Moon" e "Wish You Were Here" do Pink Floyd parecem mais um produto de estilos de vanguarda germânicos como a eletrônica da era Kraftwerk e Krautrock.

Na verdade, a única conexão que os dois grupos compartilham é que ambos foram apresentados na trilha sonora do filme cult de Michelangelo Antonioni, "Zabriskie Point". Na verdade, praticamente a única evidência que temos de que Jerry Garcia tinha ouvido falar do Pink Floyd vem de uma entrevista que ele deu em 1980, na qual ele falou sobre algumas de suas bandas favoritas dos anos 70. Garcia raramente compartilhava seu amor por muita música além da sua, e era notoriamente curto sobre isso. Então, encontrar uma entrevista em que ele confesse seu amor por outro disco é realmente surpreendente.

Durante essa entrevista, perguntaram a Garcia o que ele estava ouvindo no rádio durante aquela década explosiva: “Apenas o material que atingiu todo mundo. Gosto muito de "The Wall". Todo mundo gosta disso. Eu gosto de Elvis Costello. Sou um grande fã de Elvis Costello”, disse. “Gosto muito de Warren Zevon, quero dizer, ouvi coisas boas de quase todo mundo, assim como ouvi coisas ruins de quase todo mundo. "The Wall" certamente capturou a imaginação do mundo."

Lançado em 1979, o álbum foi a primeira aventura do Pink Floyd no mundo da ópera rock. Segue a história de um rockstar cansado que gradualmente se retira da sociedade. Seu isolamento do resto do mundo é exatamente o que forma a parede metafórica da qual o álbum recebe seu nome. O personagem central do disco foi baseado no trágico ex-vocalista do Pink Floyd, Syd Barrett, que foi forçado a deixar a banda depois de sofrer um colapso mental como resultado de seu uso frequente de LSD.

Embora "The Wall", um álbum em grande parte derivado diretamente da mente de composição de Roger Waters, tenha recebido críticas mistas no lançamento, com muitos acusando o Pink Floyd de ser exagerado e pretensioso, o LP deu ao Pink Floyd seu único single número um no Reino Unido e nos EUA com "Another Brick in the Wall, Part 2".

Pink Floyd: “Another Brick in the Wall (Part II)”, o single que explodiu a virada da década 70/80.

Hoje, o álbum, que traz faixas como 'Comfortably Numb' e 'Run Like Hell', é considerado um dos melhores álbuns conceituais de todos os tempos e um dos melhores trabalhos do Pink Floyd, imbuído de toda a tensão de uma banda no cúspide da implosão.

"The Wall" também marcou o início de uma queda na produção criativa do Pink Floyd ao longo da década de 1980. Mas, como Garcia observou: “Eu não acho que haja alguém que esteja constantemente lançando coisas boas, vez após vez. Mas todo mundo tem algo a dizer e há momentos em tudo isso que são realmente excelentes. Eu vou pelos momentos. Eu continuo ouvindo até ouvir algo que me nocauteia.” Para Garcia, "The Wall" foi um desses momentos, um álbum emocionante e impactante que, tantos anos depois, ainda parece tão presciente como sempre.

Via FAR OUT.

segunda-feira, 17 de outubro de 2022

Pink Floyd: Syd Barrett ganha novo documentário

"‘Have You Got It Yet?’: The Story of Syd Barrett and Pink Floyd" foi dirigido pelo premiado cineasta Roddy Bogawa e pelo falecido designer gráfico Storm Thorgerson.

A Mercury Studios concluiu o trabalho em um documentário sobre o fundador de uma das maiores bandas de rock n’ roll de todos os tempos.

"‘Have You Got It Yet?’: The Story of Syd Barrett and Pink Floyd" explora o enigmático Barrett, que escreveu os dois primeiros sucessos do Pink Floyd e até mesmo inventou o nome da banda (um mashup dos obscuros músicos de blues Pink Anderson e Floyd Council). Em 1968, apenas alguns anos após a fundação do grupo, Barrett foi forçado a sair do Pink Floyd quando seus companheiros de banda ficaram alarmados com sua estabilidade mental e uso de drogas psicodélicas.

Barrett gravou alguns álbuns solo antes de sair de cena.

Barrett abandonou a música, voltando para casa em Cambridge nos últimos 30 anos de sua vida e seu primeiro amor pela pintura”, de acordo com um comunicado sobre o documentário. “Comoventemente, alguns dos maiores sucessos mundiais do Pink Floyd: "Dark Side of the Moon", "Wish You Were Here" e "The Wall" examinam temas de loucura e estrelato, incluindo 'Shine On You Crazy Diamond' e 'Wish You Were Here', escritas como tributos para Barrett.

Have You Got It Yet?’ foi dirigido pelo premiado cineasta Roddy Bogawa e pelo falecido designer gráfico Storm Thorgerson, cofundador da firma Hipgnosis que criou algumas das capas de álbuns de rock mais famosas de todos os tempos, incluindo Dark Side of the Moon e Wish You Were do Pink Floyd. Thorgerson conhecia Barrett desde a década de 1960.

O filme foi concluído por Bogawa com o fotógrafo da StormStudios Rupert Truman e o produtor Julius Beltrame após a morte prematura de Storm em 2013”, observou o comunicado. “O produtor Orian Williams… entrou no projeto enquanto ainda estava em produção.

O documentário, produzido pela Believe Media e A Cat Called Rover, apresenta novas entrevistas com os membros da banda Pink Floyd David Gilmour (amigo de infância de Barrett que se juntou ao Pink Floyd em 1967 e essencialmente preencheu o vazio deixado por Barrett), Nick Mason e Roger Waters, como assim como a irmã de Barrett, Rosemary Breen, os empresários do Pink Floyd Peter Jenner e Andrew King, Pete Townshend do The Who, Graham Coxon do Blur e Andrew VanWyngarden do MGMT, o dramaturgo Tom Stoppard e outros. O ator Jason Isaacs narra o filme. A trilha sonora do filme inclui mais de 50 músicas do Pink Floyd e Syd Barrett.

Syd Barrett foi mais do que apenas o fundador do Pink Floyd”, disse a CEO da Mercury Studios, Alice Webb, em comunicado. “Ele foi o combustível criativo, que se tornou um ícone da cultura pop e deixou todos se perguntando para onde ele foi, pois sua presença continuou na música que veio depois.

Orian Williams comentou: “A parte mais difícil de contar a história de Syd Barrett foi interpretar seu processo de harmonia e como a inesperada sinergia sonora e a discórdia visual, ambas aparentemente aleatórias, foram planejadas e bem pensadas. [O diretor] Roddy Bogawa nos dá um vislumbre de como Barrett canalizou a genialidade, a loucura e a experimentação no Pink Floyd, o recipiente no qual todas as coisas ganharam vida, mas também levou Syd embora.

Bogawa acrescenta: “É a trágica história de Brian Wilson e Kurt Cobain e muitos outros na música e na arte cujos impulsos criativos explosivos muitas vezes repousam em uma energia frágil e exuberante que é pressionada por seu sucesso. O filme não é apenas um retrato de uma das figuras cult mais icônicas da música através das lentes e memórias de seus companheiros de banda, amantes, amigos e músicos, mas também uma retrospectiva de um grupo de amigos crescendo em meados dos anos sessenta e seu idealismo, ambições, esperanças e sonhos durante um momento cultural tão incrível.

Os produtores executivos do filme incluem Luke Thornton e Liz Silver para Believe Media, Paul Loasby e Geoff Kempin e Alice Webb para Mercury Studios. A distribuição do documentário está pendente; Will White, da Mercury Studios, está lidando com as vendas.

Via Deadline.

sexta-feira, 19 de agosto de 2022

Pink Floyd: A travessura adolescente de David Gilmour e Syd Barrett

O Pink Floyd é um dos artistas de rock progressivo mais amados de todos os tempos. Na verdade, até mesmo aplicar o termo “prog-rock” a uma banda como Floyd às vezes pode parecer um pouco exagerado. A verdade é que o Pink Floyd tinha um som único que nenhum outro grupo pode reivindicar, então aplicar qualquer termo ou gênero a eles é algo fútil; eles são simplesmente 'Pink Floyd'.

Pink Floyd: quando Syd Barrett e David Gilmour tocaram Beatles.

A banda foi fundada em 1965 por Syd Barrett, Nick Mason, Roger Waters e Richard Wright, embora o guitarrista David Gilmour se juntasse em 1967, logo após o lançamento do álbum de estreia da banda, "The Piper at the Gates of Dawn". Gilmour e Barrett eram amigos de infância, e o guitarrista certa vez contou a história do encontro com o cantor.

Gilmour disse que conheceu Barrett “Quando eu tinha 14 ou 15 anos. Ele era alguém que as pessoas apontavam na rua; ele tinha esse carisma e magnetismo. Ele era engraçado. Inteligente. Nada passou por ele. Ele estava a par de tudo; bem lido e muito afiado. Eu saía com ele, ia na casa dele, e quando me mudei para Cambridge Tech, costumávamos nos encontrar na escola de arte na maioria das horas do almoço e tocar Bo Diddley e ‘Come On’ dos Rolling Stones.

Infelizmente, Barrett teve que deixar a banda em 1968 devido a um declínio acentuado em sua saúde mental. Isso foi em parte devido ao seu uso extensivo de LSD, e ele se tornou cada vez mais errático e retraído ao longo de 1967 e 1968. O cantor antes enérgico e alegre tornou-se deprimido e atormentado por pensamentos intrusivos.

Outra razão potencial para o declínio de Barrett pode ter sido o fato de que seu pai morreu tragicamente em 1961. Barrett, quando jovem, pode ter empurrado o trauma dessa ocorrência para seu subconsciente, onde provavelmente foi trazido à tona quando ele começou a carreira, experimentando drogas psicodélicas. Isso torna sua retirada da sociedade ainda mais triste.

Gilmour, no entanto, se lembraria dos momentos divertidos que a dupla compartilhou na adolescência e revelou uma anedota divertida dos momentos travessos que costumavam fazer. Ele disse: “No verão de 1965, acho que, enquanto meus pais estavam nos Estados Unidos novamente, peguei carona para o sul da França, e Syd desceu em um Land Rover com um amigo, e me juntei a eles em um acampamento. perto de St Tropez. Bacon e ovos no Primus no café da manhã – fantástico!

Ele acrescentou: “Fomos tocar em St Tropez e fomos presos. No caminho de volta para casa, paramos em Paris e compramos todos aqueles livros safados que eram proibidos na Inglaterra. O Almoço Nu e A História do Olho. Lembro-me de estar sentado no acampamento lendo essas coisas à luz de tochas. Tivemos um grande momento. A morte de seu pai nunca pareceu entrar em nada. Você sabe, todos nós somos muito bons em encobrir essas coisas.

Via FAR OUT.

quarta-feira, 17 de agosto de 2022

Assista ao Pink Floyd reagir calmamente a esta entrevista a um esnobe crítico de música clássica

"Por que tem que ser tão alto?".

É fácil esquecer que mesmo os artistas hiper-influentes mais universalmente aclamados podem se perder em alguns. Na primavera de 1967, o Pink Floyd estava gravando seu álbum de estreia, "Piper At The Gates Of Dawn", quando apareceu no programa de artes da BBC The Look Of The Week, apresentado por Hans Keller, em 14 de maio. A banda tocou um breve trecho de "Pow R. Toc H.", antes de explodir através de "Astronomy Domine". Após a apresentação, Roger Waters e Syd Barrett sentaram-se para conversar com seu anfitrião, Sr. Keller, que não ficou impressionado.

Keller era um crítico de música proeminente especializado em clássicos, ópera e compositores clássicos do século 20, que vieram para o Reino Unido da Áustria para escapar da anexação com a Alemanha. Ele estudou violino e tocou com Oskar Adler, contemporâneo e amigo do influente compositor Arnold Schoenberg. Os interesses de Keller se estenderam além da música para a psicanálise, e ele trouxe uma abordagem cerebral para a crítica musical.

Mas ele não era fã do Floyd. “Talvez eu seja um pouco músico demais para apreciá-los completamente”, diz Keller, acertando seu primeiro golpe verbal em sua introdução. “Talvez seja minha culpa não apreciá-los”, declara em um tom que sugere que não é culpa dele.

Ele abre a entrevista perguntando a Waters: “Por que tudo tem que ser tão terrivelmente alto?”, acrescentando “Eu simplesmente não consigo suportar”. Para seu crédito, Waters e Barrett permanecem imperturbáveis ​​durante o interrogatório, respondendo simplesmente que eles gostavam de volume alto e que tocavam em lugares amplos onde o volume maior se fazia necessário. Deixando de lado o descaso de Keller, a entrevista ocorreu em um momento crucial na história do rock britânico, quando o Floyd liderou a transição de tocar em dancehalls, com o objetivo de manter as pessoas dançando, para realizar shows dedicados onde a performance em si era o foco. Dois dias antes de sua aparição na TV, eles realizaram o show de tendências Games For May no Royal Festival Hall, que apresentou aos fãs as delícias do som Quadrifônico ao vivo.

A influência psicanalítica de Keller se afirma quando ele encerra o segmento comparando a música de Floyd ao tratamento de choque, antes de concluir que sua abordagem representa uma regressão à infância. Por misericórdia eles não tocaram "Mathilda Mother", ou os instintos freudianos de Keller teriam se esgotado.

Via PROG.

Assista a entrevista infame abaixo.

quarta-feira, 27 de julho de 2022

Por que Grace Slick, do Jefferson Airplane, não aguentou assistir show do Fleetwood Mac?

A história da música rock tem muitos dramas, conflitos, rixas e sangue ruim entre os atos musicais. Alguns deles resolvem após um acordo; outros duram anos. Como resultado, os artistas vão em direções diferentes depois de se encontrarem, fazem declarações desagradáveis durante as entrevistas ou ignoram completamente a presença um do outro em público.

Jefferson Airplane: O que aconteceu com Grace Slick?.

Embora ela não tenha opiniões diretas sobre outros artistas, Grace Slick tem algumas regras sobre tocar ao vivo e produzir rock. Portanto, ela admitiu que não suportava assistir Fleetwood Mac no palco em duas entrevistas separadas em 2015 e 2017. Vamos ver a razão única pela qual Slick não suportava assistir a um show do Fleetwood Mac.

Como Janis Joplin e Grace Slick inspiraram um clássico do Fleetwood Mac.

Grace Slick foi frontwoman do Jefferson Airplane, e trabalhou com a banda entre 1966 e 1972 e em 1989. Depois disso, ela se apresentou com suas bandas sucessoras, Jefferson Starship e Starship. No entanto, Slick decidiu se aposentar em 1989 após a reunião do Jefferson Airplane.

Arquivo Free Four: Grace Slick e a sua obra de arte chamada "Manhole".

De acordo com Slick, o motivo de sua aposentadoria foi o envelhecimento. Em uma entrevista de 1988, ela argumentou que todas as estrelas do rock com mais de 50 anos deveriam se aposentar porque parecem estúpidas. Em 2007, Slick ainda defendeu seu comentário, dizendo que rock e rap são para o público mais jovem, e é bobagem para uma pessoa mais velha tocar rock.

Falando ao Classic Rock em 2015, Grace Slick disse que estava bem ouvindo Fleetwood Mac, desde que não olhasse para eles. Dizendo que não podia assistir a banda, Slick argumentou que eles soavam ótimos quando ela desviou o olhar e imaginou jovens músicos cantando as músicas.

Fleetwood Mac: A música que Stevie Nicks escreveu para "assombrar" Lindsey Buckingham.

Aqui está o que Grace Slick disse ao Classic Rock sobre o Fleetwood Mac:

Eu vi um filme do Fleetwood Mac fazendo algo, e eu estava bem, desde que não olhasse para eles. Eu não conseguia olhar para eles. Eles soaram ótimos, e se eu desviasse o olhar e imaginasse jovens cantando, eu estava bem com isso.

Em uma entrevista de 2017 com a Variety, Grace Slick também falou sobre seus contemporâneos que ainda estavam em turnê. Ela afirmou que gostou de um dos shows de Madonna na TV porque sabia fazer uma produção com seus shows enérgicos e bem fantasiados. Slick novamente disse que não podia ver os shows do Fleetwood Mac porque eles são 'velhos cantando'.

Stevie Nicks e Chris Isaak lançam 'Cotton Candy Land', canção da trilha sonora da cinebiografia 'Elvis'.

Falando à Variety, Grace Slick disse o seguinte sobre seus contemporâneos:

Uma que eu vi na TV que achei bem feita foi Madonna. Eu não gostei dela quando ela apareceu pela primeira vez, mas pensei: 'Cara, alguém sabe como fazer uma produção.' Foi fantástico! Garotos dançando e explosões e merdas foram todos bem encenados e bem fantasiados. Ela não é uma grande cantora, mas é uma boa intérprete e fez um belo trabalho. Eu também vi um programa com Fleetwood Mac. Eles soaram bem, mas eu não consegui olhar porque tem todos esses velhos cantando.

Christine McVie lança sua compilação "Songbird (A Solo Collection)"; ouça.

Agora com 82 anos, Grace Slick defende que músicos com mais de 50 anos deveriam se aposentar. Devido às suas crenças, Slick acha difícil assistir Fleetwood Mac no palco, embora ela goste do som deles. Quanto a outros atos, suas regras se aplicam a qualquer músico de rock ou rap acima de uma certa idade, com o qual muitos roqueiros saudáveis ​​parecem não se importar quando pegam a estrada, independentemente de terem mais de 50 anos.

Via Rockcelebrities.

quinta-feira, 7 de julho de 2022

Como Cream e Jimi Hendrix ajudaram a formar o Pink Floyd

Ao discutir bandas de rock psicodélico, Cream, Jimi Hendrix e Pink Floyd são os três nomes mais eminentes que surgem. Enquanto o Floyd começou como uma banda psicodélica na era Syd Barrett antes de seguir uma rota mais progressiva, a posição de Cream e Jimi Hendrix como pioneiros da forma não pode ser questionada.

Pode ser uma surpresa para os fãs de todas as três bandas saber que elas estão realmente muito conectadas, pois Cream e Hendrix tiveram um impacto definidor nos membros do Pink Floyd, inspirando-os a formar a banda e, por procuração, mudar o paisagem musical no processo.

Syd Barrett e Jimi Hendrix!

A informação veio por meio do ex-baixista e frontman do Cream, o eminente Jack Bruce. Precursor de nomes como Geddy Lee, Flea e Geezer Butler, Bruce foi um dos primeiros baixistas do rock. Depois que o Cream implodiu em 1968, ele desfrutou de uma carreira prolífica, explorando a vanguarda e o hard rock, tocando com uma série de heróis, incluindo Rory Gallagher e Ringo Starr's All-Starr Band.

A quantidade de ícones que o citaram como inspiração é vertiginosa. Geezer Butler do Black Sabbath o considera como sua “maior influência e baixista favorito”.

O virtuoso baixista residente do Rush, Geddy Lee, elogiou Bruce no site da banda em 2015, dizendo: “(Ele foi) um dos maiores baixistas de rock de todos os tempos e uma verdadeira e profunda inspiração para inúmeros músicos. Ele foi um dos meus primeiros heróis do baixo e foi uma grande influência no meu jeito de tocar e na minha música.

Demonstrando o grande impacto que teve no Pink Floyd, depois que Bruce faleceu em 2014, o ex-cérebro conceitual e baixista do Pink Floyd, Roger Waters, lamentou que ele fosse “provavelmente o baixista mais talentoso musicalmente que já existiu”.

Sentado com Classic Rock em 2008, Bruce se lembrou de seus primeiros encontros com uma série de lendas dos anos 60, como os companheiros de banda do Cream Ginger Baker e Eric Clapton, bem como George Harrison e Graham Bond. Sem dúvida, o mais fascinante foi sua anedota sobre o primeiro encontro com Jimi Hendrix e como isso levou à formação do Pink Floyd.

Baker lembrou: “Conheci Hendrix quando nós [Cream] fizemos um show no Regents Polytechnic. Coincidentemente, os caras que se tornaram Pink Floyd estavam na plateia, e aparentemente vendo aquele evento os fez se animarem e formarem um grupo. Quando os vi recentemente, eles me disseram isso. Eu sabia que eles estavam lá, mas não sabia que éramos responsáveis ​​por eles ficarem juntos.

Divagando um pouco, ele ponderou sobre as consequências da formação do Pink Floyd: “Se isso é uma coisa boa ou ruim, eu deixo isso para você decidir. Sempre pensei que o Pink Floyd fosse uma banda para pessoas que não gostam de música ou rock'n'roll. Então, de qualquer forma, de volta ao Hendrix.

No entanto, ele continuou: “Estávamos tocando Regents Polytechnic. Eu estava tomando uma cerveja antes do show em um pub do outro lado da rua e apareceu um cara que acabou sendo Jimi Hendrix. Agora, já tínhamos ouvido falar de Jimi na videira. Jimi veio até mim e disse: ‘Oi. Eu gostaria de sentar com a banda.” Eu disse que estava tudo bem para mim, mas ele obviamente teria que checar com Eric e Ginger.

Concluindo esta história notável, Bruce disse: “Então fomos até o show, e Eric imediatamente disse sim e Ginger disse: 'Ah, não sei sobre isso' [risos]. Então ele veio e conectou meu amplificador de baixo, e até onde eu me lembro ele simplesmente nos surpreendeu. Hendrix teve um efeito positivo em todos, especialmente nos guitarristas. Ele veio para as sessões quando nós [Cream] tocamos "White Room" em Nova York e foi muito encorajador sobre a música. Ele veio até mim e disse: 'Uau, eu gostaria de poder escrever algo assim.' Eu disse: 'Jimi, o que você precisa perceber é que eu provavelmente tirei isso de você'”.

Via FAR OUT.

segunda-feira, 6 de junho de 2022

Jefferson Airplane: O que aconteceu com Grace Slick?

Grace Slick foi uma figura importante durante os primeiros tempos da propagação do rock psicodélico pela cena musical em meados dos anos 60. Antes de sua aposentadoria, ela se tornou parte de muitas músicas e álbuns impactantes no ato do rock. Ela trabalhou como modelo e escreveu músicas antes de anunciar seu nome para o mundo da música. Slick inicialmente se juntou à banda The Great Society, que abraçou o gênero acid rock em 1965.

Depois que Darby Slick levou o grupo a examinar o gênero psicodélico influenciado pelo raga, eles ganharam mais reconhecimento na cena do rock. A banda gravou várias demos e 'Somebody to Love', que mais tarde seria regravada por Jefferson Airplane. Grace Slick estava nos vocais, guitarra e piano nesta faixa. Após a saída de Signe Toly Anderson do Jefferson Airplane em 1966, Grace se juntou à banda porque queria levar sua carreira musical a um ponto mais profissional.

A participação de Grace Slick no Jefferson Airplane.


O Jefferson Airplane tomou um novo caminho abraçando o estilo folk-rock com a entrada de Grace Slick na banda. Eles se tornaram a primeira banda a alcançar sucesso comercial em todo o mundo da Bay Area com várias músicas de sucesso. O álbum de 1967 do grupo, intitulado 'Surrealistic Pillow', trouxe-lhes um enorme reconhecimento por serem considerados as obras únicas do rock psicodélico inicial dos anos 60.

'White Rabbit' e 'Somebody To Love' deste álbum impactaram a cena do rock e levaram a banda a um lugar notável no mundo da música. Grace Slick tinha escrito e tocado ambas as faixas quando estava na The Great Society. Ela cantou essas duas músicas em um estilo diferente no álbum de Jefferson Airplane do que ela havia feito com o The Great Society. As músicas se tornaram hits e associadas ao Jefferson Airplane desde o seu lançamento.

Quando Grace se concentrou em sua carreira solo nos anos 70, ela lançou vários álbuns como 'Manhole', 'Dreams' e 'Software'. E embora o Jefferson Airplane tenha se reunido em 1989, ela decidiu se aposentar da indústria da música no mesmo período.

A razão pela qual Grace Slick encerrou sua carreira musical.


Além do alcoolismo e do uso de substâncias que afetaram sua carreira, a musicista se sentia distante do mundo do rock. De acordo com Grace Slick, como ela estava envelhecendo e não tendo problemas com o envelhecimento, ela decidiu que era melhor se aposentar. Durante a entrevista ao VH1 para o documentário Jefferson Airplane sobre sua aposentadoria da indústria da música, ela explicou que se retirar da cena do rock and roll depois dos 50 anos foi a decisão lógica.

Grace Slick disse em suas palavras:

Todos os roqueiros com mais de 50 anos parecem estúpidos e deveriam se aposentar.

Mais tarde, em uma entrevista de 2007, ela afirmou que o rock and roll era para os jovens que queriam expressar sua raiva. Ao ver o gênero por esse ponto de vista, a cantora decidiu que era melhor se aposentar do que fazer algo que não achava relevante.

Slick explicou:

Você pode tocar jazz, música clássica, blues, ópera, country até os 150 anos, mas rap e rock and roll são uma maneira dos jovens descarregarem essa raiva. É tolice tocar uma música que não tem relevância para o presente ou expressa sentimentos que você não tem mais.

Após sua aposentadoria, Slick começou a pintar e desenhar e exibiu suas obras em 2000. Ela enfrentou vários problemas de saúde e passou por cirurgias. Mais tarde, a cantora entrou em coma e depois reaprendeu a andar. Sua aparição mais recente foi no Grammy Lifetime Achievement Awards em 2016.

Via rock celebrities.

quarta-feira, 18 de agosto de 2021

Dos Beatles a Stevie Nicks: 15 músicas brilhantes que começam com o refrão

Não nos aborreça. Vá para o refrão”. Uma excelente máxima para se viver e que mais artistas deveriam abraçar com fervor. Introduções longas e estendidas devem ser mantidas no reino das bandas de jam: se você está tentando causar uma primeira impressão sólida, por que acertar o ouvinte na cara com a parte mais cativante e memorável da música logo de cara?

Agora, nem sempre é óbvio qual parte da música é o refrão. Estrutura clássica da canção AABA, mais conhecida por sua prevalência em padrões de jazz e composições de Tin Pan Alley, mas também usada por músicos influenciados por este estilo particular de composição, como Brian Wilson ('Surfer Girl') e Lennon / McCartney ('From Me to You' ), desconsidera a forma verso-refrão. Outras canções, como ‘Bohemian Rhapsody’ e ‘2112’, são suítes épicas que ignoram as formalidades de um refrão.

Mas, existem muitos exemplos de música popular dos últimos 60 anos ou mais de canções que começam com um refrão claro e conciso antes de introduzir o primeiro verso. Para esta lista, estamos jogando rápido e solto com as introduções, com o entendimento básico de que, desde que não seja uma introdução estendida, alguns compassos de trabalho instrumental não vão destruir as chances de uma música.

Aqui estão alguns dos melhores exemplos de músicas que começam com suas seções mais memoráveis: o refrão.

Chapel of Love’ - The Dixie Cups (1964)

Você, o leitor anônimo perspicaz, me julgará duramente se eu disser que uma das minhas músicas favoritas de todos os tempos é este pedaço incrivelmente sincero e inocente do pop dos anos 60? Em uma época em que os grupos femininos ainda eram uma grande parte da cena pop americana, The Dixie Cups marcou seu primeiro e único sucesso com esta ode à felicidade do casamento.

As mãos famosas que ajudaram a dar vida a essa música são tão notáveis quanto a própria música: Phil Spector é um co-escritor junto com os músicos pop Ellie Greenwich e Jeff Barry, enquanto os lendários compositores Leiber e Stoller são os produtores. Aquela equipe combinada conhecia o poder do refrão de abertura, e então chegamos a capella, sem nada para impedir sua glória.

I Wanna Rock’ - Twisted Sister (1984)

Colocado aqui apenas para equilibrar a insegurança que senti ao admitir que uma das minhas músicas favoritas é reconhecidamente meio esquisita. Não me arrependo, mas se um limpador de palato é necessário, por que não torná-lo o mais direto e estúpido possível?

Dee Snider e seus companheiros de banda pesadamente maquiados em Twisted Sister nunca foram realmente do tipo sutil. Como tal, ‘I Wanna Rock’ diz logo de cara o que a banda pretende fazer (aqui vai uma dica: rock). Existe um sentimento mais imediato do que Snider gritando o refrão incrivelmente direto da música para você logo de cara? Não pelo meu dinheiro.


She Loves You’ - The Beatles (1963)

Como mencionado anteriormente, os Beatles eram uma banda com muitas influências de composição que os inspirou a escrever músicas com várias formas e estruturas. Há músicas na forma clássica de trinta e dois compassos A-A-B-A, músicas com formas tradicionais de verso-refrão-meio e até músicas sem refrão, como "Happiness Is a Warm Gun".

Mas para o que ainda permanece como uma das canções mais populares da banda em toda a sua carreira, "She Loves You" dá a você a satisfação imediata de ouvir seu refrão indelével. Tudo o que você precisa é um rápido tom preenchido de Ringo Starr antes que o anzol seja imediatamente plantado em seu cérebro, onde ficará até o fim dos tempos.


Shout’ - Tears for Fears (1984)

De todas as bandas new wave britânicas que invadiram os Estados Unidos durante a década de 1980, hoje uma das mais reverenciadas continua sendo o Tears for Fears. A apreciação por músicas como ‘Pale Shelter’, ‘Mad World’ e ‘Everybody Wants to Rule the World’ os coloca um passo à frente de alguns de seus colegas mais nostálgicos.

O poder de seu maior sucesso, "Shout", vem daquele refrão central eternamente ecoado. Soando como se estivesse sendo recitado do topo das montanhas, o refrão foi uma decisão natural de colocar bem no primeiro plano da melodia, exceto por alguns sons introdutórios de percussão apenas para definir o clima.


Everything Right is Wrong Again’ - They Might Be Giants (1986)

Em sua essência, John Flansburgh e John Linnell são nerds. Nerds sobre ciência, história e linguagem, mas mais especificamente nerds sobre música. Sua gama de influências é ampla o suficiente para emprestar elementos de tudo, desde a polca ao punk, frequentemente fundindo-os na mesma música.

Everything Right Is Wrong Again’, a primeira faixa do primeiro álbum da banda, decide ir direto ao ponto e dar-lhe o refrão imediatamente. Não só isso, mas a música tem um final falso antes de uma ponte lenta e subaquática que explode de volta naquele refrão maravilhosamente cativante.


Build Me Up Buttercup’ - The Foundations (1968)

Com alguma sorte, a presença constante de ‘Build Me Up Buttercup’ em comerciais de carros idiotas e filmes preguiçosos e aparições na televisão não diminuiu o poder da música quando você a ouve pela milionésima vez. Estranhamente, a música se tornou uma estranha sugestão de áudio para a felicidade, apesar de seu contexto claramente deprimente.

Com aquela batida alegre e melodia vocal indelével, no entanto, é difícil não sentir um pouco de alegria quando "Build Me Up Buttercup" explode em seu subconsciente. Após uma breve introdução instrumental, temos aquele refrão memorável bem na frente, pronto para ficar preso na sua cabeça o dia todo.


Le Freak’ – Chic (1978)

"Awwwwww freak out!" Você pode ouvir, eu posso ouvir, todos nós podemos ouvir em nossas cabeças. Nenhuma nota inicial ou jam introdutória necessária. O que o frequentemente difamado movimento disco realmente fez foi pegar R&B e soul music e destilá-las em seus elementos pop mais essenciais. As músicas disco ainda trazem o funk e o sabor de um ótimo R&B, mas a ênfase foi colocada em ganchos memoráveis e dançabilidade.

É difícil conseguir algo melhor no mundo da discoteca do que Chic, o Nile Rodgers dirigiu a banda que trouxe uma atmosfera de festa gigante para tudo o que fizeram. Quando você pensa em música disco em seu cérebro, provavelmente está pensando nos elementos que o Chic foi pioneiro, incluindo a remoção de qualquer coisa que atrapalhe um refrão monstruoso.


Edge of Seventeen’ - Stevie Nicks (1982)

Tentando lutar por conta própria antes de ter que retornar ao seu trabalho diurno no Fleetwood Mac para o álbum "Mirage", Stevie Nicks conjurou seu feitiço diabólico e criou Bella Donna, ainda uma das estreias solo mais idiotas e divertidas de um já famoso cantor.

Edge of Seventeen’ não retém nada da mesma leveza, em vez disso procura acertá-lo bem entre os olhos com poder e drama. Nicks tinha um refrão monstruoso para cantar junto com a música e, muito corretamente, decidiu que deveria ser colocado bem na vanguarda do arranjo da música. O resultado é uma introdução instantânea à carreira solo de Nicks.


I Shot the Sherrif’ - Bob Marley & The Wailers (1973)

Bob Marley tinha uma intuição tão natural para a composição musical que as formas tradicionais e estruturas musicais, bem como as tradições em geral, não se encaixavam em seu MO. Em vez disso, sempre havia espaço para experimentação para criar qualquer que fosse a versão ideal de uma determinada música.

Eu, pessoalmente, teria escolhido o início lento de 'Stir It Up', mas ficou claro que a introdução cada vez maior de instrumentos em camadas era muito longa e muito única em seu próprio direito para dizer razoavelmente que a música começa com seu refrão . Portanto, este anúncio vai para ‘I Shot the Sherrif’, que é muito mais imediato: uma rápida jogada de armadilha e o conto simbólico de assassinato entra em ação na mídia res.


‘Minority’ - Green Day (2000)

OK, então ‘Minority’ claramente tem uma introdução escolhida pela guitarra que vem antes do refrão. Mas, como sou eu que estou na lista, e sou eu que decidi seguir as regras de maneira rápida e solta, eu queria incluir uma das minhas músicas favoritas do Green Day.

Na época de "Warning", os membros do Green Day estavam aparentemente perdidos em seu desejo de diversificar seu som. Uma clara influência folk se insinua em "Minority", quase como se Phil Ochs pudesse ter cantado essa música se fosse um punk rocker, mas como um todo Warning se sente confuso consigo mesmo, especialmente em seu meio inchado. Não há esse problema com ‘Minority’, que arrasa tanto quanto qualquer música do Green Day com guitarras elétricas em vez de acústica.


Song 2’ - Blur (1997)

Falando em experiências da banda com seu som característico. Em 1997, o Britpop acabou. "Be Here Now" meio que arruinou a festa para todos, mas o Blur já estava fora de casa quando lançou seu quinto LP autointitulado alguns meses antes.

Principalmente influenciado pelo rock e grunge alternativo americano, Blur faz de tudo para apagar virtualmente os sons estabelecidos do passado da banda. 'Song 2', apropriadamente, acabou sendo a única música do Blur reconhecível que a maioria dos americanos poderia escolher. “The Woo-hoo Song” conhece seu poder e, depois de uma curta progressão de bateria e guitarra para estabelecer o sentimento, entramos naquele refrão ridículo em quinze segundos.


Any Way You Want It’ - Journey (1980)

Tudo bem, chega dessa merda de “essa música pode entrar na lista mesmo que tenha uma introdução instrumental”. Precisamos de uma música que seja inequívoca, inquestionavelmente iniciada com o refrão exatamente na marca de 0:01. Dói em cada fibra do meu ser dizer isso, mas é verdade: precisamos de Journey.

Na verdade, eu não odeio Journey. Eu costumava fazer isso quando tinha 14 anos e o principal componente do meu ser era mijo e vinagre, mas agora posso apreciar os tons doces e doces de AOR de Steve Perry e companhia. ‘Any Way You Want It’ tem aquele tipo de atração imediata que é difícil de resistir, e todos esses anos depois, eu finalmente consegui voltar ao seu encanto. Droga, Journey, parece que você me pegou.


Nowhere to Run’ - Martha and the Vandellas (1965)

Vamos nos jogar de volta à era clássica da Motown para ver como Martha e os Vandellas subestimados pelo crime. Claro, The Supremes recebem todo o amor e atenção por sua ladainha de sucessos número um, mas Martha Reeves tem uma voz e presença de palco melhores do que Diana Ross (duas tomadas quentes que formam uma colina proeminente na qual vou morrer) e ocasionalmente tem melhores músicas da máquina Motown.

Uma dessas canções é ‘Nowhere to Run’, o single matador de ‘Dancing in the Street’, que retém todos os melhores elementos do som da Motown, ao mesmo tempo em que apresenta um refrão cativante no topo da música. Ponha um pouco de respeito no nome Vandellas!


Casey Jones’ - Grateful Dead (1970)

Gravado em uma época em que os Dead procuravam criar gravações mais concisas e de inspiração folk, "Casey Jones" era a única coisa que ninguém poderia esperar da polêmica banda movida a drogas: uma música com claro potencial pop.

Talvez seja um pouco irônico que uma banda conhecida por suas longas passagens tenha decidido ir direto ao ponto em "Casey Jones", mas isso é parte de seu charme contagiante. O set e o set eram essenciais para a banda, e ambos foram estabelecidos nos segundos iniciais de "Casey Jones", não se entregando aos hábitos passados da banda de construções lentas e recompensas pacientes.


Feels Like We Only Go Backwards’ - Tame Impala (2012)

Os refrões imediatos não são apenas um elemento de algumas das melhores músicas do passado: eles também continuam a surgir nos dias modernos. Kevin Parker do Tame Impala nem sempre brinca com ganchos explicitamente pop-centric, mas quando o faz, eles muitas vezes se encontram na vanguarda de seus arranjos.

Esse é o caso de ‘Feels Like We Only Go Backwards’. Parker sabia o quão grande era aquele refrão e decidiu não mexer em transmiti-lo direto para o cérebro do ouvinte. Sempre fico chocado que ‘The Less I Know the Better’ acabou sendo o maior sucesso da banda, considerando a franqueza e o poder de ‘Feels Like We Only Go Backwards’.


Via FAR OUT.

sexta-feira, 13 de agosto de 2021

O ícone da guitarra que o Pink Floyd inicialmente queria para substituir Syd Barrett

Os ‘Swinging Sixties’ foram uma época importante para a música e a sociedade como um todo. O único outro período de tempo ao qual ele pode ser vinculado são os "loucos anos 20". A segunda década do século XX foi uma década igualmente significativa, caracterizada pela esperança, hedonismo e avanços inovadores na moda e na música. Na verdade, os anos 20 são mais frequentemente referidos como a "Era do Jazz", o que lhe dá um sabor definitivo da época.

Voltando ao ponto inicial, no entanto, em ambos os lados do Atlântico, os anos 60 caracterizaram nada menos que uma mudança tectônica na sociedade. Agora conhecido frequentemente depreciativamente como os ‘Baby Boomers’, a jovem geração esperançosa que liderou esta onda foi estimulada por avanços tecnológicos que permitiram que suas ideias fossem totalmente realizadas, algo que os libertinos dos anos 20 não tinham devidamente.

Se você voltar a sua mente e escolher os principais momentos, ícones dos anos 60, verá que a era está repleta de momentos e figuras históricas cruciais. O primeiro homem na lua, Beatlemania, ‘The British Invasion’, Woodstock ’69, os assassinatos de JFK e Martin Luther King, tudo enquanto o espectro do Vietnã e da Guerra Fria pairava sobre tudo isso.

A música acompanhava os eventos, assim como os eventos informavam a música. Os Beatles vieram para incorporar o ethos da geração com ‘All You Need Is Love’, e Jimi Hendrix foi o pioneiro na guitarra elétrica. No entanto, como a década foi marcada por vários graus de luta, havia um lado negro em tudo, do qual a música não podia escapar. Se mudarmos nosso foco para a morte do fundador dos Rolling Stones, Brian Jones, que foi atribuída a “desventura”, aí reside nosso ponto.

Uma década empurrando os limites de coisas que ainda não haviam sido descobertas, principalmente o uso de drogas, os anos 60 abriram caminho para tudo o que se seguiu, musicalmente ou não. É fácil categorizar qualquer evento dos anos 60 em um de dois campos, "aventura" ou "desventura". Música e cultura popular foram de fato levadas em uma odisséia inovadora por grupos como The Rolling Stones, The Beatles, Jimi Hendrix, entre outros, mas sofreram muitas baixas. Se você observar os membros do notório '27 club ', isso soa verdadeiro, Jones e Hendrix se classificando entre eles.

Outra dessas vítimas foi o fundador e guitarrista do Pink Floyd, Syd Barrett. Não sendo um membro do '27 club 'por um longo tiro, o gênio de cabelos desgrenhados ainda se encontraria no final de recepção do lado mais sinistro da década. Ele era nada menos que uma alma atormentada, cujos experimentos com LSD são amplamente considerados por terem levado sua frágil ideação ao limite. Para ter uma ideia, pode-se mergulhar em qualquer ponto da estreia do Floyd em 1967, "The Piper at the Gates of Dawn", para prestar atenção a isso.


Incorporando um aviso prévio dos perigos do uso extensivo de drogas e da necessidade de apoio para problemas de saúde mental, a saída de Syd Barrett do Pink Floyd em abril de 1968 é considerada um ponto significativo na longa carreira da banda. A sucessão do guitarrista e vocalista David Gilmour em dezembro de 1967 levaria a banda a alturas sem precedentes tanto comercial quanto artisticamente.

No entanto, como esse período foi de perpétuas fricções de ombro, havia outro músico icônico que foi apontado pelo Pink Floyd como o sucessor natural de Barrett. Em 2005, o baterista Nick Mason revelou tudo em sua autobiografia "Inside Out: A Personal History of Pink Floyd". O maestro rítmico lembrou que a banda queria que Jeff Beck substituísse Barrett na guitarra, mas “nenhum de nós teve coragem de pedir a ele”.

A ideia do virtuoso Beck no Pink Floyd é estonteante; como um dos guitarristas mais icônicos do século, essa teria sido uma combinação brilhante e emocionante. No entanto, dado que Beck sempre seguiu seu próprio caminho, dúvidas surgiram sobre essa combinação dando certo, e o casamento do Pink Floyd com o amigo de escola David Gilmour é algo que não pode ser subestimado.

Na verdade, em uma conversa de 2010 com Alice Cooper, Beck avaliou a situação. Na discussão, Cooper disse a Beck que a banda estava com muito medo de convidá-lo para se juntar a eles, ao que ele responde: “Quão incrível é isso? Nunca pensei que eles teriam me dado a luz do dia. Que estranho."

Embora a ideia de Beck no Pink Floyd possa deixá-lo animado, é apenas um dos muitos exemplos das portas giratórias da música naquela época barulhenta. Beck receberia muitas dessas ofertas em sua carreira, mas essa é uma história para um dia diferente.

Via FAR OUT.

Veja Jeff Beck falar sobre o Pink Floyd no player abaixo.

quinta-feira, 29 de julho de 2021

Mission Pilots and the Dropkick Apollo traz peso do stoner com camadas psicodélicas

Álbum de estreia conta com cinco músicas instrumentais com referências à Dead Meadow e Truckfighters.

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A Abraxas Records lança nas plataformas de streaming o disco de estreia da Mission Pilots and the Dropkick Apollo, power trio instrumental de Florianópolis. São cinco músicas que carregam o peso do stoner em meio à viagens psicodélicas e camadas de fuzz.

Ouça aqui: https://onerpm.link/242548343897.

O álbum foi concebido em torno de um universo narrativo embebido nas referências do sci-fi, nas viagens espaciais, no etéreo e no passional. Esses elementos se estabelecem, criando de forma subjetiva - e muito vinculada ao interpretativo - o início de uma saga.

"Mission Pilots and the Dropkick Apollo" foi gravado em 2019 de forma independente, no estúdio da banda, e todas as faixas foram produzidas por Bruno Bastos Nogueira.

Para a estreia, Sleepy Sun, Truckfighters, Dead Meadow, Causa Sui e Pink Floyd são referências para o material consistente e empolgante, uma viagem lisérgica com altas doses de adrenalina.

A banda

Formada em 2012, a Mission Pilots and the Dropkick Apollo inicia sua jornada tocando em pequenas festas na região.

Instrumental, busca uma sonoridade que une o peso do stoner com momentos introspectivos, sempre instigada por uma camada psicodélica. Em suas inspirações iniciais, lá estavam bandas como Sleepy Sun, Dead Meadow, Causa Sui e Pink Floyd.

Já com um repertório autoral, a banda logo é chamada para se apresentar ao lado de nomes internacionais do rock chapado, dentre eles, três realizados pela Abraxas: Radio Moscow, The Shrine e Earthless.

Próximo lançamento

Já está em produção uma graphic novel que aprofunda a narrativa do disco de estreia. A intenção da banda é ampliar a experiência auditiva para outras plataformas.

segunda-feira, 26 de julho de 2021

Com rock psicodélico e blues, Ancestral Diva divulga álbum de estreia homônimo

Rock psicodélico, blues e resistência. É com esse espírito que a banda Ancestral Diva divulgara o seu álbum de estreia no dia 23 de julho. Homônimo, o disco é inspirado na música setentista e versa sobre a liberdade, a paz e o amor.

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Escute o álbum Ancestral Diva

Ao todo, 11 faixas integram o álbum. Entre elas, estão a faixa Lamento, gravada em colaboração com a drag queen, Dolly Piercing, e os singles "Macumbeira" e "Dançando no Inferno". Esta última, inclusive, conta com uma performance teatral de Ricardo Righi na introdução. 

As sessões de gravação ocorreram no estúdio Última Gota, em Belo Horizonte, Minas Gerais. Na ocasião, a banda contou com o suporte do produtor artístico e engenheiro de áudio, Vitor Lopes. A masterização ficou a cargo de Fred Chamone. 

O vocalista Babo Gruppi explica o significado de “Ancestral Diva”. 

É um nome inspirado no simbolismo das árvores milenares que resistem ao tempo. Elas têm suas raízes enterradas, mas seguem vivas respirando. E esse sentimento de que é preciso resistir para sobreviver, está presente em todo o nosso disco”, frisou. 

O guitarrista Zé Mário Sousa, por sua vez, frisa que o grupo teve um caldeirão de influências durante o processo de produção do álbum. 

Nós gostamos da sonoridade stoner/blues. Por isso, nos inspiramos em novos nomes como All Them Witches e Royal Blood. No entanto, também curtimos muita coisa nacional e ouvimos desde de Secos & Molhados a Pabllo Vittar. No Brasil, o Jards Macalé foi a principal referência. Ele lançou uma obra prima chamada ‘Besta Fera'. Esse álbum nos influenciou bastante”.

A banda Ancestral Diva está em atividade desde 2019 e é oriunda do projeto The Spacetime Ripples, que em 2017 excursionou nos Estados Unidos. Além de Babo e Ze, a formação ainda é constituída pelos músicos Luce Lee (baixo, piano e synths) e Saulo Ferrari (bateria e percussão).

Tracklist:

Enterrado Vivo (Parte I)

Lamento (feat. Dolly Piercing)

Fim Distante

Escancarado

Macumbeira

Levada da Breca

Dançando no Inferno

Despertamente

Enterrado Vivo (Parte II)

Pindorama

Samba Para o Fim do Mundo

terça-feira, 8 de junho de 2021

Pink Floyd: pub em que Syd Barrett e David Gilmour se conheceram em Cambridge pode ser demolido

Um pub famoso por suas ligações com a banda Pink Floyd está para ser demolido.

O Flying Pig em Cambridge é um popular local de música ao vivo, mas está sob ameaça há mais de uma década.

Um plano que teria sido posto em prática como parte de um novo desenvolvimento foi rejeitado e os gerentes têm seis meses para partir. O gerente disse que não quer demolir e pode apelar.

Há um pub no local da Hills Road desde a década de 1840, e o membro original do Pink Floyd, Syd Barrett teria conhecido o futuro guitarrista do Floyd David Gilmour lá na década de 1950.

O pub e as terras ao redor dele são de propriedade da Pace Investments.

Os planos para desenvolver a área, que incluíam a demolição do pub vitoriano de fachada azul, foram aprovados pelo conselho municipal em 2008, disse o diretor administrativo da empresa de desenvolvimento, Jonathan Vincent.

No entanto, a empresa reconsiderou em 2019 depois que quase 14.000 pessoas assinaram uma petição implorando para manter o pub intacto.

O casal disse acreditar que conseguirá permanecer no pub até o próximo verão, mas Vincent disse que ele e os Hatfields concordaram em um "contrato de aluguel de seis meses" que qualquer um dos lados poderia rescindir a qualquer momento.

O Sr. e a Sra. Hatfield disseram: "Tendo lutado contra a pandemia de Covid com a ajuda de uma generosa doação coletiva e uma bolsa de recuperação cultural do Arts Council, estávamos apenas nos recuperando, e os negócios pareciam saudáveis ​​com nossa música de volta ao Jardim."

Agradecendo à população local por apoiá-los, eles acrescentaram: "Não podemos nos arrepender de nenhum momento dos últimos 24 anos, e assim que soubermos o que o futuro nos reserva, avisaremos vocês."

Vincent disse que ficou muito desapontado com os planos de manter o Flying Pig como parte de um desenvolvimento de uso misto que foram rejeitados.

Passei os últimos dois anos trabalhando com Justine e Matt, e outros, e estava desesperado para manter o pub - mas foi recusado.

O único consentimento de planejamento em vigor envolve a demolição do Flying Pig - então ou apelamos do plano recusado ou prosseguimos com o que foi aprovado."

Ele disse que "passou dois anos tentando encontrar o equilíbrio certo" e descreveu isso como "uma experiência bastante dolorosa".

Vincent disse que estava pedindo conselhos sobre se um recurso era "o caminho certo".

Enquanto isso, a família Hatfield parece determinada a deixar a casa de sua família acima do pub no final de outubro.

Assinando no Facebook, o casal disse: "Desculpe, não conseguimos manter o Pig voando."

Via BBC.

segunda-feira, 17 de maio de 2021

Pink Floyd: rara pintura de Syd Barrett, feita quando adolescente, está em leilão

A peça foi criada quando o Criador do Pink Floyd tinha apenas 15 anos

Uma pintura super rara de um jovem Syd Barrett vai ser leiloada. A peça foi criada pelo vocalista do Pink Floyd quando ele tinha apenas 15 anos de idade e foi produzida a partir de um medley de aquarelas e tons pastéis.

Intitulada "Orange Dahlias In A Vase" de 1961 e assinada por R.Barrett, a obra de arte está atualmente em posse do amigo de infância Phil Harden, será vendida em 27 de maio na leiloeira independente Cheffins, sediada em Cambridge, Reino Unido.

Anteriormente, após a morte de Barrett em 2006, a casa de leilões vendeu nove de suas obras posteriores por um total de £ 121.000, que foi usado para financiar o treinamento de arte local. Esta peça deve ser vendida por cerca de £ 3.000 a £ 5.000.

O amor de Barrett pela arte foi incentivado pelo pai de Harden, que também foi seu professor de arte na Cambridgeshire High School for Boys. “Ele era um menino engraçado e animado, mas também muito protetor comigo, já que eu era seis anos mais novo”, explica Harden ao Observer. “É bastante surpreendente para mim que ele ainda seja tão conceituado em todo o mundo."

Tenho muitas lembranças felizes, incluindo assistir a primeira série do Dr. Who de trás do sofá juntos”, ele continua. “Mas o Syd de que me lembro é uma pessoa diferente e mais jovem, e sei que há muitos fãs que sentem ainda mais sobre aquele que pode dar um lar a esta pintura.

Barrett, cujo primeiro nome original era Roger, foi um dos alunos mais famosos do pai de Harden, e até pôde usar sua melhor tinta a óleo. As pinturas de dálias do jovem vocalista foram consideradas particularmente impressionistas e muitas vezes exibidas nas paredes da sala de aula. Barrett então passou a estudar arte localmente, bem como na Escola de Arte de Camberwell. Após sua educação artística, Barrett fundou o Pink Floyd com outro amigo de infância, Roger Waters.

Barrett e Waters moravam nas proximidades e costumavam sair com Harden quando eram meninos. Ele explica: “Todos nós brincávamos de cowboys e índios juntos e eu era sempre aquele amarrado contra uma árvore. Eles também faziam karts e, de alguma forma, como eu era menor, sempre fui o piloto de testes.

O diretor do Cheffins, Brett Tryner, afirma: “Syd Barrett continua sendo um dos ícones do mundo da música rock. Embora seja conhecido como o fundador do Pink Floyd, ele também era um artista talentoso. Existem poucas fotos originais, especialmente quando ele mais tarde começou a terminar uma pintura, fotografá-la e, em seguida, queimar a tela.

Via Classic Rock.

terça-feira, 13 de abril de 2021

Pink Floyd: Roger Waters diz que turnê ‘This Is Not A Drill’ pode ser a sua última

Pode ser o "último alento" do co-fundador do Pink Floyd ou uma "primeira turnê de despedida"

Roger Waters anunciou que sua turnê "This Is Not A Drill", remarcada para o verão americano de 2022 pode ser sua "última" ou pelo menos sua "primeira turnê de despedida!"

Os shows são mais do que meros shows, como o político Waters, que já se encontra com 77 anos de idade, explicou em um comunicado à imprensa:

This Is Not A Drill" é uma nova extravagância cinematográfica/rock and roll inovadora, realizada em geral, é uma acusação impressionante da distopia corporativa na qual todos nós lutamos para sobreviver e um chamado à ação para AMAR, PROTEGER e COMPARTILHAR nosso planeta e lar precário. O show inclui uma dúzia de grandes canções da era dourada do PINK FLOYD ao lado de várias novas, palavras e música, mesmo escritor, mesmo coração, mesma alma, mesmo homem. Pode ser seu último grito. Uau! Minha primeira turnê de despedida! Não perca. Amante."

Em um anúncio em vídeo, o cofundador do Pink Floyd disse que “estamos parados no precipício e só precisamos de um pequeno empurrão e seremos notícias de ontem. Isso não é um exercício; sou eu gritando do meu telhado. E esperando que todos vocês gritem do alto de seus telhados e todos nós comecemos a agir como um e acabemos com essa loucura."

Confira o clipe abaixo:

Waters fará 36 shows nos EUA e Canadá, começando em Pittsburgh em 6 de julho de 2022 na PPG Paints Arena. Estava tudo programado para 2020 e fora adiado devido à pandemia.

Os portadores de ingressos para as datas da turnê de 2020 anunciadas anteriormente receberão um e-mail com mais informações e os ingressos originais serão válidos para as novas datas de 2022.

Via SPIN.