Confraria Floydstock: classic rock
Mostrando postagens com marcador classic rock. Mostrar todas as postagens
Mostrando postagens com marcador classic rock. Mostrar todas as postagens

quarta-feira, 28 de setembro de 2022

Black Sabbath: "Neve Say Die!" - o derradeiro álbum da formação original

Se alguma vez um título de álbum foi provado falso, foi este. Após a demissão de Ozzy Osbourne em 1979, "Never Say Die!" acabou sendo o último álbum de estúdio feito pelo Black Sabbath original. E assim permanece, dada a ausência de Bill Ward no álbum de retorno da banda, "13".

Tendo saído brevemente do Sabbath em 1977, Ozzy admitiu que estava bastante desgastado durante a gravação de "Never Say Die!". "Todo mundo estava fodido", disse ele. "Mas não importa o quão fodido eu estivesse, eu ainda acordava cedo de manhã porque sempre tive esse distúrbio do sono, sempre me fodendo.

O resto do Sabbath acordava tarde porque eles estavam usando suas drogas, ou o que quer que fosse, a noite toda. Eles apareciam e tocavam, mas naquela época eu perdi a faísca, você sabe ? Até hoje não sei os detalhes, mas presumo e provavelmente estou errado, que Tony me queria fora da banda."

Mas mesmo carregando seu cantor, o Sabbath ainda produziu flashes de brilho na explosiva faixa-título do álbum, o boogie "A Hard Road", e a bela e influenciada pelo jazz "Air Dance", com Don Airey (Rainbow/Deep Purple) no piano. E em meio a todo o trauma, "Never Say Die!" pode ser um dos álbuns mais subestimados do Sabbath.

Via LOUDERSOUND.

10 bandas de prog rock que já foram "pop"

Bandas de rock progressivo indo para o pop é um fenômeno bem estabelecido. E é um que ainda acontece hoje, acredite ou não.

Você tem uma banda de prog favorita que posteriormente se interessou pela música popular? Embora o mundo mainstream do rock possa parecer um anátema para os roqueiros progressivos, a jornada que vários trilharam de um lado para o outro parece trair essa noção.

Quais bandas você pode pensar que fizeram a troca? Em retrospecto, há sem dúvida uma era do rock que aparentemente viu mais proggers se tornarem pop do que qualquer outra.

Isso seria a década de 1980, que foi de longe o período mais visível em que as bandas de rock progressivo se tornaram pop em grande escala. Talvez a atração da música de sucesso dos anos 80 tenha sido demais para algumas bandas progressivas suportarem, foi uma década cheia de roqueiros progressivos atravessando essa linha.

Afinal, o final dos anos 70 foi um "tempo difícil para ser um roqueiro progressivo", como explicou o uDiscoverMusic. "As assinaturas de tempo complicadas, suítes conceituais épicas e riffs de arrebentar os dedos que definiram o rock progressivo em seu auge no início e meados dos anos 70 caíram em desuso."

Claro, uma banda de rock progressivo indo para o pop não significa que eles não possam voltar ao prog a longo prazo. Esse tem sido o caso de muitos artistas prog que tentaram sua sorte no pop.

Enfim, sem mais delongas, aqui estão 10 dessas bandas de rock progressivo que viraram pop. Quem você adicionaria à lista?

The Mars Volta.

O Mars Volta passou uma década refinando seu rock progressivo moderno até se separar em 2012. Mas seu álbum de retorno auto-intitulado de 2022 evita o progressivo por músicas melódicas que não passam muito da marca de três minutos. O guitarrista Omar Rodriguez-Lopez chamou de "nossa versão do pop" para o The New York Times.

Genesis.

O Genesis continua sendo o modelo discutível de uma banda progressiva que se tornou pop, graças ao seu hit de 1991 "I Can't Dance". O single encerra perfeitamente o abismo prog dos anos 80. E colocou uma rosa no nariz do cantor Phil Collins, o membro do Genesis que já havia obtido grande sucesso com seu material solo.

Rush.

Rush também não resistiu ao pop. Como os fãs de longa data do Rush sabem, "Permanent Waves" de 1980 encontra o combo explorando a nova onda e o reggae; o álbum gerando um hit conhecido com "The Spirit of Radio". Eles seguiram no ano seguinte com o simpático "Moving Pictures" – que abre com a música popular mais duradoura do Rush, “Tom Sawyer”.

Yes.

O Yes percorreu um caminho interessante do prog ao pop: eles se separaram no meio disso. Depois de quase 15 anos, o grupo se separou inicialmente em 1981. Quando eles voltaram com uma formação reformulada dois anos depois, eles fizeram suas ambições conhecidas com o hit pop de 1983 "Owner of a Lonely Heart".

Pink Floyd.

Até o Pink Floyd mergulhou no sucesso pop. Depois de "Another Brick in the Wall, Part 2", de 1979, ficar em primeiro lugar em vários condados, talvez a atração pelas paradas fosse forte demais para evitar. É por isso que "A Momentary Lapse of Reason" (1987) soa mais como o disco solo new-wavey de David Gilmour de 1984, "About Face", do que um álbum do Floyd?

The Moody Blues.

O pop-rock "Long Distance Voyager" (1981) é o álbum que puxou The Moody Blues para a esfera pop. O grupo passou as duas décadas anteriores destruindo seu proto-prog art rock antes de "Voyager" dar a eles dois singles no Top 20 nos EUA, "Gemini Dream" e "The Voice". Foi a primeira vez que os Moodies apareceram nas paradas americanas de álbuns de rock.

Emerson, Lake & Palmer.

Em 1977, o super-trio progressivo de Emerson, Lake & Palmer atingiu o auge com sua obra-prima do rock jazz "Works Volume 2". Mas antes de se separarem no final dos anos 70, eles lançaram "Love Beach", de 1978, criticamente ridicularizado. São todas músicas rápidas e amigáveis, além de um final de 20 minutos.

Asia.

Asia fez o pop dos anos 80 melhor do que muitos outros proggers. Mas isso é porque eles não são uma banda progressiva que virou pop e sim um supergrupo de músicos progressivos (John Wetton do King Crimson, Steve Howe e Geoff Downes do Yes, Carl Palmer do Emerson, Lake & Palmer) que se uniram especificamente para fazer rock para as massas. Seu hit de 1982 "Heat of the Moment" confirma isso.

King Crimson.

King Crimson foi menos pop, em termos de busca pelo apelo mainstream, do que vários outros nesta lista. Mas os ouvintes não podem negar que o líder da banda Robert Fripp faz experiências com o dance rock no álbum de 1982, "Discipline". E outros esforços do Crimson buscam o mesmo espaço sonoro da nova onda dos anos 80.

Jethro Tull.

Mesmo os titãs do prog-folk Jethro Tull não estavam a salvo de uma onda pop. Eles começaram os anos 80 incorporando música eletrônica em seu rock. Em "Under Wraps", de 1984, o mentor do Tull, Ian Anderson, se curva ao synth-pop inserindo-o na música da banda. Ele resume uma era de Tull que alguns fãs de longa data ainda se recusam a reivindicar.

Via LOUDWIRE.

terça-feira, 27 de setembro de 2022

Summer Breeze Brasil anuncia Bruce Dickinson para o line up de 2023

1ª edição no Brasil acontecerá no Memorial da América Latina, em São Paulo, nos dias 29 e 30 de abril próximos.

A organização do festival Summer Breeze Brasil anunciou agora há pouco o show de Bruce Dickinson, frontman do Iron Maiden, para o seu line up inaugural de 2023 no país.

Dias atrás, noticiamos aqui que o vocalista da Velha Donzela voltaria ao Brasil para apresentações onde executará na íntegra o Concerto Grupo e Orquestra, composto por Jon Lord do Deep Purple, além de outras canções da banda que tanto lhe inspirou.

Logo, ao que tudo indica, seu show no Summer Breeze deverá ser neste formato.

As vendas dos ingressos Summer Pass (para os Dois dias de festival) começam hoje às 14 horas pelo horário de Brasília. Confira nos link abaixo mais informações sobre as vendas das outras modalidades de ingressos e as demais atrações já confirmadas.

Summer Breeze Brasil: confira os preços de todos os ingressos.

Summer Breeze Brasil anuncia suas primeiras atrações para a sua 1ª edição no país.

Confira o último show de Cliff Burton com o Metallica

O segundo baixista do Metallica, Cliff Burton, morreu na Suécia em 27 de setembro de 1986. Burton tocou nos três primeiros álbuns da banda, incluindo o que é considerado um de seus melhores trabalhos, "Ride the Lightning", de 1984. Burton infelizmente morreu em um acidente de ônibus enquanto a banda estava em turnê na Suécia, e os membros restantes do Metallica se lembraram do último show que Burton fez em Estocolmo.

Acabamos de tocar em todos os Odeons na Inglaterra, que são esses antigos cinemas de 3.000 lugares”, lembra Lars Ulrich. “Chegamos à Escandinávia, onde eles eram mais como buracos de hóquei no gelo, menores, mais frios, mais escuros. Era uma vibe diferente. Fizemos o show em Estocolmo, e foi incrivelmente bem. Pode ter sido um caso raro em que tocamos uma música adicional que não estava no setlist porque o show era muito bom. Isso não é algo que fizemos muito naquela época ou agora. Então, houve uma boa vibração.

Fizemos muita imprensa e fizemos uma sessão de fotos para uma revista sueca chamada OK, que era quase como uma revista adolescente”, acrescentou Ulrich. “Nós estávamos sentados no ônibus depois, falando sobre como foi legal, e Cliff e eu estávamos saindo, tomando uma cerveja. Está um pouco confuso agora, mas foi um bom dia.

A turnê europeia já havia sofrido algumas dificuldades. James Hetfield quebrou o pulso enquanto andava de skate, o que significava que ele não podia tocar guitarra. No entanto, no show de Estocolmo, que seria o último de Burton, Hetfield conseguiu tocar guitarra durante a música final do set, 'Blitzkreig'.

Lembro-me de nós cinco, muito felizes por James estar de volta e tocar, parecendo ter uma recuperação bastante saudável”, disse Kirk Hammett sobre o retorno de Hetfield. “Lembro-me claramente que o show foi bom, e a sensação quando saímos do palco foi realmente ótima, positiva e voltada para o futuro. Tipo, 'Ótimo, James está de volta, e não vai demorar muito até voltarmos ao que era antes.'

Lembro que quando estávamos prestes a sair no ônibus, os fãs começaram a correr em nossa direção”, acrescentou Hammett. “E Cliff disse: ‘Olhe para eles. Eles parecem zumbis!” Ele era meio zumbi. Estávamos todos apenas rindo. Então começamos a jogar cartas. E tivemos uma longa, longa viagem. E todo mundo sabe o resto.

Após o show em Estocolmo, o Metallica embarcou no ônibus da turnê para levá-los ao próximo local. Os membros da banda reclamaram que os arranjos de dormir no ônibus eram um pouco desconfortáveis, então Hammett e Burton jogaram um jogo de cartas para ver quem poderia dormir em qualquer beliche que desejassem. Burton venceu o jogo e dormiu em um dos beliches que Hammett havia ocupado anteriormente.

Por volta das 7 da manhã, o ônibus derrapou para fora da estrada e Burton foi jogado para fora da janela do ônibus na estrada, onde o ônibus caiu sobre ele, e ele morreu tragicamente com o impacto. O motorista alegou que havia gelo preto na estrada, mas Hetfield também o acusou de estar bêbado. No entanto, esta alegação não foi apoiada, e nenhuma acusação foi feita contra o motorista.

Hammett insistiu que a melhor coisa a fazer como banda era que eles continuassem em memória de Burton. “Não sabíamos o que estava para cima, para baixo ou para os lados, e decidimos que a coisa mais inteligente que poderíamos fazer era continuar”, disse Hammett. “Colocamos Cliff para descansar uma ou duas semanas após o acidente, e não houve cinco minutos de descanso depois disso, porque se diminuíssemos a velocidade, tínhamos medo de desaparecer no nada.

Ulrich disse que estava sentimental e reflexivo após a trágica morte de seu amigo. “Você faz uma pausa, reflete, pensa, aprecia, é humilhado”, disse ele. “Eu me movo tão rápido através de um monte de coisas que eu nunca desacelero o suficiente para refletir. E ocasionalmente, quando você senta com algumas das coisas às 2 da manhã, você pensa 'Uau.' Quando você senta lá e ouve as duas últimas músicas ou olha as fotos do último show com ele, ele pára você em suas trilhas enquanto você lida com isso. Então, com coisas assim, você para por um segundo e pensa em todas as loucuras e altos e baixos e o quanto sentimos falta de Cliff, mas também como somos afortunados por ainda estar aqui fazendo isso e que as pessoas ainda se importam.

Via FAR OUT.

Confira abaixo o áudio completo do predestinado show de Estocolmo.

segunda-feira, 26 de setembro de 2022

"Dio: Dreamers Never Die" é o documentário que Ronnie James Dio merece

Iluminado, engraçado e ocasionalmente brutalmente honesto, fime é um retrato perspicaz de uma das figuras mais amadas do metal.

Que Ronnie James Dio continua sendo um dos maiores vocalistas de rock e metal de todos os tempos é incontestável, uma verdade objetiva em uma forma de arte definida por gostos extremamente subjetivos. O motivo pelo qual ele é tão considerado é o foco de "Dio: Dreamers Never Die", o novo documentário autorizado que examina a vida de Dio desde seus dias de infância no interior de Nova York, passando por suas icônicas reviravoltas em Rainbow, Black Sabbath e Dio, até sua morte em 2010. Por vezes, familiar, esclarecedor e até engraçado (como o relato do fotógrafo Gene Kirkland de como foi tirar a foto da banda para o álbum "Holy Diver"), "Dreamers Never Die" é um passeio bem ritmado e envolvente do início ao fim .

À medida que uma linha do tempo linear percorre a vida de Dio, um panteão de luminares, incluindo Rob Halford, Tony Iommi, Geezer Butler, Jack Black, Glenn Hughes e a esposa e gerente de Dio, Wendy, pesam com anedotas e insights coloridos, na grande tradição do rock arquetípico.

Amplas imagens de arquivo do próprio Dio revelam um homem tão obstinadamente ligado à sua visão artística que perdeu empregos no Rainbow e no Sabbath em vez de chegar a um acordo com vários colegas de banda. Em última análise, a formação e ascendência de Dio, sua banda solo, validaria que seu som, seus temas e sua personalidade de palco de demônios e magos, tocando chifres, atingiria um acorde ressonante entre os fãs de rock que buscavam uma marca de música que emocionasse e empoderasse ao mesmo tempo.

Felizmente, nem tudo é um elogio servil. Uma cena assustadora com Don Dokken mostra o perfeccionismo inflexível de Dio e seu lado sarcástico, de uma maneira totalmente pouco lisonjeira. Em última análise, no entanto, esta é uma produção autorizada e a lenda duradoura de Dio está bem preservada. Na verdade, Ronnie James Dio realmente era um cara amigável e acessível que sempre arrumava tempo para seus fãs. Mas ele também era um artista complicado, de força de vontade e altamente introspectivo com medidas saudáveis ​​de orgulho e ambição, todas as quais aparecem mais brilhantemente através dos comentários de seus ex-colegas de banda; por exemplo, o baterista Vinny Appice lançando fitas antigas das primeiras jam sessions de Dio e revelando que "Rainbow In The Dark" quase foi pro lixo, porque Dio odiou muito depois do primeiro take.

O tratamento do filme sobre os últimos dias de Dio, contado principalmente por Wendy, é difícil, particularmente a história de sua última sessão de estúdio, onde ele gravou uma impressionante versão solo de "This Is Your Life". E sim, as origens dos chifres do diabo são cobertas com os devidos detalhes, com o próprio Dio explicando que eles foram inspirados por Ozzy Osbourne, a quem Dio substituiu no Black Sabbath, jogando o sinal da paz no palco.

A marca registrada de um documentário convincente é sua capacidade de informar e entreter não apenas aqueles familiarizados com o assunto, mas, mais importante, os não iniciados. A este respeito, "Dio: Dreamers Never Die" bate fora do parque com um retrato ricamente matizado e perspicaz de uma das figuras mais amadas do metal. Visualização essencial.

"Dio: Dreamers Never Die" chegará aos cinemas de todo o mundo a partir de 28 de setembro.

Via Metal Hammer.

Shows de Roger Waters na Polônia são cancelados por sua posição sobre a Guerra da Ucrânia

Palavras do músico culpando os nacionalistas ucranianos pela atual invasão provocou a fúria polonesa.

Os dois shows poloneses de Roger Waters em sua próxima turnê europeia "This is Not A Drill" foram cancelados, com a BBC relatando que a posição do ex-Pink Floyd sobre a situação atual na Ucrânia é o principal motivo. Waters deveria fazer dois shows em Cracóvia em abril de 2023.

Em uma carta aberta à primeira-dama da Ucrânia, Olena Zelenska, Waters afirma que "nacionalistas extremistas" na Ucrânia "colocaram seu país no caminho para esta guerra desastrosa", enquanto acusa seu marido, o presidente ucraniano Volodymyr Zelensky, de não cumprir sua promessa de campanha de trazer paz à região de Donbass. Waters não menciona a responsabilidade da Rússia pela guerra.

Em resposta, Zelenska twittou que era a invasão russa da Ucrânia que estava destruindo suas cidades e matando civis, afirmando: "Roger Waters, você deveria pedir paz ao presidente de outro país".

Isso, por sua vez, levou Łukasz Wantuch, vereador de Cracóvia, a instar as pessoas a boicotarem os dois shows programados para a cidade. Vereadores da cidade redigiram uma resolução para declarar Waters persona non grata, que será votada na sessão de 28 de setembro. A Polônia tem sido um forte aliado da Ucrânia desde o início da invasão.

"Levando em conta o ataque criminoso da Rússia à Ucrânia, bem como o crescente número de crimes de guerra cometidos por soldados russos que estão vindo à tona, [os conselheiros] expressam indignação com as teses e declarações feitas por Roger Waters em conexão com a invasão russa de Ucrânia", afirma a resolução.

Em resposta, Waters postou: "Hey Łukasz Wantuch, Leave them kids alone", fazendo referência à letra de "Another Brick in the Wall", do Pink Floyd.

A promotora do show, Live Nation Poland, não deu nenhuma razão para o cancelamento além da confirmação de que não iria adiante.

Na semana passada, Waters anunciou três shows no Reino Unido como parte da turnê em andamento, que ele descreveu, com ironia, como sua "primeira turnê de despedida".

Via PROG.

domingo, 25 de setembro de 2022

Black Sabbath: os 50 anos do álbum "Vol.4"

Vindo do vasto deserto industrial de Birmingham (a Detroit do Reino Unido), o Black Sabbath lançou sua estreia auto-intitulada em 1970 e mostrou ao mundo como o rock and roll pode ser macabro e ainda soar estelar. Eles provaram ser o terceiro e último elo ao lado de Led Zeppelin e Deep Purple como as três principais bandas que iniciaram o ataque do heavy metal. Depois disso, eles fariam "Paranoid" e "Master of Reality" com grande sucesso. Mas em 1972, como todos os quatro membros estavam no meio do excesso de narcóticos, eles se retiraram para Los Angeles para gravar o "Vol. 4" depois de três anos seguidos de turnês e festas. O álbum em si custou US$ 65.000 para ser gravado quando, na verdade, eles gastaram US$ 75.000 em cocaína durante toda a sessão de gravação, a droga preferida neste momento de sua carreira. A capa do álbum ainda afirma: “Desejamos agradecer à grande COKE-Cola Company de Los Angles”. Mas o resultado final seria uma marca registrada para muitas bandas de hard rock que apareceriam nos próximos 30 anos e serviriam como protótipo para o stoner-metal. Entendi, gente. Se não fosse o "Vol. 4", não haveria Kyuss.

"Vol. 4" é acelerado quando “Wheels of Confusion/The Straighter” se transforma em oito minutos de caos progressivos cheios de riffs. Sendo uma das introduções mais soberbas para um álbum, a música contém o lendário guitarrista Tony Iommi tocando em um modo de boogie completo enquanto o baterista Bill Ward exibia seus colapsos de jazz ao estilo de Gene Krupa. O álbum gira em seu perímetro mais melódico e astuto com precisão absoluta graças à cadência do baixo fuzzed de Geezer Butler em “Tomorrow’s Dream”.

Ao longo dos anos 80 e início dos anos 90, no auge de sua carreira solo, o vocalista Ozzy Osbourne fez muito sucesso com uma série de baladas neoclássicas como "Mama I'm Coming Home", "No More Tears” e o dueto com Lita Ford, “Close My Eyes Forever”. Mas antes de tudo isso, ele ficou com os pés molhados no "Vol. 4" com as muito fervorosas “Changes”. Ozzy mais tarde cantaria em um dueto da mesma música 31 anos depois com sua filha Kelly, que alcançou o primeiro lugar nas paradas de singles do Reino Unido em dezembro de 2003. Como o Led Zeppelin estava prestes a lançar "Houses of the Holy" no ano seguinte, influência de os ganchos acústicos folclóricos de “Laguna Sunrise” sem dúvida tinham passado para “Over the Hills and Far Away”.

Uma das muitas características que tornam o "Vol. 4" tão incrível é o efeito cascata que causou para dar o pontapé inicial em alguns subgêneros do metal. “FX” é um minuto e meio de lamentação assustadora que salta para o tumulto da raiva na estrada de “Supernaut”, onde Bill Ward bate seus címbalos de bateria como um agiota faz com um caloteiro. Essa música por si só seria um estêncil para bandas como Motorhead e até certo ponto, Queens of the Stone Age, com sua mistura de riffs esticados e o chocalho do chocalho. Como a homenagem à cocaína “Snowblind” (que seria o título original do álbum) e “St. Vitus Dance” brilharam no mundo, Ozzy e companhia lançaram a primeira pedra para o que se tornaria o boom underground da cena doom metal no início do século 21 com a eclosão de bandas como High on Fire, Mastodon e Probot.

"Vol. 4" marcou oficialmente o início do fim do Black Sabbath, pois eles teriam apenas mais dois álbuns estelares na forma de "Sabbath Bloody Sabbath" e "Sabotage" antes que todos os membros sucumbissem aos seus vícios de drogas e egos enormes. O "Vol.4" mostra claramente os dias de glória do Sabbath enquanto eles estavam no auge antes que a formação original fosse dissolvida apenas seis anos depois.

Via TREBLE.

sexta-feira, 23 de setembro de 2022

Venom Inc lança o novo álbum “There’s Only Black”; ouça e assista ao clipe da faixa-título

Os pioneiros do metal extremo lançam hoje novo álbum "There's Only Black" e aproveitam para lançar videoclipe para a faixa-título.

Quer anunciar sua banda/artista/eventos/notícias/produtos musicais na Confraria? Mande seu material para confrariafloydstock@gmail.com

O dia chegou para os pioneiros do metal extremo VENOM INC. lançarem seu novo álbum “There’s Only Black”. Este novo lançamento representa um forte ataque á hipocrisia e ao conformismo da sociedade atual e uma demonstração de superioridade musical de uma banda responsável por criar um gênero musical.

Para celebrar este grande momento a banda aproveitou para lançar um videoclipe para a faixa-título 'There's Only Black'.

Com 40 anos de formação e revitalizados entre os anos 1989 – 1992, o guitarrista Jeff “Mantas” Dunn, o vocalista/baixista Tony “Demolition Man” Dolan e o baterista Jeramie “Warmachine” Kling retornam com um álbum matador que precede o álbum de estreia “Avé” sem mostrar nenhum tipo de sinal de desaceleração.

O álbum será lançado no Brasil pela parceria Shinigami Records/Nuclear Blast Records.

Assista ao clipe de “There’s Only Black”:


Ouça o álbum na íntegra: https://reverberamusicmedia.us4.list-manage.com/track/click?u=6af45f8036034146911da9a53&id=2036bc363c&e=68c21a31ef

Tracklist:

01    How Many Can Die    (03:21)
02    Infinitum    (03:47)
03    Come To Me    (03:46)
04    There's Only Black    (04:49)
05    Tyrant    (05:25)
06    Don't Feed Me Your Lies    (05:51)
07    Man As God    (03:23)
08    Burn Liar Burn    (05:32)
09    Nine    (03:34)
10    Rampant    (04:06)
11    The Dance (04:54)
12    Inferno    (05:19).

quinta-feira, 22 de setembro de 2022

Há 50 anos David Bowie conquistava a América

O saudoso camaleão fez seu primeiro show nos EUA em 22 de setembro de 1972 e o pianista Mike Garson, recém-contratado para a banda à época, relata a sua experiência.

David Bowie fez seu primeiro show nos Estados Unidos em 22 de setembro de 1972. Como seu novo pianista, Mike Garson, logo descobriria, a empolgação pela estreia de Bowie vinha se acumulando ao longo de um longo período.

O fato de sua apresentação inicial ter ocorrido em Cleveland foi bastante apropriado. Bowie vinha recebendo desde o início o apoio de rádio do WMMS, a futura potência do rock que também era muito jovem em seu desenvolvimento. Brian Sands, um músico de Cleveland, também estabeleceu o primeiro fã-clube dos EUA para Bowie e sua música.

Billy Bass do WMMS disse que finalmente “viu a luz” quando o colega DJ Denny Sanders compartilhou o single de Bowie com ele, sabendo que havia algo lá. "Começamos a tocar 'Space Oddity'", disse Bass ao Cleveland Scene em 2018. "Quase no dia seguinte, ou assim parecia, "Hunky Dory" saiu. Agora, tínhamos mais para tocar desse tipo de música. E então, "Ziggy Stardust" sai. Também tivemos Lou Reed, Mott the Hoople e T. Rex. Quanto mais tocávamos, mais populares ficávamos.

Bowie continuaria a se tornar mais popular também, mas esses triunfos ainda estavam no horizonte. Nesta entrevista inédita, Garson relembrou a visita inaugural à América com Bowie, sua audição para se juntar ao Spiders from Mars e como tudo mudou em um curto período.

Quais são suas lembranças de tocar aquele primeiro show com David Bowie em Cleveland?

Eu tinha acabado de entrar na banda e por ser o primeiro show, eu não conhecia as cordas. Já, David havia despertado muita emoção na América, mesmo sendo a primeira turnê. Então, quando terminamos o último bis, eles não tinham me informado sobre o que estava acontecendo. A banda desceu por um elevador por um estacionamento e eles saíram correndo do palco. Estou colecionando minhas músicas no piano e tomando meu tempo porque estou acostumado a tocar em clubes de jazz e, de repente, há milhares de pessoas invadindo o palco. [Risos] Então, essa é a experiência que eu lembro.

A banda, antes de você chegar, estava em turnê por quase um ano naquele momento. O que os outros membros da banda disseram a você enquanto as coisas progrediam no que diz respeito à evolução das coisas e o que eles passaram durante o processo?

Todos eram pessoas do tipo trabalhador. Eu acho que o baterista [Woody Woodmansey] estava fazendo encanamento e alguém estava fazendo outra coisa, muito, muito operário. Acho que todos ficaram chocados que, de repente, os Spiders From Mars decolaram. Eu era meio que uma chave inglesa no pneu porque eu estava trazendo uma coisa totalmente diferente. De certa forma, isso interrompeu a vibração deles, mas também contribuiu para isso, então era uma faca de dois gumes. Ele adicionou muitos componentes excelentes. Mas para responder à sua pergunta, eles foram muito humildes sobre isso. Mick Ronson é um dos homens mais legais com quem já trabalhei, e ele é realmente um herói desconhecido. Fiz dois de seus álbuns solo e excursionei com ele. Ele nunca teve seu reconhecimento total, embora, você sabe, quem realmente conhece David sabe que sua contribuição foi extremamente forte.

Você fez o teste para o show com Mick Ronson. O que você acabou descobrindo sobre o que Ronson amava em você como músico?

Bem, antes de tudo, ele próprio era um pianista, certo?

Certo, sim.

Ele também era um orquestrador muito bom. Muitas dessas partes de cordas que você ouve nesses álbuns eram dele. “Life on Mars” e “Starman”, foram seus arranjos. Quando toquei a música “Changes”, tendo muita experiência no mundo do piano com virtuosismo e harmonias de jazz muito avançadas e habilidades de improvisação que geralmente estão fora do alcance de um músico de rock, tudo aconteceu nos primeiros oito segundos de música. Ele soube imediatamente: “Isso vai ajudar essa música”. Foi assim que a audição foi rápida: foram oito segundos.

Você fez dois discos solo de Ronson e duas de suas turnês. Qual é o vínculo que você viu se desenvolver entre você e Ronson como músicos?

Já toquei com centenas de guitarristas, literalmente. Há os guitarristas de jazz e há os guitarristas de fusio, vamos colocá-los em uma categoria separada. Digamos que eu toquei com 100 guitarristas de rock. Há Mick Ronson e então todo o resto vem por baixo dele. Isso é o quão bom ele era porque ele simplesmente não era um triturador barulhento. Ele era apenas um cara que era muito musical porque pensava como uma orquestra. Ele encontrou belas melodias e tinha um belo tom. Ele era ótimo em inventar ganchos. Ele era música. Você sabe, nós apenas saíamos para jantar à noite e ele era uma pessoa calorosa. Ele até me avisou para não fazer muito trabalho de estúdio depois que as turnês acabassem e tudo mais. Ele disse: “Você vai se transformar em torrada branca se estiver apenas tocando no álbum de todo mundo e não sentir isso. Faça apenas o que você gosta.” Em noventa por cento das vezes, fui capaz de seguir essas palavras.

Que tipo de conhecimento você tinha sobre Bowie indo para aquela audição? Estou curioso para saber o quão nervoso você estava ou não com base em sua consciência do que você estava procurando.

A consciência era zero porque eu nunca tinha ouvido falar do cara. Então eu não estava nem um pouco nervoso. Eu nem sabia para que eu ia fazer um teste. [Risos.] Eu não tinha Google ou YouTube para pesquisar sobre ele, sabe? Eu vejo esses personagens selvagens e eles são todos de cores de cabelo diferentes e as roupas diferentes que eles estão vestindo e eu estou lá de jeans e camiseta e penso: “Isso é loucura, mas eu gosto”. Foi o que aconteceu. Mas só fui contratado por oito semanas e acabei sendo o músico mais antigo.

Parece o espetáculo em que você entrou.

Vamos colocar desta forma. Estávamos ensaiando e havia esses grandes oradores de frente para mim. Estou acostumado a fazer shows de jazz acústicos sem nada. Eu disse: “Pessoal, o sistema de PA está na minha cara e apontando direto para mim”. Todos riram e apontaram para o sistema de som real, que era 6 metros mais alto do que o que estava de frente para mim. O que estava diante de mim eram apenas meus monitores, então foi um choque cultural. A boa notícia foi que David aproveitou meus talentos de jazz, música clássica e vanguarda, e ele meio que adicionaria isso à sua receita. Eu era talvez o chantilly no bolo ou algo assim.

Sim, você mencionou a perturbação que causou com os outros membros da banda. Foram suas tendências de improvisação e coisas assim que abalaram as coisas?

Eu penso que sim. Ainda é assim, mesmo com as bandas com as quais tenho viajado nos últimos quatro anos, sou um canhão solto e acho que era isso que ele gostava em mim. Você sabe, eu sei quando tenho que tocar as introduções e os finais e certas partes, mas provavelmente estou improvisando entre 50 e 70 por cento todas as noites. De todos aqueles 1.000 shows que fiz com ele, sempre foi diferente. Toquei “Life on Mars?” provavelmente 200 vezes, mas sempre foi diferente.

Via UCR.

Rick Wakeman apresentará seus clássicos álbuns solo em dois shows em Londres

The Return Of The Caped Crusader trará 2 shows do pianista com The English Rock Ensemble no London Palladium em fevereiro de 2023.

Rick Wakeman revisitará seus clássicos álbuns solo e alguns de seus materiais mais amados com o Yes em dois shows com banda completa com coral no London Palladium nos dias 22 e 23 de fevereiro de 2023.

O primeiro show o verá executar "The Six Wives Of Henry VIII" durante o primeiro ato, e durante o segundo, ele voltará sua atenção para "The Myths And Legends Of King Arthur And The Knights Of The Round Table". O segundo show, em 23 de fevereiro, o verá dedicar o primeiro ato ao material clássico do Yes e o segundo ao seu álbum de 1974, "Journey To The Center Of The Earth".

Ele será acompanhado em ambas as apresentações pelo English Rock Ensemble: Dave Colquhoun (guitarra e backing vocal), Adam Falkner (bateria), Lee Pomeroy (baixo e backing vocal), Hayley Sanderson (vocal), Adam Wakeman (teclado, guitarras) e backing vocals), além do percussionista Ed Scull, do English Chamber Choir e um narrador convidado especial, que será anunciado mais adiante.

Ingressos à venda a partir de amanhã (23 de setembro).

Enquanto isso, Wakeman confirmou recentemente que terminou o trabalho em seu último álbum solo. O sucessor de "The Red Planet" de 2020, deve ser lançado oficialmente no início de 2023.

Ouvi duas vezes o álbum e saí do estúdio com um sorriso enorme no rosto. Grandes atuações de todos que participaram e estou muito feliz com o resultado. Estará disponível para a turnê de Natal e um lançamento de primavera (bretã) oficialmente depois disso.

Via PROG.

Retratos feitos com Inteligência Artificial mostram como seriam hoje John Lennon, Jimi Hendrix, Kurt Cobain e outros

Intitulado “As If Nothing Happened”, os retratos incluem também Freddie Mercury, Elvis Presley, etc.

Em uma nova série de retratos de celebridades, um fotógrafo imaginou como alguns dos maiores nomes do mundo da guitarra seriam se ainda estivessem vivos em 2022.

Você já se perguntou como John Lennon, Kurt Cobain ou Jimi Hendrix seriam se ainda estivessem por aí hoje? O fotógrafo Alper Yesiltas tentou responder a essa pergunta, criando uma série de imagens intituladas "Como se nada acontecesse".

Usando a tecnologia de AI, o artista adaptou artificialmente fotos de alguns dos guitarristas mais famosos de todos os tempos, gerando um retrato de como ele acha que eles ficariam se não tivessem falecido prematuramente.

Com o desenvolvimento da tecnologia de AI, fiquei empolgado por um tempo, pensando que ‘qualquer coisa imaginável pode ser mostrada na realidade'”, escreveu Yesiltas no post original, descrevendo por que ele buscou o projeto. “Quando comecei a mexer com tecnologia, vi o que podia fazer e pensei no que me faria mais feliz. Eu queria ver algumas das pessoas que eu perdi novamente na minha frente e foi assim que esse projeto surgiu.

A parte mais difícil do processo criativo para mim é fazer com que a imagem pareça ‘real’ para mim”, continua ele a escrever. “O momento que mais gosto é quando acho que a imagem à minha frente parece muito realista, como se tivesse sido tirada por um fotógrafo.

Músicos como Janis Joplin, Freddie Mercury, Michael Jackson e Elvis Presley também estão incluídos na gama de retratos, além de rostos famosos do mundo do cinema, como Heath Ledger e Bruce Lee.

Explicando como ele renderizou as dez imagens usadas no projeto, Yesiltas afirma que usou software, incluindo o aprimorador de fotos AI Remini e os programas de edição de fotos VSCO e Adobe Lightroom.

Em outra parte de seu post inicial, o criador também admite que pretende estender o projeto no futuro, possivelmente sob o novo título de Life in 2050.

Via GUITAR.COM

Veja abaixo no trabalho de  Alper Yesiltas, como seriam hoje John Lennon, Kurt Cobain, Freddie Mercury, Elvis Presley e Janis Joplin, além de Jimi Hendrix no início desta matéria.

 

Veja a coleção completa de retratos no post do fotógrafo.

quarta-feira, 21 de setembro de 2022

Roxy Music divulga setlist da turnê de 50 anos

Banda fará mais 4 shows nos EUA e 3 no Reino Unido em 2022.

Enquanto o Roxy Music continua a cruzar a América do Norte em sua tão esperada turnê de reencontro de 50 anos, o grupo compartilhou o último setlist executado no United Center de Chicago.

A banda Roxy Music comemora seu 50º aniversário este ano com uma turnê de reunião que também celebra o seu álbum de estreia homônimo de 1972. O setlist abaixo observa todo o catálogo dos oito álbuns do Roxy Music, abrangendo os dez anos altamente progressivos entre 72 e 82, o ano de "Avalon".

A turnê começou na América do Norte em 7 de setembro na Scotiabank Arena de Toronto, marcando a primeira vez que os membros da banda Bryan Ferry, Andy Mackay, Phil Manzanera e Paul Thompson estiveram juntos no palco desde a turnê 'For Your Pleasure' em 2011. Esta formação reúne o núcleo do grupo Roxy Music desde a saída de Brian Eno da banda em 1973.

Hoje à noite, o Roxy Music tocará no Texas 'Moody Center, em Austin, antes de mais alguns shows nos EUA. Em outubro, a banda volta para casa para a etapa do Reino Unido, que termina no dia 14 de outubro na O2 Arena de Londres.

Veja a programação restante da turnê abaixo.

Setlist:

‘Re-Make/Re-Model’

‘Out Of The Blue’

‘The Bogus Man’

‘The Main Thing’

‘Ladytron’

‘While My Heart Is Still Beating’

‘Oh Yeah’

‘If There Is Something’

‘In Every Dream Home A Heartache’

‘Tara’

‘My Only Love’

‘To Turn You On’

‘Dance Away’

‘Same Old Scene’

‘More Than This’

‘Avalon’

‘Love Is The Drug’

‘Editions Of You’

‘Do The Strand’

‘Jealous Guy’ (John Lennon cover).


Datas em 2022:

Setembro:

21 – Austin, Moody CEnter

23 – Dallas, American Airlines Center

26 – San Francisco, Chase Center

28 – Los Angeles, The Forum

Outubro:

10 – Glasgow, OVO Hydro

12 – Manchester, AO Arena

14 – London, The O2.

Via FAR OUT.

Saxon libera clipe de “Black Is The Night”, canção de seu álbum mais recente ; assista

Black Is The Night” integra “Carpe Diem”, 23º álbum de estúdio da banda Saxon, que chegou no dia 4 de fevereiro, via Silver Lining Music.

O trabalho sucedeu o ótimo “Thunderbolt” (2018) e o álbum de covers “Inspiration”(2020).

Assista ao clipe de “Black Is The Night” no player abaixo:

Ouça o álbum na íntegra:

Tracklist:

Carpe Diem (Seize The Day)
Age Of Steam
The Pilgrimage
Dambusters
Remember The Fallen
Super Nova
Lady In Gray
All For One
Black Is The Night
Living On The Limit

terça-feira, 20 de setembro de 2022

Peter Frampton fará seus últimos shows sentado

Guitarrista luta contra uma doença degenerativa grave.

Peter Frampton revelou que, devido à sua condição de saúde, ele tocará sentado em seus shows finais na Europa.

A lenda da guitarra revelou os detalhes de sua turnê de despedida em uma nova entrevista à revista Classic Rock, dizendo: “Bem. . . minhas pernas não estão boas, e eu decidi que vou me sentar nas próximas datas da turnê na Europa. Eu não posso ficar em pé. Isso seria perigoso para mim agora, porque eu fico tão empolgado quando estou tocando, pois posso cair (risos).

Peter Frampton enfrenta sua doença e lança o ótimo álbum instrumental de covers "Frampton Forgets the Words"; ouça.

Está começando a afetar minhas mãos, mas ainda não o suficiente, então ainda posso tocar um bom lick”, disse Frampton, que é rápido em compartilhar suas ansiedades sobre voltar ao palco novamente.

Mas vou ser honesto, estou tão ansioso com isso. Faz tanto tempo que não toco lá e tenho progredido na minha doença. . . Sentei-me pela primeira vez (na comemoração do 85º aniversário de Buddy Holly) e. . . me senti muito confortável (risos).

Perguntado se ele se arrependeu ao longo de sua brilhante carreira de seis décadas, Frampton admitiu: “Apenas duas coisas: eu teria esperado para fazer um álbum depois de "Comes Alive!", e nunca lançaria "I’m In You". "Breaking All The Rules" teria sido um álbum sucessor muito melhor. E eu não teria feito o filme "Sgt. Pepper".

Em 2019, Frampton anunciou sua aposentadoria das turnês depois de revelar que havia sido diagnosticado com uma doença muscular degenerativa chamada miosite do corpo de inclusão, que acabará prejudicando sua capacidade de tocar guitarra.

O guitarrista disse à Rolling Stone na época: “Decidimos fazer uma turnê de despedida agora, já que não quero sair e não poder tocar bem. Se vou fazer uma turnê de despedida, quero tocar bem. Eu quero arrasar.

Devido à pandemia de coronavírus, porém, Frampton foi forçado a cancelar os shows de 2020 de sua turnê final na Europa e no Reino Unido, até agora.

Confira a próxima programação da turnê de Frampton aqui.

Via GUITAR.COM

Ozzy Osbourne: o icônico álbum de estreia "Blizzard of Ozz"

Debut da carreira solo do Madman impressionou e o recolocou no auge.

Ozzy Osbourne é justamente uma das figuras mais queridas do rock; sem ele, a vida seria muito menos agradável. Um dos frontmen mais coloridos da história do rock, seu estilo icônico de entrega vocal carregava os sons pulsantes das lendas de West Midlands, Black Sabbath, de seus estágios primitivos como Earth até seus pioneiros discos de metal, como "Paranoid" e "Master of Reality".

A entrega vocal de outro mundo de Osbourne permitiu que a banda imbuísse seu trabalho com a negritude que pegou o mundo desprevenido, com seu lamento combinando com as letras góticas de Geezer Butler em sua estreia homônima em 1970. Seu trabalho estabeleceu um precedente para o que estava por vir, com quase todos os dos vários subgêneros do metal devido muito a Osbourne e ao Black Sabbath original, o baixista e letrista Butler, o guitarrista Tony Iommi e o baterista Bill Ward.

Apesar do quarteto Brummie ter feito muitos avanços em sua carreira, seu hedonismo e dedicação ao inferno fariam as relações interpessoais na banda se tornarem tão tensas que em 1979, Osbourne foi demitido. No entanto, exibindo seu talento indiscutível e natureza incrivelmente corajosa, ele formou outra roupa, que o faria realmente consolidar seu status como 'O Príncipe das Trevas'.

Chamado de The Blizzard of Ozz, o novo grupo era formado pelo ex-guitarrista do Quiet, Riot Randy Rhoads, o baixista e letrista Bob Daisley do Rainbow, o tecladista Don Airey, também do Rainbow, e o baterista Lee Kerslake do Uriah Heep.

Em 1980, eles lançaram seu álbum de estreia homônimo, que apresentava faixas como 'Crazy Train' e 'Mr. Crowley', e confirmou a todos que Osbourne e Rhoads formaram uma das parcerias criativas mais poderosas da época, tornando a morte prematura do guitarrista em 1982 um pouco mais difícil de suportar. No final da década, e com uma série de escapadas insanas em seu nome, Osbourne foi cimentado como um dos maiores de todos os tempos e um dos personagens mais célebres do rock 'n' roll.

Hoje em dia, a música assumiu um papel mais secundário para Osbourne, já que ele não é mais o frango da primavera que já foi, com sua prolongada batalha com sua saúde um fator determinante nisso. No entanto, isso não o impediu de ser um dos sábios residentes da música, e seus pensamentos sobre a forma são tão preciosos quanto qualquer um de seus contemporâneos sobreviventes.

Via FAR OUT.

segunda-feira, 19 de setembro de 2022

Deep Purple oficializa Simon McBride como membro permanente

Guitarrista sucede Steve Morse, que deixou a banda para apoiar a esposa, que luta contra o câncer.

O Deep Purple confirmou que o guitarrista Simon McBride se juntou à banda como membro permanente.

Quando Steve Morse anunciou seu hiato do Deep Purple em março, Simon McBride, que já havia excursionado com Ian Gillan e Don Airey, foi convocado como substituto temporário para os shows ao vivo da banda em maio, junho e julho de 2022.

Quatro meses depois, Steve Morse deixou oficialmente o Deep Purple após 28 anos para cuidar de sua esposa, Janine, que luta contra o câncer.

O Deep Purple anunciou que Simon McBride, nascido em Belfast, se juntou oficialmente à banda como seu guitarrista.

Estamos entusiasmados que Simon concordou em participar”, disse o Deep Purple. “O jogo de Simon está lá em cima com os grandes. Claro, Steve não pode ser substituído, assim como Ritchie (Blackmore), e Steve tem um longo legado com o Deep Purple.

Em Simon não encontramos um substituto, mas um guitarrista extraordinariamente talentoso e empolgante. A recepção do público durante o verão já foi ótima e estamos ansiosos pelas próximas datas no Reino Unido e na Europa no resto do ano.

Está claro que Simon também tem grande respeito por aqueles que o antecederam. Estamos todos empolgados com o que os próximos anos reservam para a banda”.

Simon McBride comentou: “Estou muito feliz por ser convidado para entrar na banda, no início da pandemia se alguém me dissesse que eu seria o novo guitarrista do Deep Purple eu teria apenas rido, mas aqui estamos e está acontecendo.

Deep Purple tem uma história de grandes guitarristas, então estou muito honrado por ser convidado para fazer parte disso. Eles são todos músicos incríveis e, mais importante, eu me tornei muito amigo dos caras, então mal posso esperar para continuar a turnê e talvez até escrever e gravar.

A turnê de arena do Deep Purple no Reino Unido duas vezes adiada com os convidados especiais Blue Öyster Cult está programada para acontecer no próximo mês. Os ingressos já estão à venda no Planet Rock Tickets.

Veja o Deep Purple nos seguintes shows:

OUTUBRO DE 2022

Londres The O2 – quinta-feira, 20

Glasgow The SSE Hydro – Sábado 22

Leeds First Direct Arena – Dom 23

Birmingham Utilita Arena – Terça-feira, 25

Manchester AO Arena – Quarta-feira, 26.

Via Planet Radio.

domingo, 18 de setembro de 2022

Black Sabbath: como "Paranoid" "matou" os anos 60

Às vezes, um álbum pode fazer você sentar e prestar atenção.  Às vezes pode pegar um grupo de indivíduos anteriormente desconhecido e transformá-los em sua nova banda favorita.  Raramente esses álbuns criam um gênero totalmente novo e, ainda mais raramente um álbum consegue fazer todos os três em apenas oito músicas.  Hoje, no aniversário de seu lançamento, estamos relembrando o magnífico "Paranoid" do Black Sabbath.

Olhando para trás, é fácil ver como o "Paranoid" acabou com o amor livre e os espíritos elevados dos anos sessenta com uma estaca no coração.  Black Sabbath viu o corpo ferido da década, sangrando esperanças tecnicolor de reinos da contracultura e vomitando as falsas promessas de uma geração de artistas e, em vez de realizar RCP, estava feliz em matar a década com uma mão forte sobre a boca e um  fogo nos olhos coletivos da banda.  Este foi o álbum que começou não apenas o domínio do rock do Sabbath, nem se tornou um modelo de heavy metal para todos seguirem.  Este foi o álbum que assassinou os anos sessenta.

O segundo álbum da banda estava cheio de intenções maliciosas quando foi lançado do estúdio por Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Bill Ward e Geezer Butler. Quer eles soubessem ou não, o Sabbath tinha acabado de colocar os anos sessenta em uma cova rasa e eles fizeram isso com um dos discos de heavy metal mais abrangentes de todos os tempos. No final de 1970, a visão do mundo dos anos sessenta e o movimento de amor livre que emanou de São Francisco em 1967 azedaram. Drasticamente.

Muito do que borbulhava no bairro de Haight-Ashbury, o epicentro do movimento de contracultura e o local privilegiado do Summer of Love, foi construído com base na esperança e na crença de que a ação coletiva poderia mudar as coisas. À medida que o tempo passava e nada parecia mudar, exceto a capacidade mental daqueles hippies que participavam continuamente de experimentos com LSD, a visão que havia sido mapeada na década oscilante estava começando a escurecer a cada passo. Em 1970, tudo ficou preto.

Entra o Sabbath.

Se você estava procurando a antítese do bairro nobre de São Francisco, então você só precisa virar a cabeça para os anos setenta de Birmingham, Inglaterra. A cidade sempre teve um coração industrial pulsante, mas agora essas indústrias estavam começando a empacotar. Deixou a cidade em ruínas e as ruas cobertas de pó de carvão não eram exatamente o tipo de lugar que você poderia andar descalço. É fácil ver como as visões e as paisagens sonoras criadas dentro deles combinam com a música que foi feita neles.

Claro, o álbum foi realmente gravado em Londres e supervisionado por Rodger Bain. Embora seja um pouco difícil chamar "Paranoid" de o primeiro álbum de heavy metal, o próprio stonker do Led Zeppelin foi lançado quase dois anos antes, mas certamente tem todas as características e talvez vá um pouco mais longe com sua iconografia obviamente mais distorcida. Enquanto o Zeppelin foi inspirado por Aleister Crowley, sempre parecia que Ozzy e a banda estavam realmente vivendo nele.

Através de músicas como a faixa-título, 'Electric Funeral' e 'Iron Man' os Sabbath criaram um som totalmente novo, extrapolando o melhor do blues e a revolução do rock que o antecedeu, mas agora com uma lâmina brilhante nas costas. Ozzy Osbourne era aquela lâmina muito brilhante, é quase impossível retirar seu carisma deste álbum, ele se integra a cada nota. Vocalmente, ele é magistral, sinceramente magistral. No entanto, é no comando das músicas que ele realmente brilha.

Sob sua orientação, embora não tenhamos certeza de quão consciente ele estava, ele supervisionou o Black Sabbath criando um dos álbuns mais potentes de todos os tempos.  Eles conseguiram porque Ozzy sempre se sentiu incrivelmente autêntico ao cantar as músicas.  Ou neste disco, onde vocalmente ele mostra o quão bom ele realmente era ou no palco – seja o que for, Osbourne tinha.  Na verdade, ele ainda faz.

No resto das oito faixas do disco, há lembretes de por que o Sabbath se tornou um muso-culto.  Seja o alívio enervante de 'Planet Caravan' ou o blues sombrio que ressoa em 'Hand of Doom', aqui está um álbum que é certamente tudo assassino e sem enchimento. Claro, talvez o álbum também tenha uma arma de abertura diferente de qualquer outro LP, a incrível música 'War Pigs'. A faixa tem uma intensidade inigualável e conta tudo o que você precisa saber sobre o que foi esse álbum. Guerra.

Este foi o álbum que confirmou toda a esperança e liberdade dos anos sessenta. Agora, a realidade de uma festa de uma década caiu pesadamente aos pés de uma nova geração. Ao invés de resgatar a situação, com "Paranoid", Black Sabbath acabou com a década inteira de sua miséria.

Via FAR OUT.

sexta-feira, 16 de setembro de 2022

Pink Floyd lança, enfim, a versão remixada de "Animals"; ouça

Discordâncias entre Gilmour e Waters atrasaram o lançamento, antes previsto para 2018.

Os processos, os insultos nas entrevistas, as manchetes com citações furiosas sobre todos os assuntos do Pink Floyd, tem sido deprimente assistir Roger Waters e David Gilmour, o ex-yin-yang de uma grande banda de rock de todos os tempos, constantemente brigando em público.

Parte disso é a adoração dos fãs falando. Quem não preferiria a noção de conto de fadas de que todos os ex-colegas de banda continuam amigos, preservando o legado acima de tudo? Mas, neste caso, também é uma preocupação prática: um “novo” remix de "Animals", LP de 1977 da banda, foi finalizado em 2018, mas disputas no encarte (sim, sério) contribuíram para o grande atraso do projeto. (Entenda melhor as desavenças lendo a matéria no link abaixo) 

Pink Floyd supera brigas e enfim anuncia reedição de 'Animals'.

Ironicamente,  "Animals" original ofereceu o último sabor de seu equilíbrio criativo. Claro, você poderia ter um bom argumento para o sucessor de 1979, "The Wall", um álbum conceitual quase inteiramente liderado por Waters, como a obra-prima do Pink Floyd. Mas "Animals", pelo menos sonoramente, destacou o espírito da velha escola que definiu o pico dos anos 70.

Para não dizer que a vibe era totalmente democrática. Gilmour (guitarra e vocais) e Richard Wright (teclados), que fizeram contribuições significativas para "The Dark Side of the Moon" e "Wish You Were Here", estavam menos envolvidos desta vez: entre os dois, eles conseguiram apenas um co- escrever (Gilmour nos 17 minutos "Dogs"). Ainda assim, ao contrário de "The Wall", que muitas vezes soa como Waters com apoio de elite, "Animals" é muitas vezes mais sobre atmosfera e humor do que composição convencional de qualquer maneira, o conceito lírico de Waters, comparando falhas humanas ao comportamento animal, cria uma escuridão subjacente sobre a qual os músicos constroem.

Gilmour nunca tocou com tanta agressividade nua, desde o talk-box corajoso e o baixo funky de "Pigs (Three Different Ones)" até seu dedilhar acústico sincopado e solos harmonizados em "Dogs". Wright, embora nunca tão assertivo quanto em "Wish You Were Here", ainda é um mestre da textura: sua brilhante introdução de piano elétrico para "Sheep" é crucial para essa faixa, criando uma sensação de introspecção jazzística que é gradualmente desenraizada e subvertida ao longo de mais de 10 anos.

Em “Animals” o Pink Floyd mostra o prog rock numa atmosfera punk.

O remix de James Guthrie não oferece grandes revelações em "Animals", como a maioria dos álbuns do Floyd do período intermediário, já era perfeito em um nível de fidelidade. As alterações aqui são interessantes, mas sutis, modernizando o som um pouco: bateria mais forte e efeitos vocais mais proeminentes em "Pigs (Three Different Ones)", uma dissolução mais pronunciada do vocal gritado de Waters no sintetizador rodopiante durante os versos de "Sheep." (Uma escolha estranha: o pequeno e saboroso riff de baixo aos 4:25 em "Dogs" soa visivelmente mais silencioso.)

Os fãs provavelmente discutirão os méritos de uma versão sobre a outra. Justo, realmente, não seria um projeto do Pink Floyd sem um pouco de drama.

Via UCR.

Ouça via Spotify no player abaixo ou clique AQUI para outras plataformas.

Tracklist:

Pigs on the Wing (Part One)

Dogs

Pigs (Three Different Ones)

Sheep

Pigs on the Wing (Part Two).

quarta-feira, 14 de setembro de 2022

The Beatles: assassino de John Lennon, Mark Chapman, teve sua liberdade condicional negada pela 12ª vez

Mark David Chapman, o homem que atirou e matou John Lennon em 1980, teve sua liberdade condicional negada mais uma vez. Isso torna a 12ª vez que o assassino teve recusada a sua liberdade condicional desde que matou o ex-Beatle em Nova York.

O criminoso de 67 anos foi originalmente condenado a 20 anos de prisão. Tendo cumprido muito tempo além da sentença mínima, ele ainda não é considerado apto para a libertação depois que lhe foi negada a liberdade condicional por um painel em agosto. Ele será elegível para se inscrever mais uma vez em dois anos.

Chapman cumpre pena no Green Haven Correctional Facility, em Nova York, mas de acordo com rejeições anteriores de liberdade condicional, sua libertação permanece “incompatível com o bem-estar e a segurança da sociedade”.

Embora Chapman tenha expressado publicamente arrependimento por suas ações, os conselhos de liberdade condicional anteriores notaram que ele ainda demonstra um “desrespeito insensível” pela dor e sofrimento que causou.

Em 2012, o assassino declarou: “Não foi tudo totalmente a sangue frio, mas a maior parte foi. Eu tentei dizer a mim mesmo para ir embora. Eu tenho o álbum, levo para casa, mostro para minha esposa, tudo vai ficar bem.

Tendo encontrado Lennon cedo naquele dia e recebido uma cópia autografada do registro, ele andou por Nova York contemplando suas ações, mas finalmente acrescentou: “Mas eu estava tão compelido a cometer aquele assassinato que nada me arrastaria para longe daquele prédio”.

Até o momento, nenhum relatório de liberdade condicional foi divulgado publicamente. Ele poderá se inscrever novamente em fevereiro de 2024.

Via FAR OUT.

terça-feira, 13 de setembro de 2022

Yes: o lindo álbum "Close to the Edge"

"Close to the Edge", o quinto álbum de estúdio do Yes e possivelmente a obra-prima que define o rock progressivo,– foi originalmente lançado em 13 de setembro de 1972. Apesar de sua idade, a música em si permanece atemporal.

Embora tenham continuado a produzir música bonita, desafiadora e influente ao longo das décadas que se seguiram, esses britânicos com visão de futuro estabeleceram um precedente intocável durante esse período fértil, como "Close to the Edge" deixa mais do que evidente.

O maior motivo é a química visceral entre os músicos. O quinteto formado pelo vocalista e letrista Jon Anderson, o guitarrista Steve Howe, o baixista Chris Squire, o tecladista Rick Wakeman e o percussionista Bill Bruford fizeram apenas dois álbuns juntos: após um processo de mixagem especialmente árduo, Bruford saiu da banda para se juntar ao grupo liderado por Robert Fripp, King Crimson.

Mas de certa forma, eles disseram tudo o que precisavam dizer neste álbum. A combinação das letras psicodélicas e de olhos arregalados de Anderson e melodias vocais de hinos se encaixam perfeitamente com algumas das passagens instrumentais mais ferozes e intrincadas da história do rock. Essas passagens vieram como cortesia da finesse jazz-fusion de Bruford, da elegância tingida de clássico de Wakeman, do ecletismo de aranha de Howe e do baque surdo e musculoso de Squire.

Outra razão pela qual este álbum continua sendo uma pedra de toque é que ele nunca cai nas palhaçadas ou exibicionismo que atormentaram tantos álbuns de rock progressivo durante o auge do gênero. Em vez disso, "Close to the Edge" (particularmente a suíte-título de quatro partes e 18 minutos) é incrivelmente matizada, composta com um fluxo e economia tão magistral que cada solo, letra ou riff parece conectado de uma maneira cósmica e abrangente. Mesmo em sua forma mais complexa (a seção enganosamente complicada "Total Mass Retain"), as ideias mais simples brilham. O tema sublime da guitarra de Howe (que percorre toda a faixa-título) é um dos mais elegantes do canhão prog.

Mas enquanto "Close to the Edge" pode ser o destaque inevitável do álbum, duas outras faixas excelentes completam o disco: "And You And I" é um mini-épico, utilizando o trabalho de 12 cordas mais melódico e emocional de Howe e um arrepiante vocal principal de Anderson, enquanto "Siberian Khatru" fecha as festividades com um treino instrumental que mistura riffs de banda completa com interação estilo jazz-fusion, colocando o órgão borbulhante de Wakeman contra os solos ascendentes de Howe (co-arranjado por Bruford, em um exemplo clássico da banda escrevendo para os instrumentos uns dos outros).

Do ponto de vista lírico (e pessoal), Anderson estava cada vez mais interessado em explorar seu lado espiritual. Em particular, ele foi influenciado pelo romance Siddhartha, de Herman Hesse, no qual um homem indiano vivo na época de Buda experimenta um despertar interior através da natureza. Esses temas explodiriam em uma fascinante indulgência no álbum seguinte da banda, o frequentemente insultado (e amplamente subestimado) "Tales from Topographic Oceans", de 1973. Em "Close to the Edge", as visões espirituais e drogadas de Anderson atingiram o pico em clareza.

"Jon tiraria as coisas do sentido pessoal e autobiográfico e as colocaria em um sentido mundano", observa Howe no encarte do relançamento do álbum em 2003. "São todas as metáforas", Anderson disse mais tarde ao Sea of ​​Tranquility. "Foi quando eu passei por um período muito forte de apenas esboçar e escrever o que quer que eu cantasse como sendo um estado de consciência.

"Eu fumava um baseado e me divertia e escrevia: 'Uma bruxa experiente pode ligar para você das profundezas de sua desgraça / E reorganizar seu fígado para a graça mental sólida', e eu sei exatamente o que isso significa", acrescentou Anderson. "'Uma bruxa experiente pode chamá-lo das profundezas de sua desgraça' - Seu eu superior pode chamá-lo das profundezas de seus sentimentos vergonhosos, suas dúvidas. 'E rearranje seu fígado' - você pode reorganizar seu corpo para um 'sólido mental. graça.' O fígado é uma parte muito poderosa do corpo, por isso pode reorganizar o seu eu físico para um estado mental mais elevado.

"Perto da borda, na esquina", continua Anderson, "eu estava lendo Sidarta. Então tudo significa algo para mim. E as pessoas podem dizer o que quiserem. Não me importo, porque sei que o que eu estava dizendo era o que eu estava pensando, o que eu estava sonhando."

Na mesma entrevista, Anderson expande os temas espirituais do álbum. "Quando eu estava escrevendo 'Close to the Edge' com Steve [Howe], eu estava lendo muito sobre espiritualidade e como ela se estende por todo o mundo. Há uma conexão, como todos os rios levam ao mesmo oceano, então pensei: você sabe, 'Perto da borda, perto do rio.' E é tipo, as pessoas dizem que 'Close to the Edge' é sobre desastre', mas não, é sobre realização! Estamos nesta jornada, e a única razão pela qual vivemos é encontrar o divino. Encontrar Deus a partir de dentro."

As missões espirituais de Yes colheriam muitas outras recompensas ao longo dos anos. Mas do ponto de vista musical, eles realmente "encontraram Deus" em Close to the Edge, estabelecendo um precedente impressionante para o domínio do rock progressivo que nenhuma outra banda (inclusive Yes) conseguiu alcançar desde então.

Via UCR.