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sexta-feira, 2 de dezembro de 2022

Pink Floyd: Há 46 anos, Algie, o porco voador de 'Animals' ganhava os céus

Talvez seja um dos maiores aplausos a receber no mundo da música se você ou sua banda forem descritos como ecléticos. O Pink Floyd certamente cai na classificação de ser quase impossível de classificar. De seu começo humilde, mas estelar como uma banda de rock psicodélico dos anos 1960, eles se mudaram para os anos 1970, sempre fazendo esforços concentrados para adaptar seu som a algo orgânico. Depois de uma série de álbuns irregulares no final dos anos 60, o grupo chegou ao som que os impulsionaria ao estrelato com o lançamento de "Meddle" em 1971, que foi rapidamente usurpado pelo poder de "The Dark Side of the Moon", sem dúvida a obra-prima do Pink Floyd. . A essa altura, a banda havia criado sua própria estranha mistura de gêneros, do blues ao jazz e a maioria dos intermediários.

Pink Floyd ilumina a Battersea Power Station para promover a reedição de "Animals".

Depois de "Dark Side of the Moon", o Pink Floyd manteve essa combinação vencedora de genética musical em meados da década de 1970 com o lançamento de "Wish You Were Here", que foi destacado pelo épico de nove partes 'Shine on You Crazy Diamond', escrito sobre O ex-membro fundador Syd Barrett, que havia deixado a banda em meio a problemas com doenças mentais cerca de sete anos antes, e também a faixa-título acústica extremamente acessível 'Wish You Were Here'. Quando começaram a trabalhar em seu décimo álbum de estúdio, a banda voltou à prancheta, não para a composição musical, mas para o assunto, onde os dois álbuns anteriores foram bastante focados internamente em explorar temas de loucura, envelhecimento e vício, este próximo álbum foi criado para apontar o dedo para a sociedade e o status quo.

Em “Animals” o Pink Floyd mostra o prog rock numa atmosfera punk.

"Animals" foi lançado em 1977 e teve um bom desempenho nas paradas, alcançando o número dois no Reino Unido e o número três nos Estados Unidos, apesar dos tempos de execução não comercialmente simpáticos das faixas, uma marca registrada de grande parte da discografia do Pink Floyd. O álbum consiste em apenas cinco músicas: 'Dogs', 'Sheep', 'Pigs on the Wing (partes um e dois)' e 'Pigs (Three Different Ones)'. Os títulos dessas músicas apontam para o conceito do álbum antes mesmo de ouvir as letras reveladoras. O Pink Floyd havia apostado em um álbum conceitual inspirado em George Orwell, baseando o conteúdo na sátira política de "Animal Farm", onde Orwel astutamente apresentou as doenças inevitáveis do mundo ocidental, onde os porcos controlam o poder com os cães trabalhando para eles para manter as ovelhas na linha.

O álbum apresenta temas de coerção política e ansiedade em meio à paisagem sonora sombria esculpida por algumas seções rítmicas impressionantes. É, sem dúvida, uma adição muito impressionante ao rio interminável de conceitos belos e eruditos do Pink Floyd, mas o que mais me chama a atenção neste álbum, em particular, é a arte da capa. A imagem mostra a Battersea Power Station, o símbolo supremo do domínio industrial com sua subestrutura semelhante a uma prisão e chaminés ameaçadoras empoleiradas em cada esquina. Acima da estação há um porco voador que presumi, em minha juventude ingênua, deve ter sido adicionado pelas forças mágicas dos métodos de design gráfico da era pré-computador.

Infelizmente, eu estava errado. O Pink Floyd pensou que eles iriam aproveitar o dia e partiram para o oeste de Londres em 2 dezembro de 1976 para inflar um modelo de porco de 40 pés de comprimento projetado por Roger Waters chamado 'Algie'. Na primeira tentativa, a banda e a equipe artística de apoio da trupe de design de Londres, Hipgnosis, contrataram um atirador treinado pronto para atirar e derrubar o poderoso porco caso as amarras do cabo falhassem e o soltassem ao vento. Infelizmente, depois de algumas tentativas de inflar o porco gigante, ele não conseguiu voar. Cansados da derrota, resolveram remarcar para o dia seguinte.

No dia seguinte, o porco finalmente partiu do chão subindo para o céu a algumas centenas de pés no ar, permitindo que os fotógrafos tirassem a famosa foto pronta para ser gravada na história. No entanto, o drama não parou aqui; os ventos estavam fortes neste segundo dia de filmagem e a equipe Hipgnosis havia ironicamente negligenciado a contratação do atirador novamente em caso de emergência. E eis que o porco se esforçou contra as amarras do cabo e se libertou no espaço aéreo de Londres, subindo para a visão dupla dos pilotos de linha aérea a 30.000 pés.

A comoção se espalhou quando os voos de Heathrow e Gatwick foram cancelados e a Royal Airforce enviou um esquadrão de pilotos de caça em busca de um porco voador gigante. Eles não tiveram sucesso porque o radar em suas aeronaves falhou em detectar a consistência plástica do porco. Felizmente, mais tarde, ao anoitecer, a equipe do Hipgnosis recebeu uma ligação de um fazendeiro perplexo em Kent que havia encontrado um porco gigante boiando em um de seus campos, alarmando seu gado, que, imagino, se sentiram bastante amedrontados. Depois de um dia tão estressante, a equipe e a banda ficaram aliviadas. Essa história um tanto pitoresca, eu acho, torna a já notável capa do álbum ainda mais memorável, pois ela se posiciona orgulhosamente na prateleira da história do rock progressivo.

Via FAR OUT.

segunda-feira, 28 de novembro de 2022

Novo álbum de Donovan traz David Gilmour em 2 faixas; Ouça "Rock me"

Guitarrista do Pink Floyd é um dos convidados do vindouro trabalho do músico escocês, que chegará no dia 15 de dezembro próximo.

O novo álbum de Donovan, "Gaelia: The Sulan Sessions", apresenta uma variedade de artistas convidados, incluindo David Gilmour.

A contribuição do ícone do Pink Floyd pode ser ouvida na faixa "Rock Me" e ele também adicionou elementos à música que fecha o disco, "Lover O' Lover".

Pink Floyd: David Gilmour falando sobre experiência "inesquecível" com Paul McCartney.

Um comunicado de imprensa observou que o álbum, que chegará em 15 de dezembro, "celebra as raízes gaélicas de Donovan" ao mesmo tempo em que representa uma mistura de vários estilos. “A fusão dos meus estilos de raízes gaélicas, com minha poesia e composição melódica, fraseado de guitarra estilo dedo, cordas ciganas clássicas, emoção vocal e rock gaélico, é um sucesso completo para mim no Gaelia”, disse ele. "Eu cumpri meu serviço novamente como um poeta xamã vivo. Todos os convidados se destacaram, e Dan Fitzgeralnd co-produzindo comigo, [aumentou] as músicas com seus talentos superlativos, [mostrando] grande respeito por tudo o que alcancei ao trazer para todo o mundo apreço pela nossa tradição gaélica."

Donovan disse recentemente à Variety como surgiu a colaboração com Gilmour, dizendo que eles se conheceram em uma propriedade rural. "David e eu conversamos sobre quando ele comprou minha casa nos anos 60, quando me casei com Linda e segui em frente. 'Por quê?' Ele disse que a faixa do meu álbum 'Three Kingfishers', do meu álbum "Sunshine Superman", de 1966, o lançou em uma direção musical celestial, e então quando eu estava vendendo minha casa, onde muitas das minhas músicas foram escritas, ele queria estar no meu espaço criativo. Faz sentido no estilo Floyd!"

Sobre seu novo álbum, Donovan acrescentou: "David já havia aprendido a voar (ele também escreveu uma música sobre isso) e voou para a Irlanda para a sessão. David trouxe seu roadie de guitarra, que montou dois amplificadores no estúdio, entregou a David sua Strat rosa, e seu som de assinatura único cativou a todos nós."

Gaelia já está disponível para pré-venda.

Via UCR.

Ouça “Rock Me”, de Donovan, com David Gilmour.


TRACKLIST:

1. "Moon Over Clare"
2. "Watching the Sun Go Down"
3. "Glasgow Town"
4. "The Ferryman’' Daughter"
5. "The Chost of Pagan Song"
6. "Where Are You Now"
7. "Living on Love"
8. "The Lake Isle of Innisfree"
9. "Madrigalinda"
10. "Down By the Harbour"
11. "Rock Me"
12. "Lover O’ Lover".

Yes: "Relayer" e a exuberância de sua singularidade

Uma das qualidades mais admiráveis ​​do Yes é sua maleabilidade, um elemento crucial de "Relayer" de 1974, lançado mundialmente no dia 28 de novembro daquele ano e uma semana depois nos EUA.

O grupo sobreviveu ao longo das décadas, apesar da perda de vários membros importantes, em grande parte porque receberam sangue novo de braços abertos. Mas os fãs e críticos estavam legitimamente céticos após a saída de Rick Wakeman. O gênio do teclado, um showboat de dedos relâmpagos propenso a vestir capas no palco, saiu em maio daquele ano, dizendo que ficou entediado e exasperado criativamente após a infame turnê de "Tales From Topographic Oceans".

"Acho que nos desviamos do caminho com Tales por várias razões", disse Wakeman à Hit Parader no final daquele ano. "E se eu tivesse ficado com a banda, teria se desviado ainda mais. Teria arruinado a banda e arruinado muita música boa. Acho que porque eu saí, quem quer que venha a tocar com eles agora vai ajudar as outras quatro pessoas se juntarem, e eles voltarão ao caminho e continuarão a fazer música muito boa. [...] A longo prazo, sem dúvida, será o melhor para eles."

Parecia uma ilusão. O toque ornamentado e clássico de Wakeman foi um elemento essencial em marcos do início dos anos 70, como "Fragile" e "Close to the Edge". Era difícil imaginar a banda preenchendo esse vazio enorme. E logo após a partida de Wakeman, eles não se incomodaram. O quarteto restante de Jon Anderson, Chris Squire, Steve Howe e Alan White se reagrupou naquele verão no estúdio de garagem convertido de Squire em Virginia Water, Surrey, onde começaram a escrever e ensaiar material novo e aventureiro.

"Fragile" trouxe a grande guinada do Yes.

A certa altura, a banda testou o pioneiro dos sintetizadores gregos Vangelis, mas a falta de química e, segundo rumores, o medo do tecladista se sacado, rapidamente anulou a perspectiva. (Vangelis e Anderson mais tarde se juntariam para uma série de álbuns eletrônicos nos anos 80.) Isso abriu as portas para Patrick Moraz, um excêntrico músico suíço recém-saído de uma passagem pelo projeto progressivo Refugee, para se juntar à banda em agosto. Formado como um quinteto e trabalhando mais uma vez com o engenheiro de longa data Eddie Offord, o Yes procurou se aventurar no desconhecido sonoro, abraçando a tendência jazz-fusion dos sintetizadores de Moraz e uma abordagem mais livre liderada por Anderson.

"Eu estava muito interessado em fazer algo realmente moderno", disse Anderson no encarte da reedição de Relayer em 2003. "Eu queria fazer mais música eletrônica, algo radicalmente diferente. Eu conversava com a banda sobre fazer música de forma livre, sem pensar. Depois de "Tales From Topographic Oceans", onde a estrutura era tão apertada, por que não fazer uma música tão escandalosamente diferente?"

E "ultrajantemente diferente" é uma descrição perfeita para "Sound Chaser", um épico fusion-prog alimentado pelas teclas jazzísticas de Moraz e pela seção rítmica maníaca. White soa particularmente revigorado, tocando com mais confiança explosiva do que em Topographic, sua estreia em estúdio no Yes. "As pessoas sempre me perguntam qual é o meu álbum favorito do Yes", acrescentou White no encarte do Relayer. "Do ponto de vista de onde vem a seção rítmica, sempre separo o álbum Relayer."

Offord, em uma conversa de 2002 com o Notes From the Edge, disse que saudou a chegada de White no Yes. "Sempre senti que talvez o baterista original, Bill [Bruford] faltou com um pouco de alma ou algo assim, mas tinha uma ótima técnica. Mas Alan, por outro lado, tinha muito sentimento e alma, mas não técnica suficiente. Quando ele se juntou à banda, foi difícil. Foi muito difícil para ele ... e depois entrar em Tales com toda aquela incerteza, o pobre rapaz. Foi muito difícil, não era uma situação sólida. Mas tendo saído em turnê e depois voltado para o "Relayer", Alan foi mais aceito e ele estava tocando melhor, e esse cara suíço louco estava chegando, muito bom; era uma época melhor."

"Relayer" conclui com sua peça mais direta, o fluxo e refluxo reflexivo de "To Be Over". A faixa de nove minutos oferece uma pausa melódica após o caos de "Sound Chaser", desaparecendo no "fluxo calmante" com as guitarras em camadas de Howe, pedal-steel e cítara. Mas a peça central do álbum é a abertura "The Gates of Delirium", uma obra-prima de 22 minutos inspirada em parte por Guerra e Paz de Tolstoi.

Em sua forma final, "The Gates of Delirium" se transforma em vários movimentos instrumentais e vocais, incluindo a meditação hipnótica "Soon" (que foi lançada como um single editado e independente) e uma "batalha" barulhenta no meio da música. "Eu só me lembro de todos os tipos de coisas estranhas de percussão que Jon trouxe, folhas de metal e assim por diante", disse Offord sobre essa seção bizarra. "Foi basicamente tudo criado com percussão."

Este épico em grande escala começou como uma série de ideias abstratas na cabeça de Anderson, que ele tentou traduzir para o resto da banda enquanto tocava piano rudimentar. "Jon realmente me guiou pelas composições e pelo núcleo do arranjo e a construção da maioria dos temas de 'The Gates of Delirium', que foram compostos na época em que entrei", disse Moraz no encarte, comparando a faixa para uma "sinfonia no mundo do rock 'n' roll".

Depois que a turnê "Relayer" terminou em agosto de 1975, o quinteto começou a trabalhar em um novo material. Mas essa formação única não sobreviveria: Wakeman voltou à banda em 1976, empurrando Moraz e suas tendências jazzísticas para fora.

"Nós decidimos escrever algumas coisas, começando em 1975, quando eu também estava ajudando Chris e Steve a gravar algumas músicas", disse Moraz ao Something Else! em 2014. "Nós começamos a compor e reunir material para o que seria o álbum "Going for the One", e eu estava muito envolvido na composição de 'Awaken' na época. Gravei uma ou peças bem no começo, nos estágios iniciais das sessões em 1976. Gravei algumas peças básicas para o que se tornaria 'Awaken' e outras para o resto do disco. Infelizmente, essas foram tiradas, para permitir que Rick voltasse para a banda."

Apresentando uma direção mais concisa e despojada, "Going for the One" foi a obra-prima final da banda, oferecendo singles favoritos dos fãs, como a faixa-título agressiva e a sonhadora "Wondrous Stories".

Embora "Going for the One" em si continue sendo um clássico subestimado do rock progressivo, esse álbum pelo menos teve apelo comercial a seu favor. "Relayer" é a ovelha negra da discografia do Yes nos anos 70: muito jazzístico e abrasivo para alguns fãs tradicionais de prog, muito experimental e denso (além de "Soon") para o rádio de rock clássico. De muitas maneiras, é uma aberração musical (no melhor dos sentidos), o primeiro capítulo de uma história estranha e inacabada. Mas essa é uma das razões pelas quais ainda é uma audição tão convincente.

Via UCR.

sábado, 26 de novembro de 2022

"Fragile" trouxe a grande guinada do Yes

"Fragile", o quarto álbum do Yes é realmente uma ponte entre seu predecessor influenciado pelo rock, "The Yes Album", e os álbuns progressivos quase puros que se seguiriam. O álbum apresenta quatro faixas de performances da banda completa, três das quais com oito minutos de duração ou mais, intercaladas por cinco faixas curtas, cada uma apresentando um membro individual da banda. Essa abordagem cria uma mistura muito interessante e dinâmica, já que algumas faixas individuais descontraídas e introspectivas dão lugar a um estilo muito mais ousado, mais difícil e mais agressivo de tocar pela banda como um todo durante as faixas estendidas com a formação completa.

O álbum foi gravado em setembro de 1971 e co-produzido por Eddy Offord, que trabalhou na maior parte do material mais antigo da banda. Durante as gravações houve uma grande mudança na formação, supostamente devido à recusa do tecladista Tony Kaye em abraçar o sintetizador Moog e se ater exclusivamente ao órgão Hammond. Kaye foi substituído por Rick Wakeman. Muitas vezes usando até uma dúzia de teclados no palco, Wakeman adicionou um pouco de talento à performance da banda e completou a imagem de sua formação clássica.

Mais do que qualquer outro álbum, "Fragile" é uma vitrine absoluta para o baixista Chris Squire, que também é a única pessoa a aparecer em todos os álbuns do Yes (uma banda conhecida por constantes mudanças de formação) até sua morte em 2013.. Squire pode ter sido o primeiro a realmente trazer este instrumento, que normalmente é enterrado na extremidade inferior da mixagem, para a frente e de maneiras únicas e inventivas. Embora o álbum tenha sido lançado em novembro de 1971 no Reino Unido, foi adiado até janeiro de 1972 para chegar do outro lado do Atlântico, porque ainda havia impulso nas paradas do "The Yes Album" por lá.

A abertura “Roundabout” é a música de jornada definitiva, uma odisseia musical que se move da assinatura de Steve Howe, a introdução de guitarra clássica para um riff frenético de Squire e um solo de órgão ainda mais frenético de Wakeman. A letra da música foi escrita pelo vocalista Jon Anderson e inspirada em uma longa turnê pela Escócia, que alternava entre trechos com paisagens de montanhas e lagos e rotatórias congestionadas.

Yes: Roundabout é para se ouvir a vida toda.

O meio do lado um contém as duas primeiras peças “individuais”. Extratos de “Cans and Brahms” da 4ª Sinfonia em Mi Menor de Brahms conforme arranjado e interpretado por Wakeman. Embora seja uma curva completa à esquerda da abertura dinâmica, ela se encaixa no contexto maior do álbum. “We Have Heaven” de Anderson é uma paisagem sonora vocal muito mais interessante de Anderson. Melodias com várias faixas são acompanhadas apenas por uma simples batida de guitarra e bateria. “South Side of the Sky” fecha o lado e parece anteceder algumas das músicas sincopadas de futuras bandas como Devo. A música de oito minutos contém muitas incursões musicais e efeitos sonoros, incluindo piano fino de Wakeman e harmonias vocais sem palavras de Anderson, Howe e Squire durante uma seção intermediária única.

O baterista Bill Bruford lança o lado dois com a frenética "Five Per Cent for Nothing", de 35 segundos, uma introdução selvagem para "Long Distance Runaround", a música mais pop do álbum. O jeito da música ser o melhor exemplo da firmeza da banda, já que o corte de guitarra brilhante e econômico de Howe é contrabalançado pelos ritmos complexos simultâneos de Squire e Bruford, sem um único momento de confusão. É como manter três pensamentos individuais ao mesmo tempo e não ter nenhum confuso nem um pouco. Ao contrário, as seções de versos e refrão contêm os vocais simples e melódicos de Anderson sobre o ritmo de rock lento do teclado agitado de Wakeman. A música segue para “The Fish (Schindleria Praematurus)”, a vitrine individual oficial de Squire, embora certamente haja um caso em que ele brilhe em várias outras faixas.

Mood For a Day” é uma peça de guitarra solo de Howe, uma peça central de flamenco com sabor espanhol, que às vezes soa como um cruzamento entre um exercício de aquecimento e um recital sincero. Ainda é divertido o suficiente para manter os ouvintes atentos e mostra os muitos estilos de Howe. “Heart of the Sunrise” começa com Squire e Bruford oferecendo uma última e intensa sequência de riffs para lançar o mais próximo. A faixa mais longa do álbum, a música é mais uma jornada musical com letras sobre estar perdido em uma cidade. Esta faixa final dá ao álbum uma sensação geral de simetria, fechando no mesmo ponto onde começou.

"Fragile" impulsionou a popularidade do Yes de um pequeno mas dedicado público ao estrelato internacional. O álbum alcançou o número 4 nos EUA e permaneceu nas paradas por quase um ano, o maior sucesso comercial da banda. O Yes daria uma guinada acentuada em direção ao puro rock progressivo em seus próximos três álbuns em meados da década de 1970.

Via CLASSIC ROCK REVIEW.

sexta-feira, 18 de novembro de 2022

Genesis: “The Lamb Lies Down On Broadway” encerra a fase Peter Gabriel com chave de ouro

Uma conquista digna de uma coroação para a banda.

Um álbum conceitual completo, o Genesis fez todas as paradas para seu sexto LP de estúdio “The Lamb Lies Down on Broadway”. É enorme, elaborado e ambicioso. No entanto, foi o disco final do frontman Peter Gabriel na banda. Este LP serve como o canto do cisne da formação clássica da banda de Gabriel, Tony Banks, Phil Collins, Mike Rutherford e Steve Hackett e eles nunca produziriam nada desse calibre novamente.

The Lamb Lies Down on Broadway” é o culminar de sua visão artística. É misterioso e um pouco estranho, mas é fascinante do mesmo jeito. Tem rock, tem jazz e, claro, tem o gosto de Gabriel pelo teatro. A história segue um porto-riquenho chamado Rael que experimenta uma série de eventos bizarros e conhece várias pessoas ao longo do caminho.

As sessões foram particularmente estressantes para Gabriel, que insistiu que ele fosse o único a escrever as letras, mas ele nem sempre estava presente porque tinha que ir e voltar desde que sua esposa Jill teve problemas com a gravidez e continuou mesmo após o nascimento de sua filha, Anna-Marie.

The Lamb Lies Down On Broadway” tem seu quinhão de falhas e, às vezes, parece que está em todo lugar. Mas a composição e execução são absolutamente gloriosas. Cada membro do Genesis brilhou e as músicas podem ser variadas e diversas, mas há muitas joias para serem encontradas aqui - de números de jazz a roqueiros atrevidos.

Os destaques são "Carpet Crawlers", "The Lamb Lies Down on Broadway" e "In The Cage":

"Carpet Crawlers";

Uma canção assombrosamente bela, esta parte é onde Rael se encontra em um “corredor vermelho ocre” e ao seu redor, as pessoas estão rastejando em direção a “uma pesada porta de madeira”. É mágica e poderosa.

"The Lamb Lies Down on Broadway";

Essa é do lado pop-rock e como as outras músicas do LP, é hipnótica. Exige toda a atenção do ouvinte.

"In The Cage";

Uma das duas músicas do LP com mais de oito minutos, tão longa quanto maravilhosa.

The Lamb Lies Down On Broadway” encerra a era Peter Gabriel com chave de ouro.

Via SOCIETY OF ROCK.

Pink Floyd: Roger Waters lança clipe intimista de "Comfortaby Numb"; assista

Vídeo traz ar sombrio e linha vocal ao final la "The Great Gig in the Sky".

Durante a atual turnê “This is Not a Drill”, Roger Waters surpreendeu a audiência ao executar a canção "Comfortably Numb", sua e de David Gilmour, imortalizada no álbum do Pink Floyd, "The Wall", em versão intimista, com uma linha vocal feminina, entoada pelas cantoras de sua banda, Amanda Belair e Shanay Johnson, que em parte lembra o estilo empregado na música "The Great Gig in the Sky", substituindo o solo final de guitarra.

Hoje Waters liberou um clipe oficial produzido e dirigido por Sean Evans.

Na descrição do vídeo, o músico explicou:

Durante o lockdown, fiz uma demo de uma nova versão de ‘Comfortably Numb’ como abertura de nosso novo show This is Not a Drill. Coloquei a faixa em um tom abaixo, em lá menor, para torná-la mais sombria e a arranjei sem solos, exceto na sequência final de acordes, onde há um belo solo vocal feminino de Shanay Johnson, uma de nossas novas cantoras.

Assista ao clipe:

Ayreon relança "Universal Migrator, Pt. I & 2" e libera clipe da canção "Dawn Of A Million Souls"; ouça e assista

"Universal Migrator, Pt. I & 2" chegou hoje em reedição recém-remixada e remasterizada, via pela Mascot Records.

Ayreon: Arjen Lucassen divulga os nomes dos vocalistas e músicos dos shows de "01011001".

Ayreon relança a canção "And The Druids Turn To Stone"; ouça.

Ayreon lança novo clipe de "Into The Black Hole" com Bruce Dickinson.

O progger holandês Arjen Lucassen, capitão do Ayreon, relançou hoje o seu aclamado álbum "Universal Migrator, Pt. I & 2" e liberou um novo lyric video para "Dawn Of A Million Souls".

Arjen comentou sobre as participações do vocalista Russel Allen e do guitarrista Michael Romeo, ambos da banda Symphony X: 

"Tanto o cantor Sir Russell Allen como o guitarrista Michael J. Romeo da Symphony X gravaram as suas partes nos Estados Unidos. Ainda me lembro quando o Russell me fez as contribuições ao telefone, eu literalmente chorei lágrimas de alegria! Esta música tornou-se uma das favoritas dos fãs, a julgar pela reação da multidão sempre que a tocamos ao vivo.

Nesta versão re-mixada coloquei os vocais do Russell mais em primeiro plano. Pessoalmente, também acho que a bateria incrível de Ed Warby soam muito mais poderosa e crocante nesta nova versão. Espero que concordem, desfrutem deste ótimo vídeo feito por Dave Letelier e Wayne Joyner!"

Originalmente lançado simultaneamente como "Universal Migrator Pt 1: The Dream Sequencer" e "Universal Migrator Pt 2: Flight Of The Migrator" em 2000, "The Dream Sequencer" continua a trama de "The Final Experiment" de 1995, começando no ano de 2084, quando a guerra mundial final acabou com todos vida na Terra. "Flight Of The Migrator" continua a história do último ser humano vivo, o colono em Marte e sua decisão de usar a máquina Dream Sequencer para viajar de volta para antes da formação do universo.

Os dois álbuns apresentam uma série de músicos e vocalistas convidados ao lado de Dickinson, incluindo Floor Jansen (Nightwish), Edward Reekers (Kayak), Damian Wilson (Headspace/Threshold), Neal Morse, Russell Allen (Symphony X), Andi Deris (Helloween), Michael Romeo (Symphony X) e muito mais.

"Migrador Universal, Pt. I & 2" chega em vários formatos, incluindo um artbook de edição limitada de 56 páginas, incluindo uma história em quadrinhos de 40 páginas, imagens exclusivas do 'processo', cinco CDs (incluindo áudio inédito) e um DVD bônus com mixagem surround 5.1, duas mixagens de fone de ouvido binaural e mais, uma caixa de vinil com quatro LPs em vinil mármore em 2 gatefolds, uma revista em quadrinhos de 40 páginas, um DVD bônus, um pôster frente e verso e uma folha de adesivos. A caixa de vinil é limitada a 1000 cópias numeradas exclusivas da loja virtual), um CD duplo com CD bônus.

Além disso, "The Dream Sequencer" e "Flight Of The Migrator" está disponíveis separadamente em vinil transparente laranja de 180 gramas e digitalmente em todas as plataformas. O CD bônus contará com uma hora de material inédito, variando de versões das faixas com vocais diferentes (guia) a faixas inteiramente novas (bem, antigas) que não entraram nos álbuns e nunca foram lançadas anteriormente.

Compre Universal Migrator, Pt. Eu & 2.

Assista ao lyric video de "Dawn Of A Million Souls":


Ouça o álbum na íntegra, via Spotify, ou clique AQUI para demais plataformas.



Tracklist:

CD1

01 The Dream Sequencer
02 My House On Mars
03 2084
04 One Small Step
05 The Shooting Company Of Captain Frans B. Cocq
06 Dragon On The Sea
07 Temple Of The Cat
08 Burried By The Wind
09 And The Druids Turn To Stone
10 First Man On Earth
11 The Dream Sequencer Reprise

CD2

01 Chaos
02 Dawn Of A Million Souls
03 Journey On The Waves Of Time
04 To The Quasar
05 Into The Black Hole
06 Through The Wormhole
07 Out Of The White Hole
08 To The Solar System
09 The New Migrator

quarta-feira, 16 de novembro de 2022

Pink Floyd: David Gilmour falando sobre experiência "inesquecível" com Paul McCartney

Eu realmente gostaria de estar nos Beatles.

Como a maioria dos grupos de rock britânicos da década de 1960, o Pink Floyd começou como uma banda de rhythm and blues, seguindo os passos de Elvis Presley, Chuck Berry e outros pioneiros da década de 1950 do outro lado do Atlântico. David Gilmour era um velho amigo de escola dos membros fundadores Syd Barrett e Roger Waters, mas ele não se juntour ao Pink Floyd até o outono bretão de 1967, uma época em que os problemas de saúde mental de Barrett começaram a piorar. e eles precisavam de suporte de guitarra.

Além de aprender suas habilidades de guitarra com nomes como Hank Marvin, Lead Belly e B.B. King, Gilmour e seus companheiros de banda do Pink Floyd tiveram a plasticidade angustiada de sua adolescência com trilha sonora dos Beatles. “Eu realmente gostaria de estar nos Beatles”, Gilmour disse à Mojo em 2016. “[Eles] me ensinaram a tocar guitarra; Eu aprendi tudo. As partes do baixo, a liderança, o ritmo, tudo. Eles foram fantásticos.

No final da década de 1960, o Pink Floyd conheceria os Beatles, tendo se conhecido em 1967 no Abbey Road Studios, enquanto o primeiro, ainda sem Gilmour a bordo, gravava seu álbum de estreia, "Piper at the Gates of Dawn", e o último estava gravando faixas para o "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". Se você dissesse a Gilmour, mesmo no final dos anos 1960, que ele se apresentaria ao lado de Paul McCartney no famoso Cavern Club de Liverpool em 30 anos, ele teria dito para você se deitar e cuidar do que você fuma.

Eu sou uma criança, na verdade”, Gilmour continuou em sua conversa com Mojo. “Você entra no estúdio dois em Abbey Road, está sentado lá com Paul McCartney e sua guitarra está ligada. Você acha que é um dia normal de trabalho, mas é claro que não é; é mágico! Conseguir convencê-lo a cantar ‘I Saw Her Standing There’ no Cavern, comigo fazendo as partes de John Lennon, foi absolutamente fantástico.

Eu estive no The Who, estive nos Beatles e estive no Pink Floyd”, brincou Gilmour. "Topo isso, filho da puta!"

Em uma conversa com a revista French Guitarist em 2002, Gilmour expandiu sua longa admiração por McCartney. “Ele é um músico no sentido mais amplo da palavra”, opinou. “Ele toca tudo: baixo, guitarra, piano, bateria… E em todos esses instrumentos, ele está em um nível muito bom. Não podemos, portanto, mistificá-lo, ele sabe exatamente o que quer. Devemos-lhe algumas produções que não foram do maior interesse. Mas ele definitivamente merece o sucesso e o respeito de que goza.

Desde a dissolução dos Beatles em 1970, Gilmour se juntou a McCartney no estúdio em várias ocasiões. Em 1979, David tocou guitarra no single 'Rockestra Theme', do The Wings e depois no álbum solo de 1984, "Give My Regard To Broadstreet", "Flowers In The Dirt", de 1989 e "Run Devil Run" de 1999.

Em seu livro de 2021 "The Lyrics: 1956 to the Present", McCartney discorreu sua decisão de recrutar os talentos de guitarra de Gilmour para "Give My Regard To Broadstreet". O ex-Beatle classificou o guitarrista do Pink Floyd como “um gênio”. Detalhando ainda mais, ele acrescentou: “David Gilmour toca o solo no disco. Eu o conheço desde os primeiros dias do Pink Floyd. Dave é uma espécie de gênio, então eu estava fazendo todos os esforços. Eu admirava tanto ele tocando, eu o tinha visto por aí; Acho que ele tinha acabado de fazer seu álbum solo "About Face". Então eu liguei para ele e disse: 'Você tocaria nisso?' Parecia o tipo de coisa dele.

Em 1999, McCartney organizou um show especial de retorno no Cavern Club em Liverpool, que os Beatles fizeram uma Meca musical graças aos seus famosos shows do início dos anos 1960. Montando seu supergrupo para o show, McCartney trouxe Gilmour, o baterista do Deep Purple, Ian Paice, o guitarrista Mick Green, o tecladista Pete Wingfield e Chris Hall como acordeonista.

Mais tarde, em 1999, Gilmour respondeu a perguntas de alguns de seus fãs em um webcast do MSN. Sobre a recente apresentação do Cavern com McCartney, Gilmour discutiu a probabilidade de novas colaborações. “Eu completei todas as coisas que Paul me pediu até agora para fazer com ele”, disse ele. “Eu não sei se ele está fazendo mais, mas foi muito divertido voltar a esse tipo de música para variar. Ser um Beatle naquela noite no Cavern foi inesquecível.

Assista a Paul McCartney e David Gilmour tocando "I Saw Her Standing There" dos Beatles no Cavern Club, Liverpool, em 1999 abaixo.

Via FAR OUT.

Paul McCartney, Elton John, Roger Waters e outros falam sobre Abbey Road em documentário: assista ao trailer

"If These Walls Could Sing", de Mary McCartney, chega ao Disney+ no próximo mês.

O primeiro trailer de "If These Walls Could Sing", o novo documentário de Mary McCartney sobre o Abbey Road Studios, estreou hoje (via Rolling Stone). O filme chega ao Disney+ em 16 de dezembro, se alinhando com o 90º aniversário dos estúdios. Os entrevistados no trailer incluem Paul McCartney, Elton John, Ringo Starr, Nile Rodgers, Noel Gallagher, Roger Waters, Celeste e George Lucas, cujas trilhas sonoras de Star Wars foram parcialmente gravadas no Abbey Road. Assista abaixo.

No início deste mês, Paul McCartney (que é o pai de Mary) anunciou uma caixa de vinil contendo 80 singles de 7". O documentário de Peter Jackson "Let It Be, Get Back", saiu no ano passado.

Assista ao trailer:

domingo, 13 de novembro de 2022

Peter Gabriel lançará novo álbum e fará turnê em 2023

Pelo confrade Vinício Meirinho.

Os shows na Europa começarão em Cracóvia, Polônia, em 18 de maio de 2023, com datas na Itália, França, Alemanha, Dinamarca, Suécia, Noruega, Holanda, Bélgica, Suíça e Reino Unido antes de terminar em Dublin, Irlanda, em 25 de junho de 2023.

A turnê continuará na América do Norte no final do verão/outono.

Em i/o The Tour veremos Gabriel tocando novo material de seu próximo álbum i/o , além de mergulhar em seu extenso catálogo de músicas, com sucessos, favoritos dos fãs e o "inesperado". Nos shows, Gabriel será acompanhado pelos seus fiéis companheiros de banda Tony Levin, David Rhodes e Manu Katché mas sempre poderemos ter surpresas.

Peter Gabriel disse sobre a turnê: “Já faz um tempo que não nos apresentamos e agora estou cercado por um monte de músicas novas e estou animado e ansioso para levá-las de volta a estrada.

Podemos pensar no "inesperado" já que nada mais sabemos sobre a turnê e o álbum?

Sobre a apresentação podemos sem dúvida contar com a Teatralidade natural a Gabriel. Não acredito em algo muito tecnológico a nível de palco ainda mais nos obscuros tempos atuais. Porém eu tive um sonho ...

Neste sonho eu vi contribuições inéditas com pessoas inesperadas. No álbum duas músicas em colaboração com a compositora e cantora islandesa Bjork e uma com o baterista Stewart Copeland ex Police que já colaborou com Peter no passado.

Porém a surpresa maior será nas apresentações, de acordo com o meu sonho. Bjork aparecerá como convidada especial nas duas músicas em que colaborou. Também será uma surpresa a música brasileira "Águas de Março" muito admirada por ambos em que farão um dueto e com a participação especial de Thijs van Leer do Focus emulando Tom Jobim na flauta porém com uma percussão bem afro os acompanhando.

Posso sonhar com algo assim ? Outros poderão ter outros sonhos. Na música progressiva o inusitado e o inesperado sempre estará presente.

terça-feira, 8 de novembro de 2022

Uriah Heep anuncia seu novo álbum "Chaos & Colour" e libera clipe de "Save Me Tonight"; assista


"Save Me Tonight" integra "Chaos & Colour", 25º álbum de estúdio do Uriah Heep, que chegará no dia 27 de janeiro próximo, via Silver Lining Music.

A canção foi escrita pelo baixista Dave Rimmer e Jeff Scott Soto, que já foi vocalista de nomes como Journey e Yngwie Malmsteen.

O guitarrista Mick Box, único remanescente da formação original da banda, falou sobre a faixa:

"Acho que essa é a beleza de uma boa letra. Uma boa letra significa que você pode interpretá-la de várias maneiras, e é tão importante para mim ao escrever uma letra que ela tenha esses caminhos para entrar. É o primeiro single e faixa de abertura do álbum, e é feito para o rock. rádio, e certamente será incluído em nosso novo setlist em 2023

"Chaos & Colour" é um álbum repleto de guitarras clássicas de rock explosivas, harmonias supremas e a famosa base generosa de teclado do Heep. É, sem surpresa, um álbum que encontrou seu impulso extra durante a pandemia da COVID-19, que foi tão bizarra para o Uriah Heep quanto para a humanidade em geral.

"O título do álbum reflete que estávamos em tempos caóticos com bloqueios, turnês canceladas, negócios fechando e todo o caos que foi lançado no mundo", explica Box. "E até onde eu podia ver, o único escape que as pessoas tinham foi através da música. Ajudou muitas pessoas a passar por esses anos difíceis, usando a força e o poder que a música tem, para tornar esses momentos ruins não tão ruins."

O trabalho já se encontra em pré-venda.

Assista ao clipe de "Save Me Tonight":


Tracklist:

01. Save Me Tonight
02. Silver Sunlight
03. Hail The Sunrise
04. Age Of Changes*
05. Hurricane
06. One Nation, One Sun
07. Golden Light
08. You'll Never Be Alone
09. Fly Like An Eagle
10. Freedom To Be Free
11. Closer To Your Dreams*
12. Save Me Tonight (Demo)**

* CD and digital only
** Deluxe CD only

quinta-feira, 3 de novembro de 2022

O poder da progressão lenta: Rook Road completa sua tetralogia de clipes com "Paradox"; assista

A Rook Road está apresentando o quarto e último vídeo do single a caminho do lançamento de seu álbum auto-intitulado. Quatro músicas foram selecionadas sabiamente para fazer um ponto: "Diversity" é o coringa do rock'n'roll no baralho, e provavelmente a verdadeira razão pela qual, depois de tantas décadas, as cordas, percussões, teclas e vozes musculosas ainda culminam em suor . Hoje, o rock pesado é uma força a ser reconhecida como sempre foi e muito provavelmente, sempre será.

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Quatro canções, quatro cantos de uma caixa que guarda o legado unido de gerações. A beleza da complexidade; um golpe no queixo transformado em música; o telão mostrando uma balada épica de amor e sacrifício. E agora "Paradox", uma cerimônia de opostos magistralmente executada no espectro musical, e uma mensagem clara cantada com tremenda devoção e grande alcance tonal. A música direta e poderosa é impulsionada por uma execução de baixo simples, mas eficaz, que carrega uma interação quase sonhadora de guitarra e órgão. Cresce e decai para frente e para trás como um pulmão respirando pesadamente, um coração pulsante: o canto do cisne inescrutável e melancólico está bombeando sua mensagem na mente do ouvinte. “"Paradox" é a nossa despedida dos valores éticos que costumavam contribuir tanto para todos os nossos caminhos de vida individuais”, explica a banda. “Uma expressão do puxão que sentimos, cercados por todas as pessoas que caçam todas as tendências em um círculo de mídia social idiota que está inflando para uma bolha gigante de bobagens. Esta bolha não vai entrar em colapso de uma vez, apenas cospe as pessoas de volta. Quebrados e meio digeridos, eles percebem que as tendências os estavam caçando, e não o contrário."

O grande finale nesta quadrilogia de canções pede uma grande ascenção, é claro, e "Paradox" entrega de uma forma inesquecível, colocando o poderoso órgão Hammond lá em cima contra o solo de guitarra mais uma vez. Os fãs de Uriah Heep compartilharão o amor que sangra em cada nota no solo de Hammond resultante.

"Paradox" é o quarto e último vídeo single do próximo álbum auto-intitulado da Rook Roads que será lançado em 11 de novembro de 2022 via SAOL e já está disponível para pré-venda: https://orcd.co/rookroad1

A música se alinha ao lado de seu terceiro single, Às vezes, uma peça na veia de uma balada de rock clássico e puro, evocando as impressões comoventes de devoção, amor e auto-sacrifício, ao mesmo tempo em que renuncia ao kitsch ou rabiscos desnecessários, mas mostra muita alma.

O segundo single da banda, ""Talk Too Much", é o principal exemplo de um gancho emocionante soprando bem na sua cara sem mais delongas, um verdadeiro power rocker mesmo para os padrões de Rook Road: o que está escrito em seus rostos: um abismo de ignorância”. "Kinda Glow", que marcou o primeiro sinal do novo álbum, é uma música bastante complexa que lida com a revolução enquanto incentiva a se defender e ouvir suas próprias necessidades em vez de seguir os outros cegamente, dando aos ouvintes algo real e tangível para sentir.


Tracklist:

1 Talk too much 
  
2 Sick to the bone 
  
3 Sometimes   

4 Romeo  
 
5 Paradox   

6 Kinda Glow  
 
7 Deny   

8 Sam Rogers   

9 Celebration/Feels like   

10 Tower   

11 Egyptian Girl.

terça-feira, 1 de novembro de 2022

Baterista de rock progressivo faz workshop interativo no Lab Sound em Piracicaba

O baterista Alex Curi, músico da banda carioca de rock progressivo Organic Reaction e com relevante currículo na indústria musical nacional, realiza um workshop interativo nesta quinta-feira (3) no estúdio Lab Sound, em Piracicaba, considerado um dos mais modernos e técnicos espaços para ensaio e gravação do interior do estado de São Paulo.

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O evento em Piracicaba faz parte do 'Prog tour Work', uma série de workshop que Alex realiza pelo Brasil, sempre na companhia do guitarrista Dallton Santos, companheiro na Organic Reaction.

No Lab Sound, Alex e Dallton tocarão músicas do Organic Reaction e também comentarão sobre o processo de composição, gravação e outros assuntos sobre a vida de um músico profissional.

"Além disso, vamos explicar as partes mais complexas dos arranjos e convidar pessoas da plateia para uma experiência na prática", complementa Alex.

Alex Curi, carioca, é multi-instrumentista, produtor, arranjador e desenvolvedor de produtos em uma empresa de instrumentos musicais. Começou na música aos 9 anos e já passou por várias formações, inclusive na Bacamarte, em que é o baterista desde 1999, banda considerada referência no rock progressivo nacional. Já tocou no Doutor Silvana e Cia, Jorge Vercillo, Rogério Skylab, entre outros.

Serviço:

Workshop interativo no estúdio Lab Sound

Data: 3 de novembro de 2022 (quinta0-feira)

Horário: 20h

Local: estúdio Lab Sound

Endereço: Avenida Presidente Kennedy, 1091, Nova Piracicaba

Ingresso: R$ 20,00 (+ R$ 2,50 taxa)

Venda on-line: https://www.sympla.com.br/evento/prog-work-tour-2022/1774968

Mais informações: www.instagram.com/alexcuriof

quinta-feira, 27 de outubro de 2022

Pink Floyd: os 5 álbuns e também 5 outros bateristas prediletos de Nick Mason

Nick Mason, co-fundador e baterista da banda de rock progressivo Pink Floyd, revelou os cinco melhores álbuns de sua escolha durante uma entrevista ao Classic Albums Sundays. Mason, que é uma fonte de inspiração para muitos artistas, incluindo seus contemporâneos, provou suas capacidades como um escritor hábil em várias ocasiões. Faixas memoráveis do Floyd como 'Time', 'One of These Days', 'Echoes' e 'Careful with that Axe, Eugene' foram co-escritas por Mason.

Crescendo em um lar cultural, filmes e música eram parte integrante de sua vida cotidiana. As artes cênicas eram sua vocação natural e, assim que entrou na universidade, Mason formou uma banda chamada Stigma 6, um antecedente do Pink Floyd, com Richard Wright, Bob Klose e Roger Waters em 1964.

Embora Mason tenha apoiado sinceramente o Pink Floyd até o fim, ele nunca os levou muito a sério. Durante uma entrevista ao Telegraph, ele disse: “Ainda não entendo muito bem como chegamos a esse ponto de experimentação tão livre. Pensávamos em nós mesmos como uma banda de R&B, tocando hits. Foi apenas um pouco de diversão. Estávamos cambaleando. E queríamos ser um grupo pop.

A forte influência do R&B, do jazz e das big bands pode ser notada na música de Mason e na escolha dos instrumentos. Ele usou bateria acústica simples e dupla, rototoms, percussão afinada e bateria eletrônica. É natural, então, que um álbum do trompetista de jazz americano Miles Davis chegue à lista dos cinco melhores de Mason. O álbum em questão aqui é "Jack Johnson", que segundo Mason, é “provavelmente o maior álbum de groove de todos os tempos…” com alguns músicos supertalentosos.

A lista de Mason contém mais alguns álbuns pertencentes ao gênero jazz. O vinil de 1959, "Thelonious Monk Orchestra at Town Hall" é um deles, sendo o outro "Halcyon Days" de Bruce Hornsby. Mason confessou a influência desses dois mestres pianistas sobre ele, declarando o piano de Thelonious Monk tocando “uma lição de tempo e percussão, assim como a música”.

Veja a lista completa logo abaixo.

Bob Dylan- The Freewheelin’ Bob Dylan

Jimi Hendrix- Axis: Bold As Love

Thelonious Monk- The Thelonious Monk Orchestra at Town Hall

Miles Davis – Jack Johnson

Bruce Hornby and The Rage– Halcyon Days.

Jimi Hendrix e Bob Dylan dão uma variedade de gêneros na lista. O álbum de Dylan contem onze canções brilhantemente escritas, incluindo 'Blowin' in the Wind' e 'a Hard Rain's Gonna Fall'. Acho que todos concordamos com Mason quando ele diz que Dylan “ainda é o maior compositor da história do rock”. Por outro lado, o álbum psicodélico e pop-rock de Hendrix está próximo de Mason, pois apresentava seu baterista favorito Mitch Mitchell.

Os cinco bateristas favoritos de Nick Mason:

Nick Mason foi um baterista único no mundo do rock britânico dos anos 1970. À medida que a música progressiva se tornou mais espacial e elaborada, o mesmo aconteceu com os floreios instrumentais e o foco na técnica. Mestres do prog como Bill Bruford, Carl Palmer e até Phil Collins estavam fazendo mudanças de métrica e ritmo altamente complicadas, mas Mason geralmente se contentava em manter seus próprios padrões simples.

Sua abordagem organizada da bateria foi um fator importante para o Pink Floyd ficar cabeça e ombros acima do resto do pacote de rock progressivo em termos de popularidade e acessibilidade. Não importa quão longos ou densos seus arranjos se tornassem, Mason era a âncora que mantinha tudo no lugar. Quando seus companheiros de banda exploravam, Mason mantinha o navio em linha reta.

Pode soar como um trabalho ingrato, mas Mason parecia gostar de sua posição, não querendo assumir a grande aclamação e notoriedade que alguns de seus colegas bateristas fizeram. É por isso que é um pouco estranho que, quando Mason se sentou com o Music Radar em 2010, o lendário homem do bastão citou alguns dos bateristas mais chamativos de sua época como principais inspirações em seu próprio estilo de bateria.

Aqui estão os cinco bateristas que Mason fez referência especificamente ao falar sobre os jogadores que influenciaram seu próprio estilo.

Ginger Baker

Há histórias que circulam sobre bandas que visitaram a Escola Politécnica que os membros do Pink Floyd frequentaram em meados da década de 1960. Uma dessas bandas era o Cream, com o baterista Ginger Baker causando uma grande impressão em Mason.

A maioria dos meus ícones são as pessoas que eram meus heróis quando eu estava começando. Eu não estaria aqui hoje se não fosse por Ginger Baker. Quando a cortina se abriu na Regent Street Polytechnic em 1966, e lá estavam Ginger, Eric e Jack, pensei, é isso que eu gostaria de ser, e foi isso.


Mitch Mitchell

Outro ato crítico que inspirou Mason a fazer da música uma preocupação em tempo integral foi a Jimi Hendrix Experience, que também visitou a faculdade politécnica de Mason em meados da década de 1960. Como Hendrix foi uma influência significativa, não é de surpreender que Mason tenha se envolvido com o estilo de Mitch Mitchell, influenciado pelo jazz.

Em termos de estilo e bateristas de rock que eu gosto, foi Mitch Mitchell. Seja por trás da batida ou não, é tão preguiçoso, mas funcionou perfeitamente com Jimi e aquela coisa um pouco jazzística. Não há mais ninguém como ele.


Keith Moon

Mason não detalha seu amor por Keith Moon, do The Who, mas Moon era uma figura impossível de ignorar em meados dos anos 1960, quando Mason estava levando a música a sério. Maníaco, extravagante e mais barulhento do que qualquer um que veio antes dele, Moon fez da bateria de rock um esporte e uma forma de arte.

Talvez mais do que seu estilo de jogo real, é fácil ver a configuração e a abordagem de Moon penetrar no estilo de Mason. Por um lado, há os bumbos duplos e vários tons que tanto Moon quanto Mason gostavam. Há também os preenchimentos que seguem as melodias vocais, uma técnica que Moon foi pioneira, e Mason certamente pegou.


John Bonham

Mason menciona que o baterista do Led Zeppelin, John Bonham, entrou em cena logo após seus dias mais impressionáveis: o Pink Floyd já havia lançado dois álbuns quando o primeiro álbum do Zeppelin foi lançado, mas ainda havia espaço para Mason se entusiasmar com Bonham.

De todos os bateristas nesta lista, Bonham e Mason parecem ter um amor compartilhado pelo groove – enquanto os outros bateristas aqui não podiam deixar de adicionar floreios ao seu trabalho, Bonham e Mason podiam permanecer consistentes e simples quando quisessem. Claro, Bonham tinha uma propensão para o talento, mas o mestre rítmico firme é provavelmente o que se conectou com Mason.


Chico Hamilton

Um pouco de escolha de campo esquerdo, é importante lembrar que Mason cresceu um fã de jazz em primeiro lugar. Enquanto os estilos de swing mais movimentados não estão exatamente em sua casa do leme, os estilos experimentais de Chico Hamilton certamente estavam.

Mason afirmou que “amo todos os bateristas do be-bop também. Pessoas como Chico Hamilton.” De fato, como um homem do jazz que empregou um violoncelo como instrumento principal, Hamilton transcendeu os gêneros tradicionais do jazz da mesma forma que o Pink Floyd muitas vezes se recusou a ser classificado em um estilo distinto.


terça-feira, 25 de outubro de 2022

Pink Floyd: banda prepara a chegada de luxuoso livro para celebrar os 50 anos de "The Dark Side Of The Moon"

Será um vasto e especialíssimo material sobre o cinquentenário de um dos álbuns mais vendidos da história

1º de março de 2023 marca o 50º aniversário do lançamento de "The Dark Side Of The Moon" pelo Pink Floyd. Comemorando o 50º aniversário do lançamento desse espetacular álbum, o grupo anunciou uma nova publicação da banda intitulada com o mesmo nome do álbum. Este pacote do tamanho de um álbum altamente desejável combina fotos raras e inéditas de bastidores e no palco com a evolução visual da arte icônica do disco.

Com uma data de publicação provisória para 1º de março de 2023, "The Dark Side Of The Moon by Pink Floyd" é um livro desenhado pela Pentagram com especificações elevadas, oficial comemorativo da banda e do álbum, que será um pacote cobiçado para as legiões de fãs do Floyd. Esta data também verá o lançamento de uma caixa de luxo contendo um relançamento do álbum, juntamente com vários itens musicais relacionados.

Este livro luxuoso é dividido em duas partes. O primeiro documenta os membros da banda entre 1972 e 1975, durante a produção do álbum, o lançamento e durante as turnês do mesmo no Reino Unido, EUA, Europa e Japão, trazendo 120 fotografias em preto e branco de Storm Thorgerson, Jill Furmanovsky, Aubrey Powell e Peter Christopherson. Uma análise do show de outubro de 1972 em Wembley por Chris Charlesworth, originalmente publicado no Melody Maker, fornece informações sobre uma das performances mais célebres do Floyd.

A segunda parte explora em 60 imagens coloridas como o motivo original do prisma de Hipgnosis e StormStudios evoluiu para uma variedade de gráficos e homenagens aos grandes artistas do mundo, alguns dos quais passaram a embelezar outros projetos da banda.

O livro custa £ 40 e já está em pré-venda clicando aqui.

segunda-feira, 24 de outubro de 2022

O clássico álbum do Pink Floyd que Jerry Garcia considerou o melhor da década de 70

Grateful Dead e Pink Floyd se encontraram na trilha sonora do filme cult de Michelangelo Antonioni, "Zabriskie Point.

Apesar de serem dois dos grupos mais marcantes das décadas de 1960 e 1970, Pink Floyd e The Grateful Dead raramente se cruzaram fisicamente, em vez disso, forneceram as jams perfeitas para uma variedade de milhões de amantes da música. No entanto, apesar de as duas bandas serem muitas vezes consideradas sob o mesmo amplo guarda-chuva, suas abordagens eram marcadamente diferentes. Afinal, eles vieram de lados opostos do Atlântico e entregaram as mesmas jam sessions de alta qualidade com ética completamente diferente para os mesmos resultados de cair o queixo.

Antes do efeito homogeneizador da internet, a geografia de uma banda tinha um impacto notável em sua produção. Enquanto a música do Grateful Dead é enriquecida com gêneros exclusivamente americanos como R&B, bluegrass e gospel, álbuns como "Dark Side Of The Moon" e "Wish You Were Here" do Pink Floyd parecem mais um produto de estilos de vanguarda germânicos como a eletrônica da era Kraftwerk e Krautrock.

Na verdade, a única conexão que os dois grupos compartilham é que ambos foram apresentados na trilha sonora do filme cult de Michelangelo Antonioni, "Zabriskie Point". Na verdade, praticamente a única evidência que temos de que Jerry Garcia tinha ouvido falar do Pink Floyd vem de uma entrevista que ele deu em 1980, na qual ele falou sobre algumas de suas bandas favoritas dos anos 70. Garcia raramente compartilhava seu amor por muita música além da sua, e era notoriamente curto sobre isso. Então, encontrar uma entrevista em que ele confesse seu amor por outro disco é realmente surpreendente.

Durante essa entrevista, perguntaram a Garcia o que ele estava ouvindo no rádio durante aquela década explosiva: “Apenas o material que atingiu todo mundo. Gosto muito de "The Wall". Todo mundo gosta disso. Eu gosto de Elvis Costello. Sou um grande fã de Elvis Costello”, disse. “Gosto muito de Warren Zevon, quero dizer, ouvi coisas boas de quase todo mundo, assim como ouvi coisas ruins de quase todo mundo. "The Wall" certamente capturou a imaginação do mundo."

Lançado em 1979, o álbum foi a primeira aventura do Pink Floyd no mundo da ópera rock. Segue a história de um rockstar cansado que gradualmente se retira da sociedade. Seu isolamento do resto do mundo é exatamente o que forma a parede metafórica da qual o álbum recebe seu nome. O personagem central do disco foi baseado no trágico ex-vocalista do Pink Floyd, Syd Barrett, que foi forçado a deixar a banda depois de sofrer um colapso mental como resultado de seu uso frequente de LSD.

Embora "The Wall", um álbum em grande parte derivado diretamente da mente de composição de Roger Waters, tenha recebido críticas mistas no lançamento, com muitos acusando o Pink Floyd de ser exagerado e pretensioso, o LP deu ao Pink Floyd seu único single número um no Reino Unido e nos EUA com "Another Brick in the Wall, Part 2".

Pink Floyd: “Another Brick in the Wall (Part II)”, o single que explodiu a virada da década 70/80.

Hoje, o álbum, que traz faixas como 'Comfortably Numb' e 'Run Like Hell', é considerado um dos melhores álbuns conceituais de todos os tempos e um dos melhores trabalhos do Pink Floyd, imbuído de toda a tensão de uma banda no cúspide da implosão.

"The Wall" também marcou o início de uma queda na produção criativa do Pink Floyd ao longo da década de 1980. Mas, como Garcia observou: “Eu não acho que haja alguém que esteja constantemente lançando coisas boas, vez após vez. Mas todo mundo tem algo a dizer e há momentos em tudo isso que são realmente excelentes. Eu vou pelos momentos. Eu continuo ouvindo até ouvir algo que me nocauteia.” Para Garcia, "The Wall" foi um desses momentos, um álbum emocionante e impactante que, tantos anos depois, ainda parece tão presciente como sempre.

Via FAR OUT.