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segunda-feira, 17 de janeiro de 2022

O álbum do Pink Floyd que David Gilmour não gostou por causa de Roger Waters

O Pink Floyd é considerado o líder do gênero prog rock psicodélico desde que a banda contribuiu para seu desenvolvimento e sucesso entre 1964 e 2014. Independentemente de seu sucesso, especialmente com seu icônico álbum de 1979, 'The Wall', os membros eram conhecidos por estarem envolvidos em contendas de longa duração. Na verdade, o guitarrista David Gilmour e o vocalista Roger Waters sabiam que não poderiam trabalhar juntos após o lançamento de seu álbum ‘Final Cut’. 

As tensões começaram com a produção do álbum de 1983 "The Final Cut". Era um álbum conceitual preocupado com os eventos políticos que ocorreram na América durante esse período. Waters estava muito interessado nestes temas e, como principal letrista da banda, decidiu seguir esse caminho. O álbum também incluiu algumas músicas que não eram pertinentes para estar em 'The Wall', o que criou tensão entre Gilmour e Waters.

David Gilmour não gostou de 'The Final Cut'

A produção do álbum foi bastante problemática porque Gilmour discordou de como o álbum deveria ser. Eles entravam em discussões, o que era improdutivo devido às suas ideias conflitantes. Assim, Gilmour deixou toda a produção para Waters e só esteve presente para tocar guitarra no álbum. Ele ainda recebeu créditos pela produção, mas suas ideias não foram incluídas. Ele falou sobre isso em uma entrevista em 1984 e explicou como deixou tudo nas mãos de Waters.

Veja o que Gilmour disse:

Basicamente, Roger tinha uma ideia de como ele achava que o álbum deveria ser e uma ideia muito forte de como ele queria que fosse. Eu simplesmente pensei que ele estava errado na abordagem em várias áreas, e eu disse isso a ele. Tentei sugerir algumas alterações, e ele não estava disposto a fazê-lo. Chegou ao ponto das discussões serem tão severas porque nossa visão era tão contrária na época. 

Mas ele não queria que eu continuasse produzindo porque não estávamos conseguindo nada. Era apenas que minha opinião era tão diferente que estava sendo contraproducente. Então, parei de trabalhar na produção do álbum e deixei inteiramente para ele e disse: 'Tudo bem, vá em frente e termine.' 

Então, ele teve espaço pra fazer o álbum exatamente do jeito que ele queria, e eu ia tocar guitarra quando fosse necessário. Assim foi finalizado o álbum. Pessoalmente, não gosto muito. Eu ainda acho que a minha maneira teria sido uma maneira muito melhor de fazê-lo.

Segundo o guitarrista, havia apenas três músicas boas no álbum. O resto não foi bom o suficiente para ser incluído em um álbum, em primeiro lugar. Por isso, elas foram descartadas anteriormente de ‘The Wall’. A produção também foi contraproducente porque o habitual comprometimento dos membros da banda se transformou em uma situação mais de ‘deixar de fora’. Ele afirmou que Waters achava que poderia produzir um álbum sem Gilmour, mas Gilmour acreditava que não.

Assim ele continuou:

Acho que muito da música não está à altura do padrão. Há três músicas boas nele, e acho que o resto é bem fraco. Não tenho nada particularmente contra o conceito, acho seu tom um pouco auto piedoso, pessoalmente. Há isso, e há a falta de bom material.

Metade de três boas faixas, três boas músicas e o fato de não termos nossa habitual situação de produção compartilhada. O que para mim ainda é eficaz. Mas é claro, sempre que você tem situações de concessão como essa o tempo todo, alguém vai pensar que é a maneira certa de fazer isso.

No geral, essas concessões tendem a fazer algo funcionar. Roger obviamente acha que pode produzir tudo sozinho sem minha ajuda na produção, e eu acho que não. Ele escreve a maioria das coisas, ele escreve o conceito do que está acontecendo. Portanto, ele acha que tem mais direito de dizer sobre como deve ser produzido. Eu tendo a concordar que ele provavelmente deveria ter mais direito, mas não todo o direito.

Como 'The Final Cut' foi recebido pelos críticos

Infelizmente, este álbum se tornou o último disco em que Waters apareceu. Um ano após seu lançamento, Waters deixou o Pink Floyd porque ficou desconfortável para os membros da banda trabalharem juntos. O álbum recebeu críticas mistas e se tornou o álbum menos vendido da banda. De acordo com o crítico da NME Richard Cook, este álbum retratou a ligeira decadência na escrita de Waters. 

Kurt Loder, da Rolling Stone, afirmou que este álbum deveria ser o álbum solo de Waters porque não era um bom disco para o Pink Floyd. Todas as 12 faixas foram escritas por Waters, e Nick Mason contribuiu com os efeitos sonoros enquanto Gilmour apenas tocava sua guitarra. 'The Final Cut' se tornou o álbum menos vendido da banda depois de seu álbum de 1971, 'Meddle'. 

Via Rock Celebrities.

Você pode assistir a entrevista de Gilmour em 1984 no player abaixo.

terça-feira, 11 de janeiro de 2022

Quando o Pink Floyd formou um time de futebol

Em 1970 o grupo formou o 'P.F.F.C.'.

Ao pensar nos sons rodopiantes do Pink Floyd, a imagem dos mestres do rock progressivo vem à mente. Eles eram magos cerebrais aptos a nos levar para longe dos limites do reino normal, levando-nos em uma jornada onde aprendemos sobre nós mesmos e a humanidade em geral. Depois de imergir, nos sentimos completos. Seja uma composição de David Gilmour, Roger Waters ou mesmo Syd Barrett, há muito para mergulhar no catálogo do Floyd.

O Pink Floyd teve a sorte de poder contar com cinco compositores geniais que trabalharam sob sua bandeira. Você simplesmente não pode desconsiderar a contribuição do tecladista Richard Wright e do baterista Nick Mason, pois ambos também adicionaram elementos inestimáveis ​​ao som da banda e contribuíram com faixas clássicas próprias.

Barrett à parte, se você removesse qualquer membro do grupo, eles simplesmente não seriam a mesma banda, como mostra o declínio da forma após a saída de Waters em 1984. Sua saída foi uma grande perda.

Um gigante sônico que nos deu alguns dos melhores discos existentes, ainda espera que um dia o Pink Floyd se reúna, por mais improvável que pareça ser. Claro, vale ressaltar que nem sempre houve acrimônia entre os membros do Pink Floyd. Em 1970, no entanto, eles mostraram o quão grande era sua amizade da maneira mais improvável… formando um time de futebol.

É um fato bem conhecido que os membros do Pink Floyd eram grandes fãs de futebol, pois deixaram referências ao esporte em algumas de suas músicas. A inclusão do hino do Liverpool 'You'll Never Walk Alone' em 'Fearless' é o reflexo mais gritante de seu fandom. Diz-se até que as sessões de gravação de "The Dark Side of the Moon" às vezes eram interrompidas para que os meninos pudessem viajar para a antiga casa do Arsenal, Highbury, para assistir aos jogos dos Gunners, já que Waters e Gilmour são grandes fãs do time do norte de Londres. .

Waters, Gilmour, Mason e Wright formaram o 'P.F.F.C.' como um meio de praticar o esporte e assisti-lo. Uma ótima saída para desabafar qualquer energia reprimida no estúdio, o time de futebol amador jogou em Londres e muitas vezes enfrentou times formados por jornalistas. Não está claro quantas partidas a equipe disputou, mas em um post em sua página no Facebook, a banda explicou que jogou “algumas”. A partida de maior destaque que eles jogaram foi contra os dançarinos e funcionários do Ballet de Marseille, mas não há informações sobre o resultado.

O que sabemos com certeza é que uma das posições foi pregada. O gigante residente da banda, Roger Waters, era o goleiro, o que não é surpreendente, dada a sua estatura. Em uma entrevista, Waters explicou como o time era formado pela equipe da banda, mas nunca revelou nenhuma posição. Não está claro se a equipe foi boa ou não, mas dado seu amor obstinado pelo belo jogo, você pode ter certeza de que eles eram meio decentes. Quanto a Waters, ele parece pensar que foi muito bom também.

Via FAR OUT.

Assista Roger Waters falando sobre o P.F.F.C. no player abaixo.

segunda-feira, 10 de janeiro de 2022

Stevie Nicks: "Por que não peguei um avião e fui ver David Bowie?"

Stevie Nicks não tem muitos arrependimentos, mas se arrepende de não ter conhecido David Bowie. Quando você olha para os cantores, é fácil imaginar que eles seriam amigos. No entanto, de alguma forma, eles nunca se conheceram. Nicks sabe que, se tivessem, teriam colaborado imediatamente.

Álbum arquivado de David Bowie é lançado agora, quando ele faria 75 anos de idade; OUÇA.

Catálogo de David Bowie é vendido para a Warner Music por $250mi.

Nicks colaborou com muitos artistas ao longo dos anos, incluindo Sheryl Crow, Dave Stewart, Don Henley e Tom Petty. No entanto, como Dazed escreveu, “há alguns artistas com os quais ela nunca se aproximou para trabalhar, mesmo que parecessem um ajuste natural. David Bowie, por exemplo.

Nicks se arrepende de não ter conhecido e colaborado com Bowie. “Sabe de uma coisa, eu nem sei se conheci David Bowie”, disse Nicks ao Dazed. “Se eu o tivesse conhecido, provavelmente teria dito a primeira coisa que costumo dizer sempre que conheço alguém que é um dos meus heróis: 'Talvez pudéssemos nos reunir e trabalhar em uma música ou algo assim?' Essa é geralmente minha primeira fala, porque isso é tudo que eu realmente quero de todas essas pessoas – estar na presença delas e estudar o que elas fazem.

Eu perdi isso,” Nicks continuou. A vocalista do Fleetwood Mac era uma grande fã de Bowie, mas, surpreendentemente, ela nunca o conheceu. Eles tinham que ter amigos em comum.

Nicks e Bowie também têm muito em comum. Eles são artistas performáticos e extravagantes à sua maneira. Nicks sabia disso também.

Adorei muitas das músicas dele”, continuou ela. “Um grande cantor e compositor. Ele também era um artista performático. Ele tinha muito talento e de muitas maneiras diferentes. Ele era um cara especial. Realmente especial. Sinto muito, porque você olha para trás em sua vida e pensa: 'Por que eu não peguei um avião e fui ver David Bowie? Por que eu não peguei um avião e fui ver um monte de gente que eu nunca vou conhecer agora?'

Nicks gostou do filme de Bowie 'The Hunger'

Durante uma entrevista de 2014 à Rolling Stone, Nicks falou sobre como sua música estava alcançando novos fãs de gerações mais jovens.

É uma loucura pensar em todas essas pessoas ouvindo que não nasceram naquela época”, disse Nicks. “Colocamos ‘Seven Wonders’ de volta no set por causa de American Horror Story. Nosso monitor disse: 'Eu não estou familiarizado com essa música.' Eu disse: 'Porque ela saiu quando você tinha dois anos.'

A Rolling Stone respondeu: “Você é como David Bowie dessa maneira – cada geração descobre você”. Nicks respondeu que amava Bowie e gostava de seu filme de terror gótico de 1983, "The Hunger".

Bem, sou um grande fã de David Bowie”, disse Nicks. “Especialmente o filme The Hunger, com Susan Sarandon e Catherine Denueve. Apenas assustador e estranho e incrivelmente bonito. Sempre fico surpresa que Bowie não tenha feito mais filmes de vampiros.

Honestamente, também estamos surpresos. Talvez a dupla pudesse ter feito um filme de vampiros juntos.

Via SHOWBIZ CHEATSHEET.

Metallica e Tool usaram cães farejadores de COVID para segurança em shows recentes

De acordo com a Rolling Stone, o Metallica e o Tool estão entre os artistas que recrutaram cães especialmente treinados para farejar vestígios de COVID-19 em membros de sua equipe, comitiva ou qualquer outra pessoa que esteja nos bastidores.

O Metallica contratou uma empresa sediada em Ohio, Bio Detection K9, para seus shows de outono em Fort Lauderdale e Atlanta e também nos shows do 40º aniversário da banda em San Francisco no mês passado.

"Até agora, bata na madeira, os cachorros estão derrubando o parque", diz John Peets da Q Prime, a empresa de gestão que representa o Metallica. "Nós não tivemos um cachorro detectando ninguém."

A Bio Detection K9 está no negócio de usar cães para detectar vírus, bactérias e fungos há mais de uma década em parceria com o Departamento de Agricultura dos EUA e outras agências governamentais. A empresa planeja canalizar esforços para implantar ativos caninos de detecção de COVID em todo o mundo, ajudando a população em geral a retomar eventos sociais e esportivos com segurança. Olhando para o futuro, eles planejam enfrentar os próximos desafios biológicos e médicos de maneira sustentável, revolucionando a maneira como o mundo vê a capacidade de um canino de detectar e prevenir problemas de saúde em escala global.

Os cães Bio Detection K9 são treinados especificamente para COVID-19 e suas várias cepas e não respondem a gripes e resfriados sazonais.

Os cães não são usados ​​para revistar grandes multidões, apenas grupos gerenciáveis.

"Nós não procuramos estádios inteiros; não é para isso que estamos lá", disse Shawn Reed, diretor de treinamento e operações da Bio Detection K9, ao SWVA Today. "Eu não pego um cachorro e vasculho uma multidão de 60.000 pessoas."

Wade Morrell, CEO da Priority One Canine, que comprou recentemente o Bio Detection K9, disse ao WBNS que “há cerca de 100 funcionários” em um típico estádio ou concerto de arena “e para procurar esses 100 funcionários, levaria cerca de cinco minutos. mais tempo para alinhar todo mundo e tirar as máscaras do que fazer os cães descerem a fila e revistá-los".

De acordo com Morrell, o teste é feito com os participantes alinhados de quatro a seis pés de distância e removendo uma máscara que usaram por cerca de 10 minutos. Os cães então descem a fila cheirando as máscaras e param e sentam para indicar um participante positivo para COVID-19.

Como você tem uma área tão concentrada de odor, há uma probabilidade maior de que os cães o encontrem na máscara”, disse Morrell.

Via Blabbermouth.

sexta-feira, 7 de janeiro de 2022

A opinião de Frank Zappa sobre Hendrix, Bob Dylan e os Rolling Stones

Um dos mais importantes artistas do Rock and Roll nos Estados Unidos, Frank Zappa sempre deu sua verdadeira opinião sobre qualquer assunto, inclusive outras bandas. Em uma entrevista à revista Playboy em 1993, pouco antes de sua morte aos 52 anos, Zappa deu sua opinião sobre Jimi Hendrix, Bob Dylan e  Rolling Stones.

Algumas das coisas realmente boas que Hendrix fez foram as primeiras, quando ele era apenas rasgado e brutal. "Manic Depression" era minha música favorita de Jimi Hendrix. Quanto mais experimental ficava, menos interessante e mais fino ficava. Quanto a Dylan, o "Highway 61 Revisited" foi ótimo. Então pegamos "Blonde on Blonde" e começou a soar como música de cowboy. Você sabe o que eu acho da música cowboy. Eu gostei dos Rolling Stones.

Na mesma entrevista, Frank Zappa confirmou que Mick Jagger uma vez arrancou uma farpa do dedão do pé e falou um pouco mais sobre os Stones. “Ele veio até minha casa e eu estava pulando por causa dessa farpa, então ele a puxou. Boa história, hein? Eu gostei de sua atitude e da atitude dos Stones. No final das contas, porém, a música estava sendo feita porque era um produto. Era música pop feita porque havia uma gravadora esperando pelos discos.

Frank Zappa não era fã de "Like a Rolling Stone" de Bob Dylan

Conforme apontado pelo autor Clinton Heylin para o livro "Bob Dylan: Behind the Shades", Frank Zappa disse que não era fã da famosa canção de Dylan, "Like a Rolling Stone". “Quando ouvi 'Like a Rolling Stone', quis sair do mundo da música, porque pensei: 'Se isso vencer e fizer o que deve fazer, não preciso fazer mais nada ...' Mas não não faça nada. Vendeu, mas ninguém respondeu da maneira que deveria.

Jimi Hendrix visitou Frank Zappa

Em uma entrevista (transcrita por Rock and Roll Garage) feita pouco antes de sua morte, ele se lembrou de uma coisa que achava que Hendrix deveria ter feito. Também falou sobre quando o guitarrista britânico foi até sua casa:

Eu tinha escrito em artigos naquela época que pensava no que deveria ser feito, já que ele não era musicalmente alfabetizado, ele não conseguia escrever sozinho, que deveria ser colocado em algum tipo de relação de trabalho com alguém que pudesse escrever suas ideias. E escrever para instrumentos que não fossem a guitarra elétrica. Acho que valeria a pena fazer isso. Mas não, ele estava muito ocupado fazendo outras coisas para se sentar e fazer essa abordagem.

Jimi veio à nossa casa uma vez com Buddy Miles, quando estávamos morando em Nova York. Eles entraram, disseram olá, Buddy sentou-se no sofá e imediatamente desmaiou e começou a roncar. Pouco depois, Jimi, que usava calças de veludo verde, demonstrou algum tipo de intrincada etapa de dança e rasgou o interior da calça. Gail (esposa de Zappa) teve que costurá-la para ele. Então, quando eles estavam prontos para sair, Jimi acordou Buddy Miles. Ele disse 'tchau Frank' e eles saíram pela porta”.

Frank Zappa foi incluído no Hall da Fama do Rock and Roll em 1995, 2 anos após sua morte. Lou Reed do Velvet Underground foi o responsável por induzir o falecido músico e disse: "Frank era uma força de razão e honestidade".

Via Rockandrollgarage.

Rolling Stones: as origens da música 'Miss You'

Canção integra o 16º álbum de estúdio do grupo, "Some Girls".

Após seu lançamento, a faixa rapidamente caiu na Billboard Hot 100, onde finalmente avançara para o número um. Muito do sucesso de ‘Miss You’ na América, mas também na Europa e no Reino Unido - deveu-se ao seu endosso pelo mundo da discoteca, com uma nova cultura de dança oferecendo uma alternativa hedonística aos clubes antagônicos ao rock e punk da época.

De certa forma, "Miss You" é uma espécie de cavalo de Tróia; aquele que os Rolling Stones usaram para atingir um novo público. “Nós sempre apenas nos adaptamos com a música que está no ar”, Ronnie Wood explicou em uma entrevista de 2011, com Charlie Watts acrescentando: “Muitas dessas canções como‘ Miss You ’foram fortemente influenciadas por ir às discotecas. Você pode ouvi-la em muitos desses quatro ritmos no solo e na bateria ao estilo da Filadélfia. Mick e eu íamos muito a discotecas ... Foi um grande período. Lembro-me de estar em Munique e voltando de um clube com Mick cantando uma das canções do Village People: ‘Y.M.C.A.’, acho que era - e Keith enlouqueceu, mas parecia ótimo na pista de dança.

Esse som pronto para a pista se deve em grande parte à linha de baixo inebriante da faixa. “A ideia para essas linhas de baixo veio de Billy Preston”, observou certa vez o baixista Bill Bywan. “Havíamos feito uma demo bruta mais ou menos um ano antes, após uma sessão de gravação. Eu já tinha ido para casa e Billy pegou meu velho baixo quando eles começaram a tocar aquela música.

Ele começou a fazer aquela parte porque parecia ser o estilo de sua mão esquerda. Então, quando finalmente chegamos para fazer a melodia, os meninos disseram: Por que você não contorna a ideia de Billy? Então, eu ouvi uma vez e ouvi aquela execução básica e parti daí. Demorou algumas mudanças e polimento, mas a ideia básica era de Billy.

Mas, embora o sabor musical de "Miss You" esteja claramente enraizado na disco, o conteúdo lírico da música é muito mais aberto à interpretação. Muitos sugeriram que a letra foi inspirada pelo casamento fracassado de Mick Jagger, mas o vocalista sempre afirmou que a música foi projetada para evocar um sentimento generalizado de saudade, em vez de um relacionamento específico. Então, novamente, suponho que se você estivesse tendo um caso - como Jagger estava na época - você não estaria muito ansioso para compartilhar os detalhes de sua infidelidade. De qualquer forma, "Miss You" ainda se destaca como uma das melhores evocações do desejo no cânone dos Rolling Stones.

Via FAR OUT.

quinta-feira, 6 de janeiro de 2022

Pink Floyd: David Gilmour escolhe sua música favorita de Neil Young

Claramente, o guitarrista do Pink Floyd gosta do trabalho de Young.

Embora Roger Waters seja comumente considerado a potência criativa do Pink Floyd, David Gilmour também merece crédito. Foi Gilmour quem executou muitos dos falsetes fantasmagóricos em "Dark Side of The Moon"; foi Gilmour quem escreveu o instrumental mordaz que fecha "Comfortably Numb"; assim como foi Gilmour quem atuou como arquiteto e diretor musical nos últimos três álbuns.

Convidado para o rebanho em 1968, as funções de Gilmour envolviam cantar, fazer arranjos e tocar violão, embora ele fizesse muito mais do que isso. Possivelmente uma presença mais gentil do que Waters, Gilmour também é responsável por escrever o riff de "Wish You Were Here", uma balada pastoral e ansiosa que não soaria fora do lugar em um álbum de Neil Young.

Claramente, o guitarrista do Pink Floyd gosta do trabalho de Young, como evidenciado por sua decisão de incluir o vocalista do Crazy Horse em sua seleção de ‘Desert Island Discs’. Em 2003, Gilmour montou uma coleção de canções que incluía Bob Dylan, Joni Mitchell e Matha & The Vandellas. Para alguém tão distintamente inglês (e diríamos inglês antes de britânico), Gilmour exala um gosto que era decididamente americano (ou, no caso do Sr. Young, canadense).

Seus comentários sobre "A Man Needs A Maid" são interessantes: ele ignorou a pergunta sobre o tom politicamente incorreto da música e, em vez disso, optou por se concentrar na música. “É muito bonita”, admitiu Gilmour. “[Há] uma passagem instrumental e orquestral particularmente bela no meio.” Em um ponto, isso demonstra uma diferença fundamental entre Waters e Gilmour. Para o baixista, os conceitos, letras e narrativas foram os elementos-chave da carreira de Floyd, mas para Gilmour, seu ouvido estava sintonizado com os instrumentos que uniam todas essas coisas. Em última análise, foi isso que fez de Waters e Gilmour uma equipe tão dinâmica e, juntos, eles compuseram números distintos como ‘On The Run’, ‘Shine On You Crazy Diamond’ e ‘Run Like Hell’.

É tentador imaginar que Young foi uma influência comum para os dois homens, especialmente porque ambos utilizaram uma série de violões em seus álbuns solo. O Pink Floyd é nominalmente considerado uma banda progressiva, embora isso não faça justiça à variedade de influências que eles ostentavam em seus catálogos individuais. O tecladista Richard Wright preferia jazz, o guitarrista Syd Barrett gostava da psicodelia britânica, enquanto os outros dois gostavam de influências folkier. Waters admitiu abertamente que gosta de Dylan e Lennon, então Young não chega a ser um exagero.

Dito isso, Gilmour nem sempre fica feliz em falar sobre Young, especialmente quando se trata de estragar seu tempo livre. O Alternative Nation publicou esta história divertida sobre um fã correndo para o frontman do Pink Floyd: “No restaurante, antes disso, eu envergonhei profundamente meu filho e minha nora quando me aproximei de David Gilmour, que também estava lá (ele estava me perseguindo, eu me pergunto) e perguntei a ele se ele iria fazer show mais tarde naquele dia. Ele terminou seu café e saiu prontamente - o almoço de outra estrela do rock estragado por um fã entusiasmado.

Gilmour usa seu entusiasmo quando lhe convém e, agora, ele provavelmente está ouvindo esta peça.

Via FAR OUT.

terça-feira, 4 de janeiro de 2022

Epica: O que se sabe sobre o vídeo criptográfico ‘Epica Universe’

Banda neerlandesa postara um teaser nas redes sociais com uma mensagem lacônica.

No 2º dia deste ano o Epica abriu as comemorações de esu 20º aniversário de carreira disponibilizando um vídeo Full HD da faixa-título de seu álbum de estreia, "The Phantom Agony".

Epica redefine datas dos shows adiados no Brasil e em outros países da América do Sul; veja como ficou.

Epica: o álbum de estreia 'The Phantom Agony'.

Epica: "Omega" ganha a categoria de "Melhor Álbum" e Simone Simons a de "Melhor Vocal" do FemMetal Awards 2021.

Epica lança "Omega Alive"; ouça e assista ao clipe de "Victims of Contingency".

Mas não parou por aí. A banda holandesa parece ter muitos mimos e surpresas reservadas para os fãs.

Já se sabe sobre ‘The Phantom Agony’ - show do 20º aniversário do Epica, que acontecerá em Tilburg, Holanda. Em 10 de dezembro de 2021, a banda postou no Facebook:

“🔥 Alpha to Ωmega 🔥

"Iremos levá-lo conosco ao início de Epica, de The Phantom Agony a Omega e tudo mais. Será um passeio selvagem pela história do Epica. Você está pronto?"

Omega por Epica Versus "Dark" (série germânica da NETFLIX) - Análise Comparativa.

Este artigo é uma análise comparativa entre o novo álbum "Omega" (Review) do Epica e a aclamada série de TV da Netflix ... (Clique na imagem para ler).

O Epica explicou como “demorou cerca de cinco dias e noites inteiros para filmar esta história épica sobre a caça às bruxas”.

Epica Universe:

Agora em 3 de janeiro último, a banda sinfônica holandesa fez um anúncio enigmático nas redes sociais sobre o “Universo Epica” e lançou um pequeno teaser:


Sabemos que o Epica estará relançando seus três primeiros álbuns. Além disso, a banda também está trabalhando em novas músicas. Portanto, talvez eles estejam nos provocando sobre o lançamento de um box-set comemorativo do 20º aniversário intitulado “Epica Universe”. Os fãs do Epica no Reddit estão inclinados a um evento especial ao vivo semelhante ao Ayreon Universe: um show único com estrelas convidadas especiais e um setlist selecionado de todos os álbuns do Ayreon, organizado e arranjado por Arjen A. Lucassen e Joost van den Broek (produtor do Epica). Ainda assim, estamos apenas supondo aqui. Mas estou inclinado a concordar com os fãs. Pensamentos de despedida O que você acha que a banda está fazendo? Haverá um novo trabalho conceitual em breve ou o Epica está indo além da música?

segunda-feira, 3 de janeiro de 2022

Catálogo de David Bowie é vendido para a Warner Music por $250mi

Espólio do saudoso camaleão enfim cedera a nova tendência da indústria fonográfica.

A Warner Chappell Music (WCM) e o espólio de David Bowie anunciaram hoje que a WCM adquiriu os direitos globais de publicação de música para o revolucionário catálogo de canções de Bowie. O acordo histórico, no valor de mais de US $ 250 milhões, de acordo com a Variety, inclui todo o corpo de trabalho de Bowie, abrangendo centenas de canções que abrangem a carreira de seis décadas do artista icônico e compositor, incluindo pioneiras como "Space Oddity", "Changes", "Life on Mars?","Ziggy Stardust"," "Starman","Rebel Rebel","Fame","Young Americans","Golden Years","Heroes","Ashes to Ashes","Modern Love","Let's Dance","Where Are We Now?","Lazarus" e muitos mais. O acordo inclui canções dos 26 álbuns de estúdio de David Bowie lançados durante sua vida, bem como o lançamento póstumo do álbum de estúdio "Toy". Também inclui os dois álbuns de estúdio do Tin Machine, junto com faixas lançadas como singles de trilhas sonoras e outros projetos.

Ao fazer o anúncio, o copresidente e CEO do WCM, Guy Moot disse:

"Todos nós da Warner Chappell estamos imensamente orgulhosos de que o espólio de David Bowie nos escolhera para ser os zeladores de um dos catálogos mais inovadores, influentes e duradouros na história da música. Estas não são apenas canções extraordinárias, mas marcos que mudaram o curso da música moderna para sempre. A visão e o gênio criativo de Bowie o levaram a ir além dos limites, liricamente e musicalmente, escrevendo canções que desafiavam as convenções, mudaram uma época e se tornaram parte do cânone da cultura global. Seu trabalho abrangeu grandes sucessos pop e aventuras experimentais que inspiraram milhões de fãs e incontáveis ​​inovadores, não apenas na música, mas em todas as artes, moda e mídia. Estamos ansiosos para atender seu corpo incomparável de canções com paixão e cuidado enquanto nos esforçamos para construir sobre o legado deste ser humano mais extraordinário."

"Gostaria de agradecer a todos os envolvidos na realização desse negócio maravilhoso", continuou Moot.

Este acordo com a WCM segue o anúncio no ano passado de um acordo global de carreira entre o Warner Music Group (WMG) e o espólio Bowie, por meio do qual a Warner Music licenciou os direitos mundiais do catálogo de músicas gravadas de Bowie em 1968. Com este novo contrato com a Warner Chappell, WMG é agora o lar do corpo de trabalho de Bowie como compositor e artista de gravação.

A copresidente e COO do WCM, Carianne Marshall, observou: "Este pacto fantástico com o espólio de David Bowie abre um universo de oportunidades para levar sua música extraordinária a novos lugares dinâmicos. Este não é apenas um catálogo, mas uma coleção viva e vibrante de canções atemporais que são tão poderosas e ressonantes hoje quanto eram quando foram escritas. Ficamos satisfeitos em saber que o espólio sentiu que a Warner Chappell tem o conhecimento, a experiência e os recursos para tomar as rédeas e continuar a promover uma coleção dessa estatura. Todos os nossos líderes e departamentos globais estão incrivelmente entusiasmados e preparados para trabalhar com essas canções brilhantes em várias vias e plataformas. E com os dois lados do WMG agora representando a carreira de Bowie, não poderíamos estar melhor preparados para representar este ilustre corpo de trabalho."

Em nome do David Bowie Estate e da RZO, Allen Grubman acrescentou: "Estamos verdadeiramente gratos que o corpo musical de David Bowie agora estará nas mãos capazes da Warner Chappell Music Publishing. Temos certeza de que eles irão valorizá-lo e cuidar dele com o maior nível de dignidade."

Via BLABBERMOUTH.

quarta-feira, 29 de dezembro de 2021

Quando David Bowie viu o Velvet Underground e foi enganado por um imitador de Lou Reed

Andy Warhol disse uma vez: “Viver na cidade de Nova York dá às pessoas incentivos reais para querer coisas que ninguém mais deseja”. O fato de que ninguém fora dos bares lotados da Big Apple queria o Velvet Underground, uma das maiores bandas da história, acrescenta um pouco de crédito a essa proclamação. A sua maneira sui generis, a combinação boêmia de Andy Warhol e o grupo proto-indie liderado por Lou Reed quase definiu o final dos anos sessenta. Afinal, o que é o rock ‘n’ roll se não celebrar a própria noção de individualismo de nicho?

Ninguém define o ethos do rock 'n' roll melhor do que David Bowie, e ele estava de olho nos caminhos que desafiavam seus antepassados ​​muito antes de o zepelim subterrâneo flutuar cerca de trinta centímetros acima dos tapetes pegajosos que os geraram. Na verdade, o dedo de Bowie estava tão perto do pulso de qualquer coisa de vanguarda que ele pode até ter começado seus encontros um pouco prematuros quando se lembrou da primeira vez que ouviu a banda.

Meu empresário trouxe um álbum, era apenas uma demo de plástico do primeiro álbum do Velvet em 1965, algo assim,” Bowie lembrou em uma entrevista à PBS. “Ele ficou particularmente satisfeito porque Warhol havia assinado o adesivo do meio, ainda tenho. Ele disse: 'Não sei por que ele está fazendo música, essa música é tão ruim quanto sua pintura' e eu pensei: 'Vou gostar disso'. Nunca tinha ouvido nada parecido, foi uma revelação para mim." A bravura literária e a cacofonia iconoclasta de arte pura e desenfreada claramente tiveram um efeito sobre o que estava por vir do ‘The Starman’, mas, assim como a trupe de Lou Reed, demoraria um pouco para ser reconhecido pelo resto do mundo.

Na verdade, o primeiro disco "revolucionário" de banana machucada do Velvet Underground é o fracasso icônico por excelência. Como Brian Eno disse uma vez: “Eu estava conversando com Lou Reed outro dia, e ele disse que o primeiro disco do Velvet Underground vendeu apenas 30.000 cópias em seus primeiros cinco anos. No entanto, esse foi um álbum extremamente importante para tantas pessoas. Acho que todo mundo que comprou uma dessas 30.000 cópias começou uma banda!

Embora os números de Eno possam não ser exatos, seu ponto certamente permanece. Um dos álbuns mais importantes de todos os tempos alcançou a posição 171. O álbum profético parece um prognóstico de onde a música iria, mas após o lançamento, a imagem percebida que temos do swing liberal dos anos 60 obviamente não era liberal o suficiente para contos abertos de sexo , drogas e rock 'n' roll. Da mesma forma, no momento do lançamento, o trabalho ainda estava atrás da curva, já que "White Light/White Heat", segundo álbum do Velvet teve um desempenho ainda pior, chegando a 199.

No entanto, uma porção desses registros foi para Londres, onde o decreto de Eno estava se revelando verdadeiro. “Um daqueles pequenos bastiões de fãs do Velvet Underground em Londres na época, antes de serem amplamente conhecidos”, Bowie relembrou em uma entrevista à BBC. “[Eu estava em] Nova York, tendo assistido a uma das últimas apresentações do The Velvet Underground, uma banda que eu admirava tremendamente desde 66/67. Eu entrei no Electric Circus para ver o show. Assisti ao show inteiro e não havia muitas pessoas na plateia porque sua estrela começou a diminuir em Nova York.

É notável pensar em uma estrela tão brilhante quanto a de Velvet, por mais invisível que possa ter sido, sempre escurecendo quando contemplada, mas é um truque da história cultural retrospectiva pensar que isso certamente não poderia ter sido o caso. E talvez haja uma mensagem de esperança para qualquer aspirante a artista que esteja se sentindo mal com essa ideia. Parte da razão pela qual suas estrelas brilharam pela primeira vez. O underground de Nova York foi o mesmo motivo pelo qual começou a se tornar ainda mais obscuro.


Seus laços com o movimento EPI de Andy Warhol significavam que era difícil para as pessoas vê-los como uma banda e não como uma exposição de arte. Por um lado, eles foram aclamados e se posicionaram firmemente na vanguarda da cultura, mas a grande desvantagem para eles era que os apostadores eram incapazes de vê-los como uma entidade separada, eles eram simplesmente considerados por muitos como parte de uma experiência multimídia. As pessoas gostavam tanto delas quanto das cenouras em um jantar assado, mas você não as comeria sozinhas.

Londres, mantida longe dos acontecimentos da cena Factory, não teve o mesmo problema, portanto, eles permaneceram um famoso ato de culto, e quando Bowie finalmente conseguiu ver seus heróis, ele ficou radiante. “Toda a banda estava lá com Lou Reed cantando as músicas e eu achei que era simplesmente incrível. Eu estava cantando junto com a banda, preso ali mesmo à beira do palco. ‘Waiting For The Man’, ‘White Light / White Heat’, ‘Heroin’… Todo esse tipo de coisa”, lembra Bowie.

Na verdade, ele estava tão surpreso que a adrenalina até direcionou seus pés ao backstage. “Eu bati na porta”, ele continuou, “e disse 'Lou Reed está? Adoraria falar com ele, sou da Inglaterra, porque também estou na música, e ele é um pouco um herói para mim. 'Esse cara disse:' Espere aqui '.” Acontece que "esse cara" era John Cale e ele viu a chance de pregar uma pequena pegadinha. “Lou saiu e ficamos conversando no banco por cerca de um quarto de hora sobre escrever canções, e como é ser Lou Reed e tudo mais ... e depois eu estava flutuando em uma nuvem e voltei para o meu quarto de hotel.

Ele continua: “Eu disse a um cara que conhecia em Nova York:“ Acabei de ver o Velvet Underground e conversei com Lou Reed por quinze minutos, e ele disse: ‘Sim? Lou Reed deixou a banda no ano passado, acho que você se enganou.' Eu disse,' Parecia Lou Reed 'e ele disse,' Esse é Doug Yule, ele é o cara que substituiu Lou Reed '. um impostor, uau, isso é incrível."

No entanto, o jeito de travar as partidas de Cale pode muito bem ter sido o melhor, já que toda a experiência acabou sendo a melhor, gerando um clássico do Bowie. “Na verdade, não importa, porque eu ainda conversei com Lou Reed, no que me dizia respeito. Voltar para a Inglaterra, uma das lembranças que trouxe comigo, foi tudo isso. Então, escrevi ‘Queen Bitch’ como uma espécie de homenagem a Lou Reed.

Foi um momento que ainda viveu na memória do lendário Doug Yule, que disse ao Record Collector: “Lembro-me de um garoto inglês chegando aos bastidores, e estava me exalando como se fosse alguém, me sentindo muito importante como líder desta banda. Ele entrou e obviamente presumiu que eu fosse Lou Reed, então tive que explicar que Lou não estava lá. Há poucos anos, ouvi a história de outra pessoa e percebi que o garoto inglês era David Bowie. Em 1971, eu nunca tinha ouvido falar dele. ” Não é engraçado como os livros de história do futuro podem muito bem declarar que Bowie e o Underground começaram a mudar a história em 1971, mas ao nível do solo subterrâneo que eles se encontravam, eles eram quase irreconhecíveis.

Via FAROUT.

terça-feira, 28 de dezembro de 2021

Rob Halford: "deveria haver um livro de citações do Lemmy, pois ele nunca se conteve"

Para celebrar a vida e os tempos do icônico líder do Motörhead, Ian Fraser "Lemmy" Kilmister, que faleceu há exatamente seis anos, em 28 de dezembro de 2015, o Revolver recentemente alcançou músicos que o conheciam e/ou admiravam, incluindo seu velho amigo Rob Halford do Judas Priest.

Falando sobre seu relacionamento com Lemmy, Rob disse:

"Em um nível de amizade, eu sempre fiquei um pouco surpreso com Lemmy porque ele era - e ainda é - uma pessoa extraordinária. Quando você fala com alguém sobre Lemmy, você vê essa imagem mental em sua cabeça, o cara com botas de cowboy e jeans e o cinto de bala e a jaqueta de couro e o bigode. Suas características físicas são muito, muito pronunciadas, então você tem tudo isso embrulhado em sua persona, também."

Halford continuou dizendo que as pessoas admiravam Lemmy tanto por sua atitude quanto por sua música.

"Deveria haver um livro de citações de Lemmy, porque ele nunca se conteve", disse Rob. "Isso é o que eu amava nele. Ele sintetizou essa grande virtude no rock and roll, que não é apenas música, mas falar o que você pensa. Ele sempre teve uma opinião sobre qualquer assunto da vida, e sempre foi ao estilo Lemmy. [Risos] Ele tinha uma maneira única de ver o mundo porque era um homem muito inteligente. Ele era um leitor ávido total e amava sua história de guerra e memorabilia. Seu jeito astuto de falar e pensar o tornava notável."

No mês passado, Halford disse ao programa de rádio "SpeedFreaks" que ele era um dos vários amigos pessoais e associados a Lemmy que receberam cartuchos de balas cheios de suas cinzas após sua morte como um presente pessoal. Ele disse: "Quando Lemmy faleceu, tive esta bela oportunidade de falar em seu memorial. Tivemos uma ótima reunião; todos nós, músicos de todo o mundo, nos encontramos em Hollywood e conversamos sobre Lemmy e sua grande vida e as coisas que ele nos deixou. E então, não muito longe, eu recebo algo pelo correio do pessoal do Lemmy; o escritório do Lemmy, seu gerente e todos ainda trabalham incansavelmente para manter seu nome conosco, como ele sempre estará . Eles me enviaram, é uma bala [risos], é uma bala com algumas das cinzas de Lemmy dentro dela."

Ele continuou: "Isso é loucura. Este é o tipo de coisa que Lemmy adoraria ter feito. Qualquer que seja a sua escolha para interpretar o que acabei de dizer, isso depende inteiramente de você. Mas para ser pensado, para ser trazido para este pequeno círculo de amigos onde você realmente possui um pouco das cinzas de Lemmy e você usa em seu pescoço em um pingente e ele está perto de seu coração no sentido mais verdadeiro em termos de seus restos mortais, isso é simplesmente incrivelmente poderoso. Usar um objeto como esse para carregar seus restos mortais é tão Lemmy - é provocativo, faz você pensar, faz você falar. Mas quanto a ter uma bela parte de Lemmy fisicamente comigo agora em minha casa, isso é simplesmente mágico ."

Lemmy morreu aos 70 anos, pouco depois de saber que havia sido diagnosticado com câncer.

Ele lidou com vários problemas de saúde nos últimos anos de sua vida, incluindo problemas cardíacos, o que o forçou a reduzir seus famosos hábitos de fumar.

O Motörhead teve que cancelar vários shows em 2015 por causa da saúde debilitada de Lemmy, embora a banda tenha conseguido completar uma última turnê europeia 2 semanas antes de sua morte.

Em junho de 2020, foi anunciado que Lemmy receberá o tratamento biográfico. O próximo filme, "Lemmy", será dirigido por Greg Olliver, que anteriormente dirigiu o documentário de mesmo nome de 2010, "Lemmy".

"Lemmy" seguirá a vida de Kilmister crescendo em Stoke-on-Trent, tornando-se roadie de Jimi Hendrix e membro da banda de space rock Hawkwind, antes de formar o Motörhead.

Uma urna feita sob medida contendo as cinzas de Lemmy está em exibição permanente em um columbário no cemitério Forest Lawn em Hollywood, Califórnia.

Via Blabbermouth.

A inusitada referência aos Rolling Stones na capa do álbum "Sgt. Peppers" dos Beatles

A capa do "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band" é uma das capas de álbum mais famosas e notoriamente densas de todos os tempos. Apresentando os quatro Beatles rodeados por várias figuras da história e da cultura pop, a arte foi uma extensão das novas atitudes mais artisticamente inclinadas que a banda mostrou no "Revolver" e um indicativo de um estilo totalmente novo que a banda estava abraçando.

Desenhada pelos artistas Peter Blake e Jann Haworth, a capa de "Sgt. O Pepper's" passou a representar os aspectos que desafiam os limites da pop art e da psicodelia. Parte da diversão era vasculhar as diferentes semelhanças e tentar encontrar algo que você reconhecesse. Mas quando vista de perto, a maioria das pessoas foi capaz de identificar uma referência curiosa a um dos maiores "concorrentes" dos Beatles no mundo da música pop: os Rolling Stones.

No canto direito da imagem, uma boneca está sentada em uma cadeira vestindo um suéter. Esse suéter contém uma mensagem: “Welcome The Rolling Stones”. Como esse estranho alarido foi integrado à capa de álbum mais famosa de todos os tempos, e o que isso significa?

Bem, a resposta vem de Adam Cooper, filho do fotógrafo Michael Cooper. O estúdio do Cooper mais velho foi usado para a sessão de fotos, e o próprio Cooper tirou a foto icônica. Um jovem Adam estava presente naquele dia e trouxe alguns de seus brinquedos para adicionar ao caleidoscópio de referências. Um era uma boneca de Shirley Temple (que aparece duas vezes em outra parte da imagem) que usava um suéter. Esse presente foi originalmente de Mick Jagger, que recebeu o suéter como um presente de um fã americano.

Os Rolling Stones eventualmente retribuíram a referência em seu próprio álbum psicodélico, "Your Satanic Majesties Request". A capa desse álbum, que lembra visualmente o "Sgt. Pepper's" contém os rostos de todos os quatro Beatles escondidos nas flores espalhadas pelos Stones. Cooper também foi o fotógrafo de Majesties e provavelmente ajudou a incluir as referências a ambos os grupos.

Confira a história por trás da referência no player abaixo.

Via FAROUT.

segunda-feira, 27 de dezembro de 2021

Epica: "Omega" ganha a categoria de "Melhor Álbum" e Simone Simons a de "Melhor Vocal" do FemMetal Awards 2021

O álbum “Omega” do Epica recebeu o maior número de votos nas pesquisas do FemMetal Awards 2021 e, posteriormente, ganhou a categoria de Melhor Álbum lançado no referido ano.

Review: "Ωmega", oitavo álbum do Epica, é puro Jung em metal-lírico.

Omega” foi lançado em fevereiro de 2021, apresentando singles como "Abyss of Time", "Rivers" e "The Skeleton Key". Otrabalho fora o oitavo álbum de estúdio do Epica, via Nuclear Blast.

Além do Melhor Álbum, o Epica tivera também a sua vocalista Simone Simons agraciada na categoria "Melhor Vocal"

Veja as classificações completas de ambas as categorias:

"Melhor Álbum":

Epica - 27.6 %
Temperance - 22.7 %
Charlotte Wessels - 10.7 %
Jinjer - 9.7 %
Nervosa - 9.7 %
Crypta - 5.3 %
Blackbriar - 4.0 %
Seven Spires - 3.1 %
Burning Witches - 2.3 %
Phantom Elite - 2.1 %
Scarlet Aura - 1.8 %
Sumo Cyco - 1.1 %

"Melhor Vocal":

Simone Simons - 30.9 %
Alessia Scolletti - 20.0 %
Charlotte Wessels - 11.0 %
Melissa Bonny - 8.7 %
Courtney LaPlante - 7.1 %
Taylor Momsen - 6.9 %
Anneke van Giersbergen - 5.4 % 
Zora Cock - 4.5 %
Moriah Formica - 3.2 %
Liv Kristine - 2.4 %


quarta-feira, 22 de dezembro de 2021

The Who: Roger Daltrey acusou Jimi Hendrix de "roubar" estilo performático de Pete Townshend

Quando Jimi Hendrix fez sua chegada avassaladora à cena londrina no final dos anos 1960, ele logo se tornou o centro das atenções e tinha todos os olhos fixos em cada movimento seu. Embora Roger Daltrey, do The Who, reconhecesse seu talento, ele também sentiu a suspeita de que a proposta de Hendrix não era inteiramente original.

Quando Hendrix fez sua peregrinação à Inglaterra em 1966, o The Who era uma das principais bandas da Grã-Bretanha. No entanto, a habilidade sísmica de Hendrix fez com que não demorasse muito para ele evoluir, e os dois artistas criaram história juntos no Monterey Pop Festival no ano seguinte.

Os shows dinâmicos ao vivo que os dois artistas organizaram em cada local que percorreram lhes deram um status quase mítico. No entanto, Daltrey não estava convencido de que Hendrix era o inovador pioneiro pelo qual ele recebe crédito. Além disso, o cantor também especulou sobre a influência que Hendrix teve de seu colega de banda, Pete Townshend, que sem dúvida ajudou a reinventar a roda quando se tratava de show-man no palco. No entanto, Daltrey também entende que é assim que a música funciona, e até mesmo Townshend, com toda a probabilidade, pegou emprestado seu truque de outro lugar.

Você assiste Buddy Guy nos primeiros dias e de repente percebe que ele era, você realmente tem que procurar o inventor de todas aquelas coisas”, disse Daltrey à Coda Collection. “Provavelmente foi Buddy Guy. Na verdade, eu daria a Buddy Guy. Eu sempre defendi Pete. Jimi roubou completamente a atuação de Pete no palco, o que, aliás, acho que ele também o fizera.

Daltrey acrescentou: “Mas aí, novamente, tenho certeza de que Jimi tinha visto Buddy Guy antes, como tenho certeza de que Pete tinha visto Buddy Guy e o embelezou. Então tiro o chapéu para Buddy Guy e ele merece o elogio e eu simplesmente o amo.

Hendrix é um dos poucos personagens do rock ‘n’ roll contra o qual Townshend não tem uma palavra ruim a dizer, e o primeiro momento em que o viu ao vivo continua a vagar em sua mente. “Bem, essa foi uma experiência cósmica”, disse ele à Rolling Stone. “Foi no Blazes, a boate de Londres. Ele foi incrível. Agora acho que você precisa ter visto Jimi Hendrix para entender o que ele realmente era.

Ele era um músico maravilhoso”, lembrou Townshend. “Ele não era um grande cantor, mas tinha uma voz linda. Uma voz esfumaçada, uma voz muito sexy ... Quando você o via na arena ao vivo, ele parecia um xamã. É a única palavra que posso usar. Não sei se é o termo certo. A luz parecia sair dele. Ele entrava no palco e de repente explodia em luz. Ele era muito gracioso.

Curiosamente, Townshend não alude a Hendrix roubando seu estilo no palco e, normalmente, ele não costuma deixar esse tipo de coisa escapar. Na verdade, se o americano modelou sua persona de palco em Townshend, não há elogio maior, e ele também é igualmente culpado de roubar características de outras pessoas.

Via FAR OUT.

Foto de Alice Cooper servindo comida às crianças carentes viraliza no Twitter

Uma foto de Alice Cooper servindo comida para crianças no que parece ser um posto de alimentos (VIDE ACIMA) está circulando no Twitter esta semana, e as reações dos internautas fizeram a coisa viralizar.

A imagem não é nova, entretanto, e já apareceu online antes. Mas a justaposição visual do padrinho do rock de choque, agora com 73 anos, dando uma mãozinha para aqueles que podem ser menos afortunados, parece suscitar uma riqueza de observações de quem o vê.

"Alice Cooper servindo comida em um abrigo", disse um usuário do Twitter que o compartilhou novamente em 18 de dezembro em meio a uma onda de retuítes relacionados sobre a imagem comovente.

Vários comentaristas subsequentes fizeram observações políticas ou religiosas relacionadas à imagem. "Alice Cooper fazendo mais pelas pessoas necessitadas do que [o senador Joe Manchin]", disse um deles. "Você sabe como Jesus nos disse para servir aos outros como uma demonstração de nossa fé Nele?" perguntou outro. "Alice Cooper está fazendo o certo."

Com base nessa vibração, Alex Skolnick do Testament juntou-se ao tweet em 20 de dezembro, "Uma vez considerado uma ameaça à sociedade educada, [Cooper] acaba por ser um cidadão decente e notável, enquanto tantos os chamados 'cidadãos modelo' de escolas, igrejas, negócios e especialmente política, são como os personagens malignos de suas canções."

Cooper costumava dar uma festa anual para crianças carentes em seu restaurante agora fechado em Phoenix, a cidade de Cooper, conforme mostrado em uma atualização de 2013 no site do roqueiro. Ele também organiza o evento anual de arrecadação de fundos para pudim de Natal para jovens carentes.

O Rock and Roll Hall of Famer, cuja carreira musical icônica abrange meio século, partirá em uma turnê norte-americana no início de 2022. O cantor, que fora assolado pela COVID-19 no ano passado e perdeu 7 quilos com a doença, lançou o novo álbum "Detroit Stories" em fevereiro último.

Via LOUDWIRE.

terça-feira, 21 de dezembro de 2021

Jethro Tull - Ian Anderson: "Bruce Dickinson me convidou para um projeto ao vivo"

O portal canadense The Metal Voice conversou recentemente com o líder do Jethro Tull, Ian Anderson. Na entrevista, Anderson falou sobre o novo álbum "The Zealot Gene", deu uma atualização sobre as contínuas reedições do catálogo de bandas e falou sobre conhecer Steve Harris do Iron Maiden e se apresentar com Bruce Dickinson.

Jethro Tull lança clipe de "Sad City Sisters", canção de seu novo álbum; assista.

O Metal Voice perguntou a Ian Anderson sobre trabalhar e conhecer Steve Harris do Iron Maiden e se apresentar com Bruce Dickinson: "Eu provavelmente conheci Steve Harris brevemente em uma ocasião, um pouco mais em outra ocasião. Sei que ele é uma pessoa um tanto tímida, ele disse que nunca quis se esforçar para tentar me encontrar ou falar comigo. Acho que entrei em contato com ele e perguntei se ele faria uma pequena introdução de uma faixa específica em uma turnê ao vivo que fizemos, em termos de ser um vídeo. Uma pequena contribuição de vídeo que ele ofereceu para apresentar uma música."

Anderson acrescenta: "Acho que o interesse dele pelo Jethro Tull provavelmente se deve ao fato de ele ter ido em uma direção um pouco além das performances que você associaria ao Iron Maiden. A primeira coisa que associaria o Iron Maiden ao Jethro Tull foi uma música chamada "Cross -Eyed Mary", do álbum "Aqualung" e eles fizeram isso em um lançamento anterior. Acho que eles fizeram na mesma tonalidade que eu, mas executaram numa tonalidade impossível para o Bruce Dickinson. Bruce é um tenor e eu sou um barítono, um barítono baixo. Então, para ele cantar aqui, ele teve que subir uma oitava, e saía em um registro agudo muito desconfortável que mesmo para um jovem Bruce Dickinson, seria arriscar sua sorte cantando uma oitava acima do meu vocal original."

Ele continuou: "Eu realmente não os conheço muito bem. Mas em uma ocasião em que Bruce foi meu convidado na apresentação da Catedral de Canterbury, que fiz em 2011, senti que ele é uma ótima pessoa para se trabalhar, muito profissional, muito franco, cara fácil de lidar aprendemos algumas de suas músicas e ele cantou em uma das nossas. Recebi um e-mail esta manhã de Bruce Dickinson, que ele enviou há alguns dias pedindo que eu fizesse algum projeto de performance ao vivo no final do ano que vem."

Via BRAVEWORDS.

segunda-feira, 20 de dezembro de 2021

Pink Floyd: Por que David Gilmour nunca falou com Syd Barrett depois dos anos 70?

Formado em 1964 por Syd Barrett, Nick Mason, Roger Waters, Richard Wright e Bob Klose (que saiu em 1965), o Pink Floyd se tornou uma das maiores bandas de todos os tempos nas décadas seguintes, com álbuns recordistas de vendas como “Dark Side of The Moon” (1973) e “The Wall” (1979). Com a liderança de Barrett, o grupo lançou dois singles de sucesso e o bem sucedido álbum de estreia, "The Piper at the Gates of Dawn", em 1967, mais tarde convidando David Gilmour para se juntar a eles. No entanto, em 1968, por causa da deterioração da saúde mental de Barrett, os outros membros decidiram despedi-lo.

Richard Wright, Waters e Gilmour produziram posteriormente os álbuns solo de Barrett em 1970, para ajudá-lo. Mas a última vez que viram seu ex-colega de banda foi em 1975, quando ele apareceu sem ser convidado nas sessões do álbum “Wish You Were Here”, e assistiu às gravações da banda. O único membro da banda que viu Barrett cara a cara depois disso foi Roger Waters, que teve um breve encontro na loja de departamentos Harrods com Barrett, que “fugiu” quando viu Waters.

Em entrevistas nas últimas décadas, David Gilmour explicou a razão pela qual ele e os outros membros do Pink Floyd nunca conversaram com Barrett até sua morte aos 60 anos, em 2006.

De acordo com os membros do Pink Floyd, eles não podiam visitar ou falar com Syd Barrett porque sua família disse que qualquer coisa relacionada à banda, especialmente os músicos, machucaria seus sentimentos. Então, eles decidiram dizer a Waters, Gilmour, Mason e Wright, para deixar Syd em paz e não falar mais com ele.

Em uma entrevista à revista Word em 2006, antes da morte de Syd, Gilmour foi questionado se ele considerava convidar Barrett para tocar com ele em seu recente álbum solo “On an Island”, e ele respondeu explicando por que não conseguiu falar com seu ex-colega de banda: “Não, eu deixo Syd sozinho. Eu respeito os desejos de sua família para com ele. Eu adoraria ir vê-lo um dia desses e talvez eu vá - antes que seja tarde demais”.

Gilmour expressou o desejo de ver Barrett novamente em uma entrevista ao site italiano La Repubblica Spettacoli & Cultura, em 2006, alguns meses antes da morte de Syd, dizendo: “Sim, eu gostaria (de tê-lo visitado nas últimas décadas). Mas a família está convencida de que Syd deve permanecer isolado. Mas isso não significa que mais cedo ou mais tarde isso não acontecerá.

Como David Gilmour soube da morte de Syd Barret.

Em uma entrevista ao The Word, em 2007, Gilmour explicou como soube da morte de Barrett, dizendo:

 “Seu cunhado me ligou. Fiquei extremamente triste com isso. Foi um desperdício trágico. Eu também senti uma grande sensação de pesar por não ter ido vê-lo em todos aqueles anos.

A família dele disse que seria melhor se as pessoas não o fizessem. Mas eu não teria pensado que isso se aplicaria a mim. Então, eu lamento não ter sido mais otimista sobre isso. Eu sabia onde ele morava. Eu poderia ter me convidado para uma xícara de chá. Syd e eu éramos amigos quando adolescentes e tínhamos muitas lembranças que nada tinham a ver com o Floyd. Algumas dessas coisas poderiam tê-lo animado."

O guitarrista e cantor do Pink Floyd também falou em uma entrevista à revista Uncut, em 2008, sobre o quão triste foi a morte de Barrett:

Obviamente, a notícia de sua morte foi extremamente triste. Eu sabia que ele estava doente há muito tempo. Mas a realidade era terrivelmente triste. Mesmo que eu e o resto da banda estivéssemos sofrendo por ele por mais de 30 anos.

O problema era que o Syd que eu conhecia não existia há muito tempo. Se me arrependo, é que não fui mais enérgico com sua família e fui visitar Syd em Cambridge. Mas é algo difícil de discutir, não é?

David Gilmour e Syd Barrett eram amigos desde a adolescência.

David Gilmour conheceu Syd Barrett muito antes do Pink Floyd, quando ele tinha cerca de 14 ou 15 anos, como ele relembrou em uma entrevista à revista Mojo em 2006:

Quando eu tinha cerca de 14 ou 15 anos. Ele era alguém que as pessoas apontavam na rua. E ele tinha esse carisma e magnetismo.

Ele era engraçado. Inteligente. Nada escapava dele. Ele estava atualizado sobre tudo. Bem lido, um sujeito muito perspicaz. Eu saía com ele, conhecia sua casa. Quando me mudei para Cambridge Tech, costumávamos nos encontrar na escola de arte quase sempre na hora do almoço e tocar Bo Diddley e “Come On”, dos Rolling Stones."

Richard Wright também disse que a família de Barrett achou que seria melhor deixá-lo sozinho.

Em uma entrevista com Mark Blake em 1996, o tecladista do Floyd, Richard Wright, revelou que a mãe de Barrett pediu a ele, Roger Waters, David Gilmour e Nick Mason, para não falar com seu ex-colega de banda, porque toda vez que ele via algo que o fazia se lembrar da banda, ele ficava deprimido por semanas.

Nós não o vemos. Porque, aparentemente, se ele se lembrava do Pink Floyd e de quando estava na banda, ele entrava em depressão por semanas a fio. A mãe dele nos pediu para ficar longe alguns anos atrás. Aparentemente, na maioria das vezes ele está muito feliz, ou estava, mas nossos rostos podem desencadear uma crise.”

Isso teria acontecido de qualquer jeito ou foi por causa de uma overdose enorme de ácido? Quem sabe. Acho que foi um pouco dos dois. Tudo que sei é que uma semana ele estava bem e uma semana depois ele aparecia de novo e estava completamente diferente. É simplesmente uma tragédia terrível.

Via rockandrollgarage

Deep Purple: 6 álbuns e singles que Ritchie Blackmore escolheu como alguns de seus favoritos

O guitarrista Ritchie Blackmore fez história no rock and roll com Deep Purple e Rainbow, inspirando toda uma geração de músicos em todo o mundo. Muito antes das mídias sociais e do Youtube, Blackmore costumava se conectar com os fãs e responder suas perguntas em seu site de gravação de áudios e em uma dessas conversas com fãs em 1996, ele listou 6 álbuns e singles como alguns de seus favoritos (Transcrito por Rock and Roll Garage).

Deep Purple: Ian Gillan acha que uma reunião com ex-membros seria algo negativo.

Qual é a opinião de Ritchie Blackmore sobre o guitarrista Yngwie Malmsteen?.

Deep Purple: Ian Gillan revela o 1° disco que comprou e fala sobre fazer shows com a idade avançada.

Quando um fã disse que o álbum “Rising” do Rainbow ainda era um álbum que ele gostava de ouvir e perguntou quais eram alguns dos álbuns que tiveram o mesmo impacto em Blackmore, o guitarrista listou alguns de seus favoritos e disse que eles eram “o tipo de canções que toco para mim mesmo além da música renascentista”. Além dos álbuns listados abaixo, ele também disse que gostou do ABBA, sem especificar qual álbum, a música "Wish You Were Here" de Rednex e os guitarristas Gordon Giltrap e Adrian Legg, dizendo que eles eram brilhantes.

John Mayall & the Bluesbreakers “A Hard Road".

O lendário cantor e guitarrista de Blues inglês John Mayall, que recentemente anunciou sua aposentadoria das turnês (à época), teve em sua banda uma quantidade incrível de músicos que deixaram seu grupo e seguiram carreiras de sucesso e elogiadas em outras bandas ou solo.

Alguns desses músicos foram Eric Clapton (Cream, Blind Faith, solo), Jack Bruce (Cream, BBM, solo), Peter Green (Fleetwood Mac, solo), Mick Fleetwood (Fleetwood Mac), John McVie (Fleetwood Mac) e Mick Taylor (Rolling Stones).

Em uma entrevista postada no canal de fãs de Ritchie Blackmore no Youtube (transcrita por Rock and Roll Garage) em 2018, Blackmore deu sua opinião sobre os guitarristas Joe Satriani e Steve Morse e, ao falar sobre eles, disse que preferia músicos de "coração" como Mayall, dizendo : ”Eu prefiro um músico de 'coração', eu prefiro alguém como um tocador de Blues com o tipo de Jeff Healey, ele é tremendo. Acho que o cara do John Mayall também é ótimo”.

Bob Dylan “Blonde On Blonde.

Blackmore sempre disse que é um grande fã de Bob Dylan e em uma conversa postada no canal do fã-clube de Blackmore no Youtube (Transcrita por Rock and Roll Garage), o guitarrista elogiou o músico americano, dizendo: “Eu adoraria tocar com Bob Dylan. Quer dizer, parece engraçado de certa forma. Mas ele é a única pessoa que admiro no ramo.

Estou no ramo há tanto tempo, ele é aquele que ainda sinto que permanece misterioso. Há algo nele que eu acho verdadeiramente monumental e ele é tão criativo. Quando você pensa em todas as canções que ele escreveu, você sabe, “Mr. Tambourine Man”, “Blowing In the Wind”, é interminável. Então, eu sou um grande fã dele.

Mike Oldfield featuring Maggie Reilly “Moonlight Shadow (Single).

Nascido em Reading, Inglaterra em 1953, Mike Oldfield é mais conhecido por seu álbum de estreia "Tubular Bells", que se tornou um sucesso e foi usado no famoso filme de terror de 1974 "The Exorcist".

O álbum de maior sucesso do músico nos anos 80 foi "Crises" (1983), que apresenta o single de sucesso mundial "Moonlight Shadow" com a vocalista Maggie Reilly.

Ao promover o álbum “Nature's Light” do Blackmore's Night em 2018, a esposa de Blackmore e colega de banda Candice Night conversou com a EAR music (transcrita por Rock and Roll Garage) sobre a influência do single, dizendo: “Maggie Reilly eu acho incrível, o trabalho dela com Mike Oldfield” e Blackmore concordara com a declaração.

One More Time “One More Time.

O grupo pop sueco One More Time foi formado em 1991 por Peter Grönvall, sua esposa Nanne Grönvall e Maria Rådsten. O álbum listado por Ritchie Blackmore é o segundo lançado pelo grupo. O álbum não deu continuidade ao sucesso internacional do álbum de estreia. Também não entrou na parada de álbuns da Suécia.

Procul Harum “Homburg (single) e The Prodigal Stranger (álbum).

Formado em Essex, Inglaterra, em 1967, o Procul Harum é conhecido pelo grande sucesso “A Whiter Shade of Pale”, um dos poucos singles a ter vendido mais de 10 milhões de cópias.

Em entrevista à revista Eclipsed em 2018, Blackmore disse que gostava de ouvir Procul Harum quando era jovem: “Quando comecei a fazer música nos anos 60, a onda beat ainda estava a todo vapor. Os Beatles eram a medida de todas as coisas.

Tommy Steele, um rock'n'roller britânico, foi meu primeiro ídolo da juventude. Mas então os Beatles ficaram mais sofisticados e outras bandas como Procol Harum me derrubaram. Os Yardbirds com Jeff Beck foram um desafio para um guitarrista, mas quando Jimi Hendrix apareceu, todo o resto ao lado dele parecia cinza e abafado por um momento.

sábado, 18 de dezembro de 2021

Black Sabbath - Tony Iommi: "Tenho 400 ou 500 riffs inéditos em meu telefone"

Em uma nova entrevista a Neil Jones do Planet Rock do Reino Unido, o guitarrista do Black Sabbath, Tony Iommi foi questionado se há uma chance de alguma nova música dele ser lançada em um futuro não muito distante. Ele respondeu (conforme transcrito pelo BLABBERMOUTH.NET):

"Há uma boa chance. Eu gosto de fazer isso. Tenho tanto material, só quero começar a juntá-lo agora. Porque meu telefone, há quatrocentos ou quinhentos riffs nele. E eu tenho que começar. É começar a fazer isso, essa é a coisa. É apenas uma abundância de todas essas coisas que eu preciso... Porque a pandemia me travou um pouco, sério. E eu estava trabalhando nisso e o engenheiro estava chegando e estávamos resolvendo algumas coisas. Mas então, quando isso aconteceu e você não podia ter ninguém na casa ou no estúdio, acabou com isso por um tempo. E então eu comecei a me envolver em outras coisas. E estou apenas começando novamente. Eu tenho que voltar a lidar com essas coisas corretamente."

Quando Jones disse a Iommi que o guitarrista do Metallica Kirk Hammett perdeu um telefone com mais de 300 músicas durante o processo criativo para o último álbum de estúdio da banda, "Hardwired ... To Self-Destruct", Tony disse: "Eu ouvi isso . Deve ser horrível. Alguém vai roubar meu telefone agora. (Risos) Está no meu outro telefone. (Risos)"

Iommi lançou recentemente uma colônia signature, uma colaboração com a casa de perfumes de luxo italiana Xerjoff.

"Scent Of Dark" é o produto de uma recente amizade iniciada durante a pandemia entre Iommi e Sergio Momo, aclamado perfumista e designer da Xerjoff, conhecida por suas criações e colaborações únicas e individuais no mundo das fragrâncias. Sergio também é um guitarrista talentoso, e sua participação pode ser ouvida em "Scent Of Dark", uma nova música que Iommi lançou para promover a colônia.

Tony Iommi lança “Scent of Dark”, sua 1ª canção pós-Black Sabath; assista ao clipe.

A última turnê do Sabbath, "The End", terminou em fevereiro de 2017 em Birmingham, encerrando a carreira de 49 anos do quarteto. "The End" foi a última turnê do grupo porque Iommi não pode mais viajar por muito tempo.

Iommi revelou seu diagnóstico de câncer no início de 2012, logo após a banda anunciar uma turnê de reunião e um álbum. Ele passou por um tratamento durante a gravação do disco, intitulado "13", e a turnê subsequente para promovê-lo.

O guitarrista foi submetido com sucesso a uma operação em janeiro de 2017 para remover um caroço não canceroso de sua garganta.

"13" foi o primeiro álbum em 35 anos a apresentar Iommi, o cantor Ozzy Osbourne e o baixista Geezer Butler tocando juntos.

quarta-feira, 15 de dezembro de 2021

Stevie Nicks: "Rihanna deveria liderar uma banda de rock"

Frontwoman do Fleetwood Mac acha que Rihanna poderia ter uma carreira semelhante a dela.

Fleetwood Mac: Stevie Nicks e Christine McVie são amigas?

Fleetwood Mac: Lindsey Buckingham atribui ausência de disco novo à Stevie Nicks e diz ser receptivo à reunião.

Ao longo de seus dois primeiros álbuns, Rihanna cantou uma mistura de canções pop, canções de R&B e canções inspiradas no Caribe. Seu terceiro álbum, "Good Girl Gone Bad", viu a cantora de “Unfaithful” experimentar o rock em um de seus singles pela primeira vez. Seu single “Shut Up and Drive” tem uma forte influência do rock. Notavelmente, é uma amostra do clássico da nova onda dos anos 80 do New Order, "Blue Monday".

Durante uma entrevista para o HuffPost, Nicks comentou sobre a performance de Rihanna em “Shut Up and Drive”.

Então, eu a vi no David Letterman muitos anos atrás, e ela fez uma performance ao vivo de ‘Shut Up and Drive’ e eu disse a várias pessoas que essa garota poderia começar uma banda de rock”, opinou Nicks. “Ela realmente poderia ser uma cantora de rock. Ela poderia e deveria liderar uma banda de rock ‘n’ roll realmente ótima.”

Nicks sentiu que Rihanna ficaria mais feliz se ela cantasse rock. “E é claro que isso não aconteceu, e ela se tornou uma grande estrela, mas provavelmente ficaria mais feliz se tivesse feito algo assim, porque então ela poderia ter sido Rihanna com uma grande banda”, disse Nicks.

Nicks queria que Rihanna tivesse uma carreira semelhante à dela “E então ela poderia ter sido uma estrela do rock e ela poderia ter ido para a carreira solo e ser uma estrela pop”, disse Nicks. “Ela poderia ter feito as duas coisas como eu. E, claro, uma vez que não somos amigas e eu não a conheço, não fui capaz de dizer isso a ela, mas disse a muitas outras pessoas.

Shut Up and Drive” se tornou um sucesso. A faixa alcançou a posição 15 na Billboard Hot 100, permanecendo nas paradas por 20 semanas. O álbum da música, "Good Girl Gone Bad", alcançou a segunda posição na Billboard 200. Permaneceu nas paradas por 100 semanas.

A Official Charts Company relata que “Shut Up and Drive” foi ainda mais popular no Reino Unido. Lá, a canção alcançara a 5ª posição e permanecera na parada por 31 semanas. Enquanto "Good Girl Gone Bad" durou 177 semanas na parada do Reino Unido, passando uma dessas semanas no primeiro lugar. Rihanna nunca começou uma banda de rock, mas “Shut Up and Drive” provou que ela poderia ter sucesso com uma música influenciada pelo rock.

Via Cheatsheet.