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segunda-feira, 26 de setembro de 2022

"Dio: Dreamers Never Die" é o documentário que Ronnie James Dio merece

Iluminado, engraçado e ocasionalmente brutalmente honesto, fime é um retrato perspicaz de uma das figuras mais amadas do metal.

Que Ronnie James Dio continua sendo um dos maiores vocalistas de rock e metal de todos os tempos é incontestável, uma verdade objetiva em uma forma de arte definida por gostos extremamente subjetivos. O motivo pelo qual ele é tão considerado é o foco de "Dio: Dreamers Never Die", o novo documentário autorizado que examina a vida de Dio desde seus dias de infância no interior de Nova York, passando por suas icônicas reviravoltas em Rainbow, Black Sabbath e Dio, até sua morte em 2010. Por vezes, familiar, esclarecedor e até engraçado (como o relato do fotógrafo Gene Kirkland de como foi tirar a foto da banda para o álbum "Holy Diver"), "Dreamers Never Die" é um passeio bem ritmado e envolvente do início ao fim .

À medida que uma linha do tempo linear percorre a vida de Dio, um panteão de luminares, incluindo Rob Halford, Tony Iommi, Geezer Butler, Jack Black, Glenn Hughes e a esposa e gerente de Dio, Wendy, pesam com anedotas e insights coloridos, na grande tradição do rock arquetípico.

Amplas imagens de arquivo do próprio Dio revelam um homem tão obstinadamente ligado à sua visão artística que perdeu empregos no Rainbow e no Sabbath em vez de chegar a um acordo com vários colegas de banda. Em última análise, a formação e ascendência de Dio, sua banda solo, validaria que seu som, seus temas e sua personalidade de palco de demônios e magos, tocando chifres, atingiria um acorde ressonante entre os fãs de rock que buscavam uma marca de música que emocionasse e empoderasse ao mesmo tempo.

Felizmente, nem tudo é um elogio servil. Uma cena assustadora com Don Dokken mostra o perfeccionismo inflexível de Dio e seu lado sarcástico, de uma maneira totalmente pouco lisonjeira. Em última análise, no entanto, esta é uma produção autorizada e a lenda duradoura de Dio está bem preservada. Na verdade, Ronnie James Dio realmente era um cara amigável e acessível que sempre arrumava tempo para seus fãs. Mas ele também era um artista complicado, de força de vontade e altamente introspectivo com medidas saudáveis ​​de orgulho e ambição, todas as quais aparecem mais brilhantemente através dos comentários de seus ex-colegas de banda; por exemplo, o baterista Vinny Appice lançando fitas antigas das primeiras jam sessions de Dio e revelando que "Rainbow In The Dark" quase foi pro lixo, porque Dio odiou muito depois do primeiro take.

O tratamento do filme sobre os últimos dias de Dio, contado principalmente por Wendy, é difícil, particularmente a história de sua última sessão de estúdio, onde ele gravou uma impressionante versão solo de "This Is Your Life". E sim, as origens dos chifres do diabo são cobertas com os devidos detalhes, com o próprio Dio explicando que eles foram inspirados por Ozzy Osbourne, a quem Dio substituiu no Black Sabbath, jogando o sinal da paz no palco.

A marca registrada de um documentário convincente é sua capacidade de informar e entreter não apenas aqueles familiarizados com o assunto, mas, mais importante, os não iniciados. A este respeito, "Dio: Dreamers Never Die" bate fora do parque com um retrato ricamente matizado e perspicaz de uma das figuras mais amadas do metal. Visualização essencial.

"Dio: Dreamers Never Die" chegará aos cinemas de todo o mundo a partir de 28 de setembro.

Via Metal Hammer.

sábado, 20 de agosto de 2022

O filme erótico “agonizantemente ruim” que David Bowie fez com a ex-namorada Susan Sarandon

Encontramos o amor em um lugar sem esperança”, elogiou uma vez exuberantemente a cantora barbadense Rhianna; se ela estava ou não falando sobre o romance sensual que floresceu entre David Bowie e Susan Sarandon em meio à produção de sujeira de cachorro de "The Hunger" ("Fome de Viver")" é uma incógnita, mas certamente soaria fiel à vida. O filme de vampiros sexy esquecido que o crítico Roger Ebert descreveu como “agonizantemente ruim” é um lugar tão esperançoso para o amor florescer quanto o Estádio da Luz em uma tórrida terça-feira de janeiro.

Seu fracasso é uma estranheza quando se trata do pedigree envolvido. Você imaginaria que Tony Scott dirigindo Bowie, Sarandon e Catherine Deneuve em um triângulo amoroso com presas atrevidas em 1983 foi uma aposta infalível como uma brincadeira abrasadora. No entanto, quando você entra no âmago dos detalhes dos detalhes, fica com um caso espalhafatoso e confuso que faz com que o estimado desdém de Ebert seja um jogo justo.

O filme é uma adaptação livre do romance de mesmo nome de Whitley Strieber, lançado dois anos antes. A descrição do romance dá uma ideia vaga do que estamos lidando aqui, diz: “A juventude eterna é uma coisa maravilhosa para poucos que a têm, mas para Miriam Blaylock, é uma maldição – uma existência marcada pela morte e tristeza. Porque para a eterna Miriam, todos que ela ama murcham e morrem. Agora, assombrada pelos sinais da morte iminente de seu adorado marido, Miriam sai em busca de um novo parceiro, alguém que possa saciar sua sede de amor e resistir ao teste do tempo.

Se isso deixou suas calças pingando de emoção, então há mais emoções fortes nesta luta que se desenrola por amor e carne por vir. Continua: “Ela encontra na bela Sarah Roberts, uma jovem cientista brilhante que pode guardar o segredo da imortalidade. Mas uma coisa está entre a intoxicante Miriam Blaylock e o objeto de seu desejo: Dr. Tom Haver… e ele está prestes a perceber que amor e morte andam de mãos dadas.

Se isso ainda soa como um deleite, então essencialmente é porque, em um sentido abreviado, é. Até Ebert, que o pintou com 1,5 estrelas sujas, admitiu que era “uma espécie de erótico sonhador” e circulou em torno de “uma cena de sexo requintadamente eficaz”, mas são as emoções e os derramamentos no meio que dependem mais da história do que da química do celulóide que voam como um aborto que foi umedecido pelo resíduo fumegante que sobrou das cenas de banho atrevidas que não conseguem ventilar totalmente (confira o trailer sensual abaixo).

E se a química erótica é palpável entre o trio do triângulo amoroso ao longo do filme, é porque Bowie e Sarandon estavam desfrutando de um namoro lindamente atraente. Chegou em um momento em que Bowie queria sossegar e se aconchegou nos braços abertos de Sarandon. Como ele disse na época em que os dois foram entrevistados juntos: “Quando você é jovem e está determinado a realizar o grande sonho de 'eu tenho uma grande declaração e o mundo precisa ouvir minha declaração', há algo um pouco irresponsável sobre sua atitude em relação ao futuro. Um não reconhecimento de que o futuro existe. Acho importante que os jovens tenham isso”.

No entanto, infelizmente, como Sarandon explicaria recentemente a você, eles eram amantes e bastante intensos. Bowie queria que eles tivessem uma família juntos, mas “eu não deveria ter filhos”, diz Sarandon ao tocar em sua endometriose. O relacionamento não poderia sobreviver além disso. No entanto, seus dias de romance no set de "The Hunger" e além foram sempre lembrados com carinho.

Felizmente, eles também tiveram a chance de reconciliar seu passado antes da morte de Bowie. Como Sarandon explica sobre sua comovente reunião quando os dias de David estavam contados: “Tive a sorte de estar mais perto dele pouco antes de morrer, nos últimos dois meses. Ele me encontrou novamente. Conversamos e dissemos algumas coisas que precisavam ser ditas. Tive a sorte de poder vê-lo quando ele me contou o que estava acontecendo com ele.

Então, com carinho, ela lembrou: “Eu amo sua esposa Iman, alguém que era tão igual em estatura [a dele]. Era claramente com quem ele estava destinado a ficar. Eu estava tão feliz que ela estava com ele durante tudo isso. E tenho mantido contato com ela. A última vez que o vi foi na estreia de seu musical Lazarus.” Concluindo: “Houve um arco-íris duplo em Nova York no dia em que David Bowie faleceu.

Via FAR OUT.

quinta-feira, 18 de agosto de 2022

Ronnie James Dio: Assista ao trailer do documentário que será exibido nos cinemas pelo mundo

"Dio: Dreamers Never Die" terá duas noites especiais em setembro e outubro.

RONNIE JAMES DIO orquestra a própria versão do heavy metal de “We Are the World” em um novo clipe do próximo documentário, "Dio: Dreamers Never Die". O filme terá uma exibição especial de duas noites nos dias 28 de setembro e 2 de outubro.

O clipe gira em torno de "Hear 'n Aid", o disco de caridade de 1986 que Dio liderou para arrecadar dinheiro para o alívio da fome na África. Como a viúva e gerente de longa data de Dio, Wendy Dio, observa no clipe, o disco surgiu porque nem Dio, nem nenhum de seus outros colegas de metal, foram convidados a participar de esforços semelhantes como “We Are the World”. “Ronnie queria fazer parte disso”, diz Wendy, “mas éramos pessoas desagradáveis, heavy metal e sujas”.

Juntamente com imagens notáveis ​​e áudio isolado de Dio gravando seus vocais para “Hear 'n Aid”, o clipe apresenta algumas imagens dos bastidores das sessões e entrevistas contemporâneas com alguns artistas que participaram. Rob Halford, do Judas Priest, diz: “Ronnie só queria mostrar que também queremos ajudar, mas fazer algo um pouco diferente”. Ele acrescenta mais tarde: “Você tem todas essas pessoas, todos nós conhecemos uns aos outros e o que somos famosos por fazer ou não fazer. Ronnie era o capitão do navio e nos guiou pelo que poderia ter sido uma catástrofe absoluta!


Dirigido por Don Argott e Demian Fenton, "Dreamers Never Die" é o primeiro documentário sobre Dio autorizado pelo espólio do falecido músico (Wendy Dio atuou como produtora executiva do filme). O filme cobre toda a carreira de Dio, desde seus primeiros dias como cantor de doo-wop até seu tempo à frente de sua banda homônima, Dio, e apresenta uma série de imagens e fotos pessoais nunca antes vistas. O filme também inclui entrevistas com muitos colegas, colegas de banda e admiradores de Dio, incluindo Tony Iommi, Geezer Butler, Glenn Hughes, Vinny Appice, Lita Ford, Rob Halford, Sebastian Bach, Eddie Trunk e Jack Black.

Para a exibição cinematográfica de duas noites, o documentário será acompanhado por uma seleção de outtakes. Uma lista de cinemas participantes está disponível no site "Dreamers Never Die", onde os ingressos também estarão à venda na próxima quarta-feira, 24 de agosto, às 10h ET.


segunda-feira, 8 de agosto de 2022

Morreu Olivia Newton-John, estrela de 'Grease' e cantora de 'Physical'

Artista tinha 73 anos e sucumbiu ao câncer.

Olivia Newton-John, a principal vocalista pop feminina da década de 1970, que estrelou filmes como “Grease” e “Xanadu”, morreu nesta segunda-feira. Ela tinha 73 anos.

Seu marido, John Easterling, postou a notícia em sua página oficial no Facebook, escrevendo: “Dame Olivia Newton-John (73) faleceu pacificamente em seu rancho no sul da Califórnia esta manhã, cercada por familiares e amigos. Pedimos que todos respeitem a privacidade da família durante este período muito difícil”.

A causa da morte não foi dada, mas Newton-John foi diagnosticado com câncer de mama que surgiu pela terceira vez em 2017. escreveu. “Sua inspiração de cura e experiência pioneira com plantas medicinais continua com o Olivia Newton-John Foundation Fund, dedicado à pesquisa de plantas medicinais e câncer.

Seu colega de elenco de “Grease” e parceiro de dueto John Travolta foi rápido em fazer uma homenagem nas mídias sociais. “Minha querida Olivia, você fez todas as nossas vidas muito melhores”, escreveu ele. “Seu impacto foi incrível. Eu te amo muito. Nos veremos na estrada e estaremos todos juntos novamente. Seu desde o momento em que te vi e para sempre! Seu Danny, seu John!"

O historiador de gráficos Joel Whitburn classificou a cantora de voz quente, criada na Austrália, como a solista feminina nº 1 dos anos 70. Seus nove singles pop top-10 da década incluíram três 45 rotações no topo das paradas; a maior delas, “You’re the One That I Want”, um dueto com Travolta extraído da trilha sonora de 1978 do musical “Grease”, passou quase seis meses nas listas dos EUA.

Newton-John permaneceu uma força comercial potente nos anos 80; ela registrou o maior sucesso de sua carreira, "Physical", em 1981. Embora seu outro grande sucesso musical "Xanadu" tenha sido um fracasso caro em 1980, sua trilha sonora de platina dupla gerou três singles de sucesso, incluindo a onipresente número 1 nas rádios "Magic."

Originalmente colocada como vocalista country, ela rapidamente conquistou as paradas pop com uma sucessão de músicas bem exploradas. Embora os sucessos tenham se esgotado no início dos anos 90, ela permaneceu uma artista querida no novo milênio, com uma base de fãs duradoura sustentada pela contínua popularidade de “Grease” como um grampo de TV a cabo e exibições teatrais cantadas.

Nos últimos anos, ela falou sobre sua atitude aparentemente otimista, mesmo quando o câncer voltou depois que ela foi diagnosticada como livre de câncer. "Eu estou feliz. Estou com sorte. Sou grata. Tenho muito pelo que viver. E pretendo continuar vivendo isso”, disse ela a Gayle King em entrevista ao “CBS This Morning” realizado em seu rancho na Califórnia em 2019. “‘Por que eu’ nunca fez parte disso”.

Em uma de suas últimas entrevistas, que foi ao ar no programa “Today” em outubro, ela se solidarizou com a apresentadora Hoda Kotb, que compartilhou sua própria experiência com o câncer. Disse Newton-John: “Somos irmãs. … Qualquer um que tenha feito essa jornada com câncer, são destinos desconhecidos e surpresas e reviravoltas.” A transmissão observou que a cantora e atriz estava lidando com câncer de mama metastático em estágio 4, quase 30 anos após seu diagnóstico inicial. Ela creditou a cannabis cultivada por seu marido por ajudá-la em momentos dolorosos de sua doença.

Via VARIETY.

sexta-feira, 5 de agosto de 2022

Morreu Jô Soares

Ator, dramaturgo, diretor, escritor, músico e apresentador tinha 84 anos e sofria com uma pneumonia.

Faleceu nesta madrugada o multi-artista José Eugênio Soares, ou Jô Soares, sucumbindo à pneumonia da qual tratava desde 28 de julho último, no Hospital Sírio Libanês em São Paulo.

Em nota, sua esposa noticiou:

 “Faleceu há alguns minutos o ator, humorista, diretor e escritor Jô Soares. Nos deixou no hospital Sírio Libanês, em São Paulo, cercado de amor e cuidados.

O funeral será apenas para família e amigos próximos.

Assim, aqueles que através dos seus mais de 60 anos de carreira tenham se divertido com seus personagens, repetido seus bordões, sorrido com a inteligência afiada desse vocacionado comediante, celebrem, façam um brinde à sua vida.

A vida de um cara apaixonado pelo país aonde nasceu e escolheu viver, para tentar transformar, através do riso, num lugar melhor.

Viva você meu Bitiko, Bolota, Miudeza, Bichinho, Porcaria, Gorducho. Você é orgulho pra todo mundo que compartilhou de alguma forma a vida com você. Agradeço aos senhores Tempo e Espaço, por terem me dado a sorte de deixar nossas vidas se cruzarem. Obrigada pelas risadas de dar asma, por nossas casas do meu jeito, pelas viagens aos lugares mais chiques e mais mequetrefes, pela quantidade de filmes, que você achava uma sorte eu não lembrar pra ver de novo, e pela quantidade indecente de sorvete que a gente tomou assistindo.

Obrigada para sempre, pelas alegrias e também pelos sofrimentos que nos causamos. Até esses nos fizeram mais e melhores

Amor eterno, sua,

Bitika”.

Jô Soares era carioca e quando jovem estudou no Rio, mas logo mudou-se para Suíça no intuito primeiro de tornar-se diplomata, mas foi vencido pela paixão da veia artística e já na década de 50, estreou na televisão brasileira em “Praça da Alegria” (1956) na Record.

Na década de 80, já na Rede Globo, fez o Brasil rir com "Viva o Gordo", até se transferir para o SBT e estrear como apresentador no talk show "Jô Soares - Onze e Meia", onde passou a ser figura tradicional dos fins de noite da televisão, entrevistando míríades de convidados, entre artistas e anônimos, além de sua impagável interação com os músicos do a princípio quarteto Onze e Meia (que depois se tornaria quinteto e a seguir sexteto). Foi lá que Raul Seixas, por exemplo, deu sua última entrevista, antes de falecer no mês seguinte.

Em 2000, Jô retorna à Globo, agora com o "Programa do Jô", reestreando inclusive entrevistando o "dono da casa", Roberto Marinho. Por lá, Jõ ficaria por mais 16 anos.

Além da televisão, Jô escrevia e dirigia peças de teatro, escreveu livros, que se tornaram filmes e também tinha sua veia musical, sendo amante incondicional de jazz, tocando inúmeras vezes com seu Sexteto.

segunda-feira, 1 de agosto de 2022

Morreu a atriz e cantora Nichelle Nichols, a tenente Uhura de “Star Trek”

Ela ajudou a inovar na TV ao mostrar uma mulher negra em posição de autoridade e que compartilhou com William Shatner um dos primeiros beijos inter-raciais no horário nobre da televisão americana.

Nichelle Nichols, uma atriz cujo papel como chefe de comunicação Uhura na franquia original “Star Trek” nos anos 1960 ajudou a inovar na TV ao mostrar uma mulher negra em uma posição de autoridade e que dividia com o protagonista William Shatner uma das primeiros beijos interraciais no horário nobre da televisão americana, morreu em 30 de julho em Silver City, N.M. Ela tinha 89 anos.

Seu filho, Kyle Johnson, anunciou a morte no Facebook. Seu ex-agente Zachery McGinnis também confirmou a morte, mas não deu mais detalhes. A Sra. Nichols teve um derrame em 2015.

Na noite passada (sábado, 30 de julho), minha mãe, Nichelle Nichols, sucumbiu por causas naturais e veio a falecer. Sua luz, de qualquer forma, como as antigas galáxias que agora estão sendo vistas pela primeira vez, vai continuar para nós e para que as futuras gerações a aproveitem, aprendam com ela e se inspirem. Sua vida foi bem vivida e foi um modelo para todos nós.

Nichols, uma dançarina escultural e cantora de boate, teve alguns créditos de atuação quando foi escalada para “Star Trek”. Ela disse que via a série de TV como um "bom trampolim" para o estrelato da Broadway, dificilmente prevendo que um show de ficção científica de baixa tecnologia se tornaria um marco cultural e lhe traria um reconhecimento duradouro.

Star Trek” quebrou barreiras de muitas maneiras. Enquanto outros programas de rede da época ofereciam bruxas domésticas e cavalos falantes, “Star Trek” trazia contos alegóricos sobre violência, preconceito e guerra, os problemas sociais da época, sob o disfarce de uma aventura intergaláctica do século 23. O show contou com membros do elenco negros e asiáticos em papéis coadjuvantes, mas ainda assim visíveis e não estereotipados.

A Sra. Nichols trabalhou com o criador da série Gene Roddenberry, seu antigo amante, para imbuir Uhura de autoridade, uma mudança marcante para uma atriz negra da TV quando “Star Trek” estreou na NBC em 1966. Quando adolescente, ela gritou para sua família: “Venha rápido, venha rápido. Há uma senhora negra na televisão e ela não é empregada!

Na ponte da nave estelar Enterprise, em um minivestido vermelho que lhe permitia exibir as pernas de dançarina, Nichols se destacou entre os oficiais que eram todos homens. Uhura foi apresentado com naturalidade como o quarto no comando, exemplificando um futuro esperançoso quando os negros desfrutariam de plena igualdade.

O programa recebeu críticas e classificações medianas e foi cancelado após três temporadas, mas se tornou um dos pilares da TV na distribuição. Uma animação “Star Trek” foi ao ar no início dos anos 1970, com a Sra. Nichols dublando Uhura. Comunidades de fãs conhecidos como “Trekkies” ou “Trekkers” logo irromperam em convenções de grande escala onde eles se vestiam como personagens.

A Sra. Nichols reprisou Uhura, promovido de tenente a comandante, em seis longas-metragens entre 1979 e 1991 que ajudaram a tornar “Star Trek” um rolo compressor. Ela foi acompanhada por grande parte do elenco original, que incluía Shatner como o heróico capitão, James T. Kirk, e Leonard Nimoy como o oficial de ciências meio-humano e meio-vulcano Spock; DeForest Kelley como o azedo Dr. McCoy; George Takei como timoneiro da Enterprise, Sulu; James Doohan como o engenheiro-chefe, Scotty; e Walter Koenig como o navegador, Chekov.

Nichols disse que Roddenberry permitiu que ela nomeasse Uhura, que ela disse ser uma versão feminizada de uma palavra suaíli para “liberdade”. Ela imaginou seu personagem como um renomado linguista que, de um console piscante na ponte, preside uma equipe de comunicações oculta nas entranhas da espaçonave.

Mas no final da primeira temporada, ela disse, seu papel havia sido reduzido a pouco mais do que uma “glorificada operadora de telefonia no espaço”, lembrada por sua frase frequentemente citada para o capitão: “Frequências de saudação abertas, senhor”.

Em seu livro de memórias de 1994, “Beyond Uhura”, ela disse que, durante as filmagens, suas falas e as de outros atores coadjuvantes eram rotineiramente cortadas. Ela culpou Shatner, a quem chamou de “egoísta insensível e ofensivo” que usou seu faturamento de estrela para monopolizar os holofotes. Ela também disse que o pessoal do estúdio tentou minar seu poder de negociação de contratos escondendo suas amplas cartas de fãs.

Anos depois, a Sra. Nichols afirmou em entrevistas que ela ameaçou sair durante a primeira temporada, mas reconsiderou depois de conhecer o líder dos direitos civis Martin Luther King Jr. em um evento de arrecadação de fundos da NAACP. Ela disse que ele se apresentou como fã e ficou visivelmente horrorizado quando ela explicou seu desejo de abandonar seu papel, um dos poucos papéis não-servis para negros na televisão.

Elenco principal de Star Trek durante as filmagens 

Por causa de Martin”, ela disse ao site “Entertainment Tonight”, “eu olhei para o trabalho de forma diferente. Havia algo mais do que apenas um trabalho.

Seu momento mais proeminente em “Star Trek” veio em um episódio de 1968, “Plato’s Stepchildren”, sobre um grupo de seres “superiores” que usam o controle mental para fazer a tripulação visitante da Enterprise se submeter à sua vontade. Eles forçam Kirk e Uhura, colegas platônicos, a se beijarem apaixonadamente.

Nas últimas décadas, a Sra. Nichols e Shatner divulgaram o beijo como um evento marcante que foi altamente controverso dentro da rede. Não atraiu quase nenhuma atenção do público na época, talvez por causa das classificações mornas do programa, mas também porque os filmes de Hollywood já haviam quebrado esses tabus. Um ano antes do episódio de “Star Trek”, a NBC havia exibido Nancy Sinatra e Sammy Davis Jr. dando um beijo na boca um do outro durante um especial de TV.

Star Trek” saiu do ar em 1969, mas a contínua associação de Nichols com Uhura nas convenções de Trekkie levou a um contrato da NASA em 1977 para ajudar a recrutar mulheres e minorias para o nascente corpo de astronautas do ônibus espacial.

Historiadores da Nasa disseram que sua campanha de recrutamento, a primeira desde 1969, teve muitas pontas, e o impacto específico de Nichols como embaixadora itinerante foi modesto. Mas a turma de astronautas de 1978 tinha seis mulheres, três homens negros e um homem asiático-americano entre os 35 escolhidos.

Grace Dell Nichols, filha de um químico e dona de casa, nasceu em Robbins, Illinois, em 28 de dezembro de 1932, e cresceu nas proximidades de Chicago.

Depois de estudar balé clássico e dança afro-cubana, ela fez sua estreia profissional aos 14 anos no College Inn, um clube de jantar da alta sociedade de Chicago. Sua performance, em homenagem à pioneira dançarina negra Katherine Dunham, supostamente impressionou o líder da banda Duke Ellington, que estava na plateia. Alguns anos depois, recém-rebatizada Nichelle, ela apareceu brevemente em seu show itinerante como dançarina e cantora.

Aos 18 anos, ela se casou com Foster Johnson, um sapateador 15 anos mais velho que ela. Eles tiveram um filho antes de se divorciar. Como mãe solteira, a Sra. Nichols continuou trabalhando no circuito de boates.

No final dos anos 1950, ela se mudou para Los Angeles e entrou em um ambiente cultural que incluía Pearl Bailey, Sidney Poitier e Sammy Davis Jr., com quem ela teve o que descreveu como um caso “curto, tempestuoso e emocionante”. Ela conseguiu um papel não creditado na versão cinematográfica do diretor Otto Preminger de “Porgy and Bess” (1959) e ajudou seu então namorado, ator e diretor Frank Silvera, em suas encenações teatrais.

Em 1963, ela ganhou um papel convidado em "The Lieutenant", um drama militar da NBC criado por Roddenberry. Ela começou um caso com Roddenberry, que era casado, mas rompeu quando descobriu que ele também estava seriamente envolvido com a atriz Majel Barrett. “Eu não poderia ser a outra mulher para a outra mulher”, ela escreveu em “Beyond Uhura”. (Roddenberry mais tarde se casou com Barrett, que interpretou uma enfermeira em “Star Trek”.)

O segundo casamento de Nichols, com o compositor e arranjador Duke Mondy, terminou em divórcio. Além de seu filho, Kyle Johnson, ator que estrelou o filme de 1969 do roteirista e diretor Gordon Parks, “A Árvore do Aprendizado”, uma lista completa de sobreviventes não estava disponível imediatamente.

Depois de seu papel em “Star Trek”, Nichols interpretou uma madame dura ao lado de Isaac Hayes no filme de 1974 “Truck Turner”. Por muitos anos, ela realizou um show de uma mulher homenageando artistas negros como Lena Horne, Eartha Kitt e Leontyne Price. Ela também foi creditada como co-autora de dois romances de ficção científica com uma heroína chamada Saturna.

A Sra. Nichols não apareceu no diretor J.J. O reboot do filme “Star Trek” de Abrams, que incluiu a atriz Zoe Saldana como Uhura. Mas ela corajosamente continuou a promover a franquia e falou com franqueza sobre sua parte em um papel que eclipsou todos os outros.

Se você precisa ser estereotipado”, disse Nichols ao serviço de notícias UPI, “pelo menos é alguém com dignidade”.

Via WASHINGTON POST.

Elenco principal de Star Trek em evento, 1986.

segunda-feira, 11 de julho de 2022

Morreu Monty Norman, compositor do célebre tema de James Bond, da franquia 007

Músico também trabalhou em uma série de musicais de sucesso.

Monty Norman, compositor da música tema de James Bond instantaneamente reconhecível, morreu aos 94 anos. Uma declaração em seu site dizia: “É com tristeza que compartilhamos a notícia de que Monty Norman morreu em 11 de julho de 2022 após uma curta doença”.

O trabalho mais famoso de Norman foi criado como parte da trilha sonora do primeiro filme de Bond, "Dr No", lançado em 1962, e estrelado por Sean Connery no papel principal. Norman disse que baseou a distinta frase rolante, que apareceu pela primeira vez como parte de um medley durante a abertura do filme, em uma peça anterior chamada "Good Sign, Bad Sign", que ele criou para uma adaptação musical de "A House for Mr Biswas", de VS Naipul. Um arranjo de jazz de John Barry para o filme levou Barry a ser erroneamente identificado como compositor; Norman foi ao tribunal, ganhando uma ação por difamação contra o Sunday Times em 2001, para defender seu crédito.


Norman, nascido Monty Noserovitch em 1928, cresceu filho de imigrantes judeus no East End de Londres e tornou-se cantor de várias big bands populares nos anos 1950 e início dos anos 60. Ele passou a escrever músicas para musicais no final dos anos 50, contribuindo com letras em "Make Me an Offer" (uma versão musical do West End de Irma la Douce) e música e letras para Expresso Bongo de Wolf Mankowitz.

Ele também trabalhou no musical Belle em 1961, sobre os notórios assassinatos de Crippen, o que o levou a ser convidado pelo produtor de Bond “Cubby” Broccoli para fornecer a trilha sonora para "Dr No". Norman também voltou aos musicais, mais notavelmente Songbook em 1979, sobre um compositor fictício de Liverpool chamado Mooney Shapiro, que faz sucesso na Broadway antes de retornar à Grã-Bretanha a tempo dos anos 60.

Norman foi o primeiro marido da atriz Diana Coupland, mais conhecida pela comédia dos anos 70 Bless This House, que morreu em 2006.

sexta-feira, 24 de junho de 2022

Stevie Nicks e Chris Isaak lançam 'Cotton Candy Land', canção da trilha sonora da cinebiografia 'Elvis'

Stevie Nicks lançou um cover de "Cotton Candy Land", que aparece na cena de abertura de "Elvis", a nova cinebiografia que narra a ascensão de Elvis Presley à fama. Ela se juntou na faixa ao cantor e compositor Chris Isaak.

Christine McVie lança sua compilação "Songbird (A Solo Collection)"; ouça.

"Cotton Candy Land" foi escrito por Ruth Batchelor e Bob Roberts, e foi gravado por Presley em 1962. Ele foi apoiado pelo Mellomen, um quarteto vocal que também apoiou estrelas populares como Rosemary Clooney, Bing Crosby, Doris Day e Peggy Lee. A versão de Presley da música apareceu no filme de 1963, "It Happened at the World's Fair", no qual ele interpretou um piloto de pulverização de colheitas.

Nicks é um dos vários artistas que contribuem para a trilha sonora de Elvis. Jack White, Eminem, Tame Impala e Kacey Musgraves estão no álbum, enquanto Yola (como Sister Rosetta Tharpe) e Gary Clark Jr. (como Arthur Crudup) aparecem no filme.

"Elvis", estrelado por Austin Butler como o Rei, chegará no dia 14 de julho próximo, a caminho de grandes números de bilheteria. "Por todas as contas, Austin Butler recarregou a vida [de] Elvis Presley", postou a ex-esposa de Presley, Priscilla, nas redes sociais. "Não que isso tenha nos deixado, mas, eu sinto, dará à nossa geração mais jovem um gostinho de por que Elvis ainda é o rei do [rock 'n' roll], amado e sempre será."

Nicks está atualmente em uma turnê solo e está programada para se apresentar em vários festivais em setembro.

Via UCR.

Ouça 'Cotton Candy Land' no player abaixo: 


Confira o trailer do filme:

quarta-feira, 22 de junho de 2022

Daniel Johns anuncia curta-metragem que mistura fantasia, grunge e autobiografia

What If The Future Never Happened?” une o artista atual ao Johns do início do Silverchair.

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Icônico vocalista e líder do Silverchair e o artista australiano mais premiado de sua geração, Daniel Johns prepara um de seus projetos mais ousados e curiosos:  “What If The Future Never Happened?”, um curta metragem de 30 minutos que mistura ficção científica e fantasia com a própria história do artista, em uma viagem ao começo dos anos 90 e o início da sua carreira. A data de lançamento ainda não foi revelada, mas um trailer já está disponível no canal do YouTube de Johns. O artista lançou recentemente seu novo álbum “FutureNever” via BMG.

Assista ao trailer “What If The Future Never Happened?”:

Ouça “FutureNever”: https://danieljohnshq.lnk.to/ftrnvrPR

Garanta “FutureNever” em formato físico: https://danieljohnshq.lnk.to/ftrnvr

Este é um curta inspirado na cultura pop em que eu estava imerso antes de me tornar um curioso caso de criança que vira estrela. É ao mesmo tempo a coisa mais honesta e fantástica que já fiz. Mal posso esperar para que as pessoas vejam, mas até lá espero que o trailer deixe as pessoas animadas – é uma viagem e tanto”, conta Johns.

A trilha caminha entre faixas do recém-lançado álbum #1 “FutureNever”, onde claramente o nome do filme foi baseado, e versões orquestrais de clássicos do Silverchair que já podem ser conferidas no trailer. No filme, a versão jovem de Johns é vivida pelo ator Rasmus King (Barons, 6 Festivals). Em um dia comum na Austrália, ele está fugindo de 3 bullies quando encontra a chance de se encontrar com uma misteriosa figura do futuro que mudará o caminho de Daniel para sempre.

Como líder do Silverchair, Daniel Johns lidera a lista de vencedores do Australian ARIA Awards. A banda lançou cinco álbuns de estúdio entre os anos de 1995 e 2007, todos os quais estiveram em primeiro lugar no ARIA Albums Chart e alcançaram mais de 10 milhões de vendas em todo o mundo. 

Daniel Johns foi o primeiro compositor da história a ganhar o prestigioso prêmio APRA Songwriter of the Year em três ocasiões distintas, e em 2016 também ganhou um Grammy por co-escrever “Say It”, de Flume com Tove Lo. Sua versatilidade criativa o levou a ser  diretor musical da série “Beat Bugs” (Netflix), vencedora do Emmy em 2017. 

Em 2003, Johns juntou-se ao produtor australiano Paul Mac para formar o The Dissociatives. Seu projeto colaborativo com Luke Steele (Empire of the Sun), "DREAMS", foi lançado em 2018 e apresentado no Coachella e Vivid Sydney. 

Após estrear solo com “Talk” em 2015 e se destacar com seu podcast original do Spotify “Who Is Daniel Johns?”, ele adicionou uma nova página na sua trajetória com “FutureNever”. O novo álbum está disponível em todas as plataformas de música.

"Como artista fico entediado muito rápido, então eu quis fazer desse álbum uma aventura pro ouvinte. Eu parei de correr do passado e estou aqui, abraçando ele”, contou ele no lançamento do disco. Iisso se mostra forte neste projeto audiovisual.

terça-feira, 31 de maio de 2022

Johnny Depp toca ao vivo com Jeff Beck novamente

Johnny Depp é um homem de muitos talentos, fato que ficou ainda mais claro nos dias 29 e 30 de maio, quando Depp subiu ao palco com Jeff Beck para shows ao longo de sua turnê europeia.

Os shows aconteceram em Sheffield e Londres, respectivamente, com Depp se juntando para tocar guitarra em uma variedade de músicas. O plano foi mantido muito bem em segredo. Mais tarde, Beck comentou: “Nós mantivemos isso em segredo por razões óbvias”.

Embora Depp ainda esteja aguardando o veredicto de sua difamação contra a ex-mulher Amber Heard, o ator pegou um voo logo após os argumentos finais para fazer os shows. Beck e Depp fizeram covers de John Lennon, Marvin Gaye, Jimi Hendrix e muito mais ao longo do show.

Johnny Depp ajudou em suas habilidades de guitarra com covers de 'Isolation' de John Lennon, 'What's Going On' de Marvin Gaye e 'Little Wing' de Jimi Hendrix. No entanto, eles não pararam por aí. A dupla também abordou a faixa 'Heddy Lamar', e covers de 'The Death And Resurrection Show', do Killing Joke, e 'A Day In The Life', dos Beatles.

Embora não haja ainda registro profissional dos shows em questão, há muitos clipes e vídeos de fãs para quem estiver curioso sobre as habilidades de guitarra e presença de palco de Depp. Em um dos clipes, você pode até vê-lo sendo apresentado no palco e oferecendo um pequeno vislumbre de sua voz cantando, o que é uma agradável surpresa.

Após o turbilhão agitado de um julgamento como aquele entre Depp e Heard, faz sentido que Depp queira uma pausa onde ele possa simplesmente se concentrar em se apresentar, estar no palco e se divertir um pouco.

Via FAR OUT.

Confira Johnny Depp ao lado de Jeff Beck no player abaixo.

quinta-feira, 19 de maio de 2022

Morreu Vangelis, compositor das trilhas sonoras de "Chariots of Fire" e "Blade Runner"

Compositor grego liderou as paradas dos EUA e ganhou um Oscar com o inspirador tema de piano de "Carruagens de Fogo".

Vangelis, o compositor e músico grego cujo trabalho com sintetizadores trouxe enorme emoção para trilhas sonoras de filmes, incluindo "Blade Runner" e "Chariots of Fire", morreu aos 79 anos. Seus representantes disseram que ele morreu em um hospital na França, onde estava sendo tratado por COVID-19.

Nascido Evángelos Odysséas Papathanassíou em 1943, Vangelis ganhou um Oscar por sua trilha sonora de "Carruagens de Fogo" de 1981. Seu inspirador motivo de piano tornou-se mundialmente conhecido e alcançou o primeiro lugar nas paradas dos EUA, assim como o álbum da trilha sonora que o acompanha.

Principalmente autodidata em música, Vangelis cresceu em Atenas e formou sua primeira banda em 1963, chamada Forminx, tocando a música pop da época: rock'n'roll uptempo, baladas arrebatadoras e versões cover dos Beatles, com Vangelis fornecendo linhas de órgão.

Eles se separaram em 1966, e Vangelis tornou-se escritor e produtor contratado, trabalhando para outros músicos e contribuindo com trilhas sonoras para filmes gregos. Dois anos depois, ele partiu para Paris para continuar sua carreira, onde formou o quarteto de rock progressivo Aphrodite's Child com expatriados gregos, incluindo Demis Roussos. Seu single "Rain and Tears" foi um sucesso em toda a Europa, liderando as paradas francesas, belgas e italianas e alcançando o Top 30 do Reino Unido.

Depois que eles se separaram, Vangelis considerou o mundo do pop comercial “muito chato” e voltou a fazer trilhas para cinema e TV. Recusando um convite para substituir Rick Wakeman nos teclados no Yes, ele se mudou para Londres e assinou um contrato solo com a RCA Records: seus LPs "Heaven and Hell" (1975) e "Albedo 0.39" (1976) chegaram ao Top 40 do Reino Unido, o primeiro também usado para trilha sonora da popular série de TV Cosmos de Carl Sagan. A conexão com o Yes foi finalmente completada no final da década, quando ele se juntou a Jon Anderson para a dupla Jon & Vangelis, cujo álbum de estreia foi Top 5.

Vangelis continuou seu trabalho de trilha sonora ao longo da década de 1970, mas foi na década de 1980 que isso atingiu seu auge comercial. "Chariots of Fire" tornou-se inextricável do tema atemporal de Vangelis, e a música tornou-se sinônimo de montagens esportivas em câmera lenta. “Minha música não tenta evocar emoções como alegria, amor ou dor do público. Isso combina com a imagem, porque eu trabalho no momento”, explicou mais tarde.

Sua trilha para Blade Runner é igualmente celebrada por evocar uma versão futura sinistra de Los Angeles, onde robôs e humanos vivem desajeitadamente lado a lado, através do uso de longas e malévolas notas de sintetizador; saxofones e passagens ambientes exuberantes realçam os momentos românticos e pungentes do filme. “Acabou sendo um filme muito profético – estamos vivendo em uma espécie de mundo Blade Runner agora”, disse ele em 2005.

Mais tarde na década, ele marcou o drama político de Costa-Gavras vencedor da Palma de Ouro, "Missing", estrelado por Jack Lemmon; o drama de Mel Gibson e Anthony Hopkins, "The Bounty; e Francesco", estrelado por Mickey Rourke. Ele trabalhou novamente com o diretor de Blade Runner, Ridley Scott, no filme "1492: Conquest of Paradise", de 1992, e em outros filmes durante a década de 1990, como a trilha sonora de "Bitter Moon", de Roman Polanski, e documentários de Jacques Cousteau.

Vangelis baseou-se na instrumentação grega ao lado das orquestras típicas usadas na trilha sonora do épico clássico de Oliver Stone de 2004, "Alexander".

Sua partitura mais recente foi para "El Greco", uma cinebiografia grega de 2007 do pintor renascentista. O artista grego, que se mudou para a Espanha e lá adquiriu seu apelido, era muito admirado por Vangelis, que compôs álbuns em 1995 e 1998 que foram inspirados e batizados em sua homenagem.

Celebrado continuamente por seu evocativo tema "Carruagens de Fogo", Vangelis também foi contratado por órgãos esportivos para trilhar grandes eventos, incluindo os Jogos Olímpicos de 2000 em Sydney, a Copa do Mundo de 2002 no Japão e na Coréia do Sul e as Olimpíadas de 2004 em Atenas. Ele também escreveu partituras de balé e música para produções teatrais de "Medea", "The Tempest" e outras peças.

Os lançamentos solo permaneceram estáveis ​​ao lado de seu trabalho comissionado e, ocasionalmente, incluíram colaborações com vocalistas como Paul Young.

Um fascínio pelo espaço sideral encontrou voz em "Rosetta" de 2016, dedicado à sonda espacial de mesmo nome, e a Nasa nomeou sua peça de 1993 "Mythodea" (que ele alegou ter escrito em uma hora) como a música oficial da missão Mars Odyssey de 2001 . Seu último álbum, "Juno to Jupiter" de 2021, foi inspirado na sonda Juno da NASA e contou com gravações de seu lançamento e o funcionamento da própria sonda no espaço sideral.

Entre os que prestaram homenagem a Vangelis está o primeiro-ministro grego Kyriakos Mitsotakis, que saudou “um pioneiro do som eletrônico”.

Via The Guardian

quarta-feira, 6 de abril de 2022

Iron Maiden: Assista Vera Farmiga ("Invocação do Mal" e Bates Motel) entoar "The Trooper"

Vídeo conta com a participação de Scott Ian do Anthrax.

Sempre soubemos que Vera Farmiga é uma estrela total, mas não tínhamos ideia de que ela também é, aparentemente, uma grande fã da New Wave Of British Heavy Metal. A atriz de Hollywood, talvez mais famosa por seu papel como investigadora paranormal Lorraine Warren na grande franquia de filmes de terror "The Conjuring" ("Invocação do Mal"), também estrelou em filmes e séries como "Bates Motel", "Godzilla: King Of The Monsters" e a série da Marvel "Hawkeye" ("Gavião Arqueiro").

No fim de semana passado, porém, parece que Vera estava assumindo um papel de protagonista de um tipo diferente, liderando uma banda de heavy metal para um cover do clássico do Iron Maiden, "The Trooper". A atriz estava participando de um show da Rock Academy, uma escola de música sediada em Woodstock, Nova York, que usa rock e heavy metal para trazer mais jovens para a música.

"Isso aconteceu ontem à noite!" exclamou Vera no Instagram, compartilhando um post com um vídeo da capa e uma declaração da Rock Academy que dizia: "Às vezes, a Rock Academy deixa os adultos balançarem também. E às vezes, se você tiver muita sorte, você pode curtir com Scott Ian".

E sim, de fato, se você olhar um pouco mais de perto no vídeo, você notará que realmente é Scott Ian do Anthrax na guitarra ao fundo. Também esteve presente o marido de Vera, Renn Hawkey, que os metaleiros conhecerão como tecladista do Deadsy.

O clipe também apresenta um membro da multidão acenando com uma bandeira ucraniana em apoio à luta contínua do país contra a invasão violenta de Vladimir Putin. A própria Vera é descendente de ucranianos.

Via LOUDERSOUND.

Assista ao vídeo na página do Instagram de Vera abaixo.

sexta-feira, 1 de abril de 2022

Quando Bruce Willis fez um cover da música 'Lust for Life', de Iggy Pop

2003 foi um ano muito bom para o cinema. Ele viu o lançamento do filme final da trilogia "O Senhor dos Anéis" de Peter Jackson, "Big Fish" de Tim Burton, "Cold Mountain", "Love Really", "Holes", "Mystic River", "Dogville", "The Last Samurai", "Lost In Translation", "Freaky Friday" (não mexa com o Lohan), e o mais memorável de tudo, "The Rugrats Go Wild". Embora a versão cinematográfica do desenho animado do garoto amado possa não ter ganhado nenhum prêmio por abrir novos caminhos cinematográficos ou tocar em assuntos tabus, apresentou Bruce Willis fazendo um cover da faixa de 1977 de Iggy Pop 'Lust For Life', que na minha opinião é Digno de Oscar por si só.

'Lust for Life' foi uma escolha interessante para uma brincadeira de família alegre estrelada por Nigel Thornberry. A faixa, cujo título é tirado do romance biográfico de Irving Stone de 1934 sobre o pintor holandês Vincent Van Gogh, foca na vida corajosa de Iggy Pop como viciado em heroína. Com referências a tudo, desde strip-teases e drogas até galinhas hipnotizantes, não é de admirar que os criadores de "The Rugrats Go Wild" tenham decidido mudar as letras um pouco.

Em vez de se referir aos feitos sombrios e decadentes de Pop, Bruce Willis, sim, o mesmo homem que mata terroristas em "Die Hard", canta: “Yeah, I’m worth a million in chew toys / Yeah I’m through sleeping in the / Dog pound- no more licking my woo!”. O que, em nome de Deus, um cortejo é, eu não sei, mas parece nojento. A interpretação é surpreendentemente boa. Os vocais de Willis têm a quantidade certa de garra e sotaque, e a faixa de apoio também está no ponto certo.

De longe o hit mais famoso de Iggy Pop, “Lust For Life” foi co-escrito por David Bowie em, de todas as coisas, um ukulele. De acordo com a lenda, foi inspirado no tema de abertura do American Forces Network News, que a dupla ouvia com frequência durante sua estadia em Berlim, uma cidade que deveria servir como uma forma de reabilitação, mas, como Bowie confessou mais tarde, na verdade acabou sendo “a capital mundial da heroína”.

Falando à Q Magazine em 2013, Pop relembrou como a televisão berlinense inspirou o groove de bateria de 'Lust For Life': “Uma vez por semana a Armed Forces Network tocava Starsky & Hutch e esse era o nosso pequeno ritual. A AFN transmitia um ID quando entrava no ar, uma representação de uma torre de rádio, e fazia um sinal sonoro, 'bip-bip-bip, bip-bip-ba-bip. Vou aproveitar isso!'. David pegou seu ukulele, trabalhou os acordes e lá fomos nós.

Via FAR OUT.

quinta-feira, 17 de fevereiro de 2022

Primeiro trailer de "Elvis", cinebiografia sobre o Rei do Rock é divulgado; assista

Cinebiografia estrelada por Austin Butler e trazendo Tom Hanks estreará em meados de 2022.

Austin Butler dá vida ao Rei no primeiro trailer, lançado nesta quinta-feira, para o tão esperado drama musical do diretor Baz Luhrmann, "Elvis" (nos cinemas em 24 de junho).

Butler é uma campainha morta enquanto sacode, chacoalha e rola no filme que explora a vida e a música de Elvis Presley, contada através do prisma de seu relacionamento complicado com seu empresário enigmático e muitas vezes insultado, o coronel Tom Parker (Tom Hanks).

Parker de Hanks inicia a história e o trailer afirmando: "Há alguns que me fazem ser o vilão desta história aqui".

O filme do diretor de "O Grande Gatsby", Luhrmann, viaja de volta à infância de Presley e cobre sua ascensão sem precedentes à fama em meio a uma paisagem cultural americana em mudança.

Para Butler, que entra em uma nova estratosfera cinematográfica depois de fazer sucesso em "Era uma vez em Hollywood", de Quentin Tarantino, encarnar Presley foi um "sapato enorme para calçar".

Em um evento na semana passada com Luhrmann para promover o trailer, o ator de 30 anos disse que imediatamente começou um extenso treinamento de voz, seis dias por semana, para soar como Presley quando escolhido para o cobiçado papel há três anos. Tentar soar como Elvis incutiu um medo tremendo e compreensível.

"Foi isso que acendeu o fogo dentro de mim", disse Butler, que descobriu que sua missão estava se transformando. "Em última análise, é a vida que é importante. Você pode personificar alguém. Mas é encontrar a vida interior, encontrar o coração."


"Elvis é um ícone e tem um status sobre-humano", disse Butler. "Encontrar o humano dentro desse ícone, essa foi a verdadeira alegria."

Butler derrotou um campo de aspirantes a Elvis em uma batalha de elenco seguida internacionalmente contra nomes como Ansel Elgort, Miles Teller, Aaron Taylor-Johnson e Harry Styles. O drama, filmado na Austrália e na Nova Zelândia, foi prejudicado por atrasos na pandemia, incluindo a quarentena de Hanks e sua esposa Rita Wilson como as primeiras celebridades de Hollywood a testar positivo para COVID-19.

O trailer mostra como Parker vê imediatamente o potencial do jovem Elvis depois que o cantor levou o público e as jovens fãs do sexo feminino à loucura.

"O Coronel diz, não tenho ouvido para música, mas posso ver o que ele está fazendo com esse público", disse Luhrmann.


A força do poder desencadeado por Elvis transformou a América ao longo de três décadas até sua morte em 1977. "O extraordinário é que a vida (de Presley) é culturalmente o centro dos anos 50, 60 e 70, então foi isso que me atraiu na história", disse Lurhmann. "Isso e um homem chamado Coronel Tom Parker."

O drama também destaca uma das pessoas mais importantes e influentes na vida de Elvis: a esposa Priscilla Presley (Olivia DeJonge).

Assista ao trailer de "Elvis" no player abaixo:

quinta-feira, 27 de janeiro de 2022

The Doors: Val Kilmer explica como se preparou para interpretar Jim Morrison

Val Kilmer fez muitas atuações memoráveis ​​ao longo de sua longa e célebre carreira.

Variando de Top Gun a sua interpretação de Bruce Wayne em Batman Forever, Kilmer tem uma filmografia diversificada e a mais recente adição à sua obra foi um documentário muito bem recebido de 2021, intitulado "Val", que apresentava imagens inéditas gravadas pelo próprio ator.

No entanto, uma das performances mais populares e divisivas de Kilmer veio na cinebiografia de 1991 "The Doors", uma época em que ele assumiu o papel do vocalista Jim Morrison.  Enquanto outros diretores, como Quentin Tarantino, vinham tendo a ideia de fazer um filme sobre The Doors há anos, foi Oliver Stone quem finalmente seguiu em frente com o projeto.

A interpretação de Kilmer de Morrison foi descartada como unidimensional e criticada pelo tecladista Ray Manzarek (interpretado por Kyle MacLachlan), que achava que o foco do filme na vida de Morrison era a abordagem errada.  The Doors apresentou uma visão repleta de imprecisões históricas e muitos sentiram que a representação de Stone de Morrison como um sociopata genuíno era desinteressante e falha.

No entanto, esse papel foi muito exigente para Kilmer, que dedicou muitos de seus recursos enquanto se preparava para o filme.  Stone havia imaginado Kilmer como Morrison desde que viu "Willow" e o ator fez o possível para preencher os requisitos gigantes, aprendendo cerca de 50 músicas de cor e passando muito tempo com o produtor da banda Paul A. Rothchild para aprender mais sobre sua vida pessoal.

Para sua fita de audição, Kilmer se filmou por oito minutos enquanto atuava como as várias personas que Morrison adotou ao longo de sua carreira.  No final, ele estava tão obcecado com a música da banda e a vida de Morrison que teve que fazer terapia após a conclusão do processo de produção para se recuperar adequadamente.

 “Eu não fui seduzido por seu estilo de vida, mas tive e precisava, para o papel, ser tão disciplinado quanto ele nessas aventuras”, explicou Kilmer enquanto falava sobre sua própria mentalidade para o papel.  “Ele era um bebedor muito disciplinado tanto quanto um artista disciplinado.  Quero dizer, ele estava procurando inspiração a cada segundo do dia.

Assista às reflexões de Val Kilmer sobre "The Doors" no player abaixo.

Via FAR OUT

sexta-feira, 21 de janeiro de 2022

Morreu Meat Loaf

Superstar do rock'n'roll morreu aos 74 anos de idade, em casa com sua família ao seu lado, confirmou seu agente.

O cantor e ator americano Meat Loaf morreu aos 74 anos, confirmou seu agente. Nascido Marvin Lee Aday e mais tarde conhecido legalmente como Michael, o músico morreu na quinta-feira com sua esposa, Deborah Gillespie, ao seu lado. Nenhuma causa de morte foi revelada.

Sabemos o quanto ele significou para muitos de vocês e realmente apreciamos todo o amor e apoio enquanto passamos por esse momento de luto por perder um artista tão inspirador e um homem bonito”, disse sua família em um comunicado. "Do coração dele para as suas almas... nunca pare de balançar!"

Escrito e composto por Jim Steinman, o álbum de estreia de 1977 do Meat Loaf, "Bat Out of Hell", continua sendo um dos álbuns mais vendidos da história. O álbum de 1993 de Steinman e Meat Loaf, "Bat Out of Hell II: Back Into Hell", produziu o single de sucesso mundial "I'd Do Anything for Love (But I Won't Do That)". Foi seu único single número 1 no Reino Unido, passando sete semanas no topo. Ele completou a trilogia Bat Out of Hell com "The Monster Is Loose em 2006". Os três álbuns venderam mais de 65 milhões de cópias em todo o mundo.

Meat Loaf também teve um papel de destaque na versão cinematográfica de 1975 de "The Rocky Horror Picture Show" interpretando Eddie, um entregador malfadado que canta a música "Hot Patootie". Ele apareceu em mais de 50 filmes e programas de TV, entre eles Fight Club, Wayne's World e Spiceworld the Movie. Em 2021, ele assinou um contrato para desenvolver uma série de competição de relacionamentos intitulada "I'd Do Anything for Love (But I Won't Do That)".

Via The Guardian.