Retratos feitos com Inteligência Artificial mostram como seriam hoje John Lennon, Jimi Hendrix, Kurt Cobain e outros

Intitulado “As If Nothing Happened”, os retratos incluem também Freddie Mercury, Elvis Presley, etc.

Em uma nova série de retratos de celebridades, um fotógrafo imaginou como alguns dos maiores nomes do mundo da guitarra seriam se ainda estivessem vivos em 2022.

Você já se perguntou como John Lennon, Kurt Cobain ou Jimi Hendrix seriam se ainda estivessem por aí hoje? O fotógrafo Alper Yesiltas tentou responder a essa pergunta, criando uma série de imagens intituladas "Como se nada acontecesse".

Usando a tecnologia de AI, o artista adaptou artificialmente fotos de alguns dos guitarristas mais famosos de todos os tempos, gerando um retrato de como ele acha que eles ficariam se não tivessem falecido prematuramente.

“Com o desenvolvimento da tecnologia de AI, fiquei empolgado por um tempo, pensando que ‘qualquer coisa imaginável pode ser mostrada na realidade'”, escreveu Yesiltas no post original, descrevendo por que ele buscou o projeto. “Quando comecei a mexer com tecnologia, vi o que podia fazer e pensei no que me faria mais feliz. Eu queria ver algumas das pessoas que eu perdi novamente na minha frente e foi assim que esse projeto surgiu.

A parte mais difícil do processo criativo para mim é fazer com que a imagem pareça ‘real’ para mim”, continua ele a escrever. “O momento que mais gosto é quando acho que a imagem à minha frente parece muito realista, como se tivesse sido tirada por um fotógrafo.”

Músicos como Janis Joplin, Freddie Mercury, Michael Jackson e Elvis Presley também estão incluídos na gama de retratos, além de rostos famosos do mundo do cinema, como Heath Ledger e Bruce Lee.

Explicando como ele renderizou as dez imagens usadas no projeto, Yesiltas afirma que usou software, incluindo o aprimorador de fotos AI Remini e os programas de edição de fotos VSCO e Adobe Lightroom.

Em outra parte de seu post inicial, o criador também admite que pretende estender o projeto no futuro, possivelmente sob o novo título de Life in 2050.

Via GUITAR.COM

Veja abaixo no trabalho de  Alper Yesiltas, como seriam hoje John Lennon, Kurt Cobain, Freddie Mercury, Elvis Presley e Janis Joplin, além de Jimi Hendrix no início desta matéria.

 

Veja a coleção completa de retratos no post do fotógrafo.

Rook Road permanece fiel a si mesmo com as músicas do Diversity Rock

Novo vídeo single "Kinda Glow" já está disponível e álbum de estreia chegará em breve.

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Frescos no cenário musical, pois foram formados no início de 2020, o Rook Road está trazendo de volta algumas músicas que podem ter se tornado um pouco esquecidas por algumas pessoas, mas certamente os fãs obstinados nunca esquecerão.

Isto não é apenas para todos os amantes dos bons velhos tempos de blues e rock pesado clássico na veia do Deep Purple, que a banda reverencia enormemente: Amigos de composições de rock contemporâneo também não estão perdendo com Rook Road, que por isso rotula seu rock como Diversity Rock - diversidade de estilo. Começando em jams selvagens, os músicos altamente experientes perceberam imediatamente que tudo simplesmente se encaixa perfeitamente e é ótimo, a química como um grupo, bem como a maneira como suas primeiras ideias e padrões de música se uniram. Um caminho criativo se formou rapidamente e a banda decidiu segui-lo.

Avançando para hoje e Rook Road está pronto para lançar seu primeiro single "Kinda Glow", anunciando o próximo álbum auto-intitulado. A música é sobre revolução, defender-se e ouvir suas próprias necessidades em vez de seguir os outros cegamente. A banda envia uma mensagem de dar aos seus ouvintes algo real e tangível para sentir. Rook Road, uma banda onde todos os membros estão igualmente envolvidos no processo de composição, dá mais informações sobre como "Kinda Glow" se formou: “A música foi criada durante o primeiro bloqueio da Covid em abril de 2020. Sem a possibilidade de contato direto e jam, mudamos a composição para o digital e trocamos ideias online. Todos gravaram suas ideias em casa sem mais delongas. A subsequente troca massiva de arquivos de áudio pela web dificilmente pode ser colocada em palavras, mas tudo deu certo e, surpreendentemente, em "Kinda Glow" ainda parece que estávamos tocando a merda juntos.”

Musicalmente, a banda segue sua paixão de dedicar totalmente sua produção ao rock pesado diversificado. O single "Kinda Glow" realmente mostra do que a banda é feita em termos de instinto e habilidade. Começando com um zumbido assustadoramente sinistro do genuíno órgão Hammond, uma bateria e um baixo perturbadores de repente cortam direto, seguidos pela guitarra caindo na linha. Esta introdução por si só cria uma sensação de suspense não muito diferente da icônica trilha sonora de Jaws dos anos 70, o gênio da simplicidade não pode ser derrotado, afinal, quando apoiado por um senso aguçado de efeito cênico. E assim como o maior predador do cinema dá sua surra após cada premonição de roer as unhas, a tensão explode e "Kinda Glow" se transforma em um verdadeiro roqueiro pesado, mas impetuoso.

Alimentada por uma produção moderna que se mantém firmemente no limite entre a força bruta e o grau certo de transparência, a banda consegue manter a sensação de uma intensa jam com os amigos enquanto prova a ligação perfeita entre os membros individuais.

Aquele que não for acionado para realmente arrasar pode cortar a perna e pular na água infestada de tubarões. Todos os outros: pegue o maldito elevador até o paraíso do rock pesado dos anos 70 e peça Rook Road na recepção, você estará em casa!

O album de estreia da Rook Road será lançado em 11 de novembro de 2022

Tracklist:

1 Talk too much 

2 Sick to the bone 

3 Sometimes   

4 Romeo  

5 Paradox   

6 Kinda Glow  

7 Deny   

8 Sam Rogers   

9 Celebration/Feels like   

10 Tower

11 Egyptian Girl.

Quando Bill Clinton falhou em reunir o Led Zeppelin

Quando você pensa no Led Zeppelin, a última pessoa que alguém associaria à banda é o ex-presidente dos Estados Unidos, Bill Clinton. No entanto, o ex-governador do Arkansas e executivo da América é um grande fã da banda inglesa e, há uma década, tentou, embora sem sucesso, reunir os membros sobreviventes para um último hurra.

Embora as pessoas normalmente equacionem Bill Clinton com a ideologia política da 'Terceira Via', Monica Lewinsky, e o impeachment, muitos não percebem que ele também é um grande fã de rock, o que muda um pouco as dimensões com que ele é visto.

A chegada do Led Zeppelin mudou a face da cultura popular para sempre. Formados a partir das cinzas da antiga banda do guitarrista Jimmy Page, The Yardbirds, eles rapidamente cultivaram uma base de fãs por trás de seu estilo de rock inspirado no blues, mas mais estrondoso, e ao longo de seus 12 anos como banda, seu som continuou a desenvolver com eles tornando a forma uma fera mais expansiva e encantadora do que nunca.

O poder combinado de Page, o vocalista Robert Plant, o baixista John Paul Jones e o baterista John Bonham foi um espetáculo para ser visto, e eles rapidamente se estabeleceram como a maior banda do planeta, quebrando o recorde dos Beatles de público em shows antes do álbum "Led Zeppelin II" tirar "Abbey Road" do primeiro lugar nas paradas de álbuns. Quando 1970 chegou, o Led Zeppelin era o rei indiscutível do rock, e a década seria deles.

Por que o Led Zeppelin não estava na mesma liga que os Beatles e os Rolling Stones?.

Em 2013, a CBS informou que Clinton revelou que tentou e não conseguiu fazer com que o Led Zeppelin se reformasse no ano anterior, segundo a Billboard. No referido relatório da CBS, David Saltzman, da Robin Hood Foundation, a organização por trás do programa beneficente Hurricane Sandy em Nova York, revelou que ele e o agora desgraçado executivo de cinema e estuprador condenado, Harvey Weinstein, voaram para Washington DC especificamente para se alistar. Clinton tentou ajudá-los a fazer o Led Zeppelin se reunir para o show que contou com nomes como The Rolling Stones, Eric Clapton e The Who.

Clinton concordou com o pedido de Saltzman e Weinstein e abordou Page, Plant e Jones em Washington, em noite de gala do Kennedy Center Honors, que ocorreu apenas alguns dias antes do evento beneficente em prol das vítimas do furacão Sandy. Refletindo o quão positivo era o sonho de Saltzman e Weinstein, nem mesmo o famoso ex-presidente de língua prateada conseguiu que eles se reunissem.

“Harvey Weinstein teve essa grande ideia de que poderíamos convocar Bill Clinton para convencer o Led Zeppelin a se reunir”, disse Saltzman. “O presidente foi ótimo, "eu realmente quero fazer isso, será uma coisa fantástica, eu amo o Led Zeppelin’. E o próprio Bill Clinton pediu que o Led Zeppelin se reunisse, e eles não o fizeram.”

Via FAR OUT.

"Goats Head Soup": os Rolling Stones vão além do rock com nova receita

"Goats Head Soup" dos Rolling Stones teve seu lançamento como seu 11º álbum de estúdio no Reino Unido em 31 de agosto de 1973. Quarenta e sete anos depois, voltou a rodar em edições de luxo e multiformato que, notavelmente, o levaram de volta ao primeiro lugar em o Reino Unido. Como Mick Jagger disse na época de seu primeiro lançamento: “Eu realmente me sinto próximo a este álbum, e realmente coloquei tudo o que tinha nele... acho que parece que eu gosto mais de suas músicas.Não foi tão vago quanto o último álbum, que durou tanto tempo que eu não gostei de algumas coisas”, frisou ele, em uma referência depreciativa a "Exile On Main St." Foi gravado em todo o lugar durante cerca de dois ou três meses. As faixas são muito mais variadas do que a última. Eu não queria que fosse apenas um monte de músicas de rock.”

"Goats Head Soup" foi gravado entre novembro de 1972 e julho de 1973 no Dynamic Sound Studios, Kingston, Jamaica; Gravadores da Vila, Los Angeles; Olympic Studios e Island Studios em Londres. Tornou-se o quinto álbum número 1 consecutivo da banda na Grã-Bretanha em 22 de setembro e o terceiro na América.

No topo das paradas americanas por quatro semanas, o LP refletiu o desempenho de "Exile On Main St." e "Sticky Fingers". Em 2020, tornou-se seu 13º álbum mais vendido e fez dos Stones a primeira banda a liderar as listas de músicos longos em seis décadas diferentes.

O novo lançamento de 1973 tinha um ingrediente não tão secreto que tornou a perspectiva do novo álbum ainda mais convidativa para os milhões de fãs dos Stones. Quando o LP estreou, a balada matadora “Angie”, com seu arranjo de cordas de Nick Harrison e piano igualmente elegante de Nicky Hopkins, estava passando uma segunda semana em seu pico de número 5 no Reino Unido. Faltava uma semana para reivindicar a coroa na Billboard Hot 100, como o trailer perfeito para o novo LP.

Rolling Stones: "Angie", um dos maiores "Mea Culpa" em forma de música.

Além disso, a banda havia iniciado uma turnê europeia em 1º de setembro na Áustria, na qual a perna britânica incluiria quatro noites no Empire Pool, Wembley, mais tarde renomeado Wembley Arena. “Angie” estava no set, assim como as faixas do álbum “Star Star”, “Dancing With Mr. D” e “Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)”.

"Obstáculos em nosso caminho"

“Star Star” causou muita polêmica com sua letra sobre uma groupie altamente ativa e contém o tipo de linguagem que ainda tem a capacidade de chocar. Em 1973, foi ultrajante, e a BBC proibiu a música de ser transmitida no rádio. De acordo com Keith Richards, “A Atlantic Records nos deu muitos problemas por todas as razões erradas, quero dizer, eles chegaram a dizer que Steve McQueen iria aprovar uma liminar contra a música por causa da fala sobre ele. Então nós apenas enviamos uma fita da música para ele e é claro que ele aprovou. Foi apenas um aborrecimento embora. Obstáculos colocados em nosso caminho.”

O álbum foi gravado principalmente no Dynamic Sound Studio de Byron Lee em Kingston, Jamaica e produzido, em sua última saída de estúdio com os Stones, por Jimmy Miller. Além da formação Jagger-Richards-Taylor-Wyman-Watts, apresentava membros do esquadrão dos Stones como Hopkins, Bobby Keys, Ian 'Stu' Stewart e Billy Preston.

De acordo com Danny Holloway, escrevendo no NME: “Das minhas três visitas às sessões dos Stones, a primeira foi de longe a mais interessante. Na pequena sala de 20 x 30 pés, com divisórias primitivas ao redor dos amplificadores, havia cerca de uma dúzia de guitarras, principalmente Gibson e Fender, um piano Yamaha, pequenos amplificadores Fender, um pequeno PA e a bateria Gretsch de Charlie. O microfone do bumbo foi apoiado por um tijolo e um travesseiro e a cabeça foi deixada na frente.

“Os Stones se aqueceram com um simples blues de 12 compassos com o road manager Ian Stewart adicionando licks saborosos dos anos 88. Wyman se arrastava em um pequeno baixo Fender Mustang, que deve servir para suas mãos pequenas. Watts e Wyman podem nem estar olhando um para o outro, mas de repente ambos mudam o sotaque do ritmo simultaneamente. Eles sentaram enquanto tocavam, exceto por Jagger e Richard.”

Obra de Hipgnosis

"Goats Head Soup" tem uma das capas mais intrigantes de todos os discos dos Stones, e a história por trás dela também é. Em meados de maio de 1973, a conhecida empresa de design Hipgnosis, famosa por sua arte do Pink Floyd, foi contratada para trabalhar na nova capa. Eles levaram a banda para o estúdio Floral Hall em Covent Garden para uma sessão de fotos.

De acordo com Aubrey Powell, um dos sócios da Hypnosis, “As filmagens foram organizadas para as 13h e Mick e Keith apareceram por volta das 17h. Storm Thorgerson e eu delineamos o conceito para os Stones e todos ficaram entusiasmados, especialmente Mick. Todos eles deveriam ser centauros e minotauros saltitando na foto em uma paisagem da Arcádia, como os jovens fanfarrões que eram.” No final, a capa foi rejeitada e na quarta-feira, 6 de junho, os Stones fizeram uma sessão de fotos na casa de David Bailey em Gloucester Ave, London NW1.

Via YAHOO ENTERTAINMENT.

"Faça Amor, Não Faça Guerra e Escuta Esse Rock" novo EP da Hard Blues Trio; ouça

Power trio gaúcho de blues-rock lança seu mais novo trabalho.

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A definição de um power trio bate na tríade sagrada do rock: guitarra, baixo e bateria, de Jimi Hendrix Experience a Rush, de Paralamas a Pata de Elefante, os power trios deixam  um legado, uma sensação de mobilidade e autossuficiência. Essa autonomia é um dos sobre tons encontrados no Hard Blues Trio, grupo gaúcho que renova sua carta de intenções no EP “Faça amor, não faça guerra e escute esse rock”. O trabalho não busca coesão, é o contrário disso, o Hard Blues Trio propõe uma Babel de coisas. 

O EP com cinco faixas sai em CD e traz os singles que saíram somente nas plataformas digital:

As canções trazem o poder de fogo do rock and roll, manifestação potencializada pela chama ardida do blues, além de outras cores, afora ”Pé na Estrada”, já conhecida pelo álbum homônimo de estreia, este EP agrupa os singles lançados até aqui, “Escuta esse rock”, “Vento e Chuvarada”, “Missed the Train” e “Set Fire”.

As músicas foram gravadas entre 2017 e 2021 e tiveram produção de Luciano Leães e Paulo Arcari, gravadas nos estúdios: Studio Rock e Studio Brothers, mixada e masterizada no Arco Music Studio. Com a exceção de Pé Na Estrada: gravada em março/2017 no Audiofarm Recording Studios. Produção de Mateus "Lucky" Borges.  

Em tempos em que o streaming priva o ouvinte da experiência física, Dani, Juliano e Alexandre nos entregam uma ponta de lança, uma bandeira. Aperte o play, mas atenção: "ao escutar esse rock, o fogo da existência poderá reencontrar o trem perdido da memória. E, se vier vento e chuvarada pela frente, não titubeia, prossiga, pule dos trilhos direto para a Highway mais próxima. Sem medo, continue firme com esse pé na estrada — sua viagem poderá ser bem mais prazerosa na boa companhia do Hard Blues Trio." (Márcio Grings).

OUÇA O HARD BLUES TRIO:

Sobre a Hard Blues Trio:

Hard Blues Trio Há 10 anos o grupo gaúcho é um dos difusores do blues rock no Sul do país.

Liga de resistência, o HBT aposta na força da tríade guitarra, baixo e bateria, trazendo elementos e conexões diretas com o som dos anos 1970, sem deixar de exibir o frescor da nova safra. Desde as origens, o rock buscou no blues parte de seu combustível mais inflamável.  Assim, seja por conexões diretas ou indiretas, o Hard Blues Trio funde rock e blues para moldar canções nesse espírito. 

Hard Blues Trio é uma das bandas que mais se destaca na cena blues/rock brasileira seu som poderoso com forte influência do Blues traz uma identidade atual e moderna com letras em português e inglês. O trio gaúcho é atração dos principais eventos de Blues do país e já é conhecido internacionalmente através da internet. No repertório muito Blues, Rock e Soul em temas autorais, B.B. King, Muddy Waters, Etta James, Janis Joplin, Little Walter, Eric Clapton, Dire Straits, Led Zeppelin e muito mais!

Formação:

Hard Blues Trio é composta com a jovem Dani Ela no contra-baixo, Juliano Rosa na guitarra e Alexandre Becker na bateria.

Dani Ela 

é cantora, compositora e multi-instrumentista autodidata e interessada pela música desde criança. É a mais jovem integrante da Hard Blues Trio, onde desenvolveu suas habilidades para tocar contrabaixo no Blues, Rock e outros estilos. Destaca-se por ser uma das únicas mulheres da cena atual que é cantora e contrabaixista. Além da voz marcante e atitude no palco, que desperta a atenção em todas as apresentações do trio, é considerada uma das revelações do Blues gaúcho. Já acompanhou músicos de renome nacional e internacional, como os harmonicistas Andy "Boy" Serrano (Brasil), Gonzalo Araya (Chile) e César Valdomir (Argentina), e também a lenda do Blues de Chicago, Bob Stroger (USA).

Juliano Rosa 

é o fundador da Hard Blues Trio. Músico e compositor atuando há mais de 20 anos no Rio Grande do Sul, é conhecido na cena de Porto Alegre como agitador cultural, entusiasta e referência da guitarra Blues. É curador musical de eventos de Blues na cidade, como o Beer n’ Blues no Distrito Brewpub, e comanda um programa semanal de Blues na rádio web mais ouvida do RS neste estilo. Além de acompanhar grandes artistas de renome da cena Blues nacional e internacional, Juliano também é conhecido como parceiro do harmonicista chileno Gonzalo Araya, um dos mais respeitados da atualidade, assumindo a guitarra e a voz de sua banda no Brasil.

Alexandre Becker

É baterista e coordenador artístico na escola de música EArte. Educador, músico profissional, atuante no cenário cultural da música brasileira há mais de 30 anos. Compositor, arranjador e coordenador técnico em estúdio de gravação e produção musical. Também atua em workshops e projetos sociais e culturais para crianças e adultos em escolas e diversas instituições. Considerado um dos melhores bateristas da cena Blues brasileira.

Ronnie James Dio: Assista ao trailer do documentário que será exibido nos cinemas pelo mundo

"Dio: Dreamers Never Die" terá duas noites especiais em setembro e outubro.

RONNIE JAMES DIO orquestra a própria versão do heavy metal de “We Are the World” em um novo clipe do próximo documentário, "Dio: Dreamers Never Die". O filme terá uma exibição especial de duas noites nos dias 28 de setembro e 2 de outubro.

O clipe gira em torno de "Hear 'n Aid", o disco de caridade de 1986 que Dio liderou para arrecadar dinheiro para o alívio da fome na África. Como a viúva e gerente de longa data de Dio, Wendy Dio, observa no clipe, o disco surgiu porque nem Dio, nem nenhum de seus outros colegas de metal, foram convidados a participar de esforços semelhantes como “We Are the World”. “Ronnie queria fazer parte disso”, diz Wendy, “mas éramos pessoas desagradáveis, heavy metal e sujas”.

Juntamente com imagens notáveis ​​e áudio isolado de Dio gravando seus vocais para “Hear 'n Aid”, o clipe apresenta algumas imagens dos bastidores das sessões e entrevistas contemporâneas com alguns artistas que participaram. Rob Halford, do Judas Priest, diz: “Ronnie só queria mostrar que também queremos ajudar, mas fazer algo um pouco diferente”. Ele acrescenta mais tarde: “Você tem todas essas pessoas, todos nós conhecemos uns aos outros e o que somos famosos por fazer ou não fazer. Ronnie era o capitão do navio e nos guiou pelo que poderia ter sido uma catástrofe absoluta!”

Dirigido por Don Argott e Demian Fenton, "Dreamers Never Die" é o primeiro documentário sobre Dio autorizado pelo espólio do falecido músico (Wendy Dio atuou como produtora executiva do filme). O filme cobre toda a carreira de Dio, desde seus primeiros dias como cantor de doo-wop até seu tempo à frente de sua banda homônima, Dio, e apresenta uma série de imagens e fotos pessoais nunca antes vistas. O filme também inclui entrevistas com muitos colegas, colegas de banda e admiradores de Dio, incluindo Tony Iommi, Geezer Butler, Glenn Hughes, Vinny Appice, Lita Ford, Rob Halford, Sebastian Bach, Eddie Trunk e Jack Black.

Para a exibição cinematográfica de duas noites, o documentário será acompanhado por uma seleção de outtakes. Uma lista de cinemas participantes está disponível no site "Dreamers Never Die", onde os ingressos também estarão à venda na próxima quarta-feira, 24 de agosto, às 10h ET.

Via ROLLING STONE.

Lemmy Kilmister: sua experiência e a sua música favorita de Jimi Hendrix

Para um homem que podia ferver água com um olhar, Lemmy nunca estava vestido de couro demais para revelar seu centro macio. Assim, não é surpresa que a noção de Jimi Hendrix nas pastagens problemáticas do amor rejeitado seja uma que atraia Lemmy. Isso é particularmente proeminente, dada a conexão do frontman do Motörhead com o deus da guitarra em um nível pessoal.

Acontece que, por um breve período em 1967, Lemmy foi roadie com o músico psicodélico de Seattle. “Eu estava dormindo no andar de Neville Chester – ele estava dividindo um apartamento com Noel Redding”, disse Lemmy à Rolling Stone, acrescentando: “Então, sempre que eles precisavam de um par extra de mãos, eu estava lá. Eu não consegui o emprego por nenhum talento ou qualquer coisa.” Naturalmente, esta experiência teve um impacto profundo no futuro roqueiro.

Uma das vantagens do trabalho era ver o magistral Hendrix trabalhando: “Mas eu vi Jimi tocar muito. Duas vezes por noite durante cerca de três meses. Eu o vi tocar nos bastidores também. Ele tinha um velho violão Epiphone, era um de 12 cordas, com cordas de seis cordas, e costumava ficar de pé em uma cadeira nos bastidores e tocá-lo. Por que ele se levantou na cadeira, eu não sei.”

Como disse Lemmy ao refletir sobre os maiores artistas do período, “[Os Beatles] subiam ao palco e você ficava simplesmente impressionado. Eles tinham essa presença, o que é muito raro. Hendrix tinha, Ozzy Osbourne tem até certo ponto. Ou você tem ou não tem.” Lemmy também tinha e aprendeu muitos truques com seu ex-chefe.

Além da noção de presença, um elemento que ficou com ele foi colocar um pouco de alma em seu balanço. Uma música, em particular, provou ser esclarecedora para Lemmy nessa frente. Quando ele estava listando suas músicas favoritas, a única escolha de Hendrix que entrou na lista foi 'Love or Confusion'.

A música mostra Hendrix questionando se ele finalmente encontrou o tipo de amor que permitirá que ele levante os pés e se aqueça, ou se é apenas outro falso impostor prometendo engano e dor. Afinal, Hendrix era uma alma sensível e tímida, e os modos selvagens do estilo de vida do rock 'n' roll não eram tão adequados para ele, pois os parasitas flertavam com ele por razões além da norma.

Isso fez de “Love or Confusion” um dos mais diretos de seu catálogo. Hendrix pode ter distorcido o blues além do reconhecimento, mas sempre formou a força vital antes que os floreios entrassem na mistura. Como John Frusciante disse sobre a estrela: “Sua vida, seu estilo de vida e as mulheres em sua vida afetaram sua música mais do que outros músicos, porque é assim que ele toca livremente”, explicou certa vez. “Quando você ouve Jimi Hendrix tocar, é uma expressão pura dele como pessoa.”

Adicionando: “Você o vê no palco e não há absolutamente nenhuma separação entre ele e sua guitarra – eles são completamente um porque ele está colocando cada pedacinho de energia, tudo em toda a sua psique e cada parte de seu corpo em sua guitarra, tocando”, disse. Com ‘Love or Confusion’ isso é particularmente aparente e certamente chamou a atenção de Lemmy.

Via FAR OUT.

Em novo single “Adoça A Alma”, Sylvestra Bianchi fala sobre esperança e cura emocional

A faixa “Adoça a Alma” é uma bossa nova em português e traz mensagem espiritual de esperança e de cura emocional. O novo som é um lançamento do selo musical Marã Música.

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A cantora curitibana Sylvestra Bianchi lança seu mais novo single “Adoça a Alma”. A faixa é uma bossa nova em português e traz mensagem espiritual de esperança e de cura emocional. O trabalho está disponível em todas as plataformas digitais e é um lançamento do selo musical Marã Música.

Sylvestra Bianchi lança videoclipe de “Sons of the Blue Ray”; assista.

A música chega como um convite a ouvir o coração, desapegar do sofrimento, eliminar os rancores, entender que existem as dores, mas que é possível superar adoçando a alma, se abrindo para viver a alegria na vida, onde o remédio está no coração e no interior de cada um. “Muitas vezes acabamos aprendendo no caminho da dor e de vivências sofridas, por escolhas inconscientes e até cármicas, porém existe um caminho de aprendizado por amor, quando temos consciência dos nossos atos, sentimentos, pensamentos e emoções, que é quando ouvimos nosso coração e nossa alma, compreendendo e transformando as negatividades”, acredita Sylvestra.

Ouça o single “Adoça a Alma”:

Letra (Escrita por Sylvestra Bianchi):

Fecho as portas para dor

Adoço a alma com amor

Todo mundo tem uma dor

E tem amor

Descarto todo o rancor

Hoje eu sou meu curador

Todo dia um bom humor

Com muito amor

Um novo ciclo começou 

O sofrimento terminou 

Um novo ciclo começou 

Agora aprendo com amor 

[refrão 3x]

O meu remédio tá no coração 

O meu remédio tá na minha alma

Sinta paz 

Sinta calma

Adoça a alma 

Adoça o coração.

A nova canção da artista chega, desta vez, em português. Ela foi escrita no primeiro ano da pandemia, após uma conexão espiritual vivida pela cantora. O som traz uma melodia de bossa nova, gênero com raiz brasileira e caracterizado por forte influência do samba carioca e do jazz. O produtor musical Leomaristi selecionou músicos renomados neste estilo musical para a gravação da obra.

“Quando recebi esta mensagem, junto com a melodia, soube que teria que adaptar todo estilo musical de canto e instrumental. Para mim foi um desafio superado cantar uma bossa nova em português, após diversas composições em inglês e em Rock Cósmico. Precisei fazer aulas de coach vocal (e agradeço a Coach Ana Cascardo), para chegar neste resultado desafiador. A música significa muito para mim devido a clareza que tive desta conexão espiritual e a mensagem que ela traz de cura emocional”, declara Sylvestra.

A música vem acompanhada de um lyric video gravado na Chácara da Villarrica Filmes e estará disponível no canal do youtube da artista no próximo dia 11 de agosto, às 20h. Com direção da produtora Villarrica Filmes, o lyric vídeo traz imagens captadas de Sylvestra na natureza, apresentando a letra da música. Sylvestra traz novamente a energia dos elementais da natureza em seu figurino e na energia da faixa.

Sobre o que espera para o lançamento, ela conta: “A expectativa é que ao ouvir ‘Adoça a Alma’, as pessoas possam se abrir a um novo ciclo na vida com mais leveza, com mais alegria, desapegando do sofrimento e se permitindo adoçar a alma e o coração, ancorado e manifestando o amor”, finaliza.

Sylvestra Bianchi, de Curitiba, Paraná, iniciou o projeto musical em 2016, lançando a primeira música "Lightworkers" em outubro de 2019. A administradora e engenheira civil, aceitou um chamado espiritual, após mais de 10 anos na jornada de autoconhecimento e evolução espiritual, a cantar e transmitir mensagens altruístas que auxilie a todos na paz de espírito.

Na infância, Sylvestra cantava em concursos de karaokê infantil na cidade de Curitiba, resgatando o dom após uma jornada de cura interior e então criou o Rock Cósmico, para que através da música, seja transmitido mensagens espiritualistas a fim de auxiliar a todos na jornada de autoconhecimento. Anos antes do chamado ao canto, foi possível aprender sobre o mercado da música indo a diversos shows de rock pelo mundo

O Rock Cósmico recebe inspiração do plano espiritual. Já o gosto musical da artista fica com as bandas Guns n’ Roses, Kiss, Led Zeppelin, The Doors, Beatles, além das cantoras Etta James e Nina Simone, e dos artistas brasileiros Cazuza, Rita Lee, Mutantes e Tom Jobim.

Por que o Led Zeppelin não estava na mesma liga que os Beatles e os Rolling Stones?

John Paul Jones explicou.

O Led Zeppelin se tornou uma das bandas de rock mais duradouras de seu tempo com suas composições complexas e envolventes que trouxeram uma lufada de ar fresco à música dos anos 70. Cada um dos quatro membros da banda foi considerado um dos maiores em seus campos com talentos excepcionais. Todos os membros foram altamente criativos e tiveram um papel ativo nos processos de composição e gravação das obras icônicas da banda.

Eles criaram um som único devido ao virtuosismo e paixão de cada membro da banda por fazer boa música. Então, eles capturaram as massas rapidamente com a qualidade de seu som reconhecível. Existem muitas outras razões pelas quais o Led Zeppelin era uma banda tão lendária, mas o baixista da banda, John Paul Jones, também tinha algo em mente que os distinguia de seus colegas famosos.

Ser comparado com outros artistas populares de seu tempo é algo que quase todas as bandas experimentam em algum momento de sua carreira. Sem surpresa, os fãs geralmente comparavam o Led Zeppelin com os Beatles e os Rolling Stones, que também dominaram o período tanto quanto eles. Claro, todos eles são bandas fantásticas à sua maneira, mas eles ainda não podem escapar das comparações sobre quem é a melhor banda.

Em entrevista ao Elsewhere em 2003, o baixista do Led Zeppelin, John Paul Jones, compartilhou suas opiniões sobre o que os distinguia das outras bandas populares da época, principalmente os Beatles e os Rolling Stones. O baixista afirmou que eles tinham tantos seguidores na época que eram considerados comparáveis aos Beatles e aos Stones em relação à sua influência no mundo da música.

No entanto, de acordo com o baixista, não foi a abordagem correta, pois eles não se promoviam com outras ocupações fora da música e não apareciam muito na imprensa. Jones deu a entender que seu objetivo principal era fazer boa música, em vez de se envolver em diferentes negócios, como filmes, programas de TV ou anúncios como os Beatles e os Stones fizeram. Essas duas bandas estavam na moda na imprensa, ao contrário do Led Zeppelin, cujo foco estava em seus esforços musicais.

As palavras de John Paul Jones sobre seu objetivo principal, ao contrário dos Beatles e dos Rolling Stones:

“Talvez eles tenham visto a banda como um fenômeno. Estávamos começando a ter muitos seguidores e a única outra banda com a qual éramos comparáveis, para eles, era algo como os Beatles, o que não era verdade porque eles eram um nome familiar e tinham televisão e filmes.

Nós não fizemos nada disso. A pergunta, 'Você vai fazer um filme?' me pegou de surpresa porque éramos apenas uma banda que fazia música; não era esse tipo de operação. Tínhamos muitos seguidores, mas não era uma banda ‘popular’ como os Rolling Stones. Nós não aparecemos na imprensa tablóide.”

Muitos fãs sabiam que o Led Zeppelin não teve boas relações com a imprensa ao longo de sua carreira musical. Eles preferiam não falar muito com a mídia, então não chamavam atenção e não eram cobertos como os Beatles e os Stones. Eles também foram alvo de muitas críticas negativas da imprensa e dos críticos de música em relação ao seu estilo e som, o que era distinguível no período.

Via ROCK CELEBRITIES.

Frank Zappa: seus três guitarristas favoritos de todos os tempos

3 grandes ídolos do saudoso maestro.

Frank Zappa foi um músico, líder de banda, cantor e compositor americano extremamente influente. Considerado um dos músicos mais inovadores e estilisticamente diversos de sua geração, Zappa compôs música dentro de uma variedade de gêneros e produziu mais de 60 álbuns. Ele teve uma carreira cheia de elogios e sucessos, experimentação e descoberta.

Trabalhando com sua banda e como artista solo, Frank Zappa teve a oportunidade de trabalhar com uma variedade de músicos e profissionais da indústria, o que enriqueceu sua experiência como bandleader e compositor, especialmente no caso de alguns de seus favoritos.

Se seus guitarristas favoritos são pessoas com quem ele trabalhou ou músicos que ele admira, ele tem coisas boas a dizer sobre alguns guitarristas. Ele elogiou Guitar Slim, Johnny 'Guitar' Watson, Clarence 'Gatemouth' Brown, Wes Montgomery, Jimi Hendrix, Jeff Beck, Allan Holdsworth, Bryan May e Billy Gibbons ao longo dos anos.

No entanto, quando se trata de seus favoritos absolutos, ele cravou Jeff Beck, Johnny Watson e Allan Holdsworth.

Sobre Holdsworth, Zappa disse uma vez: “Bem, há um outro cara cujo trabalho eu sei que deveria ser incluído nessa lista que eu respeito e esse é Allan Holdsworth”, quando perguntado sobre seus músicos favoritos.

Ao falar de Johnny 'Guitar' Watson, Zappa comentou: "Bem, meu guitarrista favorito original era Johnny 'Guitar' Watson não do ponto de vista técnico, mas de ouvir o que suas notas significavam no contexto em que foram tocadas, e também Guitar Slim, que foi o primeiro guitarrista que ouvi que tinha distorção - mesmo durante os anos 50. De uma maneira estranha, acho que provavelmente extraio mais do meu estilo de sua abordagem à guitarra dos solos que ouvi na época.”

Ele até fez uma pequena menção ao Guitar Slim. Quanto ao seu outro favorito, Jeff Beck, ele simplesmente diz: “Um dos meus guitarristas favoritos do planeta. Do ponto de vista melódico e apenas na concepção do que toca. Ele é fabuloso. Eu gosto de Jeff.”

É sempre bom saber o que os grandes artistas pensam de seus contemporâneos, especialmente no caso de um homem que muitas vezes descreve seus colegas músicos em termos como “não o conheço” ou “nunca ouvi ele tocar”. e “ele não usa drogas”, que parecem ser descritores comuns que ele distribui em relação a seus pares.

Pode-se supor que esses comentários sejam justos, como ele mesmo diz: “Eu não escuto rock and roll”.

Via FAR OUT.

Lari Basilio anuncia seu novo álbum “Your Love”; confira 2 singles

“Your Love”, novo álbum da guitarrista brasileira radicada nos EUA, chegará no dia 5 de agosto próximo.

O trabalho sucede o EP de estreia homônimo da musicista, de 2011 e traz os músicos Sean Hurley e Lee Sklar as 4 cordas, Ester Na às teclas, além de Vinnie Colaiuta às baquetas.

O material já se encontra em pré-venda AQUI.

Assista nos players abaixo 2 singles: a faixa-título e “Alive and Living”.

Tracklist:

Fearless

Alive and Living

Your Love

Here for You

Running to the Other Side

Novo

Golden Hour

All to You

It’s all Right

It’s Been a While

Por que Grace Slick, do Jefferson Airplane, não aguentou assistir show do Fleetwood Mac?

A história da música rock tem muitos dramas, conflitos, rixas e sangue ruim entre os atos musicais. Alguns deles resolvem após um acordo; outros duram anos. Como resultado, os artistas vão em direções diferentes depois de se encontrarem, fazem declarações desagradáveis durante as entrevistas ou ignoram completamente a presença um do outro em público.

Jefferson Airplane: O que aconteceu com Grace Slick?.

Embora ela não tenha opiniões diretas sobre outros artistas, Grace Slick tem algumas regras sobre tocar ao vivo e produzir rock. Portanto, ela admitiu que não suportava assistir Fleetwood Mac no palco em duas entrevistas separadas em 2015 e 2017. Vamos ver a razão única pela qual Slick não suportava assistir a um show do Fleetwood Mac.

Como Janis Joplin e Grace Slick inspiraram um clássico do Fleetwood Mac.

Grace Slick foi frontwoman do Jefferson Airplane, e trabalhou com a banda entre 1966 e 1972 e em 1989. Depois disso, ela se apresentou com suas bandas sucessoras, Jefferson Starship e Starship. No entanto, Slick decidiu se aposentar em 1989 após a reunião do Jefferson Airplane.

Arquivo Free Four: Grace Slick e a sua obra de arte chamada "Manhole".

De acordo com Slick, o motivo de sua aposentadoria foi o envelhecimento. Em uma entrevista de 1988, ela argumentou que todas as estrelas do rock com mais de 50 anos deveriam se aposentar porque parecem estúpidas. Em 2007, Slick ainda defendeu seu comentário, dizendo que rock e rap são para o público mais jovem, e é bobagem para uma pessoa mais velha tocar rock.

Falando ao Classic Rock em 2015, Grace Slick disse que estava bem ouvindo Fleetwood Mac, desde que não olhasse para eles. Dizendo que não podia assistir a banda, Slick argumentou que eles soavam ótimos quando ela desviou o olhar e imaginou jovens músicos cantando as músicas.

Fleetwood Mac: A música que Stevie Nicks escreveu para "assombrar" Lindsey Buckingham.

Aqui está o que Grace Slick disse ao Classic Rock sobre o Fleetwood Mac:

“Eu vi um filme do Fleetwood Mac fazendo algo, e eu estava bem, desde que não olhasse para eles. Eu não conseguia olhar para eles. Eles soaram ótimos, e se eu desviasse o olhar e imaginasse jovens cantando, eu estava bem com isso.”

Em uma entrevista de 2017 com a Variety, Grace Slick também falou sobre seus contemporâneos que ainda estavam em turnê. Ela afirmou que gostou de um dos shows de Madonna na TV porque sabia fazer uma produção com seus shows enérgicos e bem fantasiados. Slick novamente disse que não podia ver os shows do Fleetwood Mac porque eles são 'velhos cantando'.

Stevie Nicks e Chris Isaak lançam 'Cotton Candy Land', canção da trilha sonora da cinebiografia 'Elvis'.

Falando à Variety, Grace Slick disse o seguinte sobre seus contemporâneos:

“Uma que eu vi na TV que achei bem feita foi Madonna. Eu não gostei dela quando ela apareceu pela primeira vez, mas pensei: 'Cara, alguém sabe como fazer uma produção.' Foi fantástico! Garotos dançando e explosões e merdas foram todos bem encenados e bem fantasiados. Ela não é uma grande cantora, mas é uma boa intérprete e fez um belo trabalho. Eu também vi um programa com Fleetwood Mac. Eles soaram bem, mas eu não consegui olhar porque tem todos esses velhos cantando.”

Christine McVie lança sua compilação "Songbird (A Solo Collection)"; ouça.

Agora com 82 anos, Grace Slick defende que músicos com mais de 50 anos deveriam se aposentar. Devido às suas crenças, Slick acha difícil assistir Fleetwood Mac no palco, embora ela goste do som deles. Quanto a outros atos, suas regras se aplicam a qualquer músico de rock ou rap acima de uma certa idade, com o qual muitos roqueiros saudáveis ​​parecem não se importar quando pegam a estrada, independentemente de terem mais de 50 anos.

Via Rockcelebrities.

ZZ Top lança explosivo álbum ao vivo “RAW”

Disco é a trilha sonora do documentário “That Little Ol’ Band From Texas”.

Quer anunciar sua banda/artista/eventos/notícias/produtos musicais na Confraria? Mande seu material para confrariafloydstock@gmail.com

A lendária ZZ Top lança seu novo álbum ao vivo. “RAW” é o registro que reúne a trilha sonora do documentário “That Little Ol’ Band From Texas” (2019) e é o primeiro lançamento da banda desde o falecimento de Dusty Hill. Com 12 faixas que passam por diversas fases das mais de 5 décadas de história do trio, este é um lançamento da Shelter Records/BMG.

Com clima de jam session que marca o blues rock dos artistas, “RAW” foi gravado ao vivo no Gruene Hall, uma das casas mais icônicas e tradicionais do Texas, sua terra natal. A performance intimista e intensa da formação clássica de Billy Gibbons, Frank Beard e o saudoso Hill mostra a química de muitos anos fazendo música juntos.

“Essas gravações no Gruene Hall foram um satisfatório retorno às raízes e estamos felizes de dividir com todos que nos acompanham há tanto tempo”, conta Billy Gibbons. 

“RAW” está disponível em todas as plataformas de streaming.

Ouça “RAW”: https://lnk.to/ZZTopRAWPR

A rara música do Led Zeppelin que não integra nenhum álbum de estúdio

O Led Zeppelin não era propositalmente uma banda de singles. Durante a maior parte de sua carreira, os ícones do hard rock não lançaram um single em sua terra natal, o Reino Unido. Como seu público americano era exponencialmente maior, os singles eram males necessários, mas o Led Zeppelin se considerava um grupo focado em álbuns ao longo de sua carreira. Nunca houve um momento em que você não pudesse encontrar uma música em um single que já não estivesse em um álbum de estúdio.

Com uma exceção notável. Ao longo de toda a sua carreira, apenas um single lançado pelo Zeppelin apresentou um lado B que nunca chegou a um álbum de estúdio. Isso foi em 1970, quando o grupo lançou ‘Immigrant Song’ como single. A faixa acabou sendo a inicial do que se tornaria o "Led Zeppelin III", e seu lado B era representativo da direção mais acústica que o Zeppelin tomaria no resto deste disco. Curiosamente, a música em si não seria incluída.

‘Hey, Hey, What Can I Do’ é um passeio quase totalmente não elétrico para o Led Zeppelin. Apresentando Jimny Page nos violões e John Paul Jones no bandolim, o único instrumento plugado na mixagem é o baixo de Jones. John Bonham bate seus ritmos de assinatura enquanto Robert Plant corajosamente canta suas letras influenciadas pelo blues sobre seu parceiro que fica bêbado o tempo todo e não consegue permanecer fiel.

Misturando os clássicos do passado do Zeppelin com a direção mais folk de seu futuro, ‘Hey, Hey, What Can I Do’ seria o complemento perfeito para o "Led Zeppelin III". Mas por alguma razão, a faixa foi deixada de fora do corte final do álbum, fazendo sua aparição no single 'Immigrant Song' sua única aparição no catálogo do Zeppelin por vários anos. Se você estava no Reino Unido e não conseguiu colocar as mãos em uma cópia importada, há uma boa chance de você não ter ideia de que '‘Hey, Hey, What Can I Do’ é um passeio quase totalmente não elétrico para o Led Zeppelin. Apresentando Jimny Page nos violões e John Paul Jones no bandolim, o único instrumento plugado na mixagem é o baixo de Jones. John Bonham bate seus ritmos de assinatura enquanto Robert Plant corajosamente canta suas letras influenciadas pelo blues sobre seu parceiro que fica bêbado o tempo todo e não consegue permanecer fiel.

Misturando os clássicos do passado do Zeppelin com a direção mais folk de seu futuro, ‘Hey, Hey, What Can I Do’ seria o complemento perfeito para o Led Zeppelin III. Mas por alguma razão, a faixa foi deixada de fora do álbum final, fazendo sua aparição no single 'Immigrant Song' sua única aparição no catálogo do Zeppelin por vários anos. Se você estava no Reino Unido e não conseguiu colocar as mãos em uma cópia importada, há uma boa chance de você não ter ideia de que 'Hey, Hey, What Can I Do' existia.

A faixa nunca foi tocada ao vivo pelo Zeppelin durante sua carreira contemporânea, e seu status como um corte profundo foi bom o suficiente para conseguir 'Hey, Hey, What Can I Do' um lugar na coletânea de 1982 Coda. A essa altura, a música tinha mais de uma década antes de fazer sua primeira aparição em um álbum completo. A inclusão da faixa em conjuntos de caixas e compilações subsequentes a tornou mais conhecida pelos fiéis do Zeppelin, mas por vários anos, você poderia estar em um nível de elite do fandom se conhecesse as batidas folk de 'Hey, Hey , ‘Hey, Hey, What Can I Do’ é um passeio quase totalmente não elétrico para o Led Zeppelin. Apresentando Jimny Page nos violões e John Paul Jones no bandolim, o único instrumento plugado na mixagem é o baixo de Jones. John Bonham bate seus ritmos de assinatura enquanto Robert Plant corajosamente canta suas letras influenciadas pelo blues sobre seu parceiro que fica bêbado o tempo todo e não consegue permanecer fiel.

Misturando os clássicos do passado do Zeppelin com a direção mais folk de seu futuro, ‘Hey, Hey, What Can I Do’ seria o complemento perfeito para o Led Zeppelin III. Mas por alguma razão, a faixa foi deixada de fora do álbum final, fazendo sua aparição no single 'Immigrant Song' sua única aparição no catálogo do Zeppelin por vários anos. Se você estava no Reino Unido e não conseguiu colocar as mãos em uma cópia importada, há uma boa chance de você não ter ideia de que 'Hey, Hey, What Can I Do' existia.

A faixa nunca foi tocada ao vivo pelo Zeppelin durante sua carreira contemporânea, e seu status como um corte profundo foi bom o suficiente para conseguir 'Hey, Hey, What Can I Do' um lugar na coletânea de 1982 Coda. A essa altura, a música tinha mais de uma década antes de fazer sua primeira aparição em um álbum completo. A inclusão da faixa em conjuntos de caixas e compilações subsequentes a tornou mais conhecida pelos fiéis do Zeppelin, mas por vários anos, você poderia estar em um nível de elite do fandom se conhecesse as batidas folk de 'Hey, Hey, What Can I Do'.

Via FAR OUT.

Confira a gravação de estúdio de 'Hey, Hey, What Can I Do' no player abaixo.

Jeff Beck & Johnny Depp lançam o álbum '18'; ouça

Após de ganhar um processo de difamação contra sua ex-esposa Amber Heard, o ator e guitarrista agora está em turnê com o mestre do instrumento.

A capa do álbum mostra uma ilustração a lápis de dois adolescentes, vestidos com camisetas brancas, com pomada no cabelo e guitarras e microfones nas mãos. Tem o título "18". Como a lenda da guitarra Jeff Beck explica, foi escolhido porque "quando Johnny e eu começamos a tocar juntos, acendeu um espírito jovem e criatividade em nós - tanto que continuamos brincando sobre sentir 18 anos novamente".

Dizem que Jeff Beck e Johnny Depp se conheceram em 2016, de acordo com o site da Warner Music.

Eles não apenas compartilhavam a paixão por carros e guitarras, mas sempre faziam um ao outro rir. Essa amizade levou ao projeto de gravar um álbum juntos, no qual começaram a trabalhar em 2019.

O resultado chegou: "18" é o primeiro álbum conjunto do vencedor de vários prêmios Grammy Jeff Beck e da estrela de Hollywood Johnny Depp.

Possui 13 faixas, a maioria das quais são covers de soul music da Motown, bem como títulos dos Beach Boys, The Velvet Underground ou da banda de rock inglesa Killing Joke.

Há também a balada comovente, "This Is A Song For Miss Hedy Lamarr", uma homenagem à atriz austro-americana Hedy Lamarr (1914-2000), que Depp compôs.

O ator, que é mais conhecido pela série de filmes "Piratas do Caribe" e mais recentemente por seu julgamento por difamação contra sua ex-mulher, Amber Heard, não é novato em música. Doze anos atrás, ele fundou o Hollywood Vampires com o cantor de rock Alice Cooper e o guitarrista do Aerosmith, Joe Perry, com quem desde então gravou dois álbuns.

Depp contribuiu com outra música para "18", intitulada "Sad Mother Fuckin' Parade", que, segundo alguns críticos, faz alusão a Heard, sem nomeá-la. "Você está sentada aí como um cachorro com uma coceira de sete anos. E acho que já disse o suficiente por uma noite", canta Depp. O cachorro é visto como uma referência a um testemunho que Amber Heard fez no tribunal sobre seu cachorro, que posteriormente se tornou um meme da internet.

Sutiãs para estrelas envelhecidas

A infame vitória de Johnny Depp no ​​julgamento sobre sua ex-mulher está aumentando o interesse público em seus empreendimentos musicais, que de outra forma seriam descartados como apenas "mais duas estrelas envelhecidas em turnê".

O julgamento de alto nível, que foi transmitido ao vivo pela internet, foi seguido de perto por fãs de todo o mundo, que comentaram amplamente o caso através das redes sociais.

Ambos os atores tiveram que pagar multas no final, mas a de Heard foi mais pesada que a de Depp. O júri decidiu que Heard havia difamado seu ex-marido por meio de um artigo que ela havia escrito para o Washington Post, no qual ela o acusava indiretamente de violência doméstica; ela foi condenada a pagar US $ 10 milhões (€ 9,96 milhões) em danos, enquanto Depp, que também foi considerado responsável por declarações feitas por seu advogado, deve pagar US $ 2 milhões a Heard.

Com o julgamento encerrado, Depp está agora em turnê pela Europa com Beck. Eles já se apresentaram no Helsinki Blues Festival e em Gateshead, perto de Newcastle, na Inglaterra. Eles também fizeram shows na Alemanha, por exemplo, em Offenbach, no estado de Hessen, onde fãs empolgadas jogaram sutiãs no palco, levando a alguns momentos virais.

Via DW.

Ouça “18”, via Spotify, ou clique aqui para conferir nas demais plataformas.

Tracklist:

Midnight Walker (cover de Davy Spillane)

Death And Resurrection Show (cover do Killing Joke)

Time (cover de Dennis Wilson)

Sad Motherfuckin’ Parade (original de Johnny Depp)

Don’t Talk (Put Your Head On My Shoulder) (cover dos Beach Boys)

This Is A Song For Miss Hedy Lamarr (original de Johnny Depp)

Caroline, No (cover dos Beach Boys)

Ooo Baby Baby (cover do The Miracles)

What’s Going On (cover de Marvin Gaye)

Venus In Furs (cover do The Velvet Underground)

Let It Be Me (cover do The Everly Brothers)

Stars (cover de Janis Ian)

Isolation (cover de John Lennon – exclusiva das versões digitais e em CD).

Rolling Stones: os 60 anos do 1º show da banda

A carreira dos Rolling Stones na verdade não começa com ninguém dos Rolling Stones. Em vez disso, começa com um homem chamado Alexis Korner, um fanático por blues cuja banda Blues Incorporated realizou um consistente show de quinta à noite no Marquee Club em Londres durante o início dos anos 1960. Jovens fanáticos por blues de toda a Inglaterra se reuniam para ouvir a banda de Korner tocar e, na maioria das vezes, Korner encorajava alguns dos presentes a pular no palco com a banda.

Alguns desses jovens atendentes foram Mick Jagger, Keith Richards e Brian Jones. O trio de jovens fãs de blues tinha acabado de começar a tocar com o pianista Ian Stewart quando Korner os abordou com uma oferta: Korner estava programado para aparecer no programa Jazz Club da BBC Radio e não poderia fazer um de seus shows semanais de quinta à noite no a Marquesa. A nova banda dos meninos se importaria em substituí-lo?

Houve alguns problemas logo de cara. Primeiro, o grupo ainda nem tinha um nome próprio. Depois de algum brainstorming, um riff em uma música de Muddy Waters (as fontes diferem se era o real 'Rollin' Stone Blues' ou um dos vocais improvisados ​​de Muddy em 'Mannish Boy') deu à banda seu título oficial: The Rollin' Stones.

O outro problema era que a banda não tinha uma formação definitiva. Um artigo de prévia para o show na edição daquela semana do Jazz Weekly anunciou a formação como Jagger, Richards, Jones (sob o nome artístico de Elmo Lewis), Stewart, o futuro guitarrista do Pretty Things, Dick Taylor, e o futuro baterista do Kinks, Mick Avory. Avory negou ter tocado com a banda no primeiro show, alegando que seu amigo Tony Chapman tocou em vez disso, enquanto os próprios membros da banda não conseguiam se lembrar se tocaram com um baterista.

De qualquer forma, o grupo recém-solidificado queria que o baterista da Blues Incorporated, Charlie Watts, se juntasse a eles, mas ele já estava preocupado com o grupo de Korner. Além disso, Watts estava ganhando um bom dinheiro com a Blues Incorporated – levaria mais um ano até que os Rollin’ Stones conseguissem desembolsar dinheiro suficiente para convencer Watts a se juntar a eles.

Um único setlist escrito à mão do show de 12 de julho sobreviveu, embora pareça ser menos um setlist real e mais uma lista de músicas que a banda pode extrair. Nenhum setlist real organizado da noite é conhecido, mas algumas das músicas que a banda tocou incluem 'Kansas City' de Little Richards, 'Bright Lights Big City' de Jimmy Reed e 'Dust My Broom' de Robert Johnson.

O grupo também incluiu 'Confessin' the Blues' de Jay McShann na lista. A faixa seria incluída no segundo EP da banda "Five By Five" lançado em 1964 e mais tarde no segundo LP americano dos Rolling Stones '12 X 5'. A autobiografia de Keith Richards, "Life" também lembra que 'Got My Mojo Working' de Ann Cole foi tocada naquele noite. Várias fontes tentaram reconstruir o setlist exato da noite, mas como nenhuma gravação de áudio da noite sobreviveu ou foi gravada em primeiro plano, é impossível saber exatamente o que a banda tocou naquela noite.

O que sabemos é que os Rollin' Stones causaram uma impressão forte o suficiente para receber um convite de volta. O Marquee Club viria a ser a base da banda nos primeiros dois anos. Taylor não durou muito tempo após o primeiro show da banda, e ele seria substituído por Bill Wyman. Eventualmente, os Rollin' Stones registraram shows suficientes para finalmente fazer Watts se juntar a eles de forma permanente, e não muito tempo depois o empresário Andrew Loog Oldham começaria a empurrar a banda como a alternativa mais suja e perigosa aos Beatles.

Via FAR OUT.

Eric Clapton lança de surpresa sua nova música 'Pompous Fool'; ouça

A faixa de blues honky tonk surge no dia em que o primeiro-ministro do Reino Unido, Boris Johnson, renunciou ao cargo de líder de seu partido.

Eric Clapton tem sua forma para lançar novas músicas sem aviso prévio, mas ao contrário de sua produção vitriólica da era da restrição Covid, esta o encontra atingindo seu ritmo de blues novamente de uma maneira que deve encantar os fãs.

O título de "Pompous Fool", a letra e o momento de lançamento no mesmo dia (7 de julho) que Boris Johnson renunciou ao cargo de líder do partido conservador britânico (ele pretende se manter como primeiro-ministro até o outono) é certamente mais do que uma coincidência. Clapton até faz referência ao 'número 10' em um ponto.

O Slowhand criticou Johnson e seu governo no tratamento da pandemia no passado, mas o que quer que tenha inspirado essa música, seu toque de honky tonk é definitivamente uma melhoria em relação às colaborações recentes com Van Morrison em "This Has Gotta Stop" e "Stand And Deliver".

Via Music Radar.

Ouça 'Pompous Fool' no player abaixo:

Como Cream e Jimi Hendrix ajudaram a formar o Pink Floyd

Ao discutir bandas de rock psicodélico, Cream, Jimi Hendrix e Pink Floyd são os três nomes mais eminentes que surgem. Enquanto o Floyd começou como uma banda psicodélica na era Syd Barrett antes de seguir uma rota mais progressiva, a posição de Cream e Jimi Hendrix como pioneiros da forma não pode ser questionada.

Pode ser uma surpresa para os fãs de todas as três bandas saber que elas estão realmente muito conectadas, pois Cream e Hendrix tiveram um impacto definidor nos membros do Pink Floyd, inspirando-os a formar a banda e, por procuração, mudar o paisagem musical no processo.

Syd Barrett e Jimi Hendrix!

A informação veio por meio do ex-baixista e frontman do Cream, o eminente Jack Bruce. Precursor de nomes como Geddy Lee, Flea e Geezer Butler, Bruce foi um dos primeiros baixistas do rock. Depois que o Cream implodiu em 1968, ele desfrutou de uma carreira prolífica, explorando a vanguarda e o hard rock, tocando com uma série de heróis, incluindo Rory Gallagher e Ringo Starr's All-Starr Band.

A quantidade de ícones que o citaram como inspiração é vertiginosa. Geezer Butler do Black Sabbath o considera como sua “maior influência e baixista favorito”.

O virtuoso baixista residente do Rush, Geddy Lee, elogiou Bruce no site da banda em 2015, dizendo: “(Ele foi) um dos maiores baixistas de rock de todos os tempos e uma verdadeira e profunda inspiração para inúmeros músicos. Ele foi um dos meus primeiros heróis do baixo e foi uma grande influência no meu jeito de tocar e na minha música.”

Demonstrando o grande impacto que teve no Pink Floyd, depois que Bruce faleceu em 2014, o ex-cérebro conceitual e baixista do Pink Floyd, Roger Waters, lamentou que ele fosse “provavelmente o baixista mais talentoso musicalmente que já existiu”.

Sentado com Classic Rock em 2008, Bruce se lembrou de seus primeiros encontros com uma série de lendas dos anos 60, como os companheiros de banda do Cream Ginger Baker e Eric Clapton, bem como George Harrison e Graham Bond. Sem dúvida, o mais fascinante foi sua anedota sobre o primeiro encontro com Jimi Hendrix e como isso levou à formação do Pink Floyd.

Baker lembrou: “Conheci Hendrix quando nós [Cream] fizemos um show no Regents Polytechnic. Coincidentemente, os caras que se tornaram Pink Floyd estavam na plateia, e aparentemente vendo aquele evento os fez se animarem e formarem um grupo. Quando os vi recentemente, eles me disseram isso. Eu sabia que eles estavam lá, mas não sabia que éramos responsáveis ​​por eles ficarem juntos.”

Divagando um pouco, ele ponderou sobre as consequências da formação do Pink Floyd: “Se isso é uma coisa boa ou ruim, eu deixo isso para você decidir. Sempre pensei que o Pink Floyd fosse uma banda para pessoas que não gostam de música ou rock'n'roll. Então, de qualquer forma, de volta ao Hendrix.”

No entanto, ele continuou: “Estávamos tocando Regents Polytechnic. Eu estava tomando uma cerveja antes do show em um pub do outro lado da rua e apareceu um cara que acabou sendo Jimi Hendrix. Agora, já tínhamos ouvido falar de Jimi na videira. Jimi veio até mim e disse: ‘Oi. Eu gostaria de sentar com a banda.” Eu disse que estava tudo bem para mim, mas ele obviamente teria que checar com Eric e Ginger.”

Concluindo esta história notável, Bruce disse: “Então fomos até o show, e Eric imediatamente disse sim e Ginger disse: 'Ah, não sei sobre isso' [risos]. Então ele veio e conectou meu amplificador de baixo, e até onde eu me lembro ele simplesmente nos surpreendeu. Hendrix teve um efeito positivo em todos, especialmente nos guitarristas. Ele veio para as sessões quando nós [Cream] tocamos "White Room" em Nova York e foi muito encorajador sobre a música. Ele veio até mim e disse: 'Uau, eu gostaria de poder escrever algo assim.' Eu disse: 'Jimi, o que você precisa perceber é que eu provavelmente tirei isso de você'”.

Via FAR OUT.

Como Bob Dylan influenciou os Beatles, Rolling Stones e The Who

A influência de Bob Dylan na forma da música britânica tem sido examinada em grande detalhe por historiadores da música por décadas. Tudor Jones, um historiador acadêmico com forte formação em história política e pesquisa honorária, reuniu um de seus estudos mais recentes em um livro intitulado Bob Dylan And The British Sixties, detalhando o impacto significativo de Dylan em alguns dos ícones mais aclamados da Grã-Bretanha. Em seu estudo, Jones detalha como Dylan influenciou significativamente a dupla dos Beatles John Lennon e George Harrison, bem como o vocalista dos Rolling Stones, Mick Jagger. A influência de longo alcance de Dylan também teve um efeito proeminente em Pete Townshend, do The Who.

“A influência de Dylan na composição de músicas na cultura popular britânica moderna durante a década de 1960 foi profunda e de longo alcance”, diz Jones, que tem vasta experiência em pesquisas na Coventry University.

Jones continua: “O efeito de sua influência foi sentido em três níveis principais: primeiro, na ampliação do leque de assuntos e temas que poderiam ser abordados nas letras da música popular; segundo, ao transmitir a noção de que as letras poderiam ter algo reflexivo e significativo a dizer sobre a sociedade contemporânea, as relações humanas ou mesmo as realidades existenciais da condição humana; e terceiro, na promoção de um modo de tratamento mais pessoal e emocionalmente direto”.

Jones também detalha como os Beatles, antes de serem influenciados por Dylan, escreveram predominantemente músicas sobre o tema “romance menino-garota”, mas mudaram depois de ouvir Dylan: “Na Grã-Bretanha, a influência das composições de Dylan foi particularmente evidente durante a década de 1960 no caso dos Beatles, e especialmente John Lennon e George Harrison”, acrescenta Jones.

Embora admitindo que as músicas escritas como “reflexões adicionais sobre aspectos da sociedade britânica contemporânea” ainda são predominantes na música de todas as bandas mencionadas, Jones acrescenta: referência a Ray Davies do The Kinks e acrescentou: “Quem provavelmente foi menos influenciado por Bob Dylan”.

O vocalista do The Who, Townshend, está de acordo com a análise de Jones, dizendo à Rolling Stone em 2012: “Dylan definitivamente criou um novo estilo de escrita. Dylan foi quem eu acho que transmitiu a mensagem aos Beatles, que você poderia escrever músicas sobre outros assuntos além de se apaixonar.”Foi algo que John Lennon, talvez acima de tudo, percebeu imediatamente. Ele rapidamente abandonou os tropos do rock de antigamente e concentrou suas expressões em músicas pop personalizadas”.

“Quando comecei a trabalhar em ‘My Generation’, comecei a trabalhar em um híbrido de Mose Allison/Bob Dylan de uma música folk falante, sabe. 'As pessoas tentam nos colocar para baixo'", conta Townshend antes de acrescentar: "Isso é um pouco Mose e um pouco Dylan. Você pode pegar qualquer música dele e encontrar algo que seja pertinente aos dias de hoje.”

Embora um olhar reflexivo sobre a influência de Dylan possa muitas vezes parecer óbvio, seu impacto significativo também foi sentido durante o auge da fama para todos os artistas mencionados. Durante a breve carreira de John Lennon, ele era um camaleão confesso na composição. Lennon, ao lado de seu parceiro Paul McCartney, escreveu algumas das músicas mais amadas dos Beatles. No entanto, uma seleção delas foi retirada do estilo de outro cantor, um certo Bob Dylan.

Em 1965, perguntaram a Lennon quais músicas dos Beatles ele mais gostava. Sua resposta revelou uma encruzilhada para sua carreira. “Uma que eu faço e que gosto é: ‘You’ve Got To Hide Your Love Away’, mas não é comercial.” Essa frase disse tudo. Os Beatles estavam dominando as paradas, mas com músicas que eram puro pop e sem muita gravidade. Foi algo que Lennon mudaria durante a carreira do Fab Four e uma música que viu o início desse movimento foi a "Help!" de 1965! cortar 'You’ve Got To Hide Your Love Away'.

A música atuou como uma ponte para longe da forragem pop que Lennon-McCartney se tornou tão hábil em escrever e, em vez disso, em direção a um som mais reflexivo e expressivo. Em 1971, Lennon descreveu sucintamente a faixa: "É uma daquelas que você meio que canta um pouco triste para si mesmo, 'Aqui estou / cabeça na mão'. Comecei a pensar sobre minhas próprias emoções".

Foi um momento decisivo para Lennon e a banda, embora não esteja claro quando a decisão foi tomada. Lennon continua: “Eu não sei exatamente quando começou, como ‘I’m A Loser’ ou ‘Hide Your Love Away’, ou esse tipo de coisa. Em vez de me projetar em uma situação, eu apenas tentaria expressar o que eu sentia sobre mim mesmo que eu já o tivesse feito em meus livros.”

No entanto, houve um homem que a banda conheceu no ano anterior que pode ter ajudado na decisão de abordar as músicas de maneira diferente. “Acho que foi Dylan que me ajudou a perceber isso”, continuou o Beatle de óculos. “Eu tinha uma atitude de compositor profissional ao escrever músicas pop, mas para me expressar eu escrevia ‘Spaniard In The Works’ ou ‘In His Own Write’ – as histórias pessoais que expressavam minhas emoções pessoais.”

Embora a faixa certamente tenha seu próprio mérito, é difícil não ouvir a influência de Bob Dylan. O grupo conheceu o artista em 64 e na época de "Help!" e certamente estavam trabalhando para uma nova estrutura. Como Lennon descreve a música em sua entrevista para a Playboy de 1980: “Esse sou eu no meu período Dylan novamente. Eu sou como um camaleão… influenciado por tudo o que está acontecendo. Se Elvis pode fazê-lo, eu posso fazê-lo. Se os Everly Brothers podem fazer isso, eu e Paul podemos. O mesmo com Dylan.”

Em 1984, McCartney ficou feliz em confirmar isso também, dando um passo adiante para sugerir que Lennon estava tentando imitar Bob. “Aquele era John fazendo um Dylan… fortemente influenciado por Bob. Se você ouvir, ele está cantando como Bob.”

Via FAR OUT.