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terça-feira, 10 de agosto de 2021

Jethro Tull - Ian Anderson: "10 discos que mudaram minha vida"

O frontman do Jethro Tull, Ian Anderson, escolhe dez discos que transformaram sua vida na música, do swing nos Estados Unidos ao folk finlandês.

Ian Anderson, sentou-se com o Classic Rock para mostrar suas seleções para os 10 discos que mudaram sua vida.

Obviamente, quando você está falando sobre discos que são‘ transformadores de vida ’, para usar esse termo, você geralmente está falando sobre peças de música que você ouviu na sua juventude”, diz Anderson. “Mas sou uma daquelas pessoas que nunca para de ouvir coisas novas, então, felizmente, algumas gravações tiveram um impacto dramático em mim nos últimos anos. Você nunca sabe quando algo vai bater em você e tocar aquele acorde, por assim dizer. É sempre uma surpresa maravilhosa quando isso acontece."

Glenn Miller and his Orchestra – "In the Mood" (1939).

Eu tinha sete anos quando ouvi algumas das big band do pai, 78s. Eu particularmente gostei de "In the Mood" de Glenn Miller e sua Orquestra, que é uma peça de swing brilhante e sincopada. Algo sobre a simplicidade me atingiu - talvez porque seja essencialmente um blues de três acordes. Quando criança, isso me deixou energizado de uma forma que a música da igreja e a música folk escocesa realmente não faziam."


Johnny Duncan & his Bluegrass Boys – "Last Train to San Fernando" (1955).

Eu tinha nove anos quando ouvi algum rock'n'roll antigo na forma de Bill Haley & His Comets. Estávamos começando a conseguir discos dos Estados Unidos porque ainda havia muitos militares americanos servindo no Reino Unido. Revistas, moda e certamente a música ajudaram a influenciar muito a juventude britânica dessa época.
Nessa época, ouvi uma música no rádio e gostei muito, e convenci meus pais a me deixarem comprar um exemplar com minha mesada. Era folk e tinha uma batida de skiffle, que estava se tornando moda na Inglaterra. Era "Last Train to San Fernando", de Johnny Duncan e seus Bluegrass Boys. Foi uma peça incrível de música americana, mas, curiosamente, é realmente uma canção calipso, mas feita de uma forma meio skiffle.


Muddy Waters – "Hoochie Coochie Man" (1954).

Esta é uma das primeiras canções de Muddy Waters que teve um grande impacto, não apenas em mim, mas em toda uma geração de aspirantes a artistas de R&B e blues na Grã-Bretanha. É uma de suas melhores peças. Antes de sua morte, Muddy até regravou com Johnny Winter e lançou outra grande versão da música.
Esta foi a minha introdução ao artigo genuíno - Chicago blues. Eu tinha ouvido coisas que derivavam do gênero e tinham vários matizes, como algumas das músicas swing de três acordes que eu ouvia. Mas quando você ouve a coisa real, você sabe disso, e "Hoochie Coochie Man" de Muddy Waters era indiscutivelmente a coisa real.
O verdadeiro blues americano tornou-se romantizado para nós, britânicos. Claro, não sabíamos nada sobre a tortura do comércio de escravos, o comércio de tabaco e o comércio de algodão, ou os horrores da pobreza ao longo dos anos da Depressão - não sabíamos sobre essas coisas. Mas sentimos essa forma um tanto heróica de música folk, e se é assim que vimos, é melhor do que a América branca de classe média, que não viu nada disso. Foi só quando nós, britânicos, mandamos Jimi Hendrix de volta para a América - o rock que era muito agressivo e negro - que se tornou revolucionário.


Graham Bond – "Spanish Blues" (1965).

Era um paralelo a toda aquela música americana, mas de uma forma mais eclética, tendo influências do blues e do jazz europeu mas também do clássico. Graham Bond não era um saxofonista alto de muito sucesso que em algum momento conseguiu um show com Alexis Korner’s Blues Incorporated. Depois de um tempo, ele roubou Ginger Baker e Jack Bruce daquela banda e os persuadiu a irem com ele quando ele formou a Graham Bond Organization.
Eles tocaram um amálgama caseiro de jazz e blues eclético, que teve um grande impacto em mim quando adolescente. Eu estava começando a tocar música neste momento. O uso do órgão Hammond, tocado por Bond, foi bastante forte, dramático e maravilhoso. Claro, como todos sabem, o núcleo da Organização Graham Bond formou o Cream, o que o levou ainda mais longe.
O blues espanhol não era blues ou jazz americano; era, como o título sugere, um tipo de faixa bastante europeia. Não é exatamente flamenco, mas tem uma sensação autêntica. Ouvir saxofone e órgão Hammond junto com baixo e bateria realmente me tocou. Isso me fez perceber que você poderia fazer algo com esse tipo de formação. Não precisava ser música negra americana; você pode pegar coisas da música clássica e usá-las. De certa forma, foi o início do que se tornou o rock clássico.


Pink Floyd – "The Piper at the Gates of Dawn" (1967).

"Houve dois álbuns seminais em 1967 que abriram um caminho para pessoas como eu no contexto do pop progressivo. Um era o "Sgt. Pepper" dos Beatles, é claro, e o outro era um caso totalmente mais surreal e progressivo, "Piper at Gates of Dawn", do Pink Floyd. Ambos os álbuns pegaram elementos de muitas fontes diferentes e os usaram de maneiras coloridas e criativas.
Para mim, o álbum do Pink Floyd tinha mais significado. Os Beatles eram um grupo pop, então eu pensei que seu material era um pouco artificial, um pouco twee. Eu gostei mais do elemento cantor e compositor do Floyd. As canções de Syd Barrett eram estranhas e engraçadas e complementavam perfeitamente o instrumental radical e drogado que a banda fazia. Você viu fotos e as apresentou com palavras e sons, em vez de pinturas.


Roy Harper - "Come Out Fighting Ghengis Smith" (1968).

Um ano depois, quando me mudei para Londres, ouvi um cantor folk que estava construindo um nome para si mesmo. Juntei algumas moedas e comprei este álbum, que mostrou meu interesse pelo jeito solitário de fazer música como cantor e compositor. A música "Another Day" realmente ressoou em mim. Muitas pessoas, além de mim, consideram isso um clássico cult. Kate Bush gravou a música.
Morando sozinho durante o verão de 68, este álbum significou muito para mim. Na verdade, conheci Roy Harper um pouco porque acabamos fazendo alguns shows juntos, incluindo o primeiro show no Hyde Park, que foi Pink Floyd, Jethro Tull, Roy Harper e Tyrannosaurus Rex.


Jethro Tull – "Aqualung" (1971).

A única música que realmente mudou minha vida, certamente de uma forma material, foi "Aqualung". Tínhamos um pouco de sucesso antes disso, mas este álbum nos estabeleceu em todo o mundo. No entanto, foi um processo gradual - não espalhou a mensagem em 1971 ou '72. Foram vendas estável por anos e anos.
O álbum nos levou à União Soviética, ao Bloco Oriental da Europa, aos regimes fascistas da América Latina e outros lugares. Fomos muito longe. Foi a música que mais mudou minha vida, pessoalmente. Isso me deu a oportunidade de lançar álbuns ainda mais aventureiros e, tão importante, eu poderia ir a todos esses lugares para tocar ao vivo.


Herbert von Karajan/ Berliner Philharmonic Orchestra – "Beethoven Symphony No. 9 in D Minor" (1963).

Depois do álbum "Aqualung", vi "Laranja Mecânica", e a música do Walter Carlos - que mais tarde se tornou Wendy Carlos - realmente despertou o meu interesse pela música clássica. Ele já havia se destacado pegando peças clássicas e interpretando-as em sintetizadores. Achei magnífico o tratamento que deu a Beethoven para a trilha sonora de "Laranja Mecânica".
Eu estive exposto à música clássica na minha adolescência, e um pouco quando fizemos o álbum "Stand Up" - há uma peça de Bach sobre isso - mas comecei a explorá-la mais depois de ver o filme de Stanley Kubrick. Em particular, desenvolvi um interesse por Beethoven. Tenho certeza de que muitas outras pessoas foram apresentadas a seu trabalho depois de terem visto "Laranja Mecânica". Isso levou ao meu interesse pela orquestração.
Na minha opinião, a melhor versão da 9ª edição de Beethoven, a gravação inédita, é de Herbert von Karajan e a Filarmônica de Berlim nos primeiros dias do estéreo.

Värttinä – "Aitara" (1994).

Com este álbum, descobri que a música folk da Europa pode conviver com o rock progressivo moderno. Esta é uma banda finlandesa com sede no oeste de Helsinque, composta por três cantoras folk e uma banda de jazz e músicos folk do Instituto de Música.
É uma música maravilhosa, especialmente a faixa-título, mas não tenho absolutamente nenhuma ideia do que eles estão cantando. Pode ser algo muito mundano e triste - acho que nunca vou saber. Mas isso não importa, porque o som de suas vozes e a música da banda são muito bonitos.


A.R. Rahman – "Bombay Theme" (1995).

Isso me fez começar a aprender a entender um pouco mais sobre a música indiana e até mesmo a escrever para alguns daqueles artistas indianos clássicos. Esta faixa em particular começa de forma muito visível com o som de uma flauta de bambu indiana.
Foi escrito e organizado por A.R. Rahman, que é, em grande parte, a força musical por trás de Bollywood. Ele é o principal praticante da música indiana no sentido comercial - certamente por seu trabalho no cinema. Eu ouvi o "Bombay Theme" pela primeira vez, que às vezes é chamado de "Mombay Theme", em um álbum cruzado, e isso me levou a investigar as coisas mais a fundo. Acho que é uma peça musical bastante extraordinária.

quinta-feira, 15 de julho de 2021

Jethro Tull anuncia novo álbum para 2022

O Jethro Tull confirmou que lançará seu próximo álbum "The Zealot Gene" no início de 2022 através da nova gravadora InsideOutMusic/Sony Music.

A banda ainda não anunciou uma tracklist ou uma data de lançamento firme para o projeto, que o líder da banda Ian Anderson já havia divulgado em março. A formação atual conta com o frontman (vocais, flauta, violão, gaita) ao lado do guitarrista Joe Parrish-James, do tecladista John O'Hara, do baixista David Goodier e do baterista Scott Hammond. (O guitarrista Florian Opahle é creditado como "apenas para o álbum".)

Anderson comemorou o novo contrato com a gravadora em um comunicado. “Depois de 54 anos no mundo da gravação de música, é com grande prazer que agora tenho um contrato do Jethro Tull para uma gravadora que me lembra, em muitos aspectos, o antigo selo Chrysalis - tanto como independente como em seus últimos anos em parceria com a EMI”, escreveu ele. “Aqui estão caras da música de verdade, apaixonados pelo melhor e mais criativo do rock. Esperamos um relacionamento longo e frutífero e mais lançamentos por vir."

O compositor apresentou uma prévia de "The Zealot Gene" - o primeiro álbum com o nome Jethro Tull desde o LP de Natal do grupo em 2003 - em uma entrevista em março para a Rolling Stone. A banda começou a trabalhar no álbum em 2017 e, na época desse bate-papo, já estava em três quartos da gravação. Ele também fez referência à faixa-título do disco, citando a letra, "Bee buzzing in your bonnet / and a wasp right up the bum / a V8 under hood / a cocked hammer under thumb.'"

Anderson deu a notícia enquanto detalhava o livro "Silent Singing", que compila todas as suas letras no Jethro Tull,de sua estreia em 1968, com "This Was", até "The Zealot Gene". Três variações estão disponíveis para pré-encomenda.

"The Zealot Gene" marcará o primeiro álbum oficial do Jethro Tull em quase duas décadas. No entanto, Anderson lançou vários LPs nos últimos anos, incluindo "Thick as a Brick 2" de 2012, "Homo Erraticus" de 2014 e "Jethro Tull - The String Quartets (with John O'Hara & Carducci String Quartet)", de 2017.

Via UCR.

sábado, 24 de abril de 2021

Jethro Tull: assista ao novo clipe animado de "Aqualung"

No início deste mês de abril o canal oficial do Jethro Tull divulgara um clipe animado oficial para a faixa-título do álbum "Aqualung", que completara 50 no mês passado.

Assista no player abaixo e na sequência, leia a nossa resenha sobre o álbum:

As sementes da complexidade e esmero já tinham sido plantadas anteriormente no antecessor "Benefit", álbum embrionário do poderoso e maciço "Aqualung", que chegaria em 19 de março de 1971, mostrando ao mundo uma já gigantesca banda de rock progressivo e que só faria crescer no decorrer daquela década.

Apesar do genial frontman do Jethro Tull, o vocalista, violonista e flautista Ian Anderson posteriormente negar isso em entrevista, sabe-se que "Aqualung" teria sido um álbum conceitual satirizando e criticando a relação entre personagens, religião e o próprio Deus, onde segundo os temas das canções, a religião não cumpriria o seu verdadeiro papel de possibilitar o "religare' do homem com o Deus e sim o afastando dele.

Marcando as estreias do baixista Jeffrey Hammond e do pianista John Evan, porém também a despedida do baterista Clive Bunker, musicalmente o disco é um trabalho primoroso, tendo quase como de praxe, praticamente todas as canções emanando da mente criativa de Ian Anderson, salvo raras exceções de algumas pouquíssimas composições em parceria.


A faixa-título, que inclusive abre o disco é uma das obras-primas do rock progressivo e classic rock de todos os tempos, com seu riff introdutório marcante sendo um dos mais emblemáticos e reconhecidos do gênero, além do estupendo solo do guitarrista Martin Barre, deveras subestimado nas listas dos grandes guitarristas do século passado.

Assim como a faixa-título, este álbum rendeu mais algumas canções que passariam a integrar eternamente os setlists dos shows da banda, como "Cross-Eyed Mary", "Locomotive Breath" e principalmente à época, a belíssima e profunda "My God".

Vale ressaltar que mesmo como todo o crescente mergulho no prog rock, "Aqualung" não deixa de lado as icônicas influências celta e folk da banda, ficando isso claro na trinca das ótimas faixas "Mother Goose", "Wond'ring Aloud" e "Up to Me".


Como uma canção "lado B de luxo", não tão badalada assim, o álbum se fecha com a espetacular "Wind Up", música lindíssima, que deveria ser lembrada dentre as maiores da carreira do grupo e mais executadas nos shows tanto do Jethro Tull, quanto nas apresentações solo de Ian Anderson, ainda na ativa.

Com o enorme sucesso de público e crítica de "Aqualung", ficava difícil imaginar que a banda de Anderson pudesse repetir o feito ou mesmo ir além, mas sim, ela o fizera no ano seguinte com outra-obra-prima, contendo uma só música, "Thick As A Brick".


Tracklist:

"Aqualung"
"Cross-Eyed Mary"
"Cheap Day Return"
"Mother Goose"
"Wond'ring Aloud"
"My God"
"Hymn 43"
"Slipstream"
"Locomotive Breath"
"Wind Up"

A Banda:

Ian Anderson: vocais, violão, flauta
Martin Barre: guitarra, flauta doce soprana
John Evan: piano, órgão, mellotron
Jeffrey Hammond (como "Jeffrey Hammond-Hammond"): baixo, flauta doce alta vocais
Clive Bunker: bateria, percussão


segunda-feira, 19 de abril de 2021

Ian Anderson diz que teria mudado o som do Jethro Tull para Tony Iommi seguir na banda

Ian Anderson disse que estava preparado para mudar a abordagem musical do Jethro Tull se o futuro guitarrista do Black Sabbath, Tony Iommi, permanecesse na banda.

Iommi se profissionalizou como membro do Earth antes de passar várias semanas com Anderson em 1968; ele então decidiu retornar à sua banda anterior. Ele não gravou com Jethro Tull, mas fazia parte da formação vista no filme-show do Rock N 'Roll Circus dos Rolling Stones.

Logo depois, Jethro Tull começou a trabalhar em "Stand Up", o álbum que definiu seu som progressivo. Mas naquele ponto, Anderson disse ao Planet Rock, que sua banda estava um pouco distante de estabelecer uma direção.

Nós tínhamos sido colocados no escaninho de sermos uma pequena banda de blues antiga com uma ligeira estranheza de ter uma flauta colocada no meio", disse ele. "Foi definitivamente giz e queijo com o que teria acontecido se Tony se tornasse um membro permanente da banda, porque seu estilo musical era completamente diferente.

Observando que “você não chamaria Tony, então ou agora, de guitarrista de blues”, Anderson acrescentou: “Ele não fazia todos aqueles licks e tocava esse tipo de coisa; ele era muito monofônico - grandes coisas de uma única nota. Na banda com a qual ele tocou, chamada Earth, que posteriormente se tornou o Black Sabbath, ele era tão diferente.

Se Iommi tivesse ficado, “isso teria mudado radicalmente a maneira como a música de Jethro Tull teria sido”, admitiu Anderson. “Isso teria mudado a maneira como eu escrevia músicas - o lote de músicas que se tornou nosso segundo álbum, "Stand Up", em 1969. Eu repassei algumas coisas com Tony e parece que o formato daquelas músicas em que eu estava trabalhando não era sua praia”.

Anderson se lembra de Iommi como um “cara legal” e admitiu estar “apaixonado por sua guitarra quando Earth tocou com Jethro Tull em algum show em uma universidade. (…) Só pensei: 'Uau, aquele cara pode muito bem ter algo a oferecer.' E de fato ele o fez - ele o ofereceu ao mundo.

Via UCR.