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terça-feira, 17 de janeiro de 2023

Marenna fará abertura do show de Geoff Tate em São Paulo

Os Hard Rockers gaúchos se apresentarão em duas noites paulistanas, sendo uma delas a abertura do show da voz original do Queensrÿche.

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Os Hard Rockers gaúchos do Marenna, uma das maiores bandas brasileiras do estilo na última década, que vêm divulgando seu quarto e aclamadíssimo mais recente álbum “Voyager”, confirmaram dois shows em São Paulo. O primeiro, dia 20 de janeiro, sexta-feira, no Tokio Marinne Hall, abrindo para a voz original do Queensrÿche, a lenda americana Geoff Tate, e no dia seguinte, 21 de janeiro, um show intimista no Manifesto Bar junto às bandas Oversize (Mr. Big Tributo) e Fever (Aerosmith Cover) numa noite de celebração ao puro Hard Rock!

Voyager”, lançado pela gravadora dinamarquesa Lions Pride Music e no Brasil em parceria com a Classic Metal Records e Heavy Metal Rock, vêm recebendo inúmeros elogios e indicações como um dos melhores álbuns lançados em 2022 por vários jornalistas e veículos de imprensa especializados em Rock e Metal mundial. A renomada revista japonesa Burrn!, por exemplo, colocou “Voyager” como 28ª posição em maiores vendas de CDs importados no país.

A sonoridade atual do grupo transborda energia e identidade, e nos palcos paulistanos mostrará muito bem a nova e mais madura fase que a banda vem desenvolvendo nos últimos anos, trazendo a pegada marcante do Hard Rock melódico oitentista e uma bem equilibrada junção de elementos pesados do Heavy Metal. Os quatro singles extraídos de “Voyager”: “Breaking The Chains”, “Wait”, “Voyager” e “Out Of Line”, com seus refrões tipicamente oitentistas feitos para se cantar junto, são grandes exemplos de energia e alto astral que, sem sombra de dúvidas, aquecerão todos presentes nas duas noites.

Sobre dividir o palco com Geoff Tate, uma das maiores vozes do Rock e Metal Mundial, que em São Paulo fará um show especial tocando na íntegra os clássicos álbuns de sua banda original Queensrÿche, “Empire” (1990) e “Rage For Order” (1986), Rod Marenna comenta: "Minha missão com o Marenna é resgatar e celebrar os melhores dias do Hard Rock melódico, agora, fazer isso no mesmo palco que Geoff Tate, uma das maiores vozes do Rock e Heavy Metal, tem outro peso. Eu e meus irmãos do Marenna estamos extremamente lisonjeados pela oportunidade e nossas expectativas são as melhores possíveis, pois além de estarmos promovendo nosso novo álbum "Voyager" para um público novo e altamente exigente, estaremos num dos palcos mais tradicionais de São Paulo! Vai ser uma grande noite, tenho certeza".

Ouça “Voyager” em https://www.catapultdistribution.com/magnet/Marenna/Voyager

Continuando a colher muitos frutos, o Marenna está, também, concorrendo na eleição de Melhores do Ano segundo os leitores da revista Roadie Crew, nas categorias Melhor Álbum (“Voyager”), Melhor Vocalista (Rod Marenna), Melhor Guitarrista (Edu Lersch e Mauro Caldart), Melhor Baixista (Bife), Melhor Tecladista (Luks Diesel) e Melhor Baterista (Arthur Schavinski), e também pelo site Metal Com Batata, concorrendo com “Voyager” como melhor álbum. Os links para votações encontram-se respectivamente em https://roadiecrew.com/quiz/melhores-de-2022 e https://questionpro.com/t/ARzkHZwKr8

SERVIÇO:


20 de Janeiro (Abertura para Geoff Tate – A Voz Original do Queensrÿche)
Local: Tokio Marine Hall
Endereço: Rua Bragança Paulista, 1281 – Chácara Santo Antônio, São Paulo/SP
Realização: Top Link Music
Horário do show do Marenna: 20h
Horário do show de Geoff Tate: 22h


21 de Janeiro (junto às bandas Oversize (Mr. Big Tributo) e Fever (Aerosmith Cover))
Local: Manifesto Bar
Endereço: Rua Iguatemi, 36 – Itaim Bibi, São Paulo/SP
Abertura: 20h
Ingressos na bilheteria no e-mail info@manifestobar.com.br, telefone (11) 2574-5256 ou whatsapp (11) 94557-0228

sábado, 14 de janeiro de 2023

Scorpions, Deep Purple, Saxon, Helloween, Sepultura, Angra e Black Pantera em Ribeirão Preto

A cidade paulista receberá as bandas que tocarão à época do Mosters of Rock

As bandas Scorpions, Deep Purple, Saxon, Helloween, Sepultura, Angra e Black Pantera participarão do Festival Ribeirão Rock Series, que acontecerá nos dias 18 e 25 de abril próximo na cidade do interior paulista. Entre uma data e outra Scorpions, Deep Purple, Saxon, Helloween se apresentarão no já tão falado e procurado Monsters of Rock no dia 22 de abril, somadas a KISS, Doro, e Symphony X.

Kiss, Scorpions, Deep Purple, Saxon e outros tocarão no Monsters of Rock 2023.

O "comensalismo cultural", aproveitando para trazer os artistas e bandas que se apresentarem no festival paulistano, acontecerá na Arena Eurobike de Ribeirão Preto. Confira os detalhes, antecipados pelo IGORMIRANDASITE.

18 de abril: Black Pantera, Angra, Saxon e Scorpions

25 de abril: Black Pantera, Sepultura, Helloween e Deep Purple.

Ingressos à venda a partir do dia 19 de janeiro, online (com taxa de conveniência em site ainda a divulgar) e no local (sem a taxa):

Pista e arquibancada: R$ 200 (meia) e R$ 400 (inteira)

Pista Premium Front Stage: R$ 300 (meia) e R$ 600 (inteira)

Camarote Seo Tibério: R$ 700

Camarote Oficial open bar: R$ 800

Camarote VIP Premium Rock Series (open bar e finger food): R$ 1 mil.

O KISS, forte atração do Monsters of Rock, já está marcado para tocar no Estádio Mané Garrincha no dia 18 de abril com o Deep Purple e em Manaus, com Scorpions e Sepultura no dia 12 de abril.

sexta-feira, 13 de janeiro de 2023

Måneskin lança o single "Gossip", com participação de Tom Morello; ouça

Canção integra "Rush!", novo álbum da banda italiana, que chegará na semana que vem.

O Måneskin lançou um novo single com contribuições de guitarra de ninguém menos que a lenda do Rage Against The Machine, Tom Morello. A faixa, intitulada "Gossip", é um indie-rock cativante e animado, com os tons inconfundíveis de Morello ouvidos descascando no topo.

O novo single chega apenas uma semana antes do lançamento do tão aguardado novo álbum de estúdio de Måneskin, "Rush!".

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A enorme experiência de Tom Morello nos permitiu receber dicas sobre como trabalhar nas faixas sem pensar demais”, diz o vocalista Damiano David. “Não podemos agradecê-lo o suficiente por se juntar a nós nesta faixa. É uma honra para toda a banda!” “Tom é um dos maiores músicos que sempre ouvi e com quem aprendi”, acrescenta o guitarrista Thomas Raggi. “Tocar com ele é um sonho que se torna realidade. É um presente enorme e um destaque pessoal deste ano incrível

A baixista Victoria De Angelis expande a música em si, explicando: "A música se originou de um riff que Thomas havia escrito há algum tempo e que mantivemos por muito tempo e continuamos desenvolvendo. Então o ícone Tom Morello se juntou e trouxe algo extra para a clássica alegria animada do Måneskin."

Via LOUDERSOUND.

Ouça "Gossip" no player abaixo.

Tracklist:

1. Own My Mind

2. Gossip Feat. Tom Morello

3. Timezone

4. Bla Bla Bla

5. Baby Said

6. Gasoline

7. Feel

8. Don’t Wanna Sleep

9. Kool Kids

10. If Not For You

11. Read Your Diary

12. Mark Chapman

13. La Fine

14. Il Dono Della Vita

15. Mammamia

16. Supermodel

17. The Loneliest.

Deep Purple: Por que a Mark II esgotou-se em 'Who Do We Think You Are'?

A formação Mark II do Deep Purple é geralmente considerada a versão definitiva dos hard rockers. A formação do cantor Ian Gillan, do guitarrista Ritchie Blackmore, do baixista Roger Glover, do tecladista Jon Lord e do baterista Ian Paice é responsável por muitos dos álbuns mais amados do grupo britânico ("In Rock", "Machine Head") e canções (“Smoke on the Water”, “Highway Star”). Essa também pode ter sido a formação mais movimentada da história do Deep Purple.

Entre 1970 e 1973, este quinteto gravou e lançou quatro álbuns de estúdio, lançou um clássico duplo ao vivo (Made in Japan) e lançou alguns singles fora dos álbuns (“Black Night” e “Strange King of Woman”), todos enquanto viajava incansavelmente pela Europa, América do Norte e Ásia. À medida que o outono de 1972 se aproximava, o Deep Purple estava esgotado, e ainda assim sua agenda punitiva tornou os roqueiros mais populares do que nunca. Os empresários da banda, Tony Edwards e John Coletta, queriam que o grupo continuasse a alimentar essa popularidade.

Usando o caminhão de gravação móvel dos Rolling Stones, o mesmo que o Deep Purple havia empregado para gravar "Machine Head" na Suíça, a banda começou a trabalhar em um novo álbum em julho em Roma, entre compromissos de turnê. Essas sessões produziram “Woman From Tokyo”, inspirada pela antecipação do Deep Purple de sua primeira turnê no Japão em agosto. Mas, caso contrário, isso foi meio que um fracasso. Em termos de criatividade, a banda estava esgotada.

Tínhamos acabado de sair de 18 meses de turnê e todos tivemos doenças graves em um momento ou outro”, lembrou Gillan mais de uma década depois. “Olhando para trás, se eles fossem gerentes decentes, teriam dito: ‘Tudo bem, pare. Quero que todos vocês tirem três meses de férias. Eu nem quero que você pegue um instrumento. ' Mas, em vez disso, eles nos pressionaram para terminar o álbum no prazo."

Em vez de fazer uma pausa muito necessária, o Deep Purple levou o equipamento móvel dos Stones para Walldorf, Alemanha, perto de Frankfurt, em outubro de 1972. Blackmore sentiu que as sessões proporcionaram uma oportunidade para a banda redescobrir suas raízes do blues. Sua guitarra assumiu um som mais blues durante as sessões, a banda encontrou uma faixa embluesda em “Place in Line” e Gillan até fez alguns scats em “Rat Bat Blue”.

Mas aparentemente não houve muita discussão criativa entre o guitarrista e o cantor do Deep Purple. Aparentemente, em 1972, eles não estavam discutindo nada.

No último ano de vida da banda, antes de 73, não acho que Ritchie ou Ian Gillan trocaram uma palavra”, revelou Glover em um documentário da BBC. “Eles viraram dois polos, porque quanto mais um fazia, mais o outro fazia. E quanto mais um se safava, mais o outro estava determinado a se safar.

Com tanto atrito na banda, o Deep Purple freqüentemente gravava suas partes separadamente, juntando a continuação do grande sucesso "Machine Head", dobrando as diferentes peças. Esse método pode ter dado certo, mas faltou a química da banda, tão evidente no show "Made in Japan", lançado no Reino Unido em dezembro de 1972 (e no ano seguinte nos Estados Unidos).

"Who Do We Think We Are", o sétimo LP creditado ao Deep Purple, chegou em janeiro de 1973. O título era uma referência a uma entrevista da Melody Maker com Paice (reproduzida na capa do álbum), na qual o baterista discutia as mensagens de ódio que chegavam ao grupo: “Os zangados geralmente começam. 'Quem os Deep Purple pensam que são...'” Com um riff proeminente, o único single do álbum, “Woman From Tokyo”, tornou-se outro sucesso de rádio para a banda e levou o LP ao 4º lugar nas paradas do Reino Unido e 15º ( com status de ouro) nos Estados Unidos. Mas as vendas inicialmente robustas também foram uma herança do sucesso de bilheteria de “Smoke on the Water” e "Machine Head". Com exceção de “Woman From Tokyo”, "Who Do We Think We Are" não é um dos LPs mais populares do Deep Purple com fãs ou críticos, que comentam sobre os efeitos da discórdia da banda em suas gravações.

Não muito depois do lançamento do álbum, durante mais uma turnê, Gillan anunciou em uma carta à banda que estaria saindo no final da segunda turnê do Deep Purple no Japão no verão de 1973. Talvez sentindo uma oportunidade de mudar radicalmente o som do grupo , Blackmore sugeriu a Lord e Paice que eles deveriam substituir Glover no baixo. Antes que eles pudessem fazer isso, Glover decidiu deixar o Deep Purple com Gillan. O último show de Mark II daquela época aconteceu em junho de 1973 em Osaka, Japão.

"Foi a maior vergonha do rock 'n' roll", disse Lord com o benefício da retrospectiva. “Só Deus sabe o que teríamos nos tornado nos próximos três ou quatro anos.

Como tal, o Deep Purple trouxe o cantor David Coverdale e o baixista/cantor Glenn Hughes e manteve muito de seu sucesso antes de se separar em 1976. A formação do Mark II teve uma segunda chance quando os cinco membros se reuniram para mais álbuns e mais turnês em 1984, embora nada na escala do ritmo da banda no início dos anos 70.

Via UCR.

Morreu Robbie Bachman, baterista do Bachman–Turner Overdrive

Músico tinha 69 anos. Tocou com o irmão Randy em uma banda que atingiu o auge nos anos 70, com vários álbuns e o single de sucesso "Roll on Down the Highway".

Robbie Bachman, o baterista do Bachman-Turner Overdrive e Brave Belt, morreu aos 69 anos. Seu irmão e colega de banda Randy Bachman confirmou a notícia no Twitter, descrevendo Robbie como "uma engrenagem integral em nossa máquina de rock'n'roll" e escrevendo que “a batida forte por trás do BTO … juntou-se à mãe, ao pai e ao irmão Gary do outro lado”. Nenhuma causa da morte foi dada.

Robin Bachman nasceu em Winnipeg, Canadá, em 1953. Ele e seu irmão começaram a tocar música na juventude, e Robbie tocou em algumas bandas em Winnipeg antes de Randy convidá-lo para tocar bateria no Brave Belt, sua nova banda com Chad Allan, com quem tocou na célebre banda de rock de Winnipeg, Guess Who. Brave Belt gravou dois álbuns, lançados em 1971 e 1972, antes de mudar seu nome para Bachman-Turner Overdrive em 1973, após a saída de Allan.

A estreia autointitulada de Bachman-Turner Overdrive em 1973 alcançou a 9ª posição no Canadá e a 70ª na parada de rock da Billboard, mas eles encontraram verdadeiro sucesso com sua sequência, lançada no mesmo ano. "Bachman-Turner Overdrive II" alcançou o Top 10 nos Estados Unidos e no Canadá e produziu um single no Top 40, Let It Ride, bem como "Takin 'Care of Business", uma das canções mais populares da banda.

Randy Bachman, Blair Thornton, Robbie Bachman and Fred Turner of Bachman-Turner Overdrive, 1974

O terceiro álbum da banda, "Not Fragile", reforçou seu sucesso mainstream e incluiu "Roll on Down the Highway", um single de sucesso co-escrito por Robbie Bachman e Fred Turner. Originalmente escrita para um anúncio de carro, a canção alcançou a 22ª posição na parada de singles do Reino Unido, a 14ª posição na Billboard Hot 100 e a 4ª posição na parada canadense; perdurou como um dos sucessos mais amados da banda.

"Not Fragile" foi o álbum de maior sucesso de Bachman-Turner Overdrive, e eles continuaram a produzir música prolificamente ao longo da década de 1970, lançando outros cinco álbuns no restante da década. Após "Rock N 'Roll Nights" de 1979, Bachman-Turner Overdrive se desfez brevemente, antes de se reformar em 1983. Robbie Bachman, no entanto, recusou-se a se juntar à nova encarnação da banda, devido a problemas com Randy sobre a gestão da banda.

Bachman – Turner Overdrive continuou usando o nome da banda, e Robbie processou o novo grupo por violação de marca registrada, resultando no grupo tendo que pagar royalties a ele e a Blair Thornton. Em 1988, Robbie voltou brevemente à banda para uma reunião com a encarnação Not Fragile da banda.

Em 2014, Bachman-Turner Overdrive foi introduzido no Canadian Music Hall of Fame.


quinta-feira, 12 de janeiro de 2023

Metalviolin: rock e música de concerto se unem em espetáculo no Teatro Riachuelo

Sucesso das redes sociais ganha os palcos no dia 02/02.

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Sucesso na internet com milhões de pessoas alcançadas, Metalviolin está de volta para os palcos cariocas com seu espetáculo único que une clássicos do rock com a música de concerto. No dia 02 de fevereiro, quinta-feira, a partir das 20h, o projeto sobe ao palco do Teatro Riachuelo. 

Muito além do gênero presente no nome, a proposta do violinista carioca Thiago Teixeira busca misturar as músicas erudita e não-erudita através de virtuose e originalidade. Suas releituras já renderam mais de 6,5 milhões de visualizações no Facebook e mais de 800 mil no YouTube. Além disso, gerou um EP homônimo produzido e com arranjos do artista. 

No palco, violinos acústicos e elétricos surgirão ao lado de um piano, cello, violino, viola e um trio de rock unindo Metallica e Iron Maiden até Bach e Queen, além de System of a Down até Puccini. A banda é formada por Tamara Barquette (violino), Diego Silva (viola), Daniel Silva (cello), Rafael Barros Castro (piano), Lula Washington (guitarra), Claudio Alves (baixo) e Lourenço Vasconcellos (bateria) em um espetáculo com sonorização de Henrique Vilhena, iluminação de Paulo Ornellas e produção de Adriana Rio Doce. O próprio Thiago Teixeira assina a direção artística.

Desde muito jovem, Thiago Teixeira se dedica à música clássica. Aos 15 anos, já se apresentava como violinista. Desde 2012, ele é um dos músicos integrantes da Orquestra Sinfônica do Theatro Municipal do Rio de Janeiro, e já tocou como músico convidado em diversas orquestras no Brasil e fora dele, pisando em palcos como o Konzerthaus e a Philharmonie Berlin. 

No fim de 2015, sempre buscando se reinventar, Teixeira criou um canal no YouTube com versões de canções de inspiração rocker e geek, indo dos clássicos do rock, até temas de filmes e séries. O trabalho traz uma sonoridade bem distinta, seja passando seu violino por um amplificador de guitarra, incluindo um em formato de caveira, ou se transformando numa orquestra de si mesmo, às vezes tocando 10 linhas musicais ao mesmo tempo. 

Em 2018, Metalviolin viralizou com uma versão de “Bohemian Rhapsody”, do Queen, que alcançou centenas de milhares de pessoas em mais de 40 países. Em 2022, Thiago participou do Rock in Rio com a Eletrika, tocando todos os dias do festival e subindo ao palco com grandes artistas do rock nacional.

Agora, seu projeto mais ousado retorna aos palcos em grande estilo. O Teatro Riachuelo fica na Rua do Passeio, 38/40, no Centro, próximo à estação Cinelândia do metrô. 

SERVIÇO:

Metalviolin

Data: 02/02/2023 (quinta-feira)

Horário: Quinta-feira às 20h

Ingressos: Plateia VIP R$ 80 | Plateia R$ 70 | Balcão Nobre R$ 60 | Balcão R$ 50

Acesse: https://bit.ly/3HUMgDl 

Lotação: 999 lugares

Classificação etária: 12 anos

Duração: 80 min.

O espetacular álbum de estreia do Led Zeppelin

É difícil para nós, que não estávamos vivos, compreender completamente a extensão de quão notável o Led Zeppelin foi em seu apogeu. Brincadeiras sobre deuses de ouro e Aleister Crowley à parte, a banda puxou a música para o futuro, tirando a coroa dos Beatles, mesmo quando o quarteto de Liverpool ainda tinha mais dois anos de vida pela frente.

Formado por um dos guitarristas mais requisitados de Londres, Jimmy Page, em 1968 como New Yardbirds, o Led Zeppelin rapidamente se tornou pioneiro do hard rock e do heavy metal. Eles forneceram a Page um veículo para tornar a música de guitarra mais expansiva, como ele pretendia fazer em seu antigo equipamento.

Para realizar seu sonho, Page sabia que tinha que montar a escalação certa para salvá-la da implosão abrupta como The Yardbirds. Page foi rejeitado por seu candidato a frontman de primeira escolha, Terry Reid, que em vez disso o enviou na direção de Robert Plant, um cantor da Band of Joy e Hobbstweedle. Plant aceitou o trabalho e sugeriu seu velho amigo John Bonham como baterista, que também aceitou o show.

A peça final do quebra-cabeça provou ser John Paul Jones, um multi-instrumentista talentoso que, como Page, era um dos músicos de sessão mais reverenciados de Londres. Os dois se conheciam há algum tempo e trabalhavam juntos ocasionalmente por causa de suas carreiras coincidentes no estúdio. Quando Jones perguntou sobre a vaga de baixista por sugestão de sua esposa, Page o acolheu sem hesitar.

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Imediatamente, o grupo se deu bem pessoal e criativamente. Depois de apenas algumas semanas de existência, o quarteto já estava em estúdio gravando seu álbum de estreia homônimo. Eles também viajaram pela Europa e América do Norte nos primeiros seis meses. O álbum apresentou a banda ao mundo com um estrondo, abrindo com a faixa 'Good Times Bad Times' e apresentando outras favoritas dos fãs, como 'Dazed and Confused' e 'Communication Breakdown'. Desde o seu lançamento, tem sido aclamado como um clássico e um dos álbuns definitivos do ano.

O Led Zeppelin de 1969 não foi um sucesso surpreendente, já que Page havia calculado um projeto artístico desde o início, que ele acreditava que levaria o grupo ao estrelato. Seu principal objetivo para o disco era mostrar a guitarra, mas não a ponto de pavonear ou ofuscar seus companheiros de banda.

Ao falar com Michael Hann do The Guardian em 2014, Page revelou que pretendia que o primeiro álbum da banda fosse uma declaração de intenções. Ele disse: “Você tem todas essas camadas e profundidades, mas ainda precisa capturar a atenção das pessoas nos primeiros segundos, na verdade. Então, quando você tem algo como 'Good Times Bad Times' e você tem o tipo de sotaque e o bumbo ecoando e as pessoas dizendo 'Que diabos é isso?', é isso que você quer."

Jimmy Page alcançou o que se propôs a fazer e conquistou seus sonhos. Como ele imaginou, os fãs foram fisgados desde os primeiros segundos de Led Zeppelin. A partir de então, eles foram de força em força. Mesmo o tão difamado terceiro álbum da banda, "Led Zeppelin III", de 1970, ainda contém floreios artísticos magistrais, incluindo a atemporal 'Immigrant Song'.

Via FAR OUT.

quarta-feira, 11 de janeiro de 2023

Dia 11 de Janeiro de 1985: começava o 1º Rock in Rio

Numa área pra receber 250 mil pessoas, a primeira Cidade do Rock nascia e inaugurava o festival musical mais tradicional do Brasil até os dias atuais.

A mais relevante e também a mais romantizada edição do festival carioca, a de estreia, teve a sua primeira tarde/noite numa sexta-feira, 11 de janeiro de 1985, com as apresentações de Ney Matogrosso, Erasmo Carlos, Pepeu/Baby, Whitesnake, Iron Maiden e Queen.

Para não se alongar demais na velha discussão que nessa época o festival era "realmente de rock" enquanto as edições deste século deixaram de ser", reconheço que de fato e obviamente o evento do empresário e idealizador Roberto Medina nunca foi propriamente 100% rock desde a sua concepção.

Por outro lado, como natural e morador da Cidade Maravilhosa à época, posso garantir que naquele tempo toda a atmosfera e expectativa da cidade era em torno das atrações pertinentes ao estilo que nasceu na década de 50.

Especialmente porque até a década de 80 não era muito comum termos shows internacionais de grande porte pelo país, muito menos concentrados num grande evento que duraria dias.

Era o tempo em que isso vinha crescendo aos poucos, com shows ainda na década de 70 de nomes como Alice Cooper, Genesis e Rick Wakeman e no ínicio dos 80s, como Queen e KISS.

Porém havia uma gama gigantesca de monstros já sagrados do rock que jamais haviam pisado sequer na América do Sul.

Era o caso de Ozzy Osbourne, Yes, Scorpions, AC/DC, por exemplo, além de um emergente Iron Maiden, que vivia um grande momento em 1985, com uma grande turnê mundial divulgando seu álbum então recém-lançado "Powerslave".

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Tais nomes eram os que geravam grande ansiedade no público, para enfim vê-los pela primeira vez, ou no caso do Queen, pela segunda no Brasil (em 1981 a banda se apresentou em São Paulo), mas faltava os memoráveis primeiros concertos nas terras cariocas e nada melhor do que o grande palco do Rock in Rio, como headliners da noite de 11 de janeiro de 1985.

segunda-feira, 9 de janeiro de 2023

Van Halen: o contexto do álbum "1984" e a colaboração de Michael McDonald (The Doobie Brothers)

A década de 1980 foi uma época difícil para ser uma banda AOR da velha escola dos anos 1970. À medida que a MTV ganhava destaque e os sintetizadores se tornavam a ferramenta predominante para a música, bandas como Kansas e Foghat, que dominavam a cena do rock clássico, logo se viram sem público. A música rock estava avançando tanto em uma direção mais elegante quanto mais pesada, liderada por nomes como Van Halen e Motley Crue. Em contraste, uma banda como The Doobie Brothers parecia dinossauros.

Apenas alguns anos antes, os Doobies eram indiscutivelmente uma das maiores bandas da América: eles recentemente recrutaram um novo vocalista, Michael McDonald e lançaram o primeiro álbum "Minute By Minute" em 1978. Mas apenas quatro anos depois, os Doobies foram oficialmente terminado, com exaustão, tensões criativas e uma cena musical em rápida mudança afetando os membros. McDonald optou por seguir carreira solo, levando o produtor de Doobies, Ted Templeman, com ele. Templeman viu as mudanças nas marés e jurou lealdade ao Van Halen, produzindo todos os seus álbuns desde a estreia em 1978 até 1984.

O Van Halen conseguiu fazer o impossível: redefinir o som do rock para uma geração inteiramente nova. Isso foi em grande parte graças ao guitarrista Eddie Van Halen, que criou seu próprio estilo de tocar que soava completamente diferente de qualquer um que veio antes dele. Ele tinha toda a criatividade de Jimi Hendrix, o bom gosto de Eric Clapton, o poder de Tony Iommi e o carisma de Pete Townshend. Ele era o pacote completo, mas não chegou lá sozinho.

Ao seu lado estava seu irmão, Alex, que pegou o espírito estrondoso de John Bonham e os combinou com a expressividade maníaca de Keith Moon. O baixista Michael Anthony se tornou a arma secreta da banda: seu baixo preenchia as lacunas enquanto Eddie explorava um novo território sonoro, enquanto seus backing vocals davam ao Van Halen um senso distinto de melodia e ganchos. Depois, havia o vocalista David Lee Roth, que estava em uma cruzada de um homem só para criar o máximo de diversão e entretenimento humanamente possível.

Mesmo que o Van Halen tivesse a matéria-prima para a dominação global, eles ainda não haviam aprimorado seu som característico. Durante a maior parte da década de 1970, o Van Halen viajou para cima e para baixo na Califórnia tocando em quintais, porões e churrascos para tentar fazer seu nome como a principal banda de festa da América. Embora tivessem a base para o que viria a ser um som multi-platina, suas demos iniciais careciam do impacto e emoção de suas apresentações ao vivo.

Foi aí que Templeman entrou. Embora ele pudesse parecer uma escolha estranha para uma banda tão pesada quanto o Van Halen, considerando seu trabalho como cantor e compositor com Van Morrison e Carly Simon, Templeman recentemente se ramificou para o hard rock produzindo o álbum de estreia álbum da banda californiana Montrose. Esse grupo tinha um vocalista chamado Sammy Hagar, um homem que mais tarde entraria na história do Van Halen como substituto de Roth. Mas em 1977, Templeman era mais conhecido como o produtor dos Doobies.

Foi durante a produção de "1984" que Templeman viu a banda travar em uma música particularmente pesada em sintetizadores. 'I'll Wait' estava em seus estágios iniciais de composição, com apenas a linha de teclado de Eddie Van Halen sendo solidificada. David Lee Roth precisava de ajuda para concluir as linhas vocais da música, então Templeman decidiu trazer McDonald.

Ted Templeman me ligou e disse: 'Ei, esses caras têm uma faixa e precisam de algumas letras, então mencionei que você poderia fazer isso e eles disseram que tudo bem, então por que você não desce?'” McDonald disse ao Ultimate Classic Rock. “Ele me enviou a faixa e eu tive algumas ideias para ter algo quando chegasse ao estúdio.

Embora McDonald estivesse ciente do Van Halen e de sua reputação obscena, conhecer a banda acabou sendo estritamente comercial. “Conheci David Lee Roth no escritório de Ted. Essa foi, uh, uma experiência interessante”, explicou McDonald comicamente. “Ele meio que gostou do que eu estava fazendo, então sentamos lá no escritório com a demo tocando em um gravador, cantando versos e melodias.

Acho que eles pensaram que eu era o Papai Noel, porque tive que persegui-los um pouco”, disse McDonald rindo. “É provavelmente uma das coisas mais tocadas que já escrevi, só porque é Van Halen. Aquele álbum vendeu três ou quatro milhões de cópias imediatamente, o que foi realmente um grande negócio na época.

'I'll Wait' deu tão certo que a banda optou por lançá-la como segundo single de 1984. A música subiu até a 13ª posição na Billboard Hot 100, apesar de não ter um vídeo no auge da MTV. 'I'll Wait' foi a única colaboração de McDonald com o Van Halen, mas ele continuou a ajudar a melhorar as músicas ao longo de sua carreira solo, incluindo um dueto de sucesso número um com Patti LaBelle na música 'On My Own'.

Via FAR OUT.

sexta-feira, 6 de janeiro de 2023

'Frampton Comes Alive': a epifania ao vivo de Peter Frampton

Álbum ao vivo tornou-se a sensação multi-platina de 1976 e produziu três grandes sucessos em 'Show Me The Way', 'Baby I Love Your Way' e 'Do You Feel Like We Do'.

No verão de 1975, Peter Frampton tinha quatro álbuns de estúdio em sua carreira solo. Sete anos se passaram desde que, aos 18 anos, ele foi nomeado pela revista Rave como o “rosto de 68”, no final de sua primeira fase de sucesso pop como membro do The Herd.

Respeitado em toda a indústria como cantor, compositor e especialmente como guitarrista, Frampton poderia chamar nomes como Ringo Starr, Billy Preston e acompanhantes como Klaus Voorman, Andy Bown, Rick Wills e Nicky Hopkins para contribuir com seus discos, de "Wind Of Change" de 1972 em diante. Ele viajou extensivamente, e os álbuns rotineiramente chegaram à metade inferior da parada Top 200 da Billboard. Mal sabia ele o que viria a seguir. Tudo começou em 13 de junho de 1975 em um show em São Francisco e culminou em uma corrida épica no primeiro lugar depois que ele lançou o histórico álbum ao vivo "Frampton Comes Alive!" em 16 de janeiro de 1976.

Naquele verão quente, Frampton estava na estrada, em turnê com o álbum "A&M" que havia lançado em março daquele ano, chamado simplesmente de Frampton. Produzido pelo guitarrista com Chris Kimsey, incluiu as versões de estúdio de "Baby, I Love Your Way" e "Show Me The Way". A última música apresentava um efeito talkbox distinto e inovador na voz de Peter que se tornaria uma de suas marcas registradas.

Naquela noite de junho, Frampton e sua banda tocaram no Winterland Ballroom em San Francisco. “Nós éramos os donos das ondas do rádio em São Francisco”, disse ele em 2003. “Depois do disco de Frampton, eu não poderia errar lá, e esta foi minha primeira vez como atração principal.

Queria que tivéssemos gravado…

Bem, assim que entramos no palco, havia cerca de 7.500 pessoas lá fora e eu fiquei tipo 'Oh meu Deus'. desligar e dizer 'Oh, gostaria de ter gravado isso' - bem, nós fizemos. Então foi muito especial.

Juntamente com outros shows no Marin Civic Center em San Rafael, Califórnia, no Island Music Center em Commack, Nova York, e no campus da State University of New York em Plattsburgh, Nova York, essas foram as gravações que constituíram um dos mais álbuns ao vivo de sucesso de todos os tempos, "Frampton Comes Alive".

O álbum duplo fez uma tentativa de primeira aparição nas paradas em No.191 na parada da Billboard duas semanas depois. Alimentado por "Show Me The Way", que se tornou um sucesso de rádio e subiu para o Top 10 nos Estados Unidos, Reino Unido e além, o álbum cresceu implacavelmente. Em 10 de abril, de forma sensacional, o guitarrista inglês se viu no primeiro lugar. "Frampton Comes Alive" conquistou o primeiro lugar da compilação dos Eagles 'Greatest Hits 1971-1975' para passar um total de dez semanas no cume, saltando no topo com Wings 'At The Speed Of Sound'.

O primeiro milhão.

Naquela mesma semana, Comes Alive ganhou sua primeira certificação de platina na América por um milhão de remessas. Em junho, Frampton tinha outro single de sucesso do álbum em suas mãos com "Baby, I Love Your Way"; em setembro, outra ainda com "Do You Feel Like We Do", que alcançou a 10ª posição nas paradas Hot 100 de 13 e 20 de novembro.

Frampton lembrou que quando o álbum foi lançado, “pensamos, isso pode ser um disco de ouro, 500.000. E é claro que praticamente fez isso nas primeiras duas semanas. Em seis semanas, acho, era o número 1 e foi 1-2-1-2 durante todo o verão, foi inacreditável."

A evolução de Peter Frampton

Chris Welch no Melody Maker escreveu que o álbum "marca a evolução de Peter Frampton em uma grande figura do rock, armado com anos de experiência." Comes Alive tornou-se o álbum mais vendido da América em 1976 e nunca parou de vender. No verão de 2011, a RIAA certificou-o oito vezes como platina, e as vendas mundiais foram relatadas com o dobro desse total.

Frampton nunca mais alcançaria patamares de vendas tão estonteantes, mas no verão de 1977, ele estava pronto com seu próximo álbum de estúdio, "I'm In You". That passou um mês em segundo lugar nos Estados Unidos, o single principal da faixa-título também alcançando o segundo lugar no Hot 100. Daquela histórica noite de 1975 em San Francisco em diante, a carreira de Peter Frampton teve uma nova distinção e um multi-brilho de platina estava logo acima do horizonte.

Via UDISCOVERMUSIC.

quinta-feira, 5 de janeiro de 2023

Scorpions e Deep Purple em Ribeirão Preto

Segundo o jornalista José Norberto Flesch, a cidade paulista receberá as bandas alemã e bretã, à época do Mosters of Rock.

O sempre bem informado e cravador de espetáculos sempre adiantadamente, jornalista José Norberto Flesch, anunciou no seu canal no youtube que além de se apresentarem no já tão falado e procurado Monsters of Rock no dia 22 de abril próximo, as bandas Scorpions e Deep Purple tocarão também na cidade de Ribeirão Preto, situada a 315Km da capital de São Paulo.

Kiss, Scorpions, Deep Purple, Saxon e outros tocarão no Monsters of Rock 2023.

Segundo Flesch, a cidade receberá também outros artistas em 3 mini-eventos na Arena Eurobike, numa espécie de "comensalismo cultural", aproveitando para trazer os artistas e bandas que se apresentarem no festival paulistano, dentre elas, Scorpions e Purple.

O KISS, forte atração do Monsters of Rock, já está marcado para tocar no Estádio Mané Garrincha no dia 18 de abril com o Deep Purple e em Manaus (ainda sem data nem demais atrações confirmadas).

terça-feira, 27 de dezembro de 2022

Steve Vai: "Não consigo imaginar como seria minha vida sem Joe Satriani"

Em uma nova entrevista para a LifeMinute, Steve Vai refletiu sobre estudar com Joe Satriani quando jovem e como essas lições o inspiraram musicalmente desde cedo. Ele disse (conforme transcrito por BLABBERMOUTH.NET):

"Não consigo nem imaginar como seria minha vida sem ele. Quando eu tinha 12 anos, um amigo meu, John Sergio, que era nosso amigo quando usávamos fraldas, também foi um grande mentor, porque ele me apresentou a toda essa música que eu desconhecia, rock progressivo dos anos 70. Ele me levou ao meu primeiro show do Queen. Ele me trouxe para sua banda; foi a primeira banda em que eu estive, eu tinha 13 anos. Ele foi um amigo querido. [Ele tinha um] gosto musical incrível. E ele tocava violão quando eu tinha 12 anos, e eu não podia acreditar, porque ele morava a duas casas de distância. E então ele disse, 'Se você acha que eu sou ótimo, você deveria ver meu professor de violão, Joe Satriani.' Então ele me deu o número de Joe e comecei a ter aulas, e minhas aulas com Joe eram tudo o que importava para mim.

Joe sempre foi legal", continuou Vai. “Ele sempre foi sólido, compartilhado e rigoroso. E foi a melhor coisa porque ele era ótimo, e é isso que você quer em um professor; você se inspira vendo.

Até hoje, a coisa que eu mais ganhei... Há tantas coisas. E nós somos tão afortunados que durante todos esses anos nós estivemos juntos nos quadris", acrescentou Steve. "Quando eu o via tocar, quando eu tinha 12, 13, 14, 15, 16 anos, tudo que ele tocava no instrumento soava como música da alma dele. Não era apenas comum, o tipo de exercícios acadêmicos e coisas assim. Quer dizer, nós fizemos um pouco disso; isso faz parte do treinamento... Então eu sempre apreciei isso. E ainda assim, ele é tão sólido e ele é tão musical. Seu ouvido musical interior é tão inspirado, que ele continuou a ser uma inspiração por toda a minha vida."

Um ano e meio atrás, Vai disse ao podcast "Striking A Chord" que teve aulas com Satriani "religiosamente" semanalmente por cerca de "três a quatro anos".

"Quando eu estava na sala de Joe, aprendendo, nunca senti como se fosse ficar sem orientação", lembrou Vai. "Sempre houve essa grandeza em Joe que sempre parecia surpreender e encantar. Ele estava sempre ensinando uma nova lição após a outra, [e] apenas revelava uma riqueza de informações e quase o que parecia para mim em um momento profundidade infinita de musicalidade."

Vai continuou dizendo que suas aulas com Satriani o ajudaram a se tornar o músico talentoso que ele se tornou desde então.

"Eu não sabia de nada", disse ele. "Quero dizer, eu estava brincando com um violão no meu quarto antes disso, mas não sabia o que estava fazendo. Eu estava apenas tocando de ouvido e não sabia como manter as cordas afinadas. No começo , era basicamente como exercícios com os dedos e apenas coisas para aumentar minha destreza, mas era muito bem equilibrado. Minhas aulas [com Joe] evoluíram de forma muito orgânica. Ele foi um professor incrível."

Em 2018, Satriani conversou com Albany, na estação de rádio Q103 de Nova York, sobre como era dar aulas para Vai. Ele disse: "Steve Vai tinha 12 anos e não sabia tocar violão quando o conheci. Ele apareceu na minha porta com um violão sem cordas em uma mão e um pacote de cordas na outra, e disse: "Ei, você está ensinando meu amigo. Você pode me ensinar a tocar também?" Então essa foi minha introdução a Steve."

Vários outros alunos de Satriani alcançaram fama própria, incluindo Kirk Hammett, Alex Skolnick, Andy Timmons, Larry LaLonde, Rick Hunolt, Charlie Hunter, Jeff Tyson e Kevin Cadogan.

quinta-feira, 22 de dezembro de 2022

Judas Priest - Rob Halford: "O Ghost é necessário para 'reorientar e reenergizar' o rock"

Rob Halford não tem escrúpulos em elogiar novos artistas de metal, especialmente quando se trata de Ghost. Na verdade, ele declarou recentemente que a banda de rock sueca é absolutamente essencial para salvar o rock.

Em novembro, o vocalista do Judas Priest falou com o Revolver sobre seu amor pelo grupo. Especificamente, ele citou "Elizabeth" (o single principal de seu LP de estreia, "Opus Eponymous", de 2010) como sua música favorita. Porque? Por causa “de sua valiosa visão sobre as origens da maneira singular de composição, arranjos e texturas do vocalista Tobias Forge, por meio do qual se pode sentir um enorme potencial”.

Ele tem razão, já que A Loudwire nomeou “Elizabeth” Ghost como a 8ª melhor música de seu ranking de 2018.

O amor de Halford pelo Ghost não terminou aí, pois ele também afirmou que o grupo é "crucial" para revitalizar o gênero como um todo:

"Ghost é uma banda importante em vários níveis. Rock & roll, eu uso esse termo vagamente neste contexto, precisa de uma banda como o Ghost para nos reorientar e reenergizar. Tobias criou e buscou meticulosamente, em primeiro lugar, a força de Ghost musicalmente e, em segundo lugar, os elementos visuais cruciais, e ambos nos atraíram para seu mundo de mistério e intriga emérito."

Suas últimas observações não devem ser muito surpreendentes, uma vez que ocorreram cerca de sete meses depois que ele disse ao Chaoszine da Finlândia que estava muito feliz com o sucesso de Forge. Em particular, Halford afirmou: “Estou muito feliz por ele, ver sua ambição e seus sonhos se tornarem tão reais. Ele trabalhou muito para transformar Ghost em uma experiência mundial. O cara é um grande talento, um artista fantástico no palco. . . Os discos são maravilhosos; Tenho acompanhado a carreira dele."

Claro, a adoração de Halford é apenas uma das muitas razões pelas quais 2022 foi ótimo para o Ghost. Por exemplo, além de ser a escolha da Loudwire para o Artista do Ano de 2022, a banda viu “Mary on a Cross” (do EP "Seven Inches of Satanic Panic" de 2019) se tornar uma sensação viral no TikTok. (Também se tornou a música mais transmitida do Ghost no Spotify.) Além disso, seu último álbum de estúdio, "Impera", ganhou o American Music Award de 2022 na categoria inaugural de Álbum de Rock Favorito.

Claramente, o Ghost tem recebido muito amor este ano.

Como você se sente sobre a avaliação de Rob Halford?

Via LOUDERWIRE.

terça-feira, 20 de dezembro de 2022

Deep Purple: ‘Concerto for Group and Orchestra’, um marco do rock erudito

No final de 1969, os ícones do hard rock levaram seu som a um novo nível em sua experiência com a orquestra.

Olhando para trás na história do rock, fica claro que o conceito de hibridação rock/erudito esteve na moda por um tempo.

A maioria dos ouvintes de rock está familiarizada (e mais alguns) com "Days of Future Passed, o álbum de estreia de uma formação reinventada do grupo beat de Birmingham, Inglaterra, The Moody Blues; aquele LP de 1967 reuniu texturas de rock e sinfônicas de uma forma que não havia sido explorada anteriormente. E as obras do período tardio dos colegas Brummers, The Move, flertaram com ideias semelhantes. No momento em que o grupo completou sua metamorfose na Electric Light Orchestra (originalmente liderada por Roy Wood e Jeff Lynne), a prática de incorporar instrumentação clássica ao idioma do rock estava bem estabelecida. E, é claro, outros grupos, o principal dos Beatles, também estavam mexendo nas bordas do conceito híbrido há alguns anos.

Portanto, talvez não tenha sido totalmente surpreendente quando outro grupo britânico mergulhou no nexo da música clássica/orquestral e do bom e velho rock 'n' roll. Mas à luz do trabalho subsequente desse grupo, o esforço foi amplamente (mas felizmente não completamente) esquecido. Clássicos como “Smoke on the Water” e “Highway Star” do LP de hard rock de 1972, "Machine Head", praticamente apagaram as memórias do ambicioso (e notavelmente bem-sucedido) quarto álbum do Deep Purple, "Concerto for Group and Orchestra". No entanto, indiscutivelmente, à sua maneira, o Concerto da banda é uma hibridização mais completa do que o universalmente (e justificadamente) aclamado "Days of Future Passed".


Por mais excelente que o inovador Days seja do começo ao fim, as passagens orquestrais não foram compostas pelos Moody Blues; em vez disso, o maestro Peter Knight escreveu as partituras; ele também os regeu e arranjou para a Orquestra do Festival de Londres. Menos de dois anos depois, o Deep Purple entrou em colaboração com a Royal Philharmonic Orchestra sob a direção do maestro Malcolm Arnold. Mas Arnold não teve participação na composição do Concerto: a obra de três movimentos, principalmente instrumental, foi composta em sua totalidade pelo tecladista do Deep Purple e membro fundador Jon Lord, com letras ocasionais do cantor do grupo Ian Gillan.

O Primeiro Movimento do Concerto apresenta apenas a orquestra. A seção Moderato começa em tom menor, com uma sensação fervilhante e portentosa. Ondulações de cordas são pontuadas por tímpanos sonoros, e os tocadores de cordas parecem quase se envolver em um duelo. Uma espécie crescente é alcançada rapidamente (afinal, isso é destinado ao público que gosta de rock). A composição de Lord aproveita ao máximo sons e texturas contrastantes, com metais estrondosos, cordas em pizzicato, dinâmica silenciosa/alta e mudanças de tempo. Embora existam partes melódicas diretas espalhadas generosamente por toda parte, o arranjo em si ganha em complexidade à medida que se desenrola. Cerca de sete minutos depois, um clarinete alegre começa um solo; mas apenas quando o arranjo orquestral parece estar se estabelecendo, Deep Purple se junta à diversão.

A guitarra de Ritchie Blackmore introduz a seção de rock, mas o órgão de Lord e o resto da banda se juntam, tocando uma peça de hard rock forte. Além de algumas notas no início da seção de rock, a orquestra recua completamente. Blackmore faz um solo no início do arranjo; o resto da banda segue atrás dele. Suas pistas alternam entre licks rápidos e notas prolongadas e sustentadas. É difícil dizer pela gravação, mas a banda parece estar tocando muito alto; é difícil imaginar que o volume da orquestra pudesse ter se aproximado do nível da banda. Na fita, os dois estão bem equilibrados, mas deve ter sido uma experiência chocante para quem estava dentro do Royal Albert Hall.

Doze minutos depois, o público é recompensado com um momento emocionante de interação instrumental entre o Deep Purple e os músicos da RPO. Então a banda faz uma pausa enquanto a orquestra retorna. Aqui a música é ainda mais dramática, expandindo os contrastes introduzidos no início. Aos treze minutos, é a vez da banda novamente, desta vez com Jon Lord rasgando um solo de órgão abrasador. Deep Purple mostra que também pode oferecer sutileza, baixando o volume para permitir espaço para a seção de cordas da orquestra se juntar. Na marca de quinze minutos, a banda e a orquestra estão se unindo como uma só. Após uma breve passagem durante a qual Blackmore toca desacompanhado, a RPO assume mais uma vez, com linhas dissonantes e nodosas com metais, instrumentos de sopro e cordas. À medida que o primeiro movimento se aproxima de sua conclusão, o vaivém entre o grupo de rock elétrico e as texturas orquestrais continua.


A seção Andante do Segundo Movimento é principalmente baseada em cordas, embora Lord adicione um pouco de cor de tom aqui e ali no órgão. Cerca de cinco minutos depois, a banda se junta às cordas e Ian Gillan entra nos vocais; é a primeira vez que um canto aparece no Concerto. A música pop às vezes valsante, às vezes 5/4, com a letra de Gillan, não é creditada como uma música discreta; são apenas os momentos finais da primeira parte do Segundo Movimento.

A segunda parte do Segundo Movimento começa calmamente, novamente com Lord acompanhando a orquestra aqui e ali. A peça arrebatadora e cinematográfica tem um ar melancólico que a diferencia do Primeiro Movimento. Um blues instrumental caracteriza a contribuição da banda para o Segundo Movimento; o acompanhamento de cordas é inesperado e dá ao arranjo uma sensação não muito diferente de Procol Harum. (Esse grupo, é claro, montaria seu próprio trabalho de orquestra e banda de rock com Live: In Concert, de 1972, com a Orquestra Sinfônica de Edmonton.)

Alguns solos de órgão de mentalidade clássica de Jon Lord ocupam o centro do palco por volta da marca de sete minutos. À medida que as notas do órgão de Lord desaparecem no silêncio, uma seção de cordas cristalinas entra. Seu pequeno arranjo de conjunto se destaca entre a abordagem orquestral completa usada na maior parte do Concerto. Os momentos finais do Segundo Movimento são um tanto estáticos e moderados.

O terceiro e último movimento do Concerto não é nada disso; abre com o estrondo de buzinas e um arranjo acelerado sugere que algo grandioso está chegando. Tímpanos, linhas de sopro cruzadas e cordas ferventes introduzem percussão afinada e um arranjo movimentado que tem uma vibe rock (embora sem instrumentação de rock); parece muito com a trilha sonora das cenas de abertura de uma batalha épica em uma paisagem varrida pelo vento.

Enquanto o baterista Ian Paice acompanha furiosamente a orquestra, a banda desaparece na mistura. O baixo elétrico de Roger Glover adiciona uma dimensão inédita à orquestra. Pela primeira vez na peça, rock e orquestra tocam juntos por mais de alguns compassos. A guitarra de Blackmore sobe enquanto os violinos, violoncelos e outras cordas adicionam peso atrás dele. A banda avança de maneira majestosa, construindo novamente a abordagem de chamada e resposta usada no início da peça. Na marca de quatro minutos, banda e orquestra estão, finalmente, totalmente combinadas. Durante a maior parte dos próximos minutos, um extenso solo de bateria de Ian Paice é apresentado. Em seguida, a orquestra completa retorna, acompanhada pelo Deep Purple tocando uma melodia rítmica. A Orquestra aumenta a tensão, com cordas rodopiantes que lembram uma sirene de polícia. Um interlúdio de percussão completo aumenta e aumenta, com Lord adicionando um órgão estrondoso, enquanto a peça ferve em direção à conclusão. Os segundos finais apresentam banda e orquestra, quase em uníssono.

Curiosamente, apesar da realização crítica do Concerto, este tipo de híbrido de rock e música orquestral não seria posteriormente perseguido por muitos artistas. Em vez disso, os artistas que trabalham em um gênero ou outro podem adicionar salpicos do estilo oposto em seu trabalho, não integrando totalmente os dois. Uma exceção notável apareceu muitas décadas depois, quando em 2016 Mike Mills (ex-baixista do R.E.M.) trouxe uma colaboração com o violinista e amigo de longa data Robert McDuffie. O Concerto para Violino, Banda de Rock e Orquestra de Cordas de Mills pode não ser uma obra tão grandiosa e abrangente quanto a do Deep Purple, mas em visão e espírito, os dois estão relacionados.


O Deep Purple, é claro, mudou para coisas diferentes, aparentemente deixando o estilo relativamente intelectual do Concerto de Lord para trás para sempre em favor do hard rock. Em 1999, porém, a banda voltaria ao Royal Albert Hall, desta vez com a Orquestra Sinfônica de Londres. O programa, realizado em duas noites seguidas, incluiu os três novimentos do Concerto, apresentados a meio do set com a LSO. Um vídeo e um CD foram lançados, e um documento de dois shows semelhantes de 2001 em Tóquio (com a New Japan Select Orchestra) também foi finalmente lançado como parte do conjunto de caixas The Soundboard Series daquele ano.

E em 2012, foi lançada a primeira gravação em estúdio do Concerto (desta vez com a Royal Liverpool Philharmonic Orchestra), apresentando os guitarristas convidados Joe Bonamassa e Steve Morse, entre outros. Seria o último projeto do compositor e organista Jon Lord, falecido em julho daquele ano.


segunda-feira, 19 de dezembro de 2022

Måneskin gera polêmica ao encerrar show destruindo seus instrumentos no palco

Prática não é nova e era vista frequentemente em shows nos anos 60 e 70 em apresentações do The Who, por exemplo.

A banda italiana Maneskin vinha rodando a América do Norte desde 31 de outubro de 2022. No entanto, sua “Loud Kids Tour” encerrou sua primeira jornada no continente nesta sexta-feira (16 de dezembro de 2022). A banda de rock foi ao Instagram e expressou gratidão aos muitos fãs pelo “caos e destruição” que eles criaram em sua última apresentação em Las Vegas.

Måneskin lança novo single "LA Fine"; Confira.

"Vou perder cada pedacinho disso…"

A famosa banda de rock foi ao Instagram e compartilhou um clipe de sua última apresentação em Las Vegas, onde os membros foram vistos destruindo instrumentos e criando o caos.

A banda legendou o vídeo: “Então isso não foi planejado e talvez tenha ido longe demais… mas nós adoramos! 🤓 Deixando de lado o caos e a destruição em Las Vegas, nossa jornada pela América do Norte acaba de chegar ao fim e já estamos com saudades.

Acrescentamos ainda que não poderíamos estar mais felizes com o tempo que passamos com você e com o amor que você nos mostrou !! A energia que você trouxe em cada show tornou essa turnê MEMORÁVEL. Contando os dias até voltarmos. TE AMO, OBRIGADO!!!” Bem, a banda tem todas as intenções de voltar para a América do Norte depois de suas poderosas apresentações.

Rolling Stones - Keith Richards e sua reação ao conhecer Maneskin: "Não sei quem vocês são".

Os fãs imediatamente foram à seção de comentários para expressar sua empolgação. O DJ mais procurado de LA, Myles Hendrick escreveu: “Como terminar uma turnê 💥💥💥💥”. Outro escreveu: “Tão feliz por ver vocês nessa turnê incrível 🥺 mal posso esperar para vê-los novamente na Europa!

No entanto, alguns críticos se apresentaram para questionar o movimento da banda de destruir instrumentos. Um crítico escreveu: “Pura estupidez no seu melhor, fora do tempo em total desprezo por qualquer um que não possa pagar por um daqueles instrumentos destruídos. Vocês deveria se sentir ENVERGONHADOS".

Outro escreveu: “Não pessoal, eu sigo vocês, gosto de vocês, vocês são bons, mas não ajam assim! Estas coisas dos anos 70 (e já tenho idade para tê-las visto), deixa-as nos anos 70, quando eram um “protesto”… um instrumento de qualquer maneira…. fazer música, você não precisa desse carisma extremo.

Via THE TEAL MANGO.

Måneskin lança novo single "LA Fine"; Confira

Canção integra o vindouro álbum "RUSH!"

Há 3 dias os astros atuais do rock italiano, Måneskin revelaram que estavam trabalhando com ninguém menos que Tom Morello na nova faixa Gossip, e agora eles não apenas anunciaram o tracklist completo do próximo álbum "RUSH!" mas também lançou o novo single "LA FINE".

Rolling Stones - Keith Richards e sua reação ao conhecer Maneskin: "Não sei quem vocês são".

Conforme compartilhado nas mídias sociais, o terceiro álbum completo de Måneskin consistirá em 17 faixas, incluindo os singles recentes "The Loneliest" e "Supermodel". "GOSSIP" também é a única música com outro artista.

Eles também têm uma faixa chamada "Mark Chapman", que presumimos ser uma referência ao homem que assassinou John Lennon, e não ao locutor esportivo britânico.

Juntamente com a lista de faixas, Måneskin também lançou outra amostra do álbum no novo single "LA FINE". Que você pode ouvir logo abaixo.


Tracklist:

Own My Mind
Gossip
Timezone
Bla Bla Bla
Baby Said
Gasoline
Feel
Don't Wanna Sleep
Kool Kids
If Not For You
Read Your Diary
Mark Chapman
LA Fine
Il dono della vita
Mammamia
Supermodel
The Loneliest.

quinta-feira, 15 de dezembro de 2022

Rolling Stones - Keith Richards e sua reação ao conhecer Maneskin: "Não sei quem vocês são"

A jovem banda italiana abriu para os Stones em novembro de 2021.

A carreira de Maneskin experimentou uma ascensão meteórica desde sua vitória no Festival Eurovision da Canção em 2021. Embora muitos questionem seu estilo e sua possibilidade de deixar um legado duradouro e muitos outros o elogiem com devoção, há quem, diretamente, nem eles. nem os conhece, como parece ser, ou pelo menos era o caso de Keith Richards, guitarrista dos Rolling Stones.

Os italianos já venceram um MTV Music Award para Melhor Vídeo Alternativo, já tocaram no Lollapalooza e, em maio próximo, procuram lotar a arena O2, em Londres. Apesar de tudo, talvez uma das maiores honras que Damiano David e companhia, que qualquer banda poderia ter recebido foi abrir para os próprios Rolling Stones em novembro do ano passado.

O cantor, agora, em entrevista à KROQ (via Ultimate Guitar), reconheceu o quanto esse momento lhe impôs... e que Keith Richards não os conhecia de jeito nenhum.

"É muito difícil reservar apenas um momento porque tivemos tantas experiências incríveis... Como você disse, abrimos para os Stones e fizemos muitas, muitas coisas. Tocamos nos maiores festivais do mundo. Então, tudo, tudo ano em que vivemos, é muito especial e incrível.

Relembrando sua breve conversa com Keith Richards, Damiano confessou o seguinte:

Foi uma das melhores interações de todos os tempos porque ele disse, 'Ok pessoal, não sei quem vocês são, mas alguém me disse que vocês tocam guitarra'. sumiu."

Quem realmente ficou, pelo menos para tirar algumas fotos com a banda, foi Mick Jagger, que gentilmente posou com o quarteto italiano nos momentos antes e depois do show em que as duas bandas compartilharam. Você pode vê-los abaixo:

Via Rock FM.

quarta-feira, 14 de dezembro de 2022

Kiss, Scorpions, Deep Purple, Saxon e outros tocarão no Monsters of Rock 2023

Produtora confirmou o retorno do festival para 22 de abril próximo no Allianz Parque em São Paulo.

A Mercury Concerts anunciou em novembro a volta do tradicional festival Monsters of ock no Brasil, a ser realizado no dia 22 de abril próximo, em São Paulo, agora revelando o local, o Allianz Parque.

O evento, que será bem próximo da data do Summer Breeze Brasil, que acontecerá na semana subsequente, contará com os gigantes Kiss, Scorpions, Deep Purple e Saxon, além de Symphony X, Doro e Helloween.

Os ingressos poderão ser adquiridos no site da Eventim, amanhã (16/12), das 10 horas em diante.

Confira os setores e valores:

Pista premium: R$ 1.180 / R$ 590 (meia)

Pista: R$ 680 / R$ 340 (meia)

Cadeira inferior: R$ 780 / R$ 390 (meia)

Cadeira superior: R$ 480 / R$ 240 (meia)

VIP backstage mirante: R$ 2.500 / R$ 1.910 (meia)

VIP lounge centenário: R$ 1.500 / R$ 1.100 (meia).