Intitulado “As If Nothing Happened”, os retratos incluem também Freddie Mercury, Elvis Presley, etc.
Em uma nova série de retratos de celebridades, um fotógrafo imaginou como alguns dos maiores nomes do mundo da guitarra seriam se ainda estivessem vivos em 2022.
Você já se perguntou como John Lennon, Kurt Cobain ou Jimi Hendrix seriam se ainda estivessem por aí hoje? O fotógrafo Alper Yesiltas tentou responder a essa pergunta, criando uma série de imagens intituladas "Como se nada acontecesse".
Usando a tecnologia de AI, o artista adaptou artificialmente fotos de alguns dos guitarristas mais famosos de todos os tempos, gerando um retrato de como ele acha que eles ficariam se não tivessem falecido prematuramente.
“Com o desenvolvimento da tecnologia de AI, fiquei empolgado por um tempo, pensando que ‘qualquer coisa imaginável pode ser mostrada na realidade'”, escreveu Yesiltas no post original, descrevendo por que ele buscou o projeto. “Quando comecei a mexer com tecnologia, vi o que podia fazer e pensei no que me faria mais feliz. Eu queria ver algumas das pessoas que eu perdi novamente na minha frente e foi assim que esse projeto surgiu.
A parte mais difícil do processo criativo para mim é fazer com que a imagem pareça ‘real’ para mim”, continua ele a escrever. “O momento que mais gosto é quando acho que a imagem à minha frente parece muito realista, como se tivesse sido tirada por um fotógrafo.”
Músicos como Janis Joplin, Freddie Mercury, Michael Jackson e Elvis Presley também estão incluídos na gama de retratos, além de rostos famosos do mundo do cinema, como Heath Ledger e Bruce Lee.
Explicando como ele renderizou as dez imagens usadas no projeto, Yesiltas afirma que usou software, incluindo o aprimorador de fotos AI Remini e os programas de edição de fotos VSCO e Adobe Lightroom.
Em outra parte de seu post inicial, o criador também admite que pretende estender o projeto no futuro, possivelmente sob o novo título de Life in 2050.
Veja abaixo no trabalho de Alper Yesiltas, como seriam hoje John Lennon, Kurt Cobain, Freddie Mercury, Elvis Presley e Janis Joplin, além de Jimi Hendrix no início desta matéria.
Mark David Chapman, o homem que atirou e matou John Lennon em 1980, teve sua liberdade condicional negada mais uma vez. Isso torna a 12ª vez que o assassino teve recusada a sua liberdade condicional desde que matou o ex-Beatle em Nova York.
O criminoso de 67 anos foi originalmente condenado a 20 anos de prisão. Tendo cumprido muito tempo além da sentença mínima, ele ainda não é considerado apto para a libertação depois que lhe foi negada a liberdade condicional por um painel em agosto. Ele será elegível para se inscrever mais uma vez em dois anos.
Chapman cumpre pena no Green Haven Correctional Facility, em Nova York, mas de acordo com rejeições anteriores de liberdade condicional, sua libertação permanece “incompatível com o bem-estar e a segurança da sociedade”.
Embora Chapman tenha expressado publicamente arrependimento por suas ações, os conselhos de liberdade condicional anteriores notaram que ele ainda demonstra um “desrespeito insensível” pela dor e sofrimento que causou.
Em 2012, o assassino declarou: “Não foi tudo totalmente a sangue frio, mas a maior parte foi. Eu tentei dizer a mim mesmo para ir embora. Eu tenho o álbum, levo para casa, mostro para minha esposa, tudo vai ficar bem.”
Tendo encontrado Lennon cedo naquele dia e recebido uma cópia autografada do registro, ele andou por Nova York contemplando suas ações, mas finalmente acrescentou: “Mas eu estava tão compelido a cometer aquele assassinato que nada me arrastaria para longe daquele prédio”.
Até o momento, nenhum relatório de liberdade condicional foi divulgado publicamente. Ele poderá se inscrever novamente em fevereiro de 2024.
George Harrison teve um papel difícil nos Beatles; ele era o membro mais jovem da banda e inicialmente lutou para causar impacto em suas composições. No entanto, ele fazia parte de um grupo com indiscutivelmente a parceria de composição mais prolífica de todos os tempos. Como tal, ele provavelmente foi marginalizado enquanto Lennon e McCartney pressionavam com sua aparente facilidade.
É um sentimento com o qual até Bob Dylan concordou, destacando os talentos que Harrison possuía no fundo. “George ficou preso em ser o Beatle que teve que lutar para conseguir músicas nos discos por causa de Lennon e McCartney”, disse Dylan. “Bem, quem não ficaria preso? Se George tivesse seu próprio grupo e estivesse escrevendo suas próprias músicas naquela época, ele provavelmente seria tão grande quanto qualquer um.”
Dylan tocaria com George Harrison ao lado de Tom Petty, Roy Orbison e Jeff Lynne da Electric Light Orchestra em um supergrupo todo-poderoso chamado Traveling Wilburys. Os Wilburys lançariam seu primeiro álbum em 1988, "Traveling Wilburys Vol. 1" e o projeto chegaria ao fim em 1990, após o triste falecimento de Roy Orbison.
Enquanto Dylan achava que George Harrison tinha um papel meio fracassado nos Beatles, contra as figuras de proa de John Lennon e Paul McCartney, com os Wilburys, Harrison tinha algo que ele sentia que poderia chamar de seu. Tom Petty certa vez revelou: “George adorava os Wilburys. Esse foi o seu bebê desde o início, e ele fez isso com tanto entusiasmo. O resto de sua vida, ele se considerou um Wilbury.”
E Harrison também ficou maravilhado por poder tocar em uma banda com alguém como Dylan. Ele era um grande fã de Dylan, e os Beatles costumavam fazer covers de suas músicas durante as jam sessions. No documentário "Get Back", a banda faz referências frequentes à estrela do folk, que estava fazendo ondas no exterior nos Estados Unidos na década de 1960, enquanto os Beatles faziam movimentos semelhantes no Reino Unido.
Bob Dylan também comentou sobre a proeza criativa dos dois principais compositores dos Beatles. Sobre a parceria Lennon-McCartney, ele disse: “Eles eram cantores fantásticos. Lennon, até hoje, é difícil encontrar um cantor melhor do que Lennon, ou do que McCartney foi e ainda é.”
Ele acrescentou: “Estou admirado com McCartney. Ele é praticamente o único que eu admiro. Ele pode fazer tudo. E ele nunca desiste. Ele é tão malditamente sem preguiça.”
O Led Zeppelin se tornou uma das bandas de rock mais duradouras de seu tempo com suas composições complexas e envolventes que trouxeram uma lufada de ar fresco à música dos anos 70. Cada um dos quatro membros da banda foi considerado um dos maiores em seus campos com talentos excepcionais. Todos os membros foram altamente criativos e tiveram um papel ativo nos processos de composição e gravação das obras icônicas da banda.
Eles criaram um som único devido ao virtuosismo e paixão de cada membro da banda por fazer boa música. Então, eles capturaram as massas rapidamente com a qualidade de seu som reconhecível. Existem muitas outras razões pelas quais o Led Zeppelin era uma banda tão lendária, mas o baixista da banda, John Paul Jones, também tinha algo em mente que os distinguia de seus colegas famosos.
Ser comparado com outros artistas populares de seu tempo é algo que quase todas as bandas experimentam em algum momento de sua carreira. Sem surpresa, os fãs geralmente comparavam o Led Zeppelin com os Beatles e os Rolling Stones, que também dominaram o período tanto quanto eles. Claro, todos eles são bandas fantásticas à sua maneira, mas eles ainda não podem escapar das comparações sobre quem é a melhor banda.
Em entrevista ao Elsewhere em 2003, o baixista do Led Zeppelin, John Paul Jones, compartilhou suas opiniões sobre o que os distinguia das outras bandas populares da época, principalmente os Beatles e os Rolling Stones. O baixista afirmou que eles tinham tantos seguidores na época que eram considerados comparáveis aos Beatles e aos Stones em relação à sua influência no mundo da música.
No entanto, de acordo com o baixista, não foi a abordagem correta, pois eles não se promoviam com outras ocupações fora da música e não apareciam muito na imprensa. Jones deu a entender que seu objetivo principal era fazer boa música, em vez de se envolver em diferentes negócios, como filmes, programas de TV ou anúncios como os Beatles e os Stones fizeram. Essas duas bandas estavam na moda na imprensa, ao contrário do Led Zeppelin, cujo foco estava em seus esforços musicais.
As palavras de John Paul Jones sobre seu objetivo principal, ao contrário dos Beatles e dos Rolling Stones:
“Talvez eles tenham visto a banda como um fenômeno. Estávamos começando a ter muitos seguidores e a única outra banda com a qual éramos comparáveis, para eles, era algo como os Beatles, o que não era verdade porque eles eram um nome familiar e tinham televisão e filmes.
Nós não fizemos nada disso. A pergunta, 'Você vai fazer um filme?' me pegou de surpresa porque éramos apenas uma banda que fazia música; não era esse tipo de operação. Tínhamos muitos seguidores, mas não era uma banda ‘popular’ como os Rolling Stones. Nós não aparecemos na imprensa tablóide.”
Muitos fãs sabiam que o Led Zeppelin não teve boas relações com a imprensa ao longo de sua carreira musical. Eles preferiam não falar muito com a mídia, então não chamavam atenção e não eram cobertos como os Beatles e os Stones. Eles também foram alvo de muitas críticas negativas da imprensa e dos críticos de música em relação ao seu estilo e som, o que era distinguível no período.
Depois de 60 anos nas mentes e corações dos fãs de música em todos os lugares, não é nada controverso chamar Ringo Starr de um dos bateristas mais amados de todos os tempos. Através de uma mistura potente de ritmo contundente, afabilidade pateta, piadas oportunas, performances vocais ocasionalmente e aparições no cinema e na televisão, Ringo Starr é mais do que um baterista, ele é um ícone da cultura pop.
Nascido Richard Starkey em uma das áreas mais pobres de Liverpool, Inglaterra, Starr foi assolado por problemas de saúde que o forçaram a ficar fora da escola até que ele finalmente deixou a educação formal aos 15 anos. Starr encontrou uma fuga através da música, que manteve seu ânimo durante suas longas estadias no hospital. Ele veio em um momento potente quando meados da década de 1950 começou a explodir com uma nova forma de música que mudaria a vida de Starr: o rock and roll.
Construindo seu primeiro kit com tampas de lixo e pedaços de madeira quebrados, Starr passou por grupos de skiffle locais antes de desembarcar com um cantor chamado Al Caldwell em 1959. Não muito tempo depois que ele se juntou, Caldwell mudou seu nome artístico para Rory Storm, e Starr se tornou o baterista dos Hurricanes. Inspirado no novo batizado de Caldwell, Starr adotou oficialmente seu nome artístico, inspirado na cultura cowboy do velho oeste e na infinidade de anéis que adornavam seus dedos.
Quando Rory Storm and the Hurricanes começou a tocar residências em clubes em Hamburgo, na Alemanha, Starr se tornou amigo de outro grupo de Liverpool que estava dando o salto para o rock and roll: os Beatles. A essa altura, Starr havia dominado vários gêneros e estilos, incluindo rock, R&B, samba, swing e country, superando em muito as habilidades do então baterista dos Beatles, Pete Best. Os Beatles restantes tomaram nota, e uma rivalidade amigável logo se transformou em um convite oficial para Starr se juntar à banda em 1962.
O estilo de jogo de Starr foi atípico desde o início: sem treinamento formal, tudo o que ele podia fazer era aprender de ouvido. Ele era canhoto, mas adaptado para jogar em um kit destro. Ele preferia a pegada de partida em vez da pegada tradicional. Não havia ninguém que tocasse como Starr, e ele mesmo se opôs a influências diretas, afirmando que Cozy Cole foi o único disco de bateria que ele comprou. Ringo Starr não teve outra opção a não ser soar como Ringo Starr.
Durante quase toda a carreira dos Beatles, Starr permaneceu leal à empresa de bateria Ludwig. Em 1963, Starr comprou um kit Oyster Pearl Ludwig que se tornaria icônico, completo com uma caixa de 14 polegadas, tom de rack de 12 polegadas, surdo de 14 polegadas e bumbo de 20 polegadas. Essa configuração variaria apenas um pouco no final da carreira dos Beatles. Starr também usou pratos Zildjian principalmente na banda, com tamanhos variando de chimbals de 14 polegadas a pratos de passeio de 20 polegadas.
A única vez que Starr realmente reformulou sua bateria foi para a gravação dos dois últimos álbuns da banda, "Abbey Road" e "Let It Be". Starr pulou para um kit de maple que incluía um tom de rack de 13 polegadas adicional e um prato de colisão adicional. Apesar de ter praticamente a mesma configuração em toda a sua carreira com os Beatles, Starr conseguiu extrair sons extremamente diferentes de seu kit através de diferentes afinações, trocas de armadilhas, mudanças de pratos e uma quantidade saudável de experimentação em estúdio.
Starr faria qualquer coisa para obter o som certo: toalhas de chá foram usadas para abafar a bateria em 'Come Together'. Bongos foram contratados para dar um impulso adicional a 'You're Going to Lose That Girl'. Os tímpanos foram trazidos para dar a 'Every Little Thing' seu toque único. Assim como seus companheiros de banda estavam experimentando novos sons, Ringo também estava.
Depois disso, tudo se resumia à variedade de técnicas que Starr empregaria. Starr usaria um estilo de chimbal que muitas vezes é comparado a lavar janelas, uma espécie de sensação meio reta e meio balançada que você pode ouvir melhor em músicas antigas como 'All My Loving' e 'I Wanna Be Your Man', mas também em faixas posteriores como 'Fixing a Hole' e 'Your Mother Should Know'. Também essencial ao estilo de Ringo é o uso de chamas, batendo um tambor com as duas mãos ao mesmo tempo. Para se encher de chamas, confira 'She Loves You', 'Ticket to Ride', 'Eight Days a Week' e 'Drive My Car'.
A adaptabilidade de Starr tornou-se uma grande necessidade para os Beatles explorarem diferentes gêneros. Starr estava usando batidas inspiradas em samba e rumba já em 'Till There Was You', mas Starr realmente acelerou em 'I Feel Fine', utilizando batidas rápidas de pratos para manter o ritmo da música em movimento. Se ele ficasse preso, Starr não estava acima de simplesmente bater um único tambor repetidamente para manter as músicas no tempo, incluindo 'Good Day Sunshine', 'Good Morning Good Morning' e 'Come Together'.
Starr também não teve medo de usar o kit por tudo que valia. Padrões estranhos podem ser ouvidos em músicas como 'Anna (Go To Him)' e 'In My Life', onde uma batida direta simplesmente não funcionaria. Isso começaria a se transformar em um dos hábitos de bateria mais icônicos de Starr: preenchimentos.
Os preenchimentos de tom que Starr empregou em todo o catálogo dos Beatles são algumas de suas contribuições mais icônicas para toda a música. Seu hábito de pular ao redor do kit, mais uma vez graças ao seu canhoto, torna seus preenchimentos estranhos e um pouco instáveis. Em outras palavras: eles têm personalidade. Basta ouvir alguns de seus maiores sucessos: 'Rain', 'She Said She Said', 'A Day in the Life' e 'The End'.
À medida que a música dos Beatles mudou, também mudou a abordagem de Starr para tocar bateria. O estilo rock and roll pesado logo deu lugar a sons mais psicodélicos, com Starr adotando preenchimentos mais frenéticos para adicionar à mania. Com a música indiana vieram os címbalos ao contrário. Com lamentos lentos vieram embaralhamentos de blues. Com as canções de assassinato do music hall vieram as bigornas. As limitações de apenas tocar “bateria” nunca pareciam segurar Starr, mesmo que ele parecesse fazer tudo parecer incrivelmente fácil.
Essa facilidade também deu origem a um grave equívoco: que Starr não era um baterista muito talentoso. Sua atitude humilde, comportamento pateta e admitida falta de proeza de composição provavelmente contribuíram para essa noção, mas não se engane, Ringo Starr é altamente habilidoso e, talvez mais importante, quase impossível de replicar. Sem falhas, a maioria dos ouvintes podia apenas ouvir o padrão de bateria de Starr e identificar qual música dos Beatles era. Em alguns casos, a execução de Starr seria o aspecto mais interessante da faixa.
Tocar como Ringo Starr é tocar junto com a música como um colaborador igual. “Há um ritmo de vida. Há um ritmo para cada música. Você pode levantar a banda e a banda pode levantar você”, como Starr explicou em sua recente MasterClass sobre Drumming and Creative Collaboration. Mais do que qualquer outro baterista na história, Starr trabalhou duro para servir a música que ele estava tocando. A forma de tocar de Starr vem com muito pouco ego, o que pode ser o maior obstáculo ao tentar replicar seu estilo.
Em última análise, para tocar bateria como Ringo Starr, você só precisa ouvir, deixar fluir, se divertir e tocar alguns preenchimentos ao longo do caminho.
A influência de Bob Dylan na forma da música britânica tem sido examinada em grande detalhe por historiadores da música por décadas. Tudor Jones, um historiador acadêmico com forte formação em história política e pesquisa honorária, reuniu um de seus estudos mais recentes em um livro intitulado Bob Dylan And The British Sixties, detalhando o impacto significativo de Dylan em alguns dos ícones mais aclamados da Grã-Bretanha. Em seu estudo, Jones detalha como Dylan influenciou significativamente a dupla dos Beatles John Lennon e George Harrison, bem como o vocalista dos Rolling Stones, Mick Jagger. A influência de longo alcance de Dylan também teve um efeito proeminente em Pete Townshend, do The Who.
“A influência de Dylan na composição de músicas na cultura popular britânica moderna durante a década de 1960 foi profunda e de longo alcance”, diz Jones, que tem vasta experiência em pesquisas na Coventry University.
Jones continua: “O efeito de sua influência foi sentido em três níveis principais: primeiro, na ampliação do leque de assuntos e temas que poderiam ser abordados nas letras da música popular; segundo, ao transmitir a noção de que as letras poderiam ter algo reflexivo e significativo a dizer sobre a sociedade contemporânea, as relações humanas ou mesmo as realidades existenciais da condição humana; e terceiro, na promoção de um modo de tratamento mais pessoal e emocionalmente direto”.
Jones também detalha como os Beatles, antes de serem influenciados por Dylan, escreveram predominantemente músicas sobre o tema “romance menino-garota”, mas mudaram depois de ouvir Dylan: “Na Grã-Bretanha, a influência das composições de Dylan foi particularmente evidente durante a década de 1960 no caso dos Beatles, e especialmente John Lennon e George Harrison”, acrescenta Jones.
Embora admitindo que as músicas escritas como “reflexões adicionais sobre aspectos da sociedade britânica contemporânea” ainda são predominantes na música de todas as bandas mencionadas, Jones acrescenta: referência a Ray Davies do The Kinks e acrescentou: “Quem provavelmente foi menos influenciado por Bob Dylan”.
O vocalista do The Who, Townshend, está de acordo com a análise de Jones, dizendo à Rolling Stone em 2012: “Dylan definitivamente criou um novo estilo de escrita. Dylan foi quem eu acho que transmitiu a mensagem aos Beatles, que você poderia escrever músicas sobre outros assuntos além de se apaixonar.”Foi algo que John Lennon, talvez acima de tudo, percebeu imediatamente. Ele rapidamente abandonou os tropos do rock de antigamente e concentrou suas expressões em músicas pop personalizadas”.
“Quando comecei a trabalhar em ‘My Generation’, comecei a trabalhar em um híbrido de Mose Allison/Bob Dylan de uma música folk falante, sabe. 'As pessoas tentam nos colocar para baixo'", conta Townshend antes de acrescentar: "Isso é um pouco Mose e um pouco Dylan. Você pode pegar qualquer música dele e encontrar algo que seja pertinente aos dias de hoje.”
Embora um olhar reflexivo sobre a influência de Dylan possa muitas vezes parecer óbvio, seu impacto significativo também foi sentido durante o auge da fama para todos os artistas mencionados. Durante a breve carreira de John Lennon, ele era um camaleão confesso na composição. Lennon, ao lado de seu parceiro Paul McCartney, escreveu algumas das músicas mais amadas dos Beatles. No entanto, uma seleção delas foi retirada do estilo de outro cantor, um certo Bob Dylan.
Em 1965, perguntaram a Lennon quais músicas dos Beatles ele mais gostava. Sua resposta revelou uma encruzilhada para sua carreira. “Uma que eu faço e que gosto é: ‘You’ve Got To Hide Your Love Away’, mas não é comercial.” Essa frase disse tudo. Os Beatles estavam dominando as paradas, mas com músicas que eram puro pop e sem muita gravidade. Foi algo que Lennon mudaria durante a carreira do Fab Four e uma música que viu o início desse movimento foi a "Help!" de 1965! cortar 'You’ve Got To Hide Your Love Away'.
A música atuou como uma ponte para longe da forragem pop que Lennon-McCartney se tornou tão hábil em escrever e, em vez disso, em direção a um som mais reflexivo e expressivo. Em 1971, Lennon descreveu sucintamente a faixa: "É uma daquelas que você meio que canta um pouco triste para si mesmo, 'Aqui estou / cabeça na mão'. Comecei a pensar sobre minhas próprias emoções".
Foi um momento decisivo para Lennon e a banda, embora não esteja claro quando a decisão foi tomada. Lennon continua: “Eu não sei exatamente quando começou, como ‘I’m A Loser’ ou ‘Hide Your Love Away’, ou esse tipo de coisa. Em vez de me projetar em uma situação, eu apenas tentaria expressar o que eu sentia sobre mim mesmo que eu já o tivesse feito em meus livros.”
No entanto, houve um homem que a banda conheceu no ano anterior que pode ter ajudado na decisão de abordar as músicas de maneira diferente. “Acho que foi Dylan que me ajudou a perceber isso”, continuou o Beatle de óculos. “Eu tinha uma atitude de compositor profissional ao escrever músicas pop, mas para me expressar eu escrevia ‘Spaniard In The Works’ ou ‘In His Own Write’ – as histórias pessoais que expressavam minhas emoções pessoais.”
Embora a faixa certamente tenha seu próprio mérito, é difícil não ouvir a influência de Bob Dylan. O grupo conheceu o artista em 64 e na época de "Help!" e certamente estavam trabalhando para uma nova estrutura. Como Lennon descreve a música em sua entrevista para a Playboy de 1980: “Esse sou eu no meu período Dylan novamente. Eu sou como um camaleão… influenciado por tudo o que está acontecendo. Se Elvis pode fazê-lo, eu posso fazê-lo. Se os Everly Brothers podem fazer isso, eu e Paul podemos. O mesmo com Dylan.”
Em 1984, McCartney ficou feliz em confirmar isso também, dando um passo adiante para sugerir que Lennon estava tentando imitar Bob. “Aquele era John fazendo um Dylan… fortemente influenciado por Bob. Se você ouvir, ele está cantando como Bob.”
Uma nova pesquisa comparou os hábitos musicais da geração Z com a geração mais velha para checar o quão familiarizados eles estão com certos artistas.
Uma pesquisa descobriu que um terço da Geração Z não sabe sobre os Beatles.
O site Roberts pesquisou 2.000 entrevistados da Geração Z (16 a 23 anos) e Boomers (mais de 74 anos) para investigar o quão familiar cada grupo demográfico é com vários artistas e se seus gostos se desenvolveram ao longo do tempo.
Embora os Beatles não fossem universalmente conhecidos entre a geração mais jovem, os resultados não são tão sombrios. Enquanto 1 em cada 3 membros da Geração Z não conhecia o Fab Four, 68,97% deles sabiam.
De fato, os Beatles foram os artistas mais reconhecidos entre o público quando se trata de música mais antiga, seguidos por Elvis Presley (67,24%), Whitney Houston (67,24%) e Queen (66,81%).
Infelizmente, o artista menos reconhecido pela Geração Z foi a falecida Rainha do Soul, Aretha Franklin, com quem apenas 36, 64% deles estavam familiarizados.
A geração Z pode não saber muito sobre música antiga, mas eles se saíram muito melhor do que suas contrapartes quando se tratava de música contemporânea.
Talvez sem surpresa, Ed Sheeran foi um dos artistas mais reconhecidos pela geração mais velha, com 61,11% sabendo quem ele era.
Em seguida foram Lady Gaga (53,70%), Beyoncé (47,22%), Taylor Swift (40,74%), Ariana Grande (37,96%) e Justin Bieber (35,19%) - com apenas 34,26% dos entrevistados conhecendo o homem do momento , Harry Styles.
Bem na parte inferior da tabela estava AJ Tracey, com apenas 0,93% dos Boomers familiarizados com o artista, provando em geral que as gerações mais jovens eram muito mais propensas a conhecer a música mais antiga do que as gerações mais velhas a novas músicas.
Em várias ocasiões, Roger Waters, do Pink Floyd, falou longamente sobre a influência de John Lennon sobre ele como compositor. No entanto, as coisas não saíram conforme o planejado quando se conheceram e Waters ficou desapontado com o encontro gelado.
Waters estudou meticulosamente os Beatles durante seus anos de formação, e a banda de Liverpool ensinou-lhe as regras básicas de composição. O Fab Four forneceu ao homem do Pink Floyd uma base de conhecimento que o ajudou imensamente, mas, mais notavelmente, os Beatles também ensinaram a Waters uma lição valiosa sobre expressão artística.
Certa vez, ele explicou: “Aprendi com John Lennon, Paul McCartney e George Harrison que não há problema em escrevermos sobre nossas vidas e o que sentimos – e nos expressarmos… nessa liberdade. E assim foi.”
Além disso, Waters nomeou Lennon e McCartney entre seus compositores favoritos de todos os tempos em 2015. “Existem certos grupos cujos nomes você pode simplesmente arrancar do ar, e compositores. Como você pode dizer, John Lennon é um compositor importante, assim como Paul McCartney”, comentou.
Infelizmente, seu caminho cruzou apenas uma vez com Lennon durante a vida tragicamente curta do Beatle. De acordo com Waters, os dois estavam trabalhando respectivamente em Abbey Road na época e, infelizmente, ambos estavam com comportamento “esnobe”.
Falando no podcast WTF de Marc Maron, Waters refletiu sobre o encontro. Ele explicou: “Estávamos fazendo "Piper at Gates of Dawn", no estúdio número três em Abbey Road, e os Beatles estavam fazendo "Sgt. Peppers" no número dois, e eu fiz discos no número dois depois, fizemos coisas lá também.”
Ele continuou: “Eu só encontrei John Lennon uma vez, para meu grande arrependimento, e isso foi na sala de controle número dois, e ele era um pouco… Ele era bastante arrogante, e eu também”.
O Pink Floyd era relativamente desconhecido na época e ainda não havia lançado seu álbum de estreia, o que talvez explique a falta de calor de Lennon em relação ao grupo. No entanto, seu comportamento não impediu Waters de amar os Beatles e o "Sgt. Pepper's" continua sendo um dos discos mais importantes de sua vida. “Lembro-me quando o Pepper saiu, parando o carro em uma parada, e sentamos lá e ouvimos”, disse Waters ao KLCS. “Alguém tocou a coisa toda no rádio. E eu me lembro de estar sentado nesse velho Zephyr Four, espancado, assim.”
Este encontro entre Waters e Lennon é precisamente a prova de por que as pessoas dizem que você não deve conhecer seus heróis. Embora o baixista do Pink Floyd admitisse que a culpa não era apenas do Beatle e ele era igualmente culpado por criar a atmosfera estranha.
Site afiliado do UOL adiantou a informação sobre os shows da turnê “Got Back” pelo país.
Segundo o jornalista Jota Wagner. do Music Non Stop, ligado ao portal Uol, Macca fará ao menos 2 shows no Estádio do Morumbi, São Paulo, podendo haver uma 3ª apresentação.
O solene beatle canhoto já iniciou a sua grandiosa turnê, a "Got Back Tour" em Spokane, EUA, o primeiro de uma longa viagem pelo país da América do Norte.
Como de costume em suas turnês de tempos para cá, McCartney traz longos setlists, prevalecendo, claro, canções dos Beatles, mas também contendo músicas do Wings e solo, incluindo de seu mais recente full-lenght, "McCartney III". (2020). somando cerca de 35 canções por concerto.
O destaque vem sendo o tão falado dueto presencial-virtual com John Lennon ao telão, juntos entoando o clássico "I’ve Got a Feeling”, composição da dupla que integra o álbum "Let it Be", dos Beatles.
A última passagem de Paul pelo Brasil foi em 2019, com três shows em São Paulo e um em Curitiba, todos pela “Freshen Up Tour”.
Contrato com os herdeiros do ex-Beatle e Dark Horse Records inclui todas as fases da carreira do artista.
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A BMG tornou público um acordo global com a George Harrison Estate para administrar o icônico catálogo musical que inclui mais de 200 músicas escritas com os Beatles, Traveling Wilburys e para sua aclamada carreira solo. Clássicos como “Here Comes The Sun” (single mais popular em serviços de streaming dos Beatles), “While My Guitar Gently Weeps” e “Something” e discos como “All Things Must Pass” fazem parte do contrato.
"É um prazer anunciar que a discografia do meu pai estará com a BMG/Dark Horse Records. Temos uma longa e bem sucedida parceria com a BMG ao longo dos anos e esperamos continuar a expandir nosso relacionamento no futuro”, conta Dhani Harrison.
O CEO da BMG Hartwig Masuch completa: “George Harrison é um dos principais nomes que representam o que é ser um artista influente e bem-sucedido e humanitário. É um marco pensar que das 188 músicas lançadas pelos Beatles durante sua carreira, é de George a mais tocada no Spotify por grande margem. É uma honra para todos nós aqui da BMG agora representar o catálogo deste artista cujos herdeiros são tão cuidadosos com seu legado e faremos o nosso melhor para fazer jus a essa confiança”.
O acordo expande o relacionamento com o selo musical de Harrison, a Dark Horse Records, com a BMG servindo como seu parceiro global. A empresa liderada por Dhani Harrison e David Zonshine lançou recentemente o novo álbum de Billy Idol, além de possuir direitos de 16 álbuns de Leon Russell abrangendo os anos entre 1984 e 2013, e um acordo de administração de centenas de músicas de Joe Strummer, incluindo todos os três álbuns do Mescaleros, bem como o sexto e último álbum do Clash, “Cut The Crap”.
A BMG também serve como gravadora de Dhani, por onde ele lançou seu mais recente trabalho “IN///PARALLEL”. Além disso, a longa associação da BMG com o trabalho de Harrison inclui o lançamento em 2016 do “George Fest: A Night to Celebrate the Music of George Harrison”, o álbum ao vivo com um time de estrelas interpretando canções de toda a carreira de Harrison.
SOBRE A BMG:
Fundada em 2008, a BMG é a quarta maior empresa de música do mundo, o primeiro novo player global no music business na era do streaming e com atuação como gravadora e editora. Nomeada em 2020 como uma das mais inovadoras empresas do mundo segundo a Fast Company, a proposta é agir com justiça e transparência e serviço aos seus clientes artistas e compositores. Os 20 escritórios do BMG em 12 principais mercados de música agora representam mais de três milhões de músicas e gravações, incluindo muitos dos catálogos mais renomados e bem-sucedidos da história da música popular. A BMG é propriedade da Bertelsmann, cujos outros negócios incluem a emissora RTL Group, a Penguin Random House e a editora de revistas Gruner + Jahr. A empresa tem atuação com escritório no Brasil desde 2016.
Com cerca de 47 minutos de duração, o álbum derradeiro (não oficialmente, mas na prática) dos quatro geniais de Liverpool, leva o tempo de uma sessão de psicoterapia.
E de fato ele pode servir a tal propósito, contemplado em sua integralidade, ininterruptamente, com os ouvidos e feelings sorrateiramente entregues à profusão.
Servira também de acalanto terapêutico para os quatro feitores, George, John, Paul e Ringo, à luz de seu mestre George Martin, que lhes exigira um comportamento fraternal de outrora, para topar produzir a obra.
O insight surgira do âmago de Paul McCartney, que literalmente correra atrás de seus enrusgados e dispersos colegas a fim de trazê-los e congregá-los no antológico estúdio da Abbey Road que intitularia o álbum, hoje cinquentão.
Como em uma terapia de grupo, os devidos espaços deveriam ser democraticamente respeitados, com a valorização das ideias e produções quádruplas, supervisionadas e orquestradas pelo produtor Martin.
Com toda essa atmosfera, a canção de abertura não poderia ser outra que não denominada "Come Together,", previamente endereçada por John à campanha do papa do LSD, Timothy Leary para fins do slogan de sua campanha a Governador da Califórnia, posteriormente e jungianamente deixando entrever um tal de inconsciente coletivo eclodido do anseio beatle de união, ainda que momentânea.
John queria um disco de canções avulsas, Paul por sua vez, preferia algo todo coalizado, tal qual uma ópera conceitual.
Cabível nova intervenção então do "terapeuta" George Martin para equacionar o imbróglio antes mesmo dele começar: dividamos o álbum em 2 partes, onde o lado A trará canções isoladas "a John vontê" e o outro lado faria o Macca sorrir, com a parte de músicas emendadas, sem pausas.
Ainda que no canto dos cisnes, ainda não era tarde para George e Ringo cravarem algumas de suas melhores composições na história da banda.
No caso de George, a idílico-radiofônica "Here Comes the Sun" e Something, esta a "Melhor canção de Amor já escrita", dito por Frank Sinatra, coisa que este modesto escritor concorda e assina embaixo, sobretudo pelo fato de George conseguir fazer uma canção com romantismo transbordando em lirismo, sem o uso da palavra "Love" e da expressão "I Love You".
O senhor Starkey nos trouxera de presente a magnífico-color-lúdica "Octopus's Garden", canção que remete um pouco o ouvinte caledoscópico à "The Gnome", do diamante floydiano Syd Barrett, que chegara dois anos antes, no álbum de estreia do Pink Floyd, "The Piper at Gates of Dawn".
Mas "Abbey Road" é um álbum de rock and roll e sendo assim, se faz mister aquele toque de visceralidade e agressividades inerentes ao estilo.
Aí que entra Sir Paul McCartney com seus rascantes berros melódicos às canções suas "Oh! Darling" e "I Want You (She's So Heavy)", nesta última se acrescentassem a palavra metal após heavy não seria sequer um pecadilho.
"Because" e "Sun King", ambas canções co-irmãs, imersas na erudição, contendo os vocais lírico-triplicados, remetendo o contemplante à atmosfera de uma sinfonia, e das mais belas, daquelas de chorar.
Separando as siamesas supracitadas, Paul McCartney viera com "You Never Give Me Your Money", na melhor linha cancioneiro blues-rock, e, claro, aprecie seus berros sem moderação.
E Lennon nos dá novo chacoalhão com os petardos rock-raiz em "Mean Mr. Mustard" e "Polythene Pam", onde ambas servem de prelúdio para na sua foz desembocar na empolgante "She Came in Through the Bathroom Window", nesta linha de passe musical de extrema competência com as tabelinhas John-Paul.
Se aproxima a parte do final do trabalho, que seria o epílogo de toda uma história que mudara o mundo.
E o álbum vai ficando com ares de nostalgia e transposição de sentimentos ruins em bons. Tranquilizemos e apaziguemos tudo, meus amigos. É o que Paul parece nos dizer na sua suave "Golden Slumbers", sequenciada por "Carry That Weight", uma espécie de catarse aos 45 do segundo tempo, indicando uma provável prorrogação das diferenças entre os integrantes da banda, sobretudo entre ele e Lennon.
É chegada a hora do fim da sessão. E assim como ela não poderia deixar de começar com uma canção intitulada "Come Together", terminar com "The End" no caso derradeiro álbum dos Beatles, seria no mínimo obrigatório.
Embora o disco traga em sua conclusão os 23 segundos da quase oculta faixa "Her Majesty", é "The End" que efetivamente vaticina o fim de não somente uma banda, mas de uma década que transformaria décadas, deixando-nos o verso:
"And in the end The love you take Is equal to the love you make"
"E no fim O amor que você recebe É igual Ao amor que você dá"
Assim George Martin apagou as luzes do estúdio na certeza de que cada um ainda teria seus conflitos e chistes, mas que tinham fechado uma gestalt, ou um todo.
Agora, fala sério: tem forma mais linda e solene de se findar uma história?
Tracklist:
1. Come Together 2. Something 3. Maxwell´s Silver Hammer 4. Oh! Darling 5. Octopus's Garden 6. I Want You (She's So Heavy) 7. Here Comes the Sun 8. Because 9. You Never Give Me Your Money 10. Sun King 11. Mean Mr. Mustard 12. Polythene Pam 13. She Came in Through the Bathroom Window 14. Golden Slumbers 15. Carry That Weight 16. End 17. Her Majesty
A Banda: John Lennon – lead, harmony and background vocals; rhythm, lead and acoustic guitars; acoustic and electric pianos, Moog synthesizer; white noise generator and sound effects; percussion; Paul McCartney – lead, harmony and background vocals; bass, rhythm, lead and acoustic guitars; acoustic and electric pianos, Moog synthesizer; sound effects; wind chimes, handclaps and percussion; George Harrison – harmony and background vocals; lead, rhythm and acoustic guitars; bass on "Maxwell's Silver Hammer" and "Golden Slumbers/Carry That Weight"; harmonium and Moog synthesizer; handclaps and percussion; lead vocals (on "Something" and "Here Comes the Sun"); Ringo Starr – drums and percussion; anvil on "Maxwell's Silver Hammer";[39] background vocals; lead vocals (on "Octopus's Garden"); Additional musicians George Martin – harpsichord, organ, percussion
Billy Preston – Hammond organ (on "Something" and "I Want You (She's So Heavy)")
A história pode ser dividida em Pré-Pepper e Pós-Pepper
"Sgt. Pepper" ocupa um posto único no catálogo dos Beatles e na memória coletiva das pessoas. Não importam suas inclinações musicais, não há como negar a grande influência do álbum na música e na cultura em geral. A história pode ser dividida em Pré-Pepper e Pós-Pepper.
Aos que não estavam lá para experimentar em primeira mão durante o seu lançamento, o "Sgt. Pepper" é reduzido ao familiar. O que já foi considerado experimental e profundamente novo é categorizado como “rock clássico”. Ainda assim, "Sgt. Pepper" é o que tornou o rock uma forma "respeitável" de arte e suas repercussões podem ser ouvidas nas décadas que se seguiram. "Sgt. Pepper" só poderia ter nascido em 1967 e, para entender por que, é preciso reconhecer a importante relação simbiótica entre cultura e música. Ao comemorarmos seu 50º aniversário, aqui estão apenas algumas das circunstâncias que levaram à conquista mais louvada dos Beatles.
1: A contracultura dos anos 60
O espírito da contracultura já estava em andamento muito antes de "Sgt. Pepper" aparecer. Dylan tinha entregue seu épico álbum duplo "Blonde On Blonde", enquanto Brian Wilson estava preparando Pet Sounds com The Beach Boys.
Aparentemente, todo artista estava criativamente a todo vapor e o tremendo ritmo dos lançamentos foi notável no período de apenas um ano. Tanto nos Estados Unidos quanto no Reino Unido, parecia haver um intercâmbio cultural aberto, já que os artistas inspirariam uns aos outros e, por sua vez, criariam algo inteiramente novo. Como John Lennon apontou, os Beatles não criaram a contracultura, mas eles certamente eram o símbolo mais visível. “Isso de termos mudado os penteados de todos? Mas algo nos influenciou ... o que está no ar”, disse Lennon. “Nós fazíamos parte dos anos 60. Isso estava acontecendo por conta própria. Nós fomos os escolhidos para representar o que estava acontecendo nas ruas.” Enquanto Sgt. Pepper pode não ter capturado a natureza anti-establishment da cultura dos anos 60, certamente definiu sua abertura, tanto em termos de música, arte visual e imagens líricas. Do Vaudevilliano "Being For The Benefit Of Mr Kite!" à palavra cantada em 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band' e uma orquestra completa em "A Day In The Life", eles desfocaram a linha entre a arte de vanguarda e a música pop.
2. Nomes de Bandas Psicodélicas da Califórnia
Enamorado pelo que estava acontecendo na cena da Costa Oeste, especificamente em São Francisco, Paul McCartney notara que a última onda de nomes de bandas estava ficando progressivamente mais longa e mais imaginativa. Já não eram os The Beatles, The Byrds ou The Kinks, era de repente Lothar e The Hand People, Big Brother e The Holding Company, ou a sugestão de Lennon, “Fred And His Incredible Shrinking Grateful Airplanes”. Como a banda especulava sobre paródias de disfarces, isso também deu origem à ideia de deixar os “The Beatles” para trás e criar uma nova identidade para eles mesmos.
3: Adoção de Alter Egos
A essa altura, os Beatles haviam alcançado níveis estratosféricos de popularidade e a Beatlemania havia ofuscado a música da banda. A banda queria liberdade para crescer além de sua imagem, e isso levou a uma exploração de alter egos. Como McCartney mais tarde lembrou, "achei que seria bom perder nossas identidades, nos submergir na persona de um grupo falso", e assim "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band" nasceu. Essa idéia de identidade fluida ressoou fortemente entre a juventude da contracultura. Os seus antecedentes não precisavam mais determinar todo o seu futuro, podia-se simplesmente reinventar-se.
4: O Pet Sounds dos The Beach Boys
Ambos George Martin e Paul McCartney foram registrados exaltando o "Pet Sounds" dos Beach Boys e que força influente ele foi para o "Sgt. Pepper". Martin disse que se Brian Wilson e os Beach Boys não tivessem criado seu álbum clássico, “Sgt. Pepper nunca teria acontecido", enquanto McCartney disse: "A invenção musical nesse álbum foi, tipo, "Wow!" Essa foi a grande coisa para mim. Eu apenas pensei, Oh meu caro, esse é o álbum de todos os tempos. O que diabos vamos fazer? ”Enquanto estava em rotação permanente durante as sessões de gravação, "Pet Sounds" também não teria existido sem que Brian Wilson se inspirasse no "Rubber Soul" dos Beatles. E assim o ciclo continuou.
5: Freak Out!, de Frank Zappa And The Mothers of Invention
Se Brian Wilson ajudou a conduzir o lado pop das coisas, Frank Zappa iria impulsionar os Beatles para se tornarem mais experimentais. O álbum de estréia de Frank Zappa And the Mothers of Invention de 1966, "Freak Out!", também foi o primeiro do gênero, incorporando orquestração neoclássica com jazz improvisado e política contracultural, e com o objetivo de transformar o formato LP em uma declaração conceitual. Ambos, "Pet Sounds" e "Freak Out!" tinham provado que o rock poderia ser tanto uma mídia de produtor de estúdio como uma arte performática. Se Freak Out! foi o manifesto para a cultura freak em LA, em seguida, "Sgt. Pepper" seria o endosso intelectual da subcultura hippie de São Francisco.
6: Deixar de ser uma banda de turnê
Antes que decidissem adotar um alter ego, os Beatles decidiram que terminariam as turnês. Esqueça o inconveniente, as turnês se tornaram fisicamente perigosas para a banda, tanto devido a fãs fervorosos quanto por alguns públicos não tão favoráveis que não gostaram dos comentários aparentemente blasfemos de John Lennon sobre o cristianismo. Sua apresentação no Candlestick Park, em San Francisco, em 29 de agosto de 1966, seria o último show que eles iriam tocar, exceto por uma famosa apresentação no telhado da Apple em 1969.
Cada membro escapou à sua maneira, e quando eles se reuniram em novembro de 1966, decidiram fazer a mudança de banda de trabalho para uma "idéia" mais conceitual. Se suas músicas não exigissem que partes vocais e instrumentais fossem democraticamente divididas entre elas, o grupo era livre para jogar com os pontos fortes uns dos outros e mexer no estúdio até conseguir algo próximo da perfeição. Ringo resumiu o pensamento da banda no livro Anthology, dizendo: “Depois de decidir não fazer turnês, acho que não nos importamos mais. Nós estávamos nos divertindo mais no estúdio, como você pode ouvir em "Revolver" e "Rubber Soul". Em vez de sermos tirados do estúdio para ir à estrada, agora poderíamos passar um tempo lá e relaxar.”
7: Experimentação de estúdio e George Martin
Durante suas sessões no Abbey Road, os Beatles estavam fechando o capítulo da Beatlemania em suas carreiras e iniciando um novo capítulo: os “anos de estúdio”. Durante anos, a maior parte do rock e da música pop foi escrita de forma a poder ser executada ao vivo. Quanto ao processo de gravação, a regra prática era recriar e capturar uma “performance ao vivo” no álbum. Mas Martin e os meninos queriam virar esse conceito de cabeça para baixo. Como Martin disse, "Nós estávamos colocando algo em fita que só poderia ser feito em fita." Ele era mais do que apenas um produtor; ele foi o arquiteto do som dos Beatles e expôs o grupo às gravações e idéias mais vanguardistas que expandiram seu campo de visão.
8: Limitações Técnicas
É notável o quanto Martin e a banda conseguiram realizar usando a tecnologia de estúdio da época - até certo ponto, isso é o que faz "Sgt.Pepper" tão impressionante. Como todas as grandes ideias, com a adversidade vem a engenhosidade. Enquanto a gravação multi-track era padrão da indústria em 1967, os gravadores de oito faixas eram mais comuns nos EUA e não estavam amplamente disponíveis no Reino Unido até o final de 1967. Muitos dos efeitos sonoros psicodélicos do álbum foram criados por meio de microfones separados ou acoplados a quase todos os objetos na sala, além de reaproveitar fones de ouvido como microfones e outros truques de engenhosidade.
Os Beatles, como o resto do mundo ocidental, apaixonaram-se pelas tradições musicais indianas, espiritualidade e cultura. Sua influência foi sentida desde "Norwegian Wood", no "Rubber Soul", e especialmente no "Revolver", com "Love You To", de George Harrison. O interesse de Harrison pela música indiana floresceria em uma paixão ao longo da vida. Antes das sessões de "Sgt. Pepper" começarem, Harrison voou para Mumbai (Bombaim) para tomar lições de citara de Ravi Shankar, culminando em sua orientalizada "Within You Without You" e nos timbres de fundo de "Lucy In The Sky With Diamonds".
9: Tendências da indústria ignoradas
Em 1966, os Beatles já haviam acumulado uma enorme série de sucessos, com "Revolver" vendendo 1.187.869 cópias até 31 de dezembro de 1966, só nos Estados Unidos. Seu sucesso os colocou em uma posição única de experimentar novas abordagens de composição e instrumentação. Com cada registro, eles expandiram a definição aceitável de “rock music”, e sua capacidade de alcançar fãs de todos os gêneros permitiu que eles tocassem estilos e instrumentos diferentes, mantendo o apelo tradicional. Sem ter que responder aos caprichos da música popular, os Beatles poderiam evitar fazer música de dança ou singles de rádio. Em vez disso, eles elevaram o rock a um padrão mais alto, abrindo caminho para o iminente rock progressivo e o art-rock do futuro.
Traduzido pelo confrade Renato Azambuja via UDISCOVERMUSIC
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