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quarta-feira, 28 de setembro de 2022

10 bandas de prog rock que já foram "pop"

Bandas de rock progressivo indo para o pop é um fenômeno bem estabelecido. E é um que ainda acontece hoje, acredite ou não.

Você tem uma banda de prog favorita que posteriormente se interessou pela música popular? Embora o mundo mainstream do rock possa parecer um anátema para os roqueiros progressivos, a jornada que vários trilharam de um lado para o outro parece trair essa noção.

Quais bandas você pode pensar que fizeram a troca? Em retrospecto, há sem dúvida uma era do rock que aparentemente viu mais proggers se tornarem pop do que qualquer outra.

Isso seria a década de 1980, que foi de longe o período mais visível em que as bandas de rock progressivo se tornaram pop em grande escala. Talvez a atração da música de sucesso dos anos 80 tenha sido demais para algumas bandas progressivas suportarem, foi uma década cheia de roqueiros progressivos atravessando essa linha.

Afinal, o final dos anos 70 foi um "tempo difícil para ser um roqueiro progressivo", como explicou o uDiscoverMusic. "As assinaturas de tempo complicadas, suítes conceituais épicas e riffs de arrebentar os dedos que definiram o rock progressivo em seu auge no início e meados dos anos 70 caíram em desuso."

Claro, uma banda de rock progressivo indo para o pop não significa que eles não possam voltar ao prog a longo prazo. Esse tem sido o caso de muitos artistas prog que tentaram sua sorte no pop.

Enfim, sem mais delongas, aqui estão 10 dessas bandas de rock progressivo que viraram pop. Quem você adicionaria à lista?

The Mars Volta.

O Mars Volta passou uma década refinando seu rock progressivo moderno até se separar em 2012. Mas seu álbum de retorno auto-intitulado de 2022 evita o progressivo por músicas melódicas que não passam muito da marca de três minutos. O guitarrista Omar Rodriguez-Lopez chamou de "nossa versão do pop" para o The New York Times.

Genesis.

O Genesis continua sendo o modelo discutível de uma banda progressiva que se tornou pop, graças ao seu hit de 1991 "I Can't Dance". O single encerra perfeitamente o abismo prog dos anos 80. E colocou uma rosa no nariz do cantor Phil Collins, o membro do Genesis que já havia obtido grande sucesso com seu material solo.

Rush.

Rush também não resistiu ao pop. Como os fãs de longa data do Rush sabem, "Permanent Waves" de 1980 encontra o combo explorando a nova onda e o reggae; o álbum gerando um hit conhecido com "The Spirit of Radio". Eles seguiram no ano seguinte com o simpático "Moving Pictures" – que abre com a música popular mais duradoura do Rush, “Tom Sawyer”.

Yes.

O Yes percorreu um caminho interessante do prog ao pop: eles se separaram no meio disso. Depois de quase 15 anos, o grupo se separou inicialmente em 1981. Quando eles voltaram com uma formação reformulada dois anos depois, eles fizeram suas ambições conhecidas com o hit pop de 1983 "Owner of a Lonely Heart".

Pink Floyd.

Até o Pink Floyd mergulhou no sucesso pop. Depois de "Another Brick in the Wall, Part 2", de 1979, ficar em primeiro lugar em vários condados, talvez a atração pelas paradas fosse forte demais para evitar. É por isso que "A Momentary Lapse of Reason" (1987) soa mais como o disco solo new-wavey de David Gilmour de 1984, "About Face", do que um álbum do Floyd?

The Moody Blues.

O pop-rock "Long Distance Voyager" (1981) é o álbum que puxou The Moody Blues para a esfera pop. O grupo passou as duas décadas anteriores destruindo seu proto-prog art rock antes de "Voyager" dar a eles dois singles no Top 20 nos EUA, "Gemini Dream" e "The Voice". Foi a primeira vez que os Moodies apareceram nas paradas americanas de álbuns de rock.

Emerson, Lake & Palmer.

Em 1977, o super-trio progressivo de Emerson, Lake & Palmer atingiu o auge com sua obra-prima do rock jazz "Works Volume 2". Mas antes de se separarem no final dos anos 70, eles lançaram "Love Beach", de 1978, criticamente ridicularizado. São todas músicas rápidas e amigáveis, além de um final de 20 minutos.

Asia.

Asia fez o pop dos anos 80 melhor do que muitos outros proggers. Mas isso é porque eles não são uma banda progressiva que virou pop e sim um supergrupo de músicos progressivos (John Wetton do King Crimson, Steve Howe e Geoff Downes do Yes, Carl Palmer do Emerson, Lake & Palmer) que se uniram especificamente para fazer rock para as massas. Seu hit de 1982 "Heat of the Moment" confirma isso.

King Crimson.

King Crimson foi menos pop, em termos de busca pelo apelo mainstream, do que vários outros nesta lista. Mas os ouvintes não podem negar que o líder da banda Robert Fripp faz experiências com o dance rock no álbum de 1982, "Discipline". E outros esforços do Crimson buscam o mesmo espaço sonoro da nova onda dos anos 80.

Jethro Tull.

Mesmo os titãs do prog-folk Jethro Tull não estavam a salvo de uma onda pop. Eles começaram os anos 80 incorporando música eletrônica em seu rock. Em "Under Wraps", de 1984, o mentor do Tull, Ian Anderson, se curva ao synth-pop inserindo-o na música da banda. Ele resume uma era de Tull que alguns fãs de longa data ainda se recusam a reivindicar.

Via LOUDWIRE.

segunda-feira, 26 de setembro de 2022

Shows de Roger Waters na Polônia são cancelados por sua posição sobre a Guerra da Ucrânia

Palavras do músico culpando os nacionalistas ucranianos pela atual invasão provocou a fúria polonesa.

Os dois shows poloneses de Roger Waters em sua próxima turnê europeia "This is Not A Drill" foram cancelados, com a BBC relatando que a posição do ex-Pink Floyd sobre a situação atual na Ucrânia é o principal motivo. Waters deveria fazer dois shows em Cracóvia em abril de 2023.

Em uma carta aberta à primeira-dama da Ucrânia, Olena Zelenska, Waters afirma que "nacionalistas extremistas" na Ucrânia "colocaram seu país no caminho para esta guerra desastrosa", enquanto acusa seu marido, o presidente ucraniano Volodymyr Zelensky, de não cumprir sua promessa de campanha de trazer paz à região de Donbass. Waters não menciona a responsabilidade da Rússia pela guerra.

Em resposta, Zelenska twittou que era a invasão russa da Ucrânia que estava destruindo suas cidades e matando civis, afirmando: "Roger Waters, você deveria pedir paz ao presidente de outro país".

Isso, por sua vez, levou Łukasz Wantuch, vereador de Cracóvia, a instar as pessoas a boicotarem os dois shows programados para a cidade. Vereadores da cidade redigiram uma resolução para declarar Waters persona non grata, que será votada na sessão de 28 de setembro. A Polônia tem sido um forte aliado da Ucrânia desde o início da invasão.

"Levando em conta o ataque criminoso da Rússia à Ucrânia, bem como o crescente número de crimes de guerra cometidos por soldados russos que estão vindo à tona, [os conselheiros] expressam indignação com as teses e declarações feitas por Roger Waters em conexão com a invasão russa de Ucrânia", afirma a resolução.

Em resposta, Waters postou: "Hey Łukasz Wantuch, Leave them kids alone", fazendo referência à letra de "Another Brick in the Wall", do Pink Floyd.

A promotora do show, Live Nation Poland, não deu nenhuma razão para o cancelamento além da confirmação de que não iria adiante.

Na semana passada, Waters anunciou três shows no Reino Unido como parte da turnê em andamento, que ele descreveu, com ironia, como sua "primeira turnê de despedida".

Via PROG.

sexta-feira, 23 de setembro de 2022

Red Hot Chili Peppers lança novo single "Eddie", em homenagem a Eddie Van Halen; ouça

Faixa integra “Return of the Dream Canteen”, 2º álbum de estúdio do Red Hot Chili Peppers que chegará em 2022, sendo lançado no dia 14 de outubro próximo.

Red Hot Chili Peppers lança seu novo álbum “Unlimited Love”; ouça.

A banda Red Hot Chili Peppers lançou hoje o segundo single de seu vindouro álbum “Return of the Dream Canteen”, intitulado "Eddie", uma homenagem direta ao saudoso guitarrista do Van Halen.

A letra de "Eddie", entoada por Anthony Kiedis, fala sobre elementos neerlandeses, origem do icônico músico que nos deixou em 2020.

No instrumental, o guitarrista John Frusciante mostrou habilidades inspiradas que nos remetem à sonoridade do homenageado.

Ouça "Eddie" no player abaixo:

Tracklist:

Tippa My Tongue

Peace and Love

Reach Out

Eddie

Fake as Fu@k

Bella

Roulette

My Cigarette

Afterlife

Shoot Me a Smile

Handful

The Drummer

Bag of Grins

La La La La La La La La

Copperbelly

Carry Me Home

In the Snow.

quinta-feira, 22 de setembro de 2022

Há 50 anos David Bowie conquistava a América

O saudoso camaleão fez seu primeiro show nos EUA em 22 de setembro de 1972 e o pianista Mike Garson, recém-contratado para a banda à época, relata a sua experiência.

David Bowie fez seu primeiro show nos Estados Unidos em 22 de setembro de 1972. Como seu novo pianista, Mike Garson, logo descobriria, a empolgação pela estreia de Bowie vinha se acumulando ao longo de um longo período.

O fato de sua apresentação inicial ter ocorrido em Cleveland foi bastante apropriado. Bowie vinha recebendo desde o início o apoio de rádio do WMMS, a futura potência do rock que também era muito jovem em seu desenvolvimento. Brian Sands, um músico de Cleveland, também estabeleceu o primeiro fã-clube dos EUA para Bowie e sua música.

Billy Bass do WMMS disse que finalmente “viu a luz” quando o colega DJ Denny Sanders compartilhou o single de Bowie com ele, sabendo que havia algo lá. "Começamos a tocar 'Space Oddity'", disse Bass ao Cleveland Scene em 2018. "Quase no dia seguinte, ou assim parecia, "Hunky Dory" saiu. Agora, tínhamos mais para tocar desse tipo de música. E então, "Ziggy Stardust" sai. Também tivemos Lou Reed, Mott the Hoople e T. Rex. Quanto mais tocávamos, mais populares ficávamos.

Bowie continuaria a se tornar mais popular também, mas esses triunfos ainda estavam no horizonte. Nesta entrevista inédita, Garson relembrou a visita inaugural à América com Bowie, sua audição para se juntar ao Spiders from Mars e como tudo mudou em um curto período.

Quais são suas lembranças de tocar aquele primeiro show com David Bowie em Cleveland?

Eu tinha acabado de entrar na banda e por ser o primeiro show, eu não conhecia as cordas. Já, David havia despertado muita emoção na América, mesmo sendo a primeira turnê. Então, quando terminamos o último bis, eles não tinham me informado sobre o que estava acontecendo. A banda desceu por um elevador por um estacionamento e eles saíram correndo do palco. Estou colecionando minhas músicas no piano e tomando meu tempo porque estou acostumado a tocar em clubes de jazz e, de repente, há milhares de pessoas invadindo o palco. [Risos] Então, essa é a experiência que eu lembro.

A banda, antes de você chegar, estava em turnê por quase um ano naquele momento. O que os outros membros da banda disseram a você enquanto as coisas progrediam no que diz respeito à evolução das coisas e o que eles passaram durante o processo?

Todos eram pessoas do tipo trabalhador. Eu acho que o baterista [Woody Woodmansey] estava fazendo encanamento e alguém estava fazendo outra coisa, muito, muito operário. Acho que todos ficaram chocados que, de repente, os Spiders From Mars decolaram. Eu era meio que uma chave inglesa no pneu porque eu estava trazendo uma coisa totalmente diferente. De certa forma, isso interrompeu a vibração deles, mas também contribuiu para isso, então era uma faca de dois gumes. Ele adicionou muitos componentes excelentes. Mas para responder à sua pergunta, eles foram muito humildes sobre isso. Mick Ronson é um dos homens mais legais com quem já trabalhei, e ele é realmente um herói desconhecido. Fiz dois de seus álbuns solo e excursionei com ele. Ele nunca teve seu reconhecimento total, embora, você sabe, quem realmente conhece David sabe que sua contribuição foi extremamente forte.

Você fez o teste para o show com Mick Ronson. O que você acabou descobrindo sobre o que Ronson amava em você como músico?

Bem, antes de tudo, ele próprio era um pianista, certo?

Certo, sim.

Ele também era um orquestrador muito bom. Muitas dessas partes de cordas que você ouve nesses álbuns eram dele. “Life on Mars” e “Starman”, foram seus arranjos. Quando toquei a música “Changes”, tendo muita experiência no mundo do piano com virtuosismo e harmonias de jazz muito avançadas e habilidades de improvisação que geralmente estão fora do alcance de um músico de rock, tudo aconteceu nos primeiros oito segundos de música. Ele soube imediatamente: “Isso vai ajudar essa música”. Foi assim que a audição foi rápida: foram oito segundos.

Você fez dois discos solo de Ronson e duas de suas turnês. Qual é o vínculo que você viu se desenvolver entre você e Ronson como músicos?

Já toquei com centenas de guitarristas, literalmente. Há os guitarristas de jazz e há os guitarristas de fusio, vamos colocá-los em uma categoria separada. Digamos que eu toquei com 100 guitarristas de rock. Há Mick Ronson e então todo o resto vem por baixo dele. Isso é o quão bom ele era porque ele simplesmente não era um triturador barulhento. Ele era apenas um cara que era muito musical porque pensava como uma orquestra. Ele encontrou belas melodias e tinha um belo tom. Ele era ótimo em inventar ganchos. Ele era música. Você sabe, nós apenas saíamos para jantar à noite e ele era uma pessoa calorosa. Ele até me avisou para não fazer muito trabalho de estúdio depois que as turnês acabassem e tudo mais. Ele disse: “Você vai se transformar em torrada branca se estiver apenas tocando no álbum de todo mundo e não sentir isso. Faça apenas o que você gosta.” Em noventa por cento das vezes, fui capaz de seguir essas palavras.

Que tipo de conhecimento você tinha sobre Bowie indo para aquela audição? Estou curioso para saber o quão nervoso você estava ou não com base em sua consciência do que você estava procurando.

A consciência era zero porque eu nunca tinha ouvido falar do cara. Então eu não estava nem um pouco nervoso. Eu nem sabia para que eu ia fazer um teste. [Risos.] Eu não tinha Google ou YouTube para pesquisar sobre ele, sabe? Eu vejo esses personagens selvagens e eles são todos de cores de cabelo diferentes e as roupas diferentes que eles estão vestindo e eu estou lá de jeans e camiseta e penso: “Isso é loucura, mas eu gosto”. Foi o que aconteceu. Mas só fui contratado por oito semanas e acabei sendo o músico mais antigo.

Parece o espetáculo em que você entrou.

Vamos colocar desta forma. Estávamos ensaiando e havia esses grandes oradores de frente para mim. Estou acostumado a fazer shows de jazz acústicos sem nada. Eu disse: “Pessoal, o sistema de PA está na minha cara e apontando direto para mim”. Todos riram e apontaram para o sistema de som real, que era 6 metros mais alto do que o que estava de frente para mim. O que estava diante de mim eram apenas meus monitores, então foi um choque cultural. A boa notícia foi que David aproveitou meus talentos de jazz, música clássica e vanguarda, e ele meio que adicionaria isso à sua receita. Eu era talvez o chantilly no bolo ou algo assim.

Sim, você mencionou a perturbação que causou com os outros membros da banda. Foram suas tendências de improvisação e coisas assim que abalaram as coisas?

Eu penso que sim. Ainda é assim, mesmo com as bandas com as quais tenho viajado nos últimos quatro anos, sou um canhão solto e acho que era isso que ele gostava em mim. Você sabe, eu sei quando tenho que tocar as introduções e os finais e certas partes, mas provavelmente estou improvisando entre 50 e 70 por cento todas as noites. De todos aqueles 1.000 shows que fiz com ele, sempre foi diferente. Toquei “Life on Mars?” provavelmente 200 vezes, mas sempre foi diferente.

Via UCR.

Adam Levine, vocalista do Maroon 5, afirma que "não há garotas gostosas" ouvindo metal

O vocalista do Maroon 5, Adam Levine, se viu em apuros recentemente. Agora, ele recebeu mais críticas por fazer alguns comentários equivocados e misóginos sobre o gênero metal. Embora ele seja ostensivamente uma estrela pop, foi alegado que Levine acredita que “nenhuma garota gostosa” ouve metal.

Em 2021 o cantor proclamou que “não há mais bandas, e eu sinto que elas são uma raça em extinção”, mas agora ele deu um passo adiante e, com razão, atraiu a ira de muitos.

O cantor chegou às manchetes no início desta semana depois que a modelo Sumner Stroh revelou uma série de mensagens compartilhadas entre os dois, sugerindo que eles tiveram um caso. Stroh até afirmou que Levine, que é casado com a modelo da Victoria Secret, Behati Prinsloo, pediu permissão para ela nomear seu filho ainda não nascido Sumner em um ponto. Depois que Stroh fez suas alegações, outras mulheres seguiram, compartilhando capturas de tela e gravações de tela de suas interações com o músico de 'This Love'.

No entanto, foi Alyson Rose quem afirmou que Levine havia feito seu comentário estranho sobre mulheres ouvindo metal. Em uma captura de tela compartilhada on-line, Rose disse: “Eu também sou tão estranha e só ouço metal”, antes de Levine responder: “Nenhuma garota gostosa além de você”.

Levine foi ao Instagram em 20 de setembro para responder às acusações feitas por Stroh sobre ele trair. “Eu usei pouco julgamento ao falar com qualquer pessoa que não fosse minha esposa de QUALQUER tipo de flerte. Eu não tive um caso, no entanto, cruzei a linha durante um período lamentável da minha vida”, escreveu ele.

Levine acrescentou: “Em certos casos, tornou-se inapropriado. Eu abordei isso e tomei medidas proativas para remediar isso com minha família. Minha esposa e minha família são tudo o que me importa neste mundo. Ser tão ingênuo e estúpido o suficiente para arriscar a única coisa que realmente importa para mim foi o maior erro que eu poderia cometer. Eu nunca vou fazer isso novamente. Assumo total responsabilidade. Vamos passar por isso e vamos passar por isso juntos”.

Via FAR OUT.

Retratos feitos com Inteligência Artificial mostram como seriam hoje John Lennon, Jimi Hendrix, Kurt Cobain e outros

Intitulado “As If Nothing Happened”, os retratos incluem também Freddie Mercury, Elvis Presley, etc.

Em uma nova série de retratos de celebridades, um fotógrafo imaginou como alguns dos maiores nomes do mundo da guitarra seriam se ainda estivessem vivos em 2022.

Você já se perguntou como John Lennon, Kurt Cobain ou Jimi Hendrix seriam se ainda estivessem por aí hoje? O fotógrafo Alper Yesiltas tentou responder a essa pergunta, criando uma série de imagens intituladas "Como se nada acontecesse".

Usando a tecnologia de AI, o artista adaptou artificialmente fotos de alguns dos guitarristas mais famosos de todos os tempos, gerando um retrato de como ele acha que eles ficariam se não tivessem falecido prematuramente.

Com o desenvolvimento da tecnologia de AI, fiquei empolgado por um tempo, pensando que ‘qualquer coisa imaginável pode ser mostrada na realidade'”, escreveu Yesiltas no post original, descrevendo por que ele buscou o projeto. “Quando comecei a mexer com tecnologia, vi o que podia fazer e pensei no que me faria mais feliz. Eu queria ver algumas das pessoas que eu perdi novamente na minha frente e foi assim que esse projeto surgiu.

A parte mais difícil do processo criativo para mim é fazer com que a imagem pareça ‘real’ para mim”, continua ele a escrever. “O momento que mais gosto é quando acho que a imagem à minha frente parece muito realista, como se tivesse sido tirada por um fotógrafo.

Músicos como Janis Joplin, Freddie Mercury, Michael Jackson e Elvis Presley também estão incluídos na gama de retratos, além de rostos famosos do mundo do cinema, como Heath Ledger e Bruce Lee.

Explicando como ele renderizou as dez imagens usadas no projeto, Yesiltas afirma que usou software, incluindo o aprimorador de fotos AI Remini e os programas de edição de fotos VSCO e Adobe Lightroom.

Em outra parte de seu post inicial, o criador também admite que pretende estender o projeto no futuro, possivelmente sob o novo título de Life in 2050.

Via GUITAR.COM

Veja abaixo no trabalho de  Alper Yesiltas, como seriam hoje John Lennon, Kurt Cobain, Freddie Mercury, Elvis Presley e Janis Joplin, além de Jimi Hendrix no início desta matéria.

 

Veja a coleção completa de retratos no post do fotógrafo.

terça-feira, 20 de setembro de 2022

Peter Frampton fará seus últimos shows sentado

Guitarrista luta contra uma doença degenerativa grave.

Peter Frampton revelou que, devido à sua condição de saúde, ele tocará sentado em seus shows finais na Europa.

A lenda da guitarra revelou os detalhes de sua turnê de despedida em uma nova entrevista à revista Classic Rock, dizendo: “Bem. . . minhas pernas não estão boas, e eu decidi que vou me sentar nas próximas datas da turnê na Europa. Eu não posso ficar em pé. Isso seria perigoso para mim agora, porque eu fico tão empolgado quando estou tocando, pois posso cair (risos).

Peter Frampton enfrenta sua doença e lança o ótimo álbum instrumental de covers "Frampton Forgets the Words"; ouça.

Está começando a afetar minhas mãos, mas ainda não o suficiente, então ainda posso tocar um bom lick”, disse Frampton, que é rápido em compartilhar suas ansiedades sobre voltar ao palco novamente.

Mas vou ser honesto, estou tão ansioso com isso. Faz tanto tempo que não toco lá e tenho progredido na minha doença. . . Sentei-me pela primeira vez (na comemoração do 85º aniversário de Buddy Holly) e. . . me senti muito confortável (risos).

Perguntado se ele se arrependeu ao longo de sua brilhante carreira de seis décadas, Frampton admitiu: “Apenas duas coisas: eu teria esperado para fazer um álbum depois de "Comes Alive!", e nunca lançaria "I’m In You". "Breaking All The Rules" teria sido um álbum sucessor muito melhor. E eu não teria feito o filme "Sgt. Pepper".

Em 2019, Frampton anunciou sua aposentadoria das turnês depois de revelar que havia sido diagnosticado com uma doença muscular degenerativa chamada miosite do corpo de inclusão, que acabará prejudicando sua capacidade de tocar guitarra.

O guitarrista disse à Rolling Stone na época: “Decidimos fazer uma turnê de despedida agora, já que não quero sair e não poder tocar bem. Se vou fazer uma turnê de despedida, quero tocar bem. Eu quero arrasar.

Devido à pandemia de coronavírus, porém, Frampton foi forçado a cancelar os shows de 2020 de sua turnê final na Europa e no Reino Unido, até agora.

Confira a próxima programação da turnê de Frampton aqui.

Via GUITAR.COM

segunda-feira, 19 de setembro de 2022

Próximo álbum do Nightwish será o terceiro de uma trilogia

O tecladista e principal compositor do Nightwish, Tuomas Holopainen, falou com o Rauta sobre o que os fãs podem esperar do sucessor de “Human. :II: Nature”. Ele disse (conforme transcrito por BLABBERMOUTH.NET): "Eu sinto que vai ser a terceira parte de uma trilogia iniciada por 'Endless Forms Most Beautiful' (2015)] seguido por 'Human. :II: Nature' e, em seguida, finalizado por este próximo álbum."

Tuomas Holopainen: "quando o Nightwish entregar tudo que puder, eu desisto".

De acordo com Tuomas, o próximo LP cobrirá terrenos anteriormente desconhecidos, continuando no estilo mais cinematográfico que caracterizou alguns dos esforços recentes da banda.

"Sempre há algo novo", explicou. "É importante para minha própria saúde mental, quando se trata de escrever música, que você precise buscar novos territórios e tentar não se repetir. E isso pode ser ouvido no próximo álbum, com certeza, já na demo que nós fizemos."

Perguntado se o próximo disco será mais uma vez uma exploração da ciência evolutiva, como foi o caso dos dois lançamentos anteriores, Tuomas disse: "Sim e não. Ele navega nas mesmas águas, mas há algumas novas surpresas também."

Holopainen continuou dizendo que os fãs do grupo terão que esperar um pouco antes de ouvir novas músicas da banda. “Entraremos no estúdio no próximo ano e o álbum será lançado talvez no início de 2024”, disse ele.

No mês passado, Holopainen disse ao Knotfest que ele e seus companheiros de banda passaram “as últimas semanas” ouvindo uma demo do próximo álbum. "Por causa do COVID, muito tempo livre, decidi usar isso bem, então escrevi todas as músicas para o próximo álbum, fiz uma demo, escrevi as letras e agora estamos discutindo com esses caras", disse ele. , referindo-se ao baterista Kai Hahto e ao resto do Nightwish.

Kai acrescentou: "Sim, tem sido ótimo. Nós seis, na mesma sala, ouvindo demos novas para o próximo álbum, verificando as letras e os vocais e coisas assim. Então tem sido maravilhoso. Esse homem [Tuomas ] tem sido muito produtivo."

No início do mês, Tuomas disse a Rock Sverige que ele passou "cerca de um ano" trabalhando nas músicas e letras para o próximo álbum do Nightwish, "e então terminamos as demos cerca de dois meses atrás. Estamos chegando ao estúdio no próximo verão, então daqui a cerca de um ano", revelou. "Como eu disse, é melhor usar o tempo para alguma coisa."

Perguntado se ele teve algum tipo de inspiração da pandemia, Tuomas disse: "Sim, liricamente há algumas coisas que refletem a pandemia, mas não da maneira que você esperaria".

"Human. :II: Nature." foi lançado em abril de 2020. O sucessor de "Endless Forms Most Beautiful" de 2015 foi um álbum duplo contendo nove faixas no CD principal e uma faixa longa, dividida em oito capítulos, no CD 2.

Em agosto, o Nightwish anunciou a adição do baixista Jukka Koskinen (Wintersun) como membro oficial da banda. Koskinen, que fez sua estreia ao vivo com o Nightwish em maio de 2021 nas duas experiências interativas da banda, passou o último ano em turnê como músico contratado.

domingo, 18 de setembro de 2022

Black Sabbath: como "Paranoid" "matou" os anos 60

Às vezes, um álbum pode fazer você sentar e prestar atenção.  Às vezes pode pegar um grupo de indivíduos anteriormente desconhecido e transformá-los em sua nova banda favorita.  Raramente esses álbuns criam um gênero totalmente novo e, ainda mais raramente um álbum consegue fazer todos os três em apenas oito músicas.  Hoje, no aniversário de seu lançamento, estamos relembrando o magnífico "Paranoid" do Black Sabbath.

Olhando para trás, é fácil ver como o "Paranoid" acabou com o amor livre e os espíritos elevados dos anos sessenta com uma estaca no coração.  Black Sabbath viu o corpo ferido da década, sangrando esperanças tecnicolor de reinos da contracultura e vomitando as falsas promessas de uma geração de artistas e, em vez de realizar RCP, estava feliz em matar a década com uma mão forte sobre a boca e um  fogo nos olhos coletivos da banda.  Este foi o álbum que começou não apenas o domínio do rock do Sabbath, nem se tornou um modelo de heavy metal para todos seguirem.  Este foi o álbum que assassinou os anos sessenta.

O segundo álbum da banda estava cheio de intenções maliciosas quando foi lançado do estúdio por Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Bill Ward e Geezer Butler. Quer eles soubessem ou não, o Sabbath tinha acabado de colocar os anos sessenta em uma cova rasa e eles fizeram isso com um dos discos de heavy metal mais abrangentes de todos os tempos. No final de 1970, a visão do mundo dos anos sessenta e o movimento de amor livre que emanou de São Francisco em 1967 azedaram. Drasticamente.

Muito do que borbulhava no bairro de Haight-Ashbury, o epicentro do movimento de contracultura e o local privilegiado do Summer of Love, foi construído com base na esperança e na crença de que a ação coletiva poderia mudar as coisas. À medida que o tempo passava e nada parecia mudar, exceto a capacidade mental daqueles hippies que participavam continuamente de experimentos com LSD, a visão que havia sido mapeada na década oscilante estava começando a escurecer a cada passo. Em 1970, tudo ficou preto.

Entra o Sabbath.

Se você estava procurando a antítese do bairro nobre de São Francisco, então você só precisa virar a cabeça para os anos setenta de Birmingham, Inglaterra. A cidade sempre teve um coração industrial pulsante, mas agora essas indústrias estavam começando a empacotar. Deixou a cidade em ruínas e as ruas cobertas de pó de carvão não eram exatamente o tipo de lugar que você poderia andar descalço. É fácil ver como as visões e as paisagens sonoras criadas dentro deles combinam com a música que foi feita neles.

Claro, o álbum foi realmente gravado em Londres e supervisionado por Rodger Bain. Embora seja um pouco difícil chamar "Paranoid" de o primeiro álbum de heavy metal, o próprio stonker do Led Zeppelin foi lançado quase dois anos antes, mas certamente tem todas as características e talvez vá um pouco mais longe com sua iconografia obviamente mais distorcida. Enquanto o Zeppelin foi inspirado por Aleister Crowley, sempre parecia que Ozzy e a banda estavam realmente vivendo nele.

Através de músicas como a faixa-título, 'Electric Funeral' e 'Iron Man' os Sabbath criaram um som totalmente novo, extrapolando o melhor do blues e a revolução do rock que o antecedeu, mas agora com uma lâmina brilhante nas costas. Ozzy Osbourne era aquela lâmina muito brilhante, é quase impossível retirar seu carisma deste álbum, ele se integra a cada nota. Vocalmente, ele é magistral, sinceramente magistral. No entanto, é no comando das músicas que ele realmente brilha.

Sob sua orientação, embora não tenhamos certeza de quão consciente ele estava, ele supervisionou o Black Sabbath criando um dos álbuns mais potentes de todos os tempos.  Eles conseguiram porque Ozzy sempre se sentiu incrivelmente autêntico ao cantar as músicas.  Ou neste disco, onde vocalmente ele mostra o quão bom ele realmente era ou no palco – seja o que for, Osbourne tinha.  Na verdade, ele ainda faz.

No resto das oito faixas do disco, há lembretes de por que o Sabbath se tornou um muso-culto.  Seja o alívio enervante de 'Planet Caravan' ou o blues sombrio que ressoa em 'Hand of Doom', aqui está um álbum que é certamente tudo assassino e sem enchimento. Claro, talvez o álbum também tenha uma arma de abertura diferente de qualquer outro LP, a incrível música 'War Pigs'. A faixa tem uma intensidade inigualável e conta tudo o que você precisa saber sobre o que foi esse álbum. Guerra.

Este foi o álbum que confirmou toda a esperança e liberdade dos anos sessenta. Agora, a realidade de uma festa de uma década caiu pesadamente aos pés de uma nova geração. Ao invés de resgatar a situação, com "Paranoid", Black Sabbath acabou com a década inteira de sua miséria.

Via FAR OUT.

quarta-feira, 14 de setembro de 2022

The Beatles: assassino de John Lennon, Mark Chapman, teve sua liberdade condicional negada pela 12ª vez

Mark David Chapman, o homem que atirou e matou John Lennon em 1980, teve sua liberdade condicional negada mais uma vez. Isso torna a 12ª vez que o assassino teve recusada a sua liberdade condicional desde que matou o ex-Beatle em Nova York.

O criminoso de 67 anos foi originalmente condenado a 20 anos de prisão. Tendo cumprido muito tempo além da sentença mínima, ele ainda não é considerado apto para a libertação depois que lhe foi negada a liberdade condicional por um painel em agosto. Ele será elegível para se inscrever mais uma vez em dois anos.

Chapman cumpre pena no Green Haven Correctional Facility, em Nova York, mas de acordo com rejeições anteriores de liberdade condicional, sua libertação permanece “incompatível com o bem-estar e a segurança da sociedade”.

Embora Chapman tenha expressado publicamente arrependimento por suas ações, os conselhos de liberdade condicional anteriores notaram que ele ainda demonstra um “desrespeito insensível” pela dor e sofrimento que causou.

Em 2012, o assassino declarou: “Não foi tudo totalmente a sangue frio, mas a maior parte foi. Eu tentei dizer a mim mesmo para ir embora. Eu tenho o álbum, levo para casa, mostro para minha esposa, tudo vai ficar bem.

Tendo encontrado Lennon cedo naquele dia e recebido uma cópia autografada do registro, ele andou por Nova York contemplando suas ações, mas finalmente acrescentou: “Mas eu estava tão compelido a cometer aquele assassinato que nada me arrastaria para longe daquele prédio”.

Até o momento, nenhum relatório de liberdade condicional foi divulgado publicamente. Ele poderá se inscrever novamente em fevereiro de 2024.

Via FAR OUT.

quinta-feira, 8 de setembro de 2022

Ozzy Osbourne diz 'eu sei que posso voltar ao palco', antes da performance no intervalo da NFL

Seu equilíbrio não é grande, mas o madman diz que está pronto para agitar o palco durante o intervalo do início da temporada da NFL na noite desta quinta-feira (8 de setembro).

Tem sido alguns anos difíceis para o ícone do heavy metal Ozzy Osbourne. Entre cirurgias para tratar uma infecção por estafilococos em 2018, a revelação de seu diagnóstico de doença de Parkinson em 2019, uma batalha de pneumonia que foi seguida por uma queda em casa em 2020, bem como uma grande cirurgia no pescoço em junho e um diagnóstico positivo de COVID-19. ano, o Príncipe das Trevas foi assolado por problemas de saúde.

Mas na noite desta quinta-feira (8 de setembro), o mestre do metal está programado para fazer sua primeira apresentação nos EUA em mais de dois anos, quando tocar no intervalo durante o jogo de abertura da temporada 2022-23 da NFL, entre os campeões do Super Bowl, o Los Angeles Rams. e os Buffalo Bills. Em uma nova entrevista à Kerrang!, Ozzy, 73, disse que está pronto para agitar um palco americano novamente pela primeira vez desde que colaborou com Travis Scott e Post Malone no American Music Awards de 2019 em “Take What You Want”.

Ozzy Osbourne lança “Nothing Feels Right” (Feat. Zakk Wylde), 3° single de seu novo álbum; ouça.

Ozzy Osbourne lança “Degradation Rules” (Feat. Tony Iommi), 2° single de seu novo álbum; ouça.

Ozzy Osbourne lança clipe de “Patient Number 9”, faixa-título de seu novo álbum; assista.

Black Sabbath: Políticos britânicos convocam a rainha para condecorar a banda.

Black Sabbath: Tony Iommi explica a ausência de Geezer Butler na performance nos jogos de Commonwealth.

Ozzy Osbourne voltará a morar no Reino Unido porque está 'farto' dos tiroteios em massa nos EUA.

Vou colocar 110 por cento de mim lá. O tempo é meu bem mais valioso agora. Tenho 73 anos. Não acho que estarei aqui em mais 25 anos”, disse Ozzy à revista hard rock. “Eu tenho um objetivo: o objetivo é voltar ao palco. Fiz minha última cirurgia em junho, não posso fazer mais. Então, o que quer que eu faça disso depende inteiramente de mim agora. Mesmo que eu caia em um show. Mas sei que vou continuar. Eu sei que posso vencê-lo. Eu sei que posso voltar ao palco. É só eu  levantar minha bunda e ir em frente.

O cantor disse que está trabalhando para conseguir seu “ritmo de novo”, admitindo que “meu equilíbrio está fodido, mas tenho que continuar. Quer dizer, eu provavelmente sempre vou mancar. Mas eu não me importo, contanto que eu possa andar por aí sem cair de cabeça. Eu tenho um objetivo: que no próximo verão eu esteja no palco. Se eu me esforçar e ainda não conseguir, pelo menos não posso dizer que não tentei.” O lançamento da turnê "No More Tours 2" de Osbourne foi repetidamente adiada devido à pandemia e aos vários problemas médicos de Ozzy e atualmente está programada para iniciar a perna europeia no início de 2023.

Na entrevista, Osbourne também discutiu a sensação calorosa e estranha de se reunir com um de seus companheiros do Black Sabbath para tocar “Paranoid” nos Jogos da Commonwealth em sua cidade natal de Birmingham, Inglaterra. “Onde eu estava tocando deve ter sido cerca de um quarto de milha de onde ficava a escola [Birchfield Road]”, disse ele sobre sua alma mater de infância.

Foi para lá que Tony [Iommi e eu fomos quando garotos. Se alguém me dissesse naquela época que eu estaria lá tocando nos Jogos da Commonwealth quando eu tivesse 73 anos, eu diria: 'De que porra você está falando?!' Eu estava tocando isso e se eu tivesse parado nos degraus da escola e apontado na direção certa, eu provavelmente poderia ter visto onde eu estaria. Foi fantástico. Isso significou muito mais para mim do que o Sabbath sendo o banco em Birmingham, porque quando eu e Tony fomos para aquela escola, éramos vistos como os párias!"

O 13º álbum solo de Ozzy, "Patient Number 9", será lançado na sexta-feira (9 de setembro), com uma lista de convidados que inclui Iommi, Zakk Wylde, o baterista do Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, o guitarrista do Pearl Jam, Mike McCready, e Duff McKagan, do Guns N' Roses, o falecido baterista do Foo Fighters, Taylor Hawkins, entre outros.

Via BILLBOARD.

quinta-feira, 1 de setembro de 2022

Quando Bill Clinton falhou em reunir o Led Zeppelin

Quando você pensa no Led Zeppelin, a última pessoa que alguém associaria à banda é o ex-presidente dos Estados Unidos, Bill Clinton. No entanto, o ex-governador do Arkansas e executivo da América é um grande fã da banda inglesa e, há uma década, tentou, embora sem sucesso, reunir os membros sobreviventes para um último hurra.

Embora as pessoas normalmente equacionem Bill Clinton com a ideologia política da 'Terceira Via', Monica Lewinsky, e o impeachment, muitos não percebem que ele também é um grande fã de rock, o que muda um pouco as dimensões com que ele é visto.

A chegada do Led Zeppelin mudou a face da cultura popular para sempre. Formados a partir das cinzas da antiga banda do guitarrista Jimmy Page, The Yardbirds, eles rapidamente cultivaram uma base de fãs por trás de seu estilo de rock inspirado no blues, mas mais estrondoso, e ao longo de seus 12 anos como banda, seu som continuou a desenvolver com eles tornando a forma uma fera mais expansiva e encantadora do que nunca.

O poder combinado de Page, o vocalista Robert Plant, o baixista John Paul Jones e o baterista John Bonham foi um espetáculo para ser visto, e eles rapidamente se estabeleceram como a maior banda do planeta, quebrando o recorde dos Beatles de público em shows antes do álbum "Led Zeppelin II" tirar "Abbey Road" do primeiro lugar nas paradas de álbuns. Quando 1970 chegou, o Led Zeppelin era o rei indiscutível do rock, e a década seria deles.

Por que o Led Zeppelin não estava na mesma liga que os Beatles e os Rolling Stones?.

Em 2013, a CBS informou que Clinton revelou que tentou e não conseguiu fazer com que o Led Zeppelin se reformasse no ano anterior, segundo a Billboard. No referido relatório da CBS, David Saltzman, da Robin Hood Foundation, a organização por trás do programa beneficente Hurricane Sandy em Nova York, revelou que ele e o agora desgraçado executivo de cinema e estuprador condenado, Harvey Weinstein, voaram para Washington DC especificamente para se alistar. Clinton tentou ajudá-los a fazer o Led Zeppelin se reunir para o show que contou com nomes como The Rolling Stones, Eric Clapton e The Who.

Clinton concordou com o pedido de Saltzman e Weinstein e abordou Page, Plant e Jones em Washington, em noite de gala do Kennedy Center Honors, que ocorreu apenas alguns dias antes do evento beneficente em prol das vítimas do furacão Sandy. Refletindo o quão positivo era o sonho de Saltzman e Weinstein, nem mesmo o famoso ex-presidente de língua prateada conseguiu que eles se reunissem.

Harvey Weinstein teve essa grande ideia de que poderíamos convocar Bill Clinton para convencer o Led Zeppelin a se reunir”, disse Saltzman. “O presidente foi ótimo, "eu realmente quero fazer isso, será uma coisa fantástica, eu amo o Led Zeppelin’. E o próprio Bill Clinton pediu que o Led Zeppelin se reunisse, e eles não o fizeram.”

Via FAR OUT.

terça-feira, 30 de agosto de 2022

Ozzy Osbourne voltará a morar no Reino Unido porque está 'farto' dos tiroteios em massa nos EUA

O Príncipe das Trevas diz que não quer morrer nos EUA e sim na sua "terra", o Reino Unido .

Ozzy e Sharon Osbourne estão voltando para o Reino Unido.

O astro do rock de 73 anos mora em Los Angeles, mas diz que está "farto" com o número de tiroteios em massa nos Estados Unidos.

Sharon e Ozzy, que se casaram em 1982, moram em Beverly Hills com seus três filhos há mais de 25 anos.

A estrela nascida em Birmingham também disse ao Observer que não quer morrer nos EUA e ser enterrado em Forest Lawn, o cemitério da Califórnia preferido por muitas celebridades.

Estrelas de cinema de Hollywood, incluindo Clark Gable, Elizabeth Taylor e Humphrey Bogart, estão todas enterradas lá.

Ozzy disse: "Tudo é ridículo lá. Estou farto de pessoas sendo mortas todos os dias. Deus sabe quantas pessoas foram baleadas em tiroteios em escolas.

"E houve aquele tiroteio em massa em Las Vegas naquele show... É uma loucura."

"E eu não quero morrer na América", acrescentou. "Eu não quero ser enterrado na porra do Forest Lawn.

Sou inglês. Quero voltar. Mas, dizendo isso, se minha esposa disse que temos que ir morar em Timbuktu, eu vou.

Mas, não, é apenas hora de eu voltar para casa."

Ozzy esteve pela última vez no Reino Unido no início deste mês, quando encantou os fãs com uma aparição surpresa na cerimônia de encerramento dos Jogos da Commonwealth.

Em 2020, ele revelou que tinha Parkinson. Ele havia sido diagnosticado com a doença degenerativa em 2003.

No entanto, Sharon disse que a decisão de voltar para o Reino Unido não tem nada a ver com seu diagnóstico.

Ela disse: "Eu sabia que as pessoas pensariam isso. Não é. É apenas a hora. A América mudou tão drasticamente.

"Não são os Estados Unidos da América. Nada está unido sobre isso. É um lugar muito estranho para se viver agora."

O casal disse anteriormente que o aumento dos impostos nos EUA poderia forçá-los a voltar para o Reino Unido.

Em preparação para seu retorno à sua mansão de 120 anos listada como Grade II em Buckinghamshire, eles cavaram uma piscina, instalaram ar condicionado e construíram um estúdio para Ozzy fazer música.

Eles dizem que vão voltar em fevereiro do ano que vem.

Ozzy lançará seu 13º álbum solo "Patient Number 9" - com Tony Iommi, Jeff Beck, o falecido baterista do Foo Fighters Taylor Hawkins e Eric Clapton em 9 de setembro próximo.

Via SKY NEWS.

Pink Floyd: A música dos Beatles que Richard Wright chamou de "totalmente pueril"

Assim como os Beatles, o Pink Floyd era uma banda adornada com engenhosidade e talento musical. Após o declínio mental do líder criativo original da banda, Syd Barrett, Roger Waters assumiu as rédeas como coordenador conceitual da banda. Enquanto isso, David Gilmour banhava-se no centro das atenções como o extraordinário guitarrista da banda, oferecendo seu tempero melódico único ao seu material progressivo. Durante todo o tempo, parecia que seu pianista, sintetizador e ocasional cantor e compositor, Richard Wright, havia sido excluído.

Nick Mason: "Rick Wright merecia mais reconhecimento pelo que fez no Pink Floyd".

Apesar de aparecer sozinho apenas nos créditos de composição de 14 das 217 músicas lançadas do Pink Floyd, Wright foi uma força fundamental por trás de muitos dos momentos mais memoráveis ​​da banda durante seu mandato de longa duração. Paralelos podem ser facilmente traçados entre a posição de Wright no Pink Floyd e a de George Harrison nos Beatles.

Como uma roupa psicodélica emergente da década de 1960, o Pink Floyd foi eminentemente inspirado pelo último trabalho dos Beatles. Afinal, o sargento de 1967. "Pepper's Lonely Hearts Club Band" é muitas vezes considerado o primeiro álbum de rock progressivo e é regularmente citado como a força central por trás de grandes grupos como Genesis e Yes.

Enquanto Wright estava indubitavelmente intrigado com o último material dos Beatles que falava de submarinos amarelos, céus marmelada, homem-macaco e dez mil buracos em Blackburn, Lancashire, ele não estava tão preocupado com as cantigas de amor anteriores da banda.

Em uma entrevista de 1994 em sua residência em Earl's Court, Wright discutiu alguns de seus discos favoritos enquanto vasculhava sua coleção bestial. Um dos primeiros que ele escolheu foi "Music from Big Pink" da The Band.

Ouça a playlist: "A Arte de Richard Wright no Pink Floyd".

A peça central deste álbum, ‘The Weight’, é uma música incrível”, opinou Wright. “Lembro-me de ver a The Band no Albert Hall no final dos anos 60 e, na minha cabeça, posso praticamente ouvi-los cantando ‘The Weight’ naquele show até agora. A forma como a música é cantada é tão emocional que mal consigo descrevê-la. Como você descreve uma resposta emocional à música? Eu poderia lhe dizer que uma peça se move de um mi bemol maior para fá sustenido ou qualquer outra coisa, mas esse não é o ponto, é?"

Continuando, Wright explicou como The Band foi o primeiro grupo pop que seus ouvidos receberam de braços abertos. “A Band foi a melhor coisa que aconteceu naquela época. Quando eu estava no Floyd, eu não gostava de música pop, eu estava ouvindo jazz, e quando os Beatles lançaram ‘Please Please Me’, eu não gostei nada. Na verdade, eu pensei que era totalmente pueril. Não havia muita coisa na época que me excitasse, mas então eu vi The Band, e eles eram totalmente diferentes, totalmente emocionantes. Como todas essas gravações, há algo nesse álbum que me toca emocionalmente. A música é simplesmente adorável, e torna esta uma escolha particularmente sentimental. Também devo mencionar ‘Tears Of Rage’, uma música brilhante.

Via FAR OUT.

terça-feira, 23 de agosto de 2022

The Who: Como tocar bateria como Keith Moon

Por seu status lendário no rock and roll, Keith Moon não recebe o nível de respeito que merece como músico. Atribua isso às suas travessuras selvagens fora do palco, energia exclusivamente enlouquecida e deterioração infame no final de sua vida, mas aqui estão alguns termos que se ligam ao nome de Moon: desleixado, desfocado, maníaco, exagerado e superestimado.

A própria avaliação de Moon de suas habilidades também foi modesta. “Acho que como baterista, sou adequado”, disse Moon autodepreciativamente à Melody Maker em 1970. “Não tenho aspirações reais de ser um grande baterista. Eu só quero tocar bateria para o The Who e é isso.

Pete Townshend pareceu concordar. “A bateria de Keith Moon era uma expressão de sua personalidade e seu ego e sua grandiosidade e seu ridículo e sua teatralidade e seu senso de humor!” Townshend explicou durante o episódio Classic Albums do "Who's Next". “Muito do que Keith fez foi incrivelmente engraçado… apenas diferentes variações disso tocaram muito, muito rápido. E às vezes ele tocava ‘dum dum dum dum duda-duda-dum dum’ e depois caía no chão.

Mas os outros colegas de banda de Moon foram mais simpáticos. “Se tocássemos nossa música no estúdio, se pudéssemos tocar a bateria, saberíamos que música era porque ele sempre tocava com os vocais”, explicou John Entwistle durante o episódio. De todos os companheiros de banda de Moon, Roger Daltrey foi o que mais elogiou seu estilo de tocar.

Muitas pessoas realmente, realmente, nunca entenderam a importância do estilo de bateria de Keith para o The Who”, explicou Daltrey. “E eu meio que o descrevo pictoricamente como se você imaginasse Pete e John como duas agulhas de tricô e Keith como um novelo de lã. Ele meio que manteria tudo junto, e com os vocais no topo, produziria um produto. Se você tirar Keith disso, meio que desmorona.

Foi o produtor e engenheiro do "Who's Next", Glyn Johns, que provavelmente resumiu melhor o enigma de Keith Moon. “Eu acho que a imagem dele sendo um pouco fora dos trilhos foi algo que ele promoveu, e isso realmente fez com que ele falasse mais sobre qualquer baterista em qualquer banda como resultado, porque ele se tornou uma personalidade: sua imprevisibilidade”, compartilhou Johns. “Mas se você conversar com os fãs do Who, acho que descobrirá que todos o achavam um baterista brilhante, e se você conversar com os músicos, eles concordariam e diriam a mesma coisa. Eles falariam sobre sua habilidade de tocar bateria muito mais do que os outros episódios de sua vida.

Na verdade, você não precisa ir muito fundo para encontrar lendas da bateria como Dave Grohl, Roger Taylor, Clem Burke e Mike Portnoy cantando louvores a Moon the Loon. Praticamente qualquer pessoa nascida depois de 1960 que pegou um par de baquetas ouviu e provavelmente foi inspirada pelo estilo de tocar singular de Keith Moon. Não procure mais do que talvez o maior baterista de rock de todos os tempos, Neil Peart do Rush, para resumir adequadamente a genialidade de Moon.

Certamente é verdade que Keith Moon foi um dos primeiros bateristas a me deixar realmente empolgado com a bateria de rock”, Peart disse ao Modern Drummer em 1980. “Sua personalidade irreverente e maníaca, expressa através de sua bateria, me afetou muito. [Ele me ensinou] uma nova ideia de liberdade e que não havia necessidade de ser fundamentalista. Eu realmente gostei de sua abordagem de colocar pratos de impacto no meio de um rolo. Depois, comecei a adotar um estilo mais disciplinado, à medida que ganhei um pouco mais de compreensão do lado técnico. Para mim, ele era o tipo de baterista que fazia grandes coisas por acidente ao invés de design. Mas a energia, expressividade e inovação que ele representou na época foi muito importante e grande.

A personalidade de Keith Moon foi totalmente formada a partir do dia em que ele apareceu como uma “visão ruiva”, de acordo com Townshend, em um show inicial do Who e assumiu oficialmente o banco da bateria. Mas demorou um pouco para que seu estilo fosse totalmente liberado no disco. Nos primeiros discos do Who, como 'Happy Jack' e 'I Can't Explain', o estilo frenético de Moon é decepcionado pelos modestos padrões de produção da época. Moon está claramente morrendo de vontade de sair do confinamento, mas sua restrição a um pequeno tambor o estava segurando.

O avanço veio no quarto single da banda, 'My Generation'. Estridente e selvagem diferente de qualquer disco que veio antes dele, 'My Generation' apresentava uma estrutura de acordes simples e amplo espaço para Moon se soltar. Entre cada preenchimento vocal veio uma oportunidade para Moon soltar a fera, e no final explosivo da música, o id indomável de Moon foi mostrado para o público pela primeira vez.

Mas para qualquer um que afirmasse que Moon não conseguia manter o tempo ou tocar ritmos complicados, 'My Generation' funciona como um contador perfeito. O padrão shuffle de Moon apresenta o tipo de destreza de pulso amplamente reservada para bateristas de jazz, enquanto sua capacidade de parar e começar junto com as pausas para os vocais principais de Daltrey provou que ele tinha um forte senso inerente de tempo.

Nos anos seguintes, Moon começou a estabelecer a configuração que melhor se adequava ao seu estilo. Essa configuração de bateria e pratos dependia fortemente de toms de rack e pratos de choque, para Moon, era quanto mais, melhor. Em um ponto, Moon extirpou completamente o chimbal de sua configuração, uma decisão que paralisaria qualquer outro baterista. Moon também adicionou bumbos duplos para uma batida adicional, algo que pode ser melhor ouvido no álbum "Live at Leeds".

À medida que o The Who se tornava mais ambicioso em seu escopo, Moon estava ao lado de seus companheiros de banda em intensificar suas habilidades técnicas. 'Underture' de "Tommy", 'Bargain' de "Who's Next" e 'Love Reign O'er Me' de "Quadrophenia" mostraram que Moon entendia o delicado equilíbrio entre seu estilo incansável e a necessidade de contenção quando uma música pedia. O flash e a agressividade de seus hits geralmente são os motivos pelos quais Moon é marcado, mas esses são talvez os exemplos mais importantes a serem apontados ao avaliar as habilidades de bateria de Moon: sua compreensão, embora breve, de manter as coisas simples.

Se você simplesmente agitar a bateria em uma fúria bêbada, descobrirá que na verdade não soa muito como Keith Moon. Para replicar com precisão o estilo de Moon, você deve se concentrar em preenchimentos que seguem padrões vocais, trabalhando sua destreza de bumbo duplo e um estilo agressivo que toca em cada música individual. Para o bem ou para o mal, tudo o que Moon tocou em cada música do Who era diferente, e o que ele deixou para trás foram algumas das faixas de bateria mais fascinantes e emocionantes da história do rock and roll.

Via FAR OUT.

sábado, 20 de agosto de 2022

O filme erótico “agonizantemente ruim” que David Bowie fez com a ex-namorada Susan Sarandon

Encontramos o amor em um lugar sem esperança”, elogiou uma vez exuberantemente a cantora barbadense Rhianna; se ela estava ou não falando sobre o romance sensual que floresceu entre David Bowie e Susan Sarandon em meio à produção de sujeira de cachorro de "The Hunger" ("Fome de Viver")" é uma incógnita, mas certamente soaria fiel à vida. O filme de vampiros sexy esquecido que o crítico Roger Ebert descreveu como “agonizantemente ruim” é um lugar tão esperançoso para o amor florescer quanto o Estádio da Luz em uma tórrida terça-feira de janeiro.

Seu fracasso é uma estranheza quando se trata do pedigree envolvido. Você imaginaria que Tony Scott dirigindo Bowie, Sarandon e Catherine Deneuve em um triângulo amoroso com presas atrevidas em 1983 foi uma aposta infalível como uma brincadeira abrasadora. No entanto, quando você entra no âmago dos detalhes dos detalhes, fica com um caso espalhafatoso e confuso que faz com que o estimado desdém de Ebert seja um jogo justo.

O filme é uma adaptação livre do romance de mesmo nome de Whitley Strieber, lançado dois anos antes. A descrição do romance dá uma ideia vaga do que estamos lidando aqui, diz: “A juventude eterna é uma coisa maravilhosa para poucos que a têm, mas para Miriam Blaylock, é uma maldição – uma existência marcada pela morte e tristeza. Porque para a eterna Miriam, todos que ela ama murcham e morrem. Agora, assombrada pelos sinais da morte iminente de seu adorado marido, Miriam sai em busca de um novo parceiro, alguém que possa saciar sua sede de amor e resistir ao teste do tempo.

Se isso deixou suas calças pingando de emoção, então há mais emoções fortes nesta luta que se desenrola por amor e carne por vir. Continua: “Ela encontra na bela Sarah Roberts, uma jovem cientista brilhante que pode guardar o segredo da imortalidade. Mas uma coisa está entre a intoxicante Miriam Blaylock e o objeto de seu desejo: Dr. Tom Haver… e ele está prestes a perceber que amor e morte andam de mãos dadas.

Se isso ainda soa como um deleite, então essencialmente é porque, em um sentido abreviado, é. Até Ebert, que o pintou com 1,5 estrelas sujas, admitiu que era “uma espécie de erótico sonhador” e circulou em torno de “uma cena de sexo requintadamente eficaz”, mas são as emoções e os derramamentos no meio que dependem mais da história do que da química do celulóide que voam como um aborto que foi umedecido pelo resíduo fumegante que sobrou das cenas de banho atrevidas que não conseguem ventilar totalmente (confira o trailer sensual abaixo).

E se a química erótica é palpável entre o trio do triângulo amoroso ao longo do filme, é porque Bowie e Sarandon estavam desfrutando de um namoro lindamente atraente. Chegou em um momento em que Bowie queria sossegar e se aconchegou nos braços abertos de Sarandon. Como ele disse na época em que os dois foram entrevistados juntos: “Quando você é jovem e está determinado a realizar o grande sonho de 'eu tenho uma grande declaração e o mundo precisa ouvir minha declaração', há algo um pouco irresponsável sobre sua atitude em relação ao futuro. Um não reconhecimento de que o futuro existe. Acho importante que os jovens tenham isso”.

No entanto, infelizmente, como Sarandon explicaria recentemente a você, eles eram amantes e bastante intensos. Bowie queria que eles tivessem uma família juntos, mas “eu não deveria ter filhos”, diz Sarandon ao tocar em sua endometriose. O relacionamento não poderia sobreviver além disso. No entanto, seus dias de romance no set de "The Hunger" e além foram sempre lembrados com carinho.

Felizmente, eles também tiveram a chance de reconciliar seu passado antes da morte de Bowie. Como Sarandon explica sobre sua comovente reunião quando os dias de David estavam contados: “Tive a sorte de estar mais perto dele pouco antes de morrer, nos últimos dois meses. Ele me encontrou novamente. Conversamos e dissemos algumas coisas que precisavam ser ditas. Tive a sorte de poder vê-lo quando ele me contou o que estava acontecendo com ele.

Então, com carinho, ela lembrou: “Eu amo sua esposa Iman, alguém que era tão igual em estatura [a dele]. Era claramente com quem ele estava destinado a ficar. Eu estava tão feliz que ela estava com ele durante tudo isso. E tenho mantido contato com ela. A última vez que o vi foi na estreia de seu musical Lazarus.” Concluindo: “Houve um arco-íris duplo em Nova York no dia em que David Bowie faleceu.

Via FAR OUT.

sexta-feira, 19 de agosto de 2022

Pink Floyd: A travessura adolescente de David Gilmour e Syd Barrett

O Pink Floyd é um dos artistas de rock progressivo mais amados de todos os tempos. Na verdade, até mesmo aplicar o termo “prog-rock” a uma banda como Floyd às vezes pode parecer um pouco exagerado. A verdade é que o Pink Floyd tinha um som único que nenhum outro grupo pode reivindicar, então aplicar qualquer termo ou gênero a eles é algo fútil; eles são simplesmente 'Pink Floyd'.

Pink Floyd: quando Syd Barrett e David Gilmour tocaram Beatles.

A banda foi fundada em 1965 por Syd Barrett, Nick Mason, Roger Waters e Richard Wright, embora o guitarrista David Gilmour se juntasse em 1967, logo após o lançamento do álbum de estreia da banda, "The Piper at the Gates of Dawn". Gilmour e Barrett eram amigos de infância, e o guitarrista certa vez contou a história do encontro com o cantor.

Gilmour disse que conheceu Barrett “Quando eu tinha 14 ou 15 anos. Ele era alguém que as pessoas apontavam na rua; ele tinha esse carisma e magnetismo. Ele era engraçado. Inteligente. Nada passou por ele. Ele estava a par de tudo; bem lido e muito afiado. Eu saía com ele, ia na casa dele, e quando me mudei para Cambridge Tech, costumávamos nos encontrar na escola de arte na maioria das horas do almoço e tocar Bo Diddley e ‘Come On’ dos Rolling Stones.

Infelizmente, Barrett teve que deixar a banda em 1968 devido a um declínio acentuado em sua saúde mental. Isso foi em parte devido ao seu uso extensivo de LSD, e ele se tornou cada vez mais errático e retraído ao longo de 1967 e 1968. O cantor antes enérgico e alegre tornou-se deprimido e atormentado por pensamentos intrusivos.

Outra razão potencial para o declínio de Barrett pode ter sido o fato de que seu pai morreu tragicamente em 1961. Barrett, quando jovem, pode ter empurrado o trauma dessa ocorrência para seu subconsciente, onde provavelmente foi trazido à tona quando ele começou a carreira, experimentando drogas psicodélicas. Isso torna sua retirada da sociedade ainda mais triste.

Gilmour, no entanto, se lembraria dos momentos divertidos que a dupla compartilhou na adolescência e revelou uma anedota divertida dos momentos travessos que costumavam fazer. Ele disse: “No verão de 1965, acho que, enquanto meus pais estavam nos Estados Unidos novamente, peguei carona para o sul da França, e Syd desceu em um Land Rover com um amigo, e me juntei a eles em um acampamento. perto de St Tropez. Bacon e ovos no Primus no café da manhã – fantástico!

Ele acrescentou: “Fomos tocar em St Tropez e fomos presos. No caminho de volta para casa, paramos em Paris e compramos todos aqueles livros safados que eram proibidos na Inglaterra. O Almoço Nu e A História do Olho. Lembro-me de estar sentado no acampamento lendo essas coisas à luz de tochas. Tivemos um grande momento. A morte de seu pai nunca pareceu entrar em nada. Você sabe, todos nós somos muito bons em encobrir essas coisas.

Via FAR OUT.

quarta-feira, 17 de agosto de 2022

Assista ao Pink Floyd reagir calmamente a esta entrevista a um esnobe crítico de música clássica

"Por que tem que ser tão alto?".

É fácil esquecer que mesmo os artistas hiper-influentes mais universalmente aclamados podem se perder em alguns. Na primavera de 1967, o Pink Floyd estava gravando seu álbum de estreia, "Piper At The Gates Of Dawn", quando apareceu no programa de artes da BBC The Look Of The Week, apresentado por Hans Keller, em 14 de maio. A banda tocou um breve trecho de "Pow R. Toc H.", antes de explodir através de "Astronomy Domine". Após a apresentação, Roger Waters e Syd Barrett sentaram-se para conversar com seu anfitrião, Sr. Keller, que não ficou impressionado.

Keller era um crítico de música proeminente especializado em clássicos, ópera e compositores clássicos do século 20, que vieram para o Reino Unido da Áustria para escapar da anexação com a Alemanha. Ele estudou violino e tocou com Oskar Adler, contemporâneo e amigo do influente compositor Arnold Schoenberg. Os interesses de Keller se estenderam além da música para a psicanálise, e ele trouxe uma abordagem cerebral para a crítica musical.

Mas ele não era fã do Floyd. “Talvez eu seja um pouco músico demais para apreciá-los completamente”, diz Keller, acertando seu primeiro golpe verbal em sua introdução. “Talvez seja minha culpa não apreciá-los”, declara em um tom que sugere que não é culpa dele.

Ele abre a entrevista perguntando a Waters: “Por que tudo tem que ser tão terrivelmente alto?”, acrescentando “Eu simplesmente não consigo suportar”. Para seu crédito, Waters e Barrett permanecem imperturbáveis ​​durante o interrogatório, respondendo simplesmente que eles gostavam de volume alto e que tocavam em lugares amplos onde o volume maior se fazia necessário. Deixando de lado o descaso de Keller, a entrevista ocorreu em um momento crucial na história do rock britânico, quando o Floyd liderou a transição de tocar em dancehalls, com o objetivo de manter as pessoas dançando, para realizar shows dedicados onde a performance em si era o foco. Dois dias antes de sua aparição na TV, eles realizaram o show de tendências Games For May no Royal Festival Hall, que apresentou aos fãs as delícias do som Quadrifônico ao vivo.

A influência psicanalítica de Keller se afirma quando ele encerra o segmento comparando a música de Floyd ao tratamento de choque, antes de concluir que sua abordagem representa uma regressão à infância. Por misericórdia eles não tocaram "Mathilda Mother", ou os instintos freudianos de Keller teriam se esgotado.

Via PROG.

Assista a entrevista infame abaixo.

sexta-feira, 12 de agosto de 2022

Black Sabbath: Políticos britânicos convocam a rainha para condecorar a banda

Um grupo de políticos britânicos está pedindo que os membros do Black Sabbath sejam homenageados por seus serviços à música.

Uma seleção transversal de MPs (membros do Parlamento) uniu forças com o líder do Conselho da Cidade de Birmingham, Ian Ward, e a vice-líder, a Conselheira Brigid Jones, e escreveu à rainha pedindo sua "intervenção direta".

O pedido vem menos de uma semana depois que o guitarrista do Sabbath, Tony Iommi, e o vocalista Ozzy Osbourne fizeram uma aparição surpresa juntos na cerimônia de encerramento dos Jogos da Commonwealth em Birmingham, que é sua cidade natal.

Khalid Mahmood, deputado trabalhista de Birmingham Perry Barr, também iniciou uma petição pedindo que a banda seja reconhecida por seus serviços à música e à cidade de Birmingham.

"Apesar de toda a sua fama global, eles mantiveram fortes ligações com Birmingham, demonstrado por seu desempenho surpresa na cerimônia de encerramento dos Jogos da Commonwealth", disse ele.

"Aprecio que este pedido não esteja dentro dos procedimentos normais de busca de honras reais. No entanto, sentimos que esta ocasião extraordinária merece um reconhecimento extraordinário deste extraordinário grupo de músicos", continuou a carta.

"Nós, portanto, buscamos a intervenção direta e o apoio de Vossa Majestade para reconhecer a grande contribuição feita por esses músicos excelentes e inovadores, que foram feitos em Birmingham e que mais uma vez não apenas entretiveram Birmingham, o Reino Unido e toda a Commonwealth mas talvez o mundo."

A formação original do Sabbath surgiu em 1969 com Iommi, Osbourne, Geezer Butler no baixo e Bill Ward na bateria. Essa formação gravou e excursionou até 1978, e periodicamente reformada nos anos 90 e 2000 para trabalhos ao vivo.

Eles se reagruparam novamente no final de 2011 para um novo álbum e turnê, embora Ward desistiu depois de alguns meses por questões financeiras. O Sabbath usou o baterista regular de turnê de Ozzy, Tommy Clufetos, desde então, para trabalhos ao vivo. Brad Wilk, do Rage Against The Machine, lançou as faixas de bateria em "13", que saiu em junho de 2013.

Em fevereiro de 2017, o grupo terminou a turnê "The End" em Birmingham, encerrando a carreira inovadora de 49 anos do quarteto.

"The End" foi a última turnê da banda porque Iommi, que foi diagnosticado com câncer em 2012 e está atualmente em remissão, não pode mais viajar por muito tempo.

O Sabbath escreveu e gravou seu álbum de reunião de 2013, "13", e excursionou por todo o mundo enquanto Iommi estava passando por tratamento para sua doença, com o guitarrista tendo que voar de volta para a Inglaterra a cada seis semanas.

Via BLABBERMOUTH.