Música é assunto para a vida toda!
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A foto faz o bebê parecer "um trabalhador do sexo", disse um advogado de Spencer Elden, o homem retratado na capa enquanto criança.
O homem que foi fotografado nu debaixo d'água quando bebê e mais tarde acabou na capa do álbum icônico do Nirvana, "Nevermind", entrou com um processo na terça-feira última alegando que ele foi vítima de pornografia infantil.
A capa do álbum mostra Spencer Elden, agora com 30 anos, em uma piscina quando era bebê, com o pênis exposto.
A imagem usada para a capa do segundo álbum do Nirvana em 1991 inclui uma imposição digital de uma nota de um dólar em um anzol que o bebê parece estar tentando agarrar. A capa foi amplamente considerada uma repreensão ao capitalismo.
Fotos nuas não sexualizadas de bebês geralmente não são consideradas pornografia infantil perante a lei. Mas o advogado de Elden, Robert Y. Lewis, alega que a inclusão de moeda na foto faz com que o bebê pareça "um trabalhador do sexo".
Kurt Cobain "escolheu a imagem de Spencer - como um trabalhador do sexo, agarrando uma nota de um dólar que está posicionada pendurada em um anzol na frente de seu corpo nu com seu pênis explicitamente exposto", declarou no processo, movido no Tribunal Distrital dos Estados Unidos para o Distrito Central da Califórnia.
Elden está pedindo pelo menos $150.000 (quase R$800mil) de cada um dos réus, que incluem os membros sobreviventes da banda Dave Grohl e Krist Novoselic; Courtney Love, a executora do espólio de Cobain; Guy Oseary e Heather Parry, gerentes da propriedade de Cobain; fotógrafo Kirk Weddle; o diretor de arte Robert Fisher; e várias gravadoras existentes ou extintas que lançaram ou distribuíram o álbum nas últimas três décadas.
O baterista original do Nirvana, Chad Channing, também é citado como réu, embora tenha sido substituído por Grohl em 1990, antes que o álbum fosse gravado ou a fotografia da capa fosse tirada.
A Entertainment Weekly relatou em 1992 que Elden, com 4 meses de idade, foi escalado para a filmagem junto com outros quatro bebês. Cobain encomendou a filmagem depois de ver um documentário sobre bebês nascendo debaixo d'água e "pensar que a imagem daria uma capa legal", disse Fisher à revista na época. "Essa visão era um pouco gráfica demais, então optamos pelo bebê nadador."
Weddle tirou as fotos em uma piscina olímpica no centro aquático Pasadena, na Califórnia.
"Weddle tirou uma série de fotos sexualmente explícitas de Spencer", diz o processo. "Para garantir que a capa do álbum desencadearia uma resposta sexual visceral do espectador, Weddle ativou o 'reflexo de vômito' de Spencer antes de jogá-lo debaixo d'água em poses destacando e enfatizando os órgãos genitais expostos de Spencer.
Weddle produziu essas imagens sexualmente gráficas com o objetivo de aprimorar e aumentar o sucesso comercial do Nirvana, o álbum "Nevermind" de L.L.C.", disse o processo."
O álbum vendia cerca de 300.000 cópias por semana quando alcançou o primeiro lugar na Billboard 200 dos Estados Unidos no início de 1992. O álbum, com os clássicos "Smells Like Teen Spirit" e "Come as You Are", passou pelo menos 335 semanas no total no Billboard 200.
A imagem da capa recebeu resistência, momento em que Cobain concordou em lançar o álbum com um adesivo sobre os órgãos genitais de Elden que dizia: "Se você está ofendido com isso, você deve ser um pedófilo enrustido."
"O adesivo, no entanto, nunca foi incorporado à capa do álbum", segundo o processo.
Como resultado, Elden "sofreu e continuará a sofrer ferimentos pessoais" e "danos permanentes", incluindo "sofrimento emocional extremo e permanente com manifestações físicas, interferência em seu desenvolvimento normal e progresso educacional, perda ao longo da vida da capacidade de ganho de renda, perda de salários passados e futuros, despesas passadas e futuras com tratamento médico e psicológico, perda de gozo de vida e outras perdas ”, afirma a ação.
"Lucifer IV" chegará em 29 de outubro, via Century Media Records, em uma capa "chocante", sobretudo para os mais conservadores.
O trabalho traz a frontwoman Johanna Sadonis crucificada, em protesto à opressão sofrida pelo sexo feminino desde sempre.
Em nota, ela mesma explicara:
“Quando criança, eu era fascinada por ‘Like a Prayer’, da Madonna. Uma mulher de negócios sexualmente livre e muito poderosa dançando na frente de cruzes em chamas. Mas isso era considerado autoindulgente e uma blasfêmia por muitos homens – e infelizmente também para algumas mulheres. Era a provocação definitiva de uma ‘prostituta’.
Para mim, figuras como ela e tantas outras mulheres que tentam se expressar livremente e a reação em seguida são simbolizadas pela bruxa que é colocada na fogueira e deve ser queimada até a morte. Como uma mulher neste mundo e nos negócios, tive minha própria cota de abusos emocionais e físicos. Isso não me deixou amargurada, mas me deu uma personalidade muito desafiadora.
A capa desse álbum, assim como parte do conteúdo lírico dele, é meu ‘f*da-se’ pessoal ao patriarcado, aos homens e suas mulheres co-dependentes que menosprezaram, silenciaram, agrediram emocionalmente e espalhar mentiras sobre mim – aquelas psesoas que tentaram me impedir de fazer música. Eu tive que assinar um contrato para me manter em silêncio no passado? Sim, eu tive. Mas, aqui estou eu, continuando a fazer um álbum após o outro com meus grandes colegas no Lucifer. Tente me colocar na fogueira e eu vou rir da sua cara.
Uma das minhas fotógrafas favoritas, Ester Segarra, captou para a capa, com maestria, a cena que veio da minha ideia, que consistia em um Jesus de madeira em um crucifixo incendiado por baixo para simbolizar o fogo ardente da estaca. Se você vê esta capa como uma zombaria do Cristianismo, ótimo, como quiser. Mas é muito mais do que isso. E essa é apenas a capa. Mal posso esperar para deixar a música falar.”
Roger Waters está noivo ... de novo. Será a quinta vez que o astro do rock se casará.
Uma fonte nos contou que Waters, 77, estava jantando nos Hamptons na semana passada quando o ouviram apresentar sua companheira de jantar a um amigo como sua “noiva”.
Nossa fonte diz que sua companheira é a mesma mulher que apareceu no tapete vermelho com ele no festival de cinema de Veneza 2019 para seu filme concerto, "Us + Them".
Informamos exclusivamente em 2015 que Waters se separou de sua quarta esposa, Laurie Durning. O casal se casou em 2012 depois de morar junto por 10 anos.
O divórcio multimilionário foi tão amargo, Durning disse a Waters enquanto testemunhava no tribunal: "Que idiota você é" - e acrescentou um Rolex de $ 35.000 que estava no limbo durante o rompimento enquanto era consertado: "Eu quero meu relógio. Isso é tudo." (Um juiz os fez assinar um acordo de que o relógio de Daytona era dela.)
Roger Waters testemunhou na época que o relacionamento havia “rompido irremediavelmente”.
A dupla teve o que foi descrito como um acordo pré-nupcial “generoso”. Quando questionada se ela estava feliz com o pagamento, Dunning disse na época: “Sim, eu não lutei contra isso”.
Waters, que tem pontos de vista controversos sobre Israel , mudou-se brevemente com a autora e ativista palestina Rula Jebreal. Mas foi de curta duração.
Uma fonte disse à Page Six em 2016:
“Tudo acabou tão rápido quanto começou - embora eles concordassem em muitas questões, não conseguiam encontrar um terreno comum em outras. Além disso, suas famílias não se davam bem.” Ela também havia sido casada com um amigo dele.
Waters também foi casado com a ceramista Judith Trim, bem como com a aristocrata britânica Lady Carolyne Christie, e com a atriz de “Frankie and Johnny” Pricilla Phillips.
Um representante do roqueiro não comentara o assunto até agora.
Stevie Nicks disse que "se salvou" das drogas, enquanto a estrela de Fleetwood Mac refletia sobre seus problemas de abuso de substâncias.
A senhora de 73 anos disse que se publicar suas memórias pode omitir o uso de cocaína.
Falando com a estrela da música country Tim McGraw em seu programa da Apple Music Beyond The Influence Radio, Nicks disse que suas experiências com drogas nunca “definiram” sua vida.
Consegui me salvar”, disse ela. “Eu passei por alguns momentos bem assustadores, mas eu me salvei, ninguém mais me salvou. Eu sobrevivi a mim. Eu sobrevivi à minha cocaína. Eu sobrevivi sozinha.
Eu me internei na reabilitação. Ninguém fez isso por mim. Eu fiz isso e é assim com toda a minha vida. Então, eu discorreria sobre essas partes apenas para dar a sabedoria às pessoas.”
Nicks se juntou ao Fleetwood Mac em 1975 junto com seu então namorado Lindsey Buckingham.
A banda, formada em Londres em 1967, tornou-se um dos maiores grupos do mundo, com canções como "Dreams", "The Chain" e "Everywhere".
Nicks, nascida no Arizona, que foi induzída ao Rock And Roll Hall Of Fame tanto como parte do Fleetwood Mac quanto como artista solo, disse que dividiria a história de sua vida em quatro livros diferentes.
Ela disse:
“Acho que o que eu faria primeiro, e só recentemente pensei nisso, poderia me sentar em algum ponto na mesa da cozinha com algumas das minhas amigas que estiveram lá por muito tempo e colocar um gravador e comece a falar desde o início.”
Em outra parte da entrevista, Nicks, que ainda se apresenta como artista solo e com Fleetwood Mac, disse que inicialmente não tinha interesse em fazer isso sozinha antes de lançar seu álbum de estreia em 1981.
“Eu adorava estar em uma banda”, disse ela a McGraw. “Até 1981, eu não estava nem um pouco interessada em seguir carreira solo. Mesmo quando decidi que queria fazer um disco solo, não estava nem um pouco interessada em deixar minha banda e não estar mais em uma banda. Acabei por escrever músicas demais para o Fleetwood Mac.”
No início deste mês, Nicks anunciou que estava cancelando suas apresentações restantes em 2021 devido ao aumento de casos de Covid-19.
“Blessings and Miracles” será lançado no dia 15 de outubro próximo.
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Um dos maiores hits do fim dos anos 90 foi “Smooth”, faixa que unia Santana com Rob Thomas, vocalista do Matchbox 20. Agora, 22 anos depois, o artistas se reencontram em “Move”, uma explosiva faixa que anuncia “Blessings and Miracles”, o novo álbum de estúdio do lendário guitarrista mexicano. Previsto para o dia 15 de outubro, o novo disco é um lançamento BMG.
“‘Move’ surgiu de maneira muito parecida com a forma como ‘Smooth’ aconteceu”, lembra Santana. “Foi como se surgisse uma intervenção divina e eu sabia que tinha que gravar com Rob. A música é sobre o despertar de tudo em seu ser. Acenda e ative a si mesmo - você sabe... se mova. Quando Rob e eu trabalhamos juntos, temos um som incrível”.
A faixa conta ainda com backing vocals da banda de rock alternativo American Authors e abre passagem para uma estelar lista de convidados como Chick Corea, Chris Stapleton, G-Eazy, Diane Warren, Steve Winwood, Rick Rubin, Corey Glover, Kirk Hammett, entre outros.
Santana passou grande parte dos últimos dois anos gravando o álbum, feito boa parte à distância durante a pandemia. Quanto à seleção de artistas que colaboraram, Santana admite que às vezes fica surpreso com a forma como eles entram magicamente em sua vida. “Eu não escolho pessoas - é como se eu fosse escolhido”, diz ele. “Estou honrado em trabalhar com artistas tão incríveis. Sinto-me como um surfista surfando nas ondas que se transformam em canções destes diferentes criadores. Tenho muita sorte de ter a oportunidade de fazer isso e valorizo bastante".
Membro do Rock’n’Roll Hall of Fame e multipremiado em uma carreira que passa por mais de cinco décadas como sinônimo de qualidade e bom gosto em rock, pop, psicodelia e música latina, Santana quer continuar se desafiando e surpreendendo o público. “Move” está disponível em todas as plataformas de música digital.
“Não nos aborreça. Vá para o refrão”. Uma excelente máxima para se viver e que mais artistas deveriam abraçar com fervor. Introduções longas e estendidas devem ser mantidas no reino das bandas de jam: se você está tentando causar uma primeira impressão sólida, por que acertar o ouvinte na cara com a parte mais cativante e memorável da música logo de cara?
Agora, nem sempre é óbvio qual parte da música é o refrão. Estrutura clássica da canção AABA, mais conhecida por sua prevalência em padrões de jazz e composições de Tin Pan Alley, mas também usada por músicos influenciados por este estilo particular de composição, como Brian Wilson ('Surfer Girl') e Lennon / McCartney ('From Me to You' ), desconsidera a forma verso-refrão. Outras canções, como ‘Bohemian Rhapsody’ e ‘2112’, são suítes épicas que ignoram as formalidades de um refrão.
Mas, existem muitos exemplos de música popular dos últimos 60 anos ou mais de canções que começam com um refrão claro e conciso antes de introduzir o primeiro verso. Para esta lista, estamos jogando rápido e solto com as introduções, com o entendimento básico de que, desde que não seja uma introdução estendida, alguns compassos de trabalho instrumental não vão destruir as chances de uma música.
Aqui estão alguns dos melhores exemplos de músicas que começam com suas seções mais memoráveis: o refrão.
‘Chapel of Love’ - The Dixie Cups (1964)
Você, o leitor anônimo perspicaz, me julgará duramente se eu disser que uma das minhas músicas favoritas de todos os tempos é este pedaço incrivelmente sincero e inocente do pop dos anos 60? Em uma época em que os grupos femininos ainda eram uma grande parte da cena pop americana, The Dixie Cups marcou seu primeiro e único sucesso com esta ode à felicidade do casamento.
As mãos famosas que ajudaram a dar vida a essa música são tão notáveis quanto a própria música: Phil Spector é um co-escritor junto com os músicos pop Ellie Greenwich e Jeff Barry, enquanto os lendários compositores Leiber e Stoller são os produtores. Aquela equipe combinada conhecia o poder do refrão de abertura, e então chegamos a capella, sem nada para impedir sua glória.
‘I Wanna Rock’ - Twisted Sister (1984)
Colocado aqui apenas para equilibrar a insegurança que senti ao admitir que uma das minhas músicas favoritas é reconhecidamente meio esquisita. Não me arrependo, mas se um limpador de palato é necessário, por que não torná-lo o mais direto e estúpido possível?
Dee Snider e seus companheiros de banda pesadamente maquiados em Twisted Sister nunca foram realmente do tipo sutil. Como tal, ‘I Wanna Rock’ diz logo de cara o que a banda pretende fazer (aqui vai uma dica: rock). Existe um sentimento mais imediato do que Snider gritando o refrão incrivelmente direto da música para você logo de cara? Não pelo meu dinheiro.
‘She Loves You’ - The Beatles (1963)
Como mencionado anteriormente, os Beatles eram uma banda com muitas influências de composição que os inspirou a escrever músicas com várias formas e estruturas. Há músicas na forma clássica de trinta e dois compassos A-A-B-A, músicas com formas tradicionais de verso-refrão-meio e até músicas sem refrão, como "Happiness Is a Warm Gun".
Mas para o que ainda permanece como uma das canções mais populares da banda em toda a sua carreira, "She Loves You" dá a você a satisfação imediata de ouvir seu refrão indelével. Tudo o que você precisa é um rápido tom preenchido de Ringo Starr antes que o anzol seja imediatamente plantado em seu cérebro, onde ficará até o fim dos tempos.
‘Shout’ - Tears for Fears (1984)
De todas as bandas new wave britânicas que invadiram os Estados Unidos durante a década de 1980, hoje uma das mais reverenciadas continua sendo o Tears for Fears. A apreciação por músicas como ‘Pale Shelter’, ‘Mad World’ e ‘Everybody Wants to Rule the World’ os coloca um passo à frente de alguns de seus colegas mais nostálgicos.
O poder de seu maior sucesso, "Shout", vem daquele refrão central eternamente ecoado. Soando como se estivesse sendo recitado do topo das montanhas, o refrão foi uma decisão natural de colocar bem no primeiro plano da melodia, exceto por alguns sons introdutórios de percussão apenas para definir o clima.
‘Everything Right is Wrong Again’ - They Might Be Giants (1986)
Em sua essência, John Flansburgh e John Linnell são nerds. Nerds sobre ciência, história e linguagem, mas mais especificamente nerds sobre música. Sua gama de influências é ampla o suficiente para emprestar elementos de tudo, desde a polca ao punk, frequentemente fundindo-os na mesma música.
‘Everything Right Is Wrong Again’, a primeira faixa do primeiro álbum da banda, decide ir direto ao ponto e dar-lhe o refrão imediatamente. Não só isso, mas a música tem um final falso antes de uma ponte lenta e subaquática que explode de volta naquele refrão maravilhosamente cativante.
‘Build Me Up Buttercup’ - The Foundations (1968)
Com alguma sorte, a presença constante de ‘Build Me Up Buttercup’ em comerciais de carros idiotas e filmes preguiçosos e aparições na televisão não diminuiu o poder da música quando você a ouve pela milionésima vez. Estranhamente, a música se tornou uma estranha sugestão de áudio para a felicidade, apesar de seu contexto claramente deprimente.
Com aquela batida alegre e melodia vocal indelével, no entanto, é difícil não sentir um pouco de alegria quando "Build Me Up Buttercup" explode em seu subconsciente. Após uma breve introdução instrumental, temos aquele refrão memorável bem na frente, pronto para ficar preso na sua cabeça o dia todo.
‘Le Freak’ – Chic (1978)
"Awwwwww freak out!" Você pode ouvir, eu posso ouvir, todos nós podemos ouvir em nossas cabeças. Nenhuma nota inicial ou jam introdutória necessária. O que o frequentemente difamado movimento disco realmente fez foi pegar R&B e soul music e destilá-las em seus elementos pop mais essenciais. As músicas disco ainda trazem o funk e o sabor de um ótimo R&B, mas a ênfase foi colocada em ganchos memoráveis e dançabilidade.
É difícil conseguir algo melhor no mundo da discoteca do que Chic, o Nile Rodgers dirigiu a banda que trouxe uma atmosfera de festa gigante para tudo o que fizeram. Quando você pensa em música disco em seu cérebro, provavelmente está pensando nos elementos que o Chic foi pioneiro, incluindo a remoção de qualquer coisa que atrapalhe um refrão monstruoso.
‘Edge of Seventeen’ - Stevie Nicks (1982)
Tentando lutar por conta própria antes de ter que retornar ao seu trabalho diurno no Fleetwood Mac para o álbum "Mirage", Stevie Nicks conjurou seu feitiço diabólico e criou Bella Donna, ainda uma das estreias solo mais idiotas e divertidas de um já famoso cantor.
‘Edge of Seventeen’ não retém nada da mesma leveza, em vez disso procura acertá-lo bem entre os olhos com poder e drama. Nicks tinha um refrão monstruoso para cantar junto com a música e, muito corretamente, decidiu que deveria ser colocado bem na vanguarda do arranjo da música. O resultado é uma introdução instantânea à carreira solo de Nicks.
‘I Shot the Sherrif’ - Bob Marley & The Wailers (1973)
Bob Marley tinha uma intuição tão natural para a composição musical que as formas tradicionais e estruturas musicais, bem como as tradições em geral, não se encaixavam em seu MO. Em vez disso, sempre havia espaço para experimentação para criar qualquer que fosse a versão ideal de uma determinada música.
Eu, pessoalmente, teria escolhido o início lento de 'Stir It Up', mas ficou claro que a introdução cada vez maior de instrumentos em camadas era muito longa e muito única em seu próprio direito para dizer razoavelmente que a música começa com seu refrão . Portanto, este anúncio vai para ‘I Shot the Sherrif’, que é muito mais imediato: uma rápida jogada de armadilha e o conto simbólico de assassinato entra em ação na mídia res.
‘Minority’ - Green Day (2000)
OK, então ‘Minority’ claramente tem uma introdução escolhida pela guitarra que vem antes do refrão. Mas, como sou eu que estou na lista, e sou eu que decidi seguir as regras de maneira rápida e solta, eu queria incluir uma das minhas músicas favoritas do Green Day.
Na época de "Warning", os membros do Green Day estavam aparentemente perdidos em seu desejo de diversificar seu som. Uma clara influência folk se insinua em "Minority", quase como se Phil Ochs pudesse ter cantado essa música se fosse um punk rocker, mas como um todo Warning se sente confuso consigo mesmo, especialmente em seu meio inchado. Não há esse problema com ‘Minority’, que arrasa tanto quanto qualquer música do Green Day com guitarras elétricas em vez de acústica.
‘Song 2’ - Blur (1997)
Falando em experiências da banda com seu som característico. Em 1997, o Britpop acabou. "Be Here Now" meio que arruinou a festa para todos, mas o Blur já estava fora de casa quando lançou seu quinto LP autointitulado alguns meses antes.
Principalmente influenciado pelo rock e grunge alternativo americano, Blur faz de tudo para apagar virtualmente os sons estabelecidos do passado da banda. 'Song 2', apropriadamente, acabou sendo a única música do Blur reconhecível que a maioria dos americanos poderia escolher. “The Woo-hoo Song” conhece seu poder e, depois de uma curta progressão de bateria e guitarra para estabelecer o sentimento, entramos naquele refrão ridículo em quinze segundos.
‘Any Way You Want It’ - Journey (1980)
Tudo bem, chega dessa merda de “essa música pode entrar na lista mesmo que tenha uma introdução instrumental”. Precisamos de uma música que seja inequívoca, inquestionavelmente iniciada com o refrão exatamente na marca de 0:01. Dói em cada fibra do meu ser dizer isso, mas é verdade: precisamos de Journey.
Na verdade, eu não odeio Journey. Eu costumava fazer isso quando tinha 14 anos e o principal componente do meu ser era mijo e vinagre, mas agora posso apreciar os tons doces e doces de AOR de Steve Perry e companhia. ‘Any Way You Want It’ tem aquele tipo de atração imediata que é difícil de resistir, e todos esses anos depois, eu finalmente consegui voltar ao seu encanto. Droga, Journey, parece que você me pegou.
‘Nowhere to Run’ - Martha and the Vandellas (1965)
Vamos nos jogar de volta à era clássica da Motown para ver como Martha e os Vandellas subestimados pelo crime. Claro, The Supremes recebem todo o amor e atenção por sua ladainha de sucessos número um, mas Martha Reeves tem uma voz e presença de palco melhores do que Diana Ross (duas tomadas quentes que formam uma colina proeminente na qual vou morrer) e ocasionalmente tem melhores músicas da máquina Motown.
Uma dessas canções é ‘Nowhere to Run’, o single matador de ‘Dancing in the Street’, que retém todos os melhores elementos do som da Motown, ao mesmo tempo em que apresenta um refrão cativante no topo da música. Ponha um pouco de respeito no nome Vandellas!
‘Casey Jones’ - Grateful Dead (1970)
Gravado em uma época em que os Dead procuravam criar gravações mais concisas e de inspiração folk, "Casey Jones" era a única coisa que ninguém poderia esperar da polêmica banda movida a drogas: uma música com claro potencial pop.
Talvez seja um pouco irônico que uma banda conhecida por suas longas passagens tenha decidido ir direto ao ponto em "Casey Jones", mas isso é parte de seu charme contagiante. O set e o set eram essenciais para a banda, e ambos foram estabelecidos nos segundos iniciais de "Casey Jones", não se entregando aos hábitos passados da banda de construções lentas e recompensas pacientes.
‘Feels Like We Only Go Backwards’ - Tame Impala (2012)
Os refrões imediatos não são apenas um elemento de algumas das melhores músicas do passado: eles também continuam a surgir nos dias modernos. Kevin Parker do Tame Impala nem sempre brinca com ganchos explicitamente pop-centric, mas quando o faz, eles muitas vezes se encontram na vanguarda de seus arranjos.
Esse é o caso de ‘Feels Like We Only Go Backwards’. Parker sabia o quão grande era aquele refrão e decidiu não mexer em transmiti-lo direto para o cérebro do ouvinte. Sempre fico chocado que ‘The Less I Know the Better’ acabou sendo o maior sucesso da banda, considerando a franqueza e o poder de ‘Feels Like We Only Go Backwards’.
Os ‘Swinging Sixties’ foram uma época importante para a música e a sociedade como um todo. O único outro período de tempo ao qual ele pode ser vinculado são os "loucos anos 20". A segunda década do século XX foi uma década igualmente significativa, caracterizada pela esperança, hedonismo e avanços inovadores na moda e na música. Na verdade, os anos 20 são mais frequentemente referidos como a "Era do Jazz", o que lhe dá um sabor definitivo da época.
Voltando ao ponto inicial, no entanto, em ambos os lados do Atlântico, os anos 60 caracterizaram nada menos que uma mudança tectônica na sociedade. Agora conhecido frequentemente depreciativamente como os ‘Baby Boomers’, a jovem geração esperançosa que liderou esta onda foi estimulada por avanços tecnológicos que permitiram que suas ideias fossem totalmente realizadas, algo que os libertinos dos anos 20 não tinham devidamente.
Se você voltar a sua mente e escolher os principais momentos, ícones dos anos 60, verá que a era está repleta de momentos e figuras históricas cruciais. O primeiro homem na lua, Beatlemania, ‘The British Invasion’, Woodstock ’69, os assassinatos de JFK e Martin Luther King, tudo enquanto o espectro do Vietnã e da Guerra Fria pairava sobre tudo isso.
A música acompanhava os eventos, assim como os eventos informavam a música. Os Beatles vieram para incorporar o ethos da geração com ‘All You Need Is Love’, e Jimi Hendrix foi o pioneiro na guitarra elétrica. No entanto, como a década foi marcada por vários graus de luta, havia um lado negro em tudo, do qual a música não podia escapar. Se mudarmos nosso foco para a morte do fundador dos Rolling Stones, Brian Jones, que foi atribuída a “desventura”, aí reside nosso ponto.
Uma década empurrando os limites de coisas que ainda não haviam sido descobertas, principalmente o uso de drogas, os anos 60 abriram caminho para tudo o que se seguiu, musicalmente ou não. É fácil categorizar qualquer evento dos anos 60 em um de dois campos, "aventura" ou "desventura". Música e cultura popular foram de fato levadas em uma odisséia inovadora por grupos como The Rolling Stones, The Beatles, Jimi Hendrix, entre outros, mas sofreram muitas baixas. Se você observar os membros do notório '27 club ', isso soa verdadeiro, Jones e Hendrix se classificando entre eles.
Outra dessas vítimas foi o fundador e guitarrista do Pink Floyd, Syd Barrett. Não sendo um membro do '27 club 'por um longo tiro, o gênio de cabelos desgrenhados ainda se encontraria no final de recepção do lado mais sinistro da década. Ele era nada menos que uma alma atormentada, cujos experimentos com LSD são amplamente considerados por terem levado sua frágil ideação ao limite. Para ter uma ideia, pode-se mergulhar em qualquer ponto da estreia do Floyd em 1967, "The Piper at the Gates of Dawn", para prestar atenção a isso.
Incorporando um aviso prévio dos perigos do uso extensivo de drogas e da necessidade de apoio para problemas de saúde mental, a saída de Syd Barrett do Pink Floyd em abril de 1968 é considerada um ponto significativo na longa carreira da banda. A sucessão do guitarrista e vocalista David Gilmour em dezembro de 1967 levaria a banda a alturas sem precedentes tanto comercial quanto artisticamente.
No entanto, como esse período foi de perpétuas fricções de ombro, havia outro músico icônico que foi apontado pelo Pink Floyd como o sucessor natural de Barrett. Em 2005, o baterista Nick Mason revelou tudo em sua autobiografia "Inside Out: A Personal History of Pink Floyd". O maestro rítmico lembrou que a banda queria que Jeff Beck substituísse Barrett na guitarra, mas “nenhum de nós teve coragem de pedir a ele”.
A ideia do virtuoso Beck no Pink Floyd é estonteante; como um dos guitarristas mais icônicos do século, essa teria sido uma combinação brilhante e emocionante. No entanto, dado que Beck sempre seguiu seu próprio caminho, dúvidas surgiram sobre essa combinação dando certo, e o casamento do Pink Floyd com o amigo de escola David Gilmour é algo que não pode ser subestimado.
Na verdade, em uma conversa de 2010 com Alice Cooper, Beck avaliou a situação. Na discussão, Cooper disse a Beck que a banda estava com muito medo de convidá-lo para se juntar a eles, ao que ele responde: “Quão incrível é isso? Nunca pensei que eles teriam me dado a luz do dia. Que estranho."
Embora a ideia de Beck no Pink Floyd possa deixá-lo animado, é apenas um dos muitos exemplos das portas giratórias da música naquela época barulhenta. Beck receberia muitas dessas ofertas em sua carreira, mas essa é uma história para um dia diferente.
O músico de 63 anos, que mora em Londres, Inglaterra, revelou seu diagnóstico positivo em uma entrevista à Rolling Stone na manhã de hoje.
Dickinson testou positivo para COVID-19 poucos dias depois de adiar abruptamente as duas últimas datas de sua turnê de palestras no Reino Unido porque um membro de sua família imediata contraiu a doença causada pelo novo coronavírus.
Bruce disse que fez um teste COVID de fluxo lateral depois que começou a sentir que estava pegando um resfriado, e deu positivo. "Eu pensei, 'Oh, bem, merda'", disse ele. "Eu estava espirrando um pouco. Por alguns dias, me senti um pouco tonto, meio que com uma gripe, e foi isso. E eu tenho 63 anos. Não tenho dúvidas de que se não tivesse tomado as duas doses da vacina, poderia estar com sérios problemas."
Dickinson continuou dizendo que não acredita pessoalmente que os fãs que vão aos shows devam ser vacinados, chamando isso de "uma escolha pessoal". No entanto, ele disse que espera que todos recebam a injeção. "Pessoalmente, acho que as pessoas são muito mal aconselhadas se não forem e levarem uma punhalada dupla o mais rápido possível, não por motivos de ir a shows, mas por sua própria saúde", disse ele. "Dito isso, mesmo que você tenha recebido uma injeção dupla, você ainda pode pegar COVID e, portanto, pode espalhar para outras pessoas que podem não ter sido vacinadas e podem ficar muito doentes e morrer. Agora você não pode legislar contra mortalidade. Há muitas coisas neste mundo que matam pessoas e não são ilegais, mas são infelizes. O câncer mata muitas pessoas. Ataques cardíacos matam muitas pessoas. A obesidade mata muitas pessoas. A malária mata um monte de gente todos os anos ... Então, em algum momento, temos que apenas dizer, 'Provavelmente teremos que conviver com isso. E se vamos conviver com isso, então você terá sua vacinação.' "
Peter Warrack compareceu ao show no Harvard Stadium, em agosto de 1970 com seu parceiro, Kevin McElroy, e tirou fotos em sua Nikon. Warrack já faleceu, mas suas fotos foram adquiridas pela House of Roulx, um novo selo de comércio eletrônico da empresa maior JG Autographs.
Onze anos atrás (2010), McElroy inicialmente vendeu à empresa uma série de autógrafos, mas só recentemente ele compartilhou com eles uma coleção de cerca de 15.000 fotos que Warrack havia tirado, todas incluindo os negativos originais. Horas folheando essas fotos renderam fotos de Diana Ross e muitos outros, mas o mais importante, várias fotos do show final de Joplin.
As imagens foram restauradas de seus negativos e agora estão disponíveis para compra na House of Roulx. Dada a importância das fotos, a empresa até fez parceria com um artista, Jace McTier, para criar uma representação artística das fotos de Warrack. Embora essas fotos sejam a maioria das evidências surpreendentemente limitadas do show, a tradição local também faz parte dela.
Décadas atrás, Scheafer Beer co-patrocinou uma série de concertos de verão no Harvard Stadium, juntamente com a iniciativa artística "Summerthing" da cidade de Boston, um programa lançado em 1968 para ajudar a "refrescar" a cidade no calor do verão. O estádio podia acomodar mais de 35.000 participantes, mas esses eventos foram limitados a 10.000 e uma taxa de ingresso de US $ 2 por pessoa. Em 1970, a programação não era nada desprezível: os destaques incluíam The Grateful Dead, Miles Davis, Ike e Tina Turner, Van Morrison, B.B. King e The Supremes.
Grandes nomes atraíam grandes multidões e os problemas no início da série ameaçavam seu futuro.
“As primeiras apresentações foram prejudicadas por grandes estrondos e estragos no portão, por crimes menores, como roubo de bolsa e vandalismo pós-concerto na Harvard Square'', Nathan Cobb escreveu para o The Boston Globe.
“Os poderosos de Harvard em 1970, não tenho certeza de como eles ficaram emocionados com todo o movimento hippie que estava acontecendo '', diz Ken Zambello, professor de história do rock na Berklee College of Music. “1970 foi uma espécie de ponto de viragem em que as primeiras fases de‘ se vender ’começaram a aparecer. Os promotores queriam cobrar $ 10 para experimentar essa contracultura.’’
O aumento da segurança ajudou a série de concertos a amadurecer e, em agosto, tornou-se tão agradável quanto havia sido previsto. Fossem garotos mauricinhos de Harvard ou jovens drogados, o estádio bateu lotação na noite de 12 de agosto para Joplin, apesar do show quase não ter acontecido.
“Houve um atraso incrível para o início do show’, diz McElroy, um residente de South End que tinha 19 anos quando compareceu ao show com Warrack. “O equipamento foi roubado durante a noite, foi o que nos explicaram. Eles estavam esperando a chegada de mais equipamentos e acabamos parados por uma hora ou hora e meia."
McElroy se lembra de estar a poucos metros de Joplin durante esse atraso. Ela estava "em seu próprio mundo", bebendo Southern Comfort ao lado do palco, esperando.
“Foi o início de um bom envolvimento entre ela e o público quando ela finalmente subiu ao palco'', diz McElroy. “Era uma música incrível, ela simplesmente disparou. Eles se comunicaram para frente e para trás, tornou-se quase sexual, para frente e para trás entre ela e o público. Ela brincou com isso, ela fez acontecer. E o público a queria, eles gritavam, ‘We wanna ball you’. Pode ter sido uma referência a ‘Ball‘ n ’Chain’, que ela estava cantando, não tenho certeza. Ela tinha um bom senso de humor.’’
Joplin não estava visivelmente embriagada com sua performance, mas seu set durou apenas oito músicas. De acordo com Zambello, no entanto, isso era normal naquele momento da carreira de Joplin.
“Acho que muitas pessoas ficariam chocadas com o quão curtas suas apresentações regulares se tornaram'', diz ele. “Ela tinha uma boa ideia de quanta energia seria necessária para durar um certo tempo no palco. Depois de um tempo, ela estabeleceu uma espécie de regra de que depois de 30 ou 40 minutos, isso seria o suficiente para ela."
McElroy não se lembra de nada de anormal sobre o show, ninguém a empurrando para fora do palco, nenhuma distração visível, nenhum arauto do que seria de Joplin.
“Foi uma noite fantástica, ela foi ótima e éramos apenas crianças. Foi um período de tempo louco, tínhamos acabado de passar pelo estado de Kent. Se você morava na cidade de Boston naquela época, foi um período de empolgação e protesto."
Menos de dois meses depois, em 4 de outubro de 1970, Joplin morreu de overdose de heroína.
Jared Gendron, fundador da House of Roulx, ficou inicialmente surpreso com a pouca quantidade de material disponível desse show. Mas faz sentido, em retrospecto, que o programa não foi exatamente lotado de imprensa.
“Você tem que dar um passo para trás por um segundo e lembrar que, para os presentes, não foi o último show dela'', diz ele. “Foi apenas mais um concerto que por acaso foi o último."
A banda se separou de Lindsey Buckingham em 2018, mas antes do lançamento de seu álbum solo autointitulado em setembro, o guitarrista disse ao EW que os fãs não deveriam contar com uma possível reunião um dia.
“Mick Fleetwood, com quem conversei várias vezes, sugeriu que ele quer tentar nos juntar novamente”, diz ele. "Não vi a última turnê deles. Tenho certeza de que foi boa, mas acho que provavelmente foi muito suave em comparação ... Eles estavam cobrindo muitos outros materiais do Fleetwood Mac e estavam fazendo músicas do Crowded House e Tom Petty. Então, eu não tinha certeza de como isso iria dar certo, e eu não tinha certeza de como Mick finalmente se sentia sobre isso também, mas essa foi a política da situação que levou a isso."
Buckingham foi expulso da banda em 2018 após um pedido que teria sido instigado por seu ex-colega de banda Stevie Nicks. Na época, Buckingham disse que foi informado pelo gerente do Mac, Irving Azoff, que Nicks nunca mais queria dividir o palco com ele. Ele foi substituído pela combinação de Neil Finn e Mike Campbell na turnê do Fleetwood Mac logo depois.
Mas, apesar da aparente finalidade do pedido de Nicks (e de um processo judicial resolvido de Buckingham), ele tem esperança de que o mundo possa ver os cinco membros mais renomados do grupo juntos novamente um dia no futuro.
“Mick, ele não queria me ver ir em primeiro lugar, mas ele está falando sobre isso”, diz ele. "Eu nunca penduraria meu chapéu nisso. Realmente vai levar Stevie a chegar a esse ponto de vista, e eu não falo com Stevie há muito, muito tempo, então não sei onde é isso. algo que mais de uma pessoa que está perto da situação trouxe para mim."
De sua parte, Buckingham estaria mais do que aberto à perspectiva de retornar. “Eu não fiquei feliz com a forma como isso aconteceu”, ele reflete. "Não foi tanto que me senti desprezado por não ter feito mais uma turnê do Fleetwood Mac, mas achei que realmente não respeitava o legado que construímos, que era sobre como superar as adversidades. Qualquer coisa com que alguém tivesse problemas, comigo, era tão pequena em comparação com outras coisas que conseguimos superar", acrescenta. "De qualquer forma, essa é uma, talvez mínima, possibilidade."
Todos os álbuns solo de Bill Bruford, Bruford Band e Earthworks agora estão disponíveis em digital pela primeira vez.
O ex-baterista do Yes and King Crimson, Bill Bruford, anunciou que seu catálogo soloo agora está disponível em plataformas digitais e de streaming pela primeira vez.
Isso inclui lançamentos de sua primeira banda, a de mesmo nome Bruford (1977-80), dois álbuns de estúdio gravados com Patrick Moraz e álbuns gravados com sua equipe de jazz Earthworks.
"Se você gosta de consumir seus interesses musicais digitalmente e tem um momento para verificar todas as coisas de Bruford, ou talvez ouvir meus álbuns solo e de colaboração, ou álbuns do Earthworks pela primeira vez, então, com toda a sinceridade, é é um prazer saber que meu catálogo inteiro agora pode ser baixado e transmitido ", diz Bruford.
Bruford fez a curadoria pessoal de uma série de relançamento de todos os seus álbuns em formatos físicos por meio do selo Cherry Red, incluindo o box set gigante "Earthworks Complete", mas agora estão disponíveis digitalmente.
Embora agora tenha se retirado das gravações e apresentações ao vivo, Bruford está atualmente trabalhando em uma Antologia de carreira para lançamento em 2022.
Em apenas nove dias, "The Metal Tour Of The Year" co-encabeçada pelo Megadeth e Lamb Of God irá devastar cidades da América do Norte. Enquanto a tão esperada jornada finalmente chega à estrada, o Megadeth acaba de anunciar que o ex-membro James LoMenzo, se juntará a eles para cuidar das tarefas de baixo nesta turnê.
O líder do grupo, Dave Mustaine, comentou:
"Estou feliz em anunciar que o ex-baixista e ex-aluno do Megadeth James LoMenzo graciosamente entrou na 'The Metal Tour Of The Year'. Os ensaios da turnê acabaram de começar, e mal podemos esperar para começar a esmagar a América do Norte."
LoMenzo acrescentou:
"Estou super feliz por voltar ao Megadeth para a próxima 'Metal Tour Of The Year'. Não há fãs melhores do que os fãs do Megadeth, mal posso esperar para chegar lá e destruir com algumas músicas do Megadeth com todos vocês."
LoMenzo juntou-se à banda em 2006 e apareceu em dois dos álbuns de estúdio do grupo, "United Abominations" de 2007 e "Endgame" de 2009. Ele foi demitido da banda em 2010 e substituído pelo retorno do baixista original David Ellefson.
Além do Megadeth, LoMenzo tocou com Ozzy Osbourne, Zakk Wylde e White Lion. Nos últimos oito anos, LoMenzo tem se apresentado com o icônico roqueiro John Fogerty.
Mustaine ainda não revelou quem tocou baixo no novo álbum do Megadeth depois que as faixas de David Ellefson foram removidas do LP após sua saída da banda no final de maio.
Ellefson gravou suas faixas de baixo no décimo sexto LP do grupo em maio de 2020 em um estúdio em Nashville, Tennessee.
Em julho, Mustaine anunciou durante um episódio de seu programa Gimme Radio "The Dave Mustaine Show" que as faixas de baixo de Ellefson não seriam usadas no novo LP do Megadeth.
No início de maio, no mesmo dia em que mensagens com toques sexuais e vídeos explícitos envolvendo Ellefson foram postados no Twitter, ele divulgou um comunicado no Instagram negando todas as conversas nas redes sociais de que ele "preparou" um fã menor. Ele também entrou com um relatório no departamento de polícia em Scottsdale, Arizona, alegando distribuição ilegal de imagens sexualmente explícitas de Ellefson por criminosos desconhecidos. No relatório, Ellefson admitiu que vinha trocando mensagens de texto sexuais com um adolescente holandês, que capturou um vídeo de vários de seus "encontros de se masturbar" virtuais sem seu consentimento e os compartilhou com amigos. (De acordo com Ellefson, a mulher tinha 19 anos na época de seu primeiro encontro sexual virtual.) Ellefson, de 56 anos, que mora em Scottsdale, tomou conhecimento do vídeo em 9 de maio, quando alegou "David Ellefson do Megadeth é um pedófilo"apareceu no Instagram. Ellefson disse à polícia que foi notificado em 14 de maio pelo Megadeth de que a banda se separaria dele. Três dias depois, ele foi despedido.
Em 24 de maio, Mustaine, que formou o Megadeth com Ellefson em 1983, anunciou a saída do baixista da banda. Dois dias depois, Ellefson divulgou um comunicado no qual prometeu abrir um "processo por difamação" contra a pessoa que "postou ilegalmente um vídeo muito privado" do baixista e fez "falsas alegações" contra ele. Ele também disse que estava trabalhando com a polícia em Scottsdale "na investigação das acusações de pornografia de vingança contra a pessoa que postou o vídeo. Essa pessoa será processada em toda a extensão da lei", escreveu Ellefson. Ele continuou dizendo que estava "aproveitando esse tempo para estar com minha família" e desejou a seus "companheiros de banda" o melhor em sua próxima turnê.
Ellefson estava no Megadeth desde o início da banda em 1983 a 2002, e novamente de 2010 até sua última saída.
O vocalista e baixista do Rush, Geddy Lee, é um dos músicos mais icônicos de todos os tempos. Seja seu falsete icônico, licks de baixo incríveis ou aparência de óculos perpétuos, Geddy Lee é um fenômeno único, um terço de e uma engrenagem vital no trio favorito do rock.
É apropriado para um grupo tão idiossincrático que cada um de seus membros seja considerado assim. Cada um dos membros do Rush é um virtuoso por direito próprio. O falecido gênio rítmico, Neil Peart, era um baterista de habilidade técnica sem precedentes, o guitarrista Alex Lifeson é um dos guitarristas mais hábeis e influentes de todos os tempos, e as linhas de baixo corajosas e sempre com visão de futuro de Geddy Lee também o marcaram como um dos os matadores de quatro cordas mais instantaneamente reconhecíveis dos últimos 50 anos.
Juntos, os três membros fizeram do Rush uma potência do rock progressivo / hard. Além de cada membro ser individualmente influente, juntos, eles criaram uma banda da qual os músicos realmente não se cansam. Alguns de nossos atos favoritos listaram Rush como tendo um efeito transformador sobre eles. Isso inclui Jane’s Addiction, Nine Inch Nails, Smashing Pumpkins, Red Hot Chili Peppers e até mesmo Foo Fighters, para citar apenas alguns.
Isso faz você se perguntar, então, quem inspirou Rush? Só faria sentido que a banda favorita da nossa banda favorita ostentasse uma vasta gama de influências, particularmente considerando que a carreira de Rush foi uma longa e sinuosa odisseia assumindo estilos diferentes.
Fica claro ao ouvir o Rush - e às entrevistas - que Black Sabbath, Led Zeppelin, Genesis, Yes e Jethro Tull deixaram uma pegada sônica indelével nos cérebros dos feiticeiros progressistas. Esse sentimento também é composto pela sensação inconfundivelmente esotérica que sustenta muitas das músicas do Rush. No entanto, em uma entrevista de 2012 para o The Quietus, Geddy Lee revelou outra banda que o inspirou, e isso pode ser pouca ou nenhuma surpresa.
Lee explicou que "Meddle", o sexto álbum dos pioneiros britânicos Pink Floyd, teve um impacto particularmente significativo em seu jovem intelecto. Na entrevista, Lee também se mostrou um verdadeiro adepto do Floyd, observando a importância de "Meddle" no extenso catálogo antigo da banda:
“Esse foi provavelmente o último álbum do Pink Floyd antes de entrarem em sua série de clássicos”, disse ele, acrescentando: “Antes de seus discos realmente grandes. Mas ... de novo ... de novo ... foi o show deles em Toronto que me cativou e disparou a imaginação. Eles abriram aquele show com todo o "Meddle" e imediatamente pude sentir que as possibilidades eram imensas para essa banda.”
O vocalista do Rush continuou:
“Foi muito emocionante porque você poderia dizer que algo único estava acontecendo. Para onde eles iriam a seguir? Bem, foi um grande precursor do "Dark Side of the Moon". Havia "ecos" genuínos disso já existentes. Continua sendo meu favorito por causa desse momento. Aquele momento em que uma banda realmente começa a atingir seu pico. Estou ciente do Floyd de Syd Barrett, mas, no sentido musical, era uma época diferente, uma banda diferente.”
Geddy Lee não apenas nos transporta de volta a um dos tempos mais emocionantes e revolucionários da música, mas também nos oferece uma visão do funcionamento interno de seu cérebro naquele momento histórico. Enquanto ele discute testemunhar o Pink Floyd durante aquele período importante de sua carreira, a discussão das imensas possibilidades que ele previu para o Pink Floyd foi nada menos que um estrondo no dinheiro. Isso é verdade quando observamos o quão cerebral e refinado eles se tornaram, uma trajetória que continuou até o álbum de 2014 "The Endless River".
A ironia da declaração de Lee é que possibilidades infinitas logo se tornariam palpáveis para ele também. Em 1975, Rush teria seu primeiro gostinho de sucesso comercial com seu segundo álbum, "Fly by Night". Isso os desencadearia em sua própria jornada no tempo e no espaço, o que nos deu clássicos como 2112 (1976), "Permanent Waves" (1980) e "Moving Pictures" (1981). Assim como o Pink Floyd, o Rush também mergulhou na esfera profundamente erudita nos anos 80, quando o uso da eletrônica marcaria uma era de experimentação conceitual antes de retornar ao seu modus operandi mais tradicional no final da década.
O frontman do Jethro Tull, Ian Anderson, escolhe dez discos que transformaram sua vida na música, do swing nos Estados Unidos ao folk finlandês.
Ian Anderson, sentou-se com o Classic Rock para mostrar suas seleções para os 10 discos que mudaram sua vida.
“Obviamente, quando você está falando sobre discos que são‘ transformadores de vida ’, para usar esse termo, você geralmente está falando sobre peças de música que você ouviu na sua juventude”, diz Anderson. “Mas sou uma daquelas pessoas que nunca para de ouvir coisas novas, então, felizmente, algumas gravações tiveram um impacto dramático em mim nos últimos anos. Você nunca sabe quando algo vai bater em você e tocar aquele acorde, por assim dizer. É sempre uma surpresa maravilhosa quando isso acontece."
Glenn Miller and his Orchestra – "In the Mood" (1939).
“Eu tinha sete anos quando ouvi algumas das big band do pai, 78s. Eu particularmente gostei de "In the Mood" de Glenn Miller e sua Orquestra, que é uma peça de swing brilhante e sincopada. Algo sobre a simplicidade me atingiu - talvez porque seja essencialmente um blues de três acordes. Quando criança, isso me deixou energizado de uma forma que a música da igreja e a música folk escocesa realmente não faziam."
Johnny Duncan & his Bluegrass Boys – "Last Train to San Fernando" (1955).
“Eu tinha nove anos quando ouvi algum rock'n'roll antigo na forma de Bill Haley & His Comets. Estávamos começando a conseguir discos dos Estados Unidos porque ainda havia muitos militares americanos servindo no Reino Unido. Revistas, moda e certamente a música ajudaram a influenciar muito a juventude britânica dessa época.
Nessa época, ouvi uma música no rádio e gostei muito, e convenci meus pais a me deixarem comprar um exemplar com minha mesada. Era folk e tinha uma batida de skiffle, que estava se tornando moda na Inglaterra. Era "Last Train to San Fernando", de Johnny Duncan e seus Bluegrass Boys. Foi uma peça incrível de música americana, mas, curiosamente, é realmente uma canção calipso, mas feita de uma forma meio skiffle.”
Muddy Waters – "Hoochie Coochie Man" (1954).
“Esta é uma das primeiras canções de Muddy Waters que teve um grande impacto, não apenas em mim, mas em toda uma geração de aspirantes a artistas de R&B e blues na Grã-Bretanha. É uma de suas melhores peças. Antes de sua morte, Muddy até regravou com Johnny Winter e lançou outra grande versão da música.
Esta foi a minha introdução ao artigo genuíno - Chicago blues. Eu tinha ouvido coisas que derivavam do gênero e tinham vários matizes, como algumas das músicas swing de três acordes que eu ouvia. Mas quando você ouve a coisa real, você sabe disso, e "Hoochie Coochie Man" de Muddy Waters era indiscutivelmente a coisa real.
O verdadeiro blues americano tornou-se romantizado para nós, britânicos. Claro, não sabíamos nada sobre a tortura do comércio de escravos, o comércio de tabaco e o comércio de algodão, ou os horrores da pobreza ao longo dos anos da Depressão - não sabíamos sobre essas coisas. Mas sentimos essa forma um tanto heróica de música folk, e se é assim que vimos, é melhor do que a América branca de classe média, que não viu nada disso. Foi só quando nós, britânicos, mandamos Jimi Hendrix de volta para a América - o rock que era muito agressivo e negro - que se tornou revolucionário.”
Graham Bond – "Spanish Blues" (1965).
“Era um paralelo a toda aquela música americana, mas de uma forma mais eclética, tendo influências do blues e do jazz europeu mas também do clássico. Graham Bond não era um saxofonista alto de muito sucesso que em algum momento conseguiu um show com Alexis Korner’s Blues Incorporated. Depois de um tempo, ele roubou Ginger Baker e Jack Bruce daquela banda e os persuadiu a irem com ele quando ele formou a Graham Bond Organization.
Eles tocaram um amálgama caseiro de jazz e blues eclético, que teve um grande impacto em mim quando adolescente. Eu estava começando a tocar música neste momento. O uso do órgão Hammond, tocado por Bond, foi bastante forte, dramático e maravilhoso. Claro, como todos sabem, o núcleo da Organização Graham Bond formou o Cream, o que o levou ainda mais longe.
O blues espanhol não era blues ou jazz americano; era, como o título sugere, um tipo de faixa bastante europeia. Não é exatamente flamenco, mas tem uma sensação autêntica. Ouvir saxofone e órgão Hammond junto com baixo e bateria realmente me tocou. Isso me fez perceber que você poderia fazer algo com esse tipo de formação. Não precisava ser música negra americana; você pode pegar coisas da música clássica e usá-las. De certa forma, foi o início do que se tornou o rock clássico.”
Pink Floyd – "The Piper at the Gates of Dawn" (1967).
"Houve dois álbuns seminais em 1967 que abriram um caminho para pessoas como eu no contexto do pop progressivo. Um era o "Sgt. Pepper" dos Beatles, é claro, e o outro era um caso totalmente mais surreal e progressivo, "Piper at Gates of Dawn", do Pink Floyd. Ambos os álbuns pegaram elementos de muitas fontes diferentes e os usaram de maneiras coloridas e criativas.
Para mim, o álbum do Pink Floyd tinha mais significado. Os Beatles eram um grupo pop, então eu pensei que seu material era um pouco artificial, um pouco twee. Eu gostei mais do elemento cantor e compositor do Floyd. As canções de Syd Barrett eram estranhas e engraçadas e complementavam perfeitamente o instrumental radical e drogado que a banda fazia. Você viu fotos e as apresentou com palavras e sons, em vez de pinturas.”
Roy Harper - "Come Out Fighting Ghengis Smith" (1968).
“Um ano depois, quando me mudei para Londres, ouvi um cantor folk que estava construindo um nome para si mesmo. Juntei algumas moedas e comprei este álbum, que mostrou meu interesse pelo jeito solitário de fazer música como cantor e compositor. A música "Another Day" realmente ressoou em mim. Muitas pessoas, além de mim, consideram isso um clássico cult. Kate Bush gravou a música.
Morando sozinho durante o verão de 68, este álbum significou muito para mim. Na verdade, conheci Roy Harper um pouco porque acabamos fazendo alguns shows juntos, incluindo o primeiro show no Hyde Park, que foi Pink Floyd, Jethro Tull, Roy Harper e Tyrannosaurus Rex.”
Jethro Tull – "Aqualung" (1971).
“A única música que realmente mudou minha vida, certamente de uma forma material, foi "Aqualung". Tínhamos um pouco de sucesso antes disso, mas este álbum nos estabeleceu em todo o mundo. No entanto, foi um processo gradual - não espalhou a mensagem em 1971 ou '72. Foram vendas estável por anos e anos.
O álbum nos levou à União Soviética, ao Bloco Oriental da Europa, aos regimes fascistas da América Latina e outros lugares. Fomos muito longe. Foi a música que mais mudou minha vida, pessoalmente. Isso me deu a oportunidade de lançar álbuns ainda mais aventureiros e, tão importante, eu poderia ir a todos esses lugares para tocar ao vivo.”
Herbert von Karajan/ Berliner Philharmonic Orchestra – "Beethoven Symphony No. 9 in D Minor" (1963).
“Depois do álbum "Aqualung", vi "Laranja Mecânica", e a música do Walter Carlos - que mais tarde se tornou Wendy Carlos - realmente despertou o meu interesse pela música clássica. Ele já havia se destacado pegando peças clássicas e interpretando-as em sintetizadores. Achei magnífico o tratamento que deu a Beethoven para a trilha sonora de "Laranja Mecânica".
Eu estive exposto à música clássica na minha adolescência, e um pouco quando fizemos o álbum "Stand Up" - há uma peça de Bach sobre isso - mas comecei a explorá-la mais depois de ver o filme de Stanley Kubrick. Em particular, desenvolvi um interesse por Beethoven. Tenho certeza de que muitas outras pessoas foram apresentadas a seu trabalho depois de terem visto "Laranja Mecânica". Isso levou ao meu interesse pela orquestração.
Na minha opinião, a melhor versão da 9ª edição de Beethoven, a gravação inédita, é de Herbert von Karajan e a Filarmônica de Berlim nos primeiros dias do estéreo.”
Värttinä – "Aitara" (1994).
“Com este álbum, descobri que a música folk da Europa pode conviver com o rock progressivo moderno. Esta é uma banda finlandesa com sede no oeste de Helsinque, composta por três cantoras folk e uma banda de jazz e músicos folk do Instituto de Música.
É uma música maravilhosa, especialmente a faixa-título, mas não tenho absolutamente nenhuma ideia do que eles estão cantando. Pode ser algo muito mundano e triste - acho que nunca vou saber. Mas isso não importa, porque o som de suas vozes e a música da banda são muito bonitos.”
A.R. Rahman – "Bombay Theme" (1995).
“Isso me fez começar a aprender a entender um pouco mais sobre a música indiana e até mesmo a escrever para alguns daqueles artistas indianos clássicos. Esta faixa em particular começa de forma muito visível com o som de uma flauta de bambu indiana.
Foi escrito e organizado por A.R. Rahman, que é, em grande parte, a força musical por trás de Bollywood. Ele é o principal praticante da música indiana no sentido comercial - certamente por seu trabalho no cinema. Eu ouvi o "Bombay Theme" pela primeira vez, que às vezes é chamado de "Mombay Theme", em um álbum cruzado, e isso me levou a investigar as coisas mais a fundo. Acho que é uma peça musical bastante extraordinária.”
Christine McVie, tecladista/vocalista do Fleetwood Mac, vendeera seu catálogo de 115 títulos para a Hipgnosis, a empresa de música em rápido crescimento que gastou mais de US $ 2 bilhões em três anos adquirindo os direitos de um vasto número de canções populares.
McVie, que ingressou no Fleetwood Mac em 1970, é compositora de muitos dos maiores sucessos do grupo de longa data, incluindo "Don't Stop", "You Make Loving Fun", "Over My Head", "Songbird", "Say You Love Me” e outros. Induziada ao Hall da Fama do Rock and Roll em 1998, Fleetwood Mac é um dos artistas musicais de maior sucesso comercial dos últimos 50 anos, com o álbum vencedor do Grammy de 1977, “Rumors”, vendendo mais de 45 milhões de cópias em todo o mundo; o segundo é "Tango in the Night", de 1987, com 15 milhões.
McVie é o quarto dos cinco membros da banda a fazer tal acordo nos últimos nove meses, e o segundo com a Hipgnosis, depois que seu colega cantor e compositor do Mac Lindsey Buckingham concluiu a venda de 100% de seus direitos de publicação para a empresa em Janeiro. Stevie Nicks, outra grande cantora e compositora do grupo, fechou um contrato de longo alcance de US $ 100 milhões com a Primary Wave no final do ano passado, e o baterista e co-fundador Mick Fleetwood fechou um contrato com a BMG com uma variedade de direitos em janeiro.
De acordo com o anúncio, a Hipgnosis adquiriu os direitos autorais, propriedade e interesses financeiros de McVie em todo o mundo, incluindo a parte da escritora, de todas as composições e direitos conexos. O negócio também inclui seu trabalho pré-Fleetwood Mac com o grupo britânico Chicken Shack e seu material solo, incluindo sua estreia em 1969, “Christine Perfect”.
A Hipgnosis adquiriu catálogos, incluindo os de Neil Young, Red Hot Chili Peppers, Shakira, Barry Manilow e muitos compositores e produtores de sucesso.
McVie fora representada pelo gerente de negócios Paul Glass no Colony Group, o gerente Martin Wyatt e o advogado Mario González.
“Estou tão animada por pertencer à família Hipgnosis e emocionada que todos vocês considerem minhas músicas dignas de mérito”, disse McVie sobre o negócio. “Gostaria de agradecer a todos por sua fé em mim e farei tudo o que puder para continuar este novo relacionamento e ajudar de todas as maneiras que puder! Muito obrigada!"
O co-fundador da Hignosis, Merck Mercuriadis, disse: “Christine McVie é uma das maiores compositoras de todos os tempos, tendo guiado o Fleetwood Mac a quase 150 milhões de álbuns vendidos e tornando-os uma das bandas mais vendidas de todos os tempos em todo o mundo. Nos últimos 46 anos, a banda teve três escritores e vocalistas distintos, mas a importância de Christine é amplamente demonstrada pelo fato de que oito das 16 músicas nos álbuns de Greatest Hits da banda são de Christine. É maravilhoso para nós dar as boas-vindas a Christine na Família Hipgnosis e particularmente maravilhoso reuni-la mais uma vez na Hipgnosis com Lindsey Buckingham. Entre Christine e Lindsey, agora temos 48 das 68 músicas dos álbuns de maior sucesso da banda.”
Charlie Watts, baterista dos Rolling Stones, está se recuperando de uma cirurgia e deve ficar de fora da remarcada turnê No Filter da banda neste outono nos Estados Unidos Mick Jagger e a banda postaram mensagens de apoio.
Um porta-voz de Watts, de 80 anos, disse em um comunicado que embora uma cirurgia não especificada fora "completamente bem-sucedida", os médicos do músico "concluíram que ele agora precisa de repouso e recuperação adequados". Com os ensaios da turnê começando em algumas semanas, isso não é possível. "É decepcionante para dizer o mínimo, mas também é justo dizer que ninguém previu isso."
Watts acrescentou: "Pela primeira vez, estou a trabalhar arduamente para ficar em plena forma, mas hoje aceitei, segundo o conselho dos especialistas, que isto vai demorar um pouco."
O baterista já havia se submetido a um tratamento bem-sucedido para câncer de garganta em 2004.
Steve Jordan, que trabalhou com Keith Richards em projetos solo, substituirá Watts. A turnê de 13 datas começa em 26 de setembro em St. Louis e termina em 20 de novembro em Austin.
Os companheiros de banda de Watts - Jagger, Richards e Ronnie Wood - todos postaram mensagens de apoio. O vocalista da banda, que passou por uma cirurgia de substituição da válvula cardíaca em 2019 e voltou ao palco depois de dois meses, disse que todos "realmente estão ansiosos para receber Charlie de volta assim que ele estiver totalmente recuperado".
Wood compartilhou uma foto de Watts e disse que seu amigo e colega lhe disse: "'O show deve continuar!'" No entanto, "estou realmente ansioso para Charlie voltar ao palco conosco assim que ele estiver totalmente recuperado."
Richards disse que é um "golpe para todos nós, para dizer o mínimo." Ele enviou desejos de uma "recuperação rápida".
A banda anunciou em julho as datas remarcadas para os EUA. A icônica banda britânica fez mais de 40 turnês, incluindo algumas das turnês de maior bilheteria de todos os tempos.
O Black Sabbath adotou a mudança em 1976 quando os inovadores do heavy metal começaram a se autogerenciar e a explorar diferentes sons no sétimo álbum de estúdio da banda, "Technical Ecstasy". O trabalho alcançou a 13ª posição no Reino Unido e foi certificado ouro nos EUA
BMG homenageia este álbum ousado com uma coleção que inclui uma versão do original, remasterizado por Steven Wilson, além de mais de 90 minutos de outtakes inéditos, mixes alternativos e faixas ao vivo. "Technical Ecstasy: Super Deluxe Edition" estará disponível em 1º de outubro como um conjunto de 4 CDs e 5 LPs em vinil preto de 180 gramas. Ambas as versões de 4 CDs e 5 LP estão disponíveis para pré-venda agora. O álbum de estúdio remasterizado estará disponível no mesmo dia em serviços de download e streaming digital. A nova versão remasterizada de "Back Street Kids" já está disponível digitalmente.
No verão de 1976, Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler e Bill Ward foram a Miami para gravar "Technical Ecstasy" no famoso Criteria Studios. A banda estava saindo de uma turnê mundial para seu álbum anterior, "Sabotage", que encontrou suas performances ao vivo evoluindo para incluir teclados e sintetizadores. Esses instrumentos e sons recém-incorporados foram então introduzidos no processo de gravação em "Technical Ecstasy". As novas canções abrangiam uma ampla gama de estilos, desde a pesada "Back Street Kids" e a balada "It's Alright" ao funky "All Moving Parts (Stand Still)" e a progressiva "Gypsy". O álbum também contou com o single "It's Alright", que foi a primeira música do do grupo a apresentar os vocais principais de Ward. "Deluxe Edition" apresenta uma nova versão remasterizada do álbum de oito faixas, junto com um mix inteiramente novo do álbum criado por Steven Wilson usando as fitas analógicas originais.
"Technical Ecstasy: Super Deluxe Edition" vem com oito outtakes inéditos e mixagens alternativas. Entre eles estão diferentes mixagens de "You Won't Change Me" e "Rock 'N' Roll Doctor", bem como versões outtake e instrumental de "She Gone". A coleção termina com 10 faixas ao vivo inéditas gravadas durante a turnê mundial "Technical Ecstasy" de 1976-77. As músicas tocam em diferentes épocas da história da banda, com faixas anteriores como "Black Sabbath" e "War Pigs", ao lado de novas canções "Gypsy" e "Dirty Women".
A coleção vem com um livreto extenso com obras de arte, encarte, lembranças raras e fotos da época, além de uma réplica do livro de concertos da turnê mundial de 1976-77 e um grande pôster colorido.
Tracklist:
Disc One: Original Album 1976 (2021 Remaster)
01. Back Street Kids
02. You Won't Change Me
03. It's Alright
04. Gypsy
05. All Moving Parts (Stand Still)
06. Rock 'N' Roll Doctor
07. She's Gone
08. Dirty Women
Disc Two: New Steven Wilson Mix
01. Back Street Kids *
02. You Won't Change *
03. It's Alright - Mono Version
04. Gypsy *
05. All Moving Parts (Stand Still) *
06. Rock 'n' Roll Doctor *
07. She's Gone *
08. Dirty Women *
Disc Three: Outtakes & Alternative Mixes
01. Back Street Kids – Alternative Mix *
02. You Won't Change Me – Alternative Mix *
03. Gypsy – Alternative Mix *
04. All Moving Parts (Stand Still) – Alternative Mix *
05. Rock 'n' Roll Doctor – Alternative Mix *
06. She's Gone – Outtake Version *
07. Dirty Women – Alternative Mix *
08. She's Gone – Instrumental Mix *
Disc Four: Live World Tour 1976-77
01. Symptom Of The Universe *
02. War Pigs *
03. Gypsy *
04. Black Sabbath *
05. All Moving Parts (Stand Still) *
06. Dirty Women *
07. Drum Solo / Guitar Solo *
08. Electric Funeral *
09. Snowblind *
10. Children Of The Grave *
LP One: Original Album Remastered
Side One
01. Back Street Kids
02. You Won't Change Me
03. It's Alright
04. Gypsy
Side Two
01. All Moving Parts (Stand Still)
02. Rock 'n' Roll Doctor
03. She's Gone
04. Dirty Women
LP Two: New Steven Wilson Mix
Side Three
01. Back Street Kids *
02. You Won't Change Me *
03. It's Alright – Mono Single
04. Gypsy *
Side Four
01. All Moving Parts (Stand Still) *
02. Rock 'n' Roll Doctor *
03. She's Gone *
04. Dirty Women *
LP Three: Outtakes & Alternative Mixes
Side Five
01. Back Street Kids – Alternative Mix *
02. You Won't Change Me – Alternative Mix *
03. Gypsy – Alternative Mix *
04. All Moving Parts (Stand Still) – Alternative Mix *
"Highway To Hell" integra "The Atlas Underground Fire", novo álbum do guitarrista gravado durante a pandemia,que chegará no dia 15 de outubro próximo, via Mom + Pop Music.
O trabalho trará, além das citadas participações do The Boss e Eddie Veder, várias outras participações especiais em suas faixas, gravadas repletas de recursos caseiros, onde Morello usara até mesmo o seu próprio celular no processo de captação de voz.
Ouça "Highway To Hell" no player abaixo:
Tracklist:
01. Harlem Hellfighter
02. Highway To Hell (feat. Bruce Springsteen and Eddie Vedder)
03. Let’s Get The Party Started (feat. Bring Me The Horizon)
04. Driving To Texas (feat. Phantogram)
05. The War Inside (feat. Chris Stapleton)
06. Hold The Line (feat. grandson)
07. Naraka (feat. Mike Posner)
08. The Achilles List (feat. Damian Marley)
09. Night Witch (feat. phem)
10. Charmed I’m Sure (feat. Protohype)
11. Save Our Souls (feat. Dennis Lyxzén of Refused)
12. On The Shore Of Eternity (feat. Sama’ Abdulhadi)
Membro cofundador faleceu durante o sono. Músico tinha 72 anos.
“Estamos tristes com a notícia de que nosso compadre, Dusty Hill, faleceu enquanto dormia em sua casa em Houston, TX”, disseram os membros sobreviventes da banda ZZ Top, Billy Gibbons e Frank Beard, em um comunicado.
“Nós, junto com legiões de fãs do ZZ Top em todo o mundo, sentiremos falta de sua presença constante, sua boa natureza e compromisso duradouro em fornecer aquele fundo monumental ao‘ Top ’. Estaremos para sempre conectados a esse ‘Blues Shuffle in C.’ Você fará muita falta, amigo.”
A notícia chocante chega menos de duas semanas depois que a banda deu início à turnê de 2021 nos Estados Unidos. Alguns shows atrás, ZZ Top fez um show sem Hill, enquanto o técnico de guitarra de longa data Elwood Francis ocupava o baixo. Na época, o lendário grupo de rock citou um “problema de saúde dentro da banda”.
