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domingo, 27 de novembro de 2022

Jimi Hendrix: Reis dos Reis

Se vivo estivesse, Jimi Hendrix completaria neste novembro, 80 anos de idade. Muito se falou e se escreveu sobre a genialidade desse garoto, que com 26 anos de idade era reverenciado pela realeza britânica do rock, e admirado por milhares de fãs e, que já tinha lançado 3 álbuns de sucesso quando morreu aos 27, depois de ter percorrido toda a Europa tocando em festivais e shows coletivos e de ter construído um estúdio que existe até hoje, passados mais de 50 anos.

Lemmy Kilmister: sua experiência e a sua música favorita de Jimi Hendrix.

Frank Zappa e a lenda da guitarra carbonizada de Jimi Hendrix.

A música de Janis Joplin inspirada em Jimi Hendrix.

Uma de suas canções mais intrigantes é uma que foi lançada apenas depois de sua morte, mas que já estava finalizada pelo artista e que seria destaque em seu novo álbum. A canção "Room full of mirrors", uma  flamejante e cacofônica peça com riffs ensurdecedores de guitarra montada peças por peça em uma intricada arquitetura de estúdio pelo guitarrista e seu engenheiro de som, Eddie Kramer, tem uma letra instigante, que fala de um homem preso em uma sala de espelhos, sem contato com a realidade exterior e numa interminável luta com sua própria imagem e sentimentos. Uma alusão a complexos arquétipos da psicanálise de Freud e Carl Jung. Coisas bem distante do mundo do rock daqueles anos 60.

Até pouco tempo era um mistério de onde Hendrix buscara inspiração para essa canção, até que no inicio do ano 2000, em visita ao pai de Jimi, Al Hendrix, em Seattle, um biógrafo foi apresentado à uma peça de arte feita pelo guitarrista, onde em uma moldura e fixados sobre argila, 50 pedaços de um espelho estilhaçado foram montados em forma de mosaico na posição que ocupavam quando faziam parte do espelho intacto. Ao olhar para o quadro o observador tem a impressão de que dezenas dele próprio o observam de volta, visto que todos os pedaços foram colados e direcionados para o provável observador.

Existe uma gravação com Frank Zappa e Jimi Hendrix, mas os Zappa não conseguem encontrar.

Jimi Hendrix: 10 coisas que você não sabia sobre "Electric Ladyland".

Jimi Hendrix pelas tenras palavras de Eric Clapton.

Na canção o personagem se liberta da sala de espelhos quebrando-os em cacos e os cravando em seu próprio cérebro.

James Marshall Hendrix morreu em consequência da ingestão de pílulas para dormir e vinho antes de dormir, nas primeiras horas do dia 18 de setembro de 1970.

 Pelo que foi apurado, Jimi Hendrix desconhecia a alta potência dos soníferos alemães, e afogou-se no próprio vômito enquanto dormia.

Via LUIS FRANCISCO.

quarta-feira, 16 de novembro de 2022

Pink Floyd: David Gilmour falando sobre experiência "inesquecível" com Paul McCartney

Eu realmente gostaria de estar nos Beatles.

Como a maioria dos grupos de rock britânicos da década de 1960, o Pink Floyd começou como uma banda de rhythm and blues, seguindo os passos de Elvis Presley, Chuck Berry e outros pioneiros da década de 1950 do outro lado do Atlântico. David Gilmour era um velho amigo de escola dos membros fundadores Syd Barrett e Roger Waters, mas ele não se juntour ao Pink Floyd até o outono bretão de 1967, uma época em que os problemas de saúde mental de Barrett começaram a piorar. e eles precisavam de suporte de guitarra.

Além de aprender suas habilidades de guitarra com nomes como Hank Marvin, Lead Belly e B.B. King, Gilmour e seus companheiros de banda do Pink Floyd tiveram a plasticidade angustiada de sua adolescência com trilha sonora dos Beatles. “Eu realmente gostaria de estar nos Beatles”, Gilmour disse à Mojo em 2016. “[Eles] me ensinaram a tocar guitarra; Eu aprendi tudo. As partes do baixo, a liderança, o ritmo, tudo. Eles foram fantásticos.

No final da década de 1960, o Pink Floyd conheceria os Beatles, tendo se conhecido em 1967 no Abbey Road Studios, enquanto o primeiro, ainda sem Gilmour a bordo, gravava seu álbum de estreia, "Piper at the Gates of Dawn", e o último estava gravando faixas para o "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". Se você dissesse a Gilmour, mesmo no final dos anos 1960, que ele se apresentaria ao lado de Paul McCartney no famoso Cavern Club de Liverpool em 30 anos, ele teria dito para você se deitar e cuidar do que você fuma.

Eu sou uma criança, na verdade”, Gilmour continuou em sua conversa com Mojo. “Você entra no estúdio dois em Abbey Road, está sentado lá com Paul McCartney e sua guitarra está ligada. Você acha que é um dia normal de trabalho, mas é claro que não é; é mágico! Conseguir convencê-lo a cantar ‘I Saw Her Standing There’ no Cavern, comigo fazendo as partes de John Lennon, foi absolutamente fantástico.

Eu estive no The Who, estive nos Beatles e estive no Pink Floyd”, brincou Gilmour. "Topo isso, filho da puta!"

Em uma conversa com a revista French Guitarist em 2002, Gilmour expandiu sua longa admiração por McCartney. “Ele é um músico no sentido mais amplo da palavra”, opinou. “Ele toca tudo: baixo, guitarra, piano, bateria… E em todos esses instrumentos, ele está em um nível muito bom. Não podemos, portanto, mistificá-lo, ele sabe exatamente o que quer. Devemos-lhe algumas produções que não foram do maior interesse. Mas ele definitivamente merece o sucesso e o respeito de que goza.

Desde a dissolução dos Beatles em 1970, Gilmour se juntou a McCartney no estúdio em várias ocasiões. Em 1979, David tocou guitarra no single 'Rockestra Theme', do The Wings e depois no álbum solo de 1984, "Give My Regard To Broadstreet", "Flowers In The Dirt", de 1989 e "Run Devil Run" de 1999.

Em seu livro de 2021 "The Lyrics: 1956 to the Present", McCartney discorreu sua decisão de recrutar os talentos de guitarra de Gilmour para "Give My Regard To Broadstreet". O ex-Beatle classificou o guitarrista do Pink Floyd como “um gênio”. Detalhando ainda mais, ele acrescentou: “David Gilmour toca o solo no disco. Eu o conheço desde os primeiros dias do Pink Floyd. Dave é uma espécie de gênio, então eu estava fazendo todos os esforços. Eu admirava tanto ele tocando, eu o tinha visto por aí; Acho que ele tinha acabado de fazer seu álbum solo "About Face". Então eu liguei para ele e disse: 'Você tocaria nisso?' Parecia o tipo de coisa dele.

Em 1999, McCartney organizou um show especial de retorno no Cavern Club em Liverpool, que os Beatles fizeram uma Meca musical graças aos seus famosos shows do início dos anos 1960. Montando seu supergrupo para o show, McCartney trouxe Gilmour, o baterista do Deep Purple, Ian Paice, o guitarrista Mick Green, o tecladista Pete Wingfield e Chris Hall como acordeonista.

Mais tarde, em 1999, Gilmour respondeu a perguntas de alguns de seus fãs em um webcast do MSN. Sobre a recente apresentação do Cavern com McCartney, Gilmour discutiu a probabilidade de novas colaborações. “Eu completei todas as coisas que Paul me pediu até agora para fazer com ele”, disse ele. “Eu não sei se ele está fazendo mais, mas foi muito divertido voltar a esse tipo de música para variar. Ser um Beatle naquela noite no Cavern foi inesquecível.

Assista a Paul McCartney e David Gilmour tocando "I Saw Her Standing There" dos Beatles no Cavern Club, Liverpool, em 1999 abaixo.

Via FAR OUT.

terça-feira, 1 de novembro de 2022

A doença rara que resultou no fim do Blondie

Quando o Blondie anunciou sua separação em 1º de novembro de 1982, eles inicialmente pareciam ser outra vítima de clichês do rock. Drogas e confrontos de personalidades afetaram o grupo, mas o verdadeiro ímpeto da morte de Blondie foi uma doença rara e com risco de vida que assola um dos membros principais da banda.

Os anos anteriores ao rompimento do Blondie foram os mais bem-sucedidos. Depois de emergir da cena punk de Nova York, a banda liderada por Debbie Harry abriu uma nova trilha sonora, misturando disco, new wave e funk em um som distinto. Em cerca de cinco anos, o Blondie passou da escória do CBGB para alguns dos maiores palcos do mundo. Ao longo do caminho, eles lançaram vários sucessos atemporais, incluindo “Heart of Glass”, “One Way or Another”, “Call Me”, “The Tide Is High” e “Rapture”.

Com milhões de álbuns vendidos, Blondie se reuniu para gravar seu sexto álbum, "The Hunter", na primavera de 1982. Encorajados por seu sucesso, bem como grandes quantidades de cocaína e heroína, a banda viajou para um novo território musical no álbum. A decisão se mostrou desastrosa.

Eu sabia que estávamos em um espaço artístico diferente e muito menos acessível”, o produtor Mike Chapman admitiria mais tarde.

"The Hunter" foi mal recebido criticamente e comercialmente. Ainda assim, a banda parecia equipada para enfrentar a tempestade. Afinal, eles ainda tinham fãs dedicados, e uma turnê pelos EUA ao lado do Duran Duran, então em alta na popularidade com "Rio", os colocaria na frente de estádios lotados em todo o país. Mas nada poderia ter preparado a banda para o que estava por vir.


Antes de cair na estrada, Chris Stein, namorado de Harry, guitarrista e co-compositor de Blondie, começou a adoecer. “Aquela porra de turnê. Nós nunca deveríamos ter ido”, contou Harry em seu livro de memórias de 2019, Face It. “Cris estava doente. Muito doente. Eu tenho fotos dele onde ele estava emaciado e pesava 110 quilos. Essa turnê quase matou Chris.

Stein estava tendo problemas para engolir, tornando-o incapaz de comer. Como Blondie continuou em turnê, sua condição só piorou.

Achamos que era estreptococo, Chris achava que ele tinha AIDS ou câncer, ou que estava morrendo”, lembrou Harry. “E nenhum dos médicos pôde lhe dar uma resposta.

Para mascarar a dor, Stein e Harry aumentaram o uso de drogas durante a turnê. Em mais de uma ocasião, o guitarrista entrou em colapso devido ao estresse e exaustão.

A parada final da caminhada nos EUA foi em 21 de agosto na Filadélfia. Depois que acabou, o grupo saiu de uma perna europeia planejada, enquanto Harry voltava sua atenção para conseguir a ajuda para Stein.

E foi isso. Tinha acabado. Não apenas a turnê, mas o Blondie”, lembrou a cantora. A separação da banda foi oficializada em 1º de novembro.


A essa altura, Stein finalmente recebeu um diagnóstico. Depois de se isolar na casa de Nova York que ele dividia com Harry, o guitarrista sobreviveu com uma dieta de sorvete de tofu, a única coisa que ele conseguia engolir com sucesso. Depois de acordar uma manhã inchado e com dificuldade para se movimentar, ele foi levado ao pronto-socorro. O prognóstico: pênfigo vulgar, uma doença rara e potencialmente mortal do sistema autoimune.

Stein ficaria no hospital por três meses, recebendo um regime de esteroides para ajudá-lo a se curar. Harry estava ao seu lado o tempo todo, dando apoio e também continuando a fornecer heroína.

Acho que os médicos e enfermeiras sabiam que ele estava chapado o tempo todo, mas faziam vista grossa porque isso o mantinha relativamente sem dor e mentalmente menos torturado”, ela explicaria mais tarde. “Eu também estava me entregando, ficando o mais entorpecida possível. Eu não acho que eu poderia ter lidado de outra maneira. As drogas nem sempre são para se sentir bem. Muitas vezes eles são sobre se sentir menos pior.

Stein finalmente conseguiu ir para casa, com Harry continuando a cuidar dele. A música ficou em segundo plano durante esse período, já que a recuperação do guitarrista era a prioridade. Nos anos que levou Stein para se recuperar totalmente, Harry lançou alguns discos solo, mas eles geralmente não tiveram sucesso.

Mesmo que a saúde de Stein melhorasse, outros problemas atormentariam o casal. A má gestão da conta da banda resultou em severas penalidades do IRS.

Sem sabermos, nosso contador não pagava nossos impostos há dois anos, os dois anos em que estávamos ganhando mais dinheiro”, lembrou Harry. “Nós não perdemos apenas nossa casa. O IRS levou tudo o que podia colocar suas garras.” Em 1987, cinco anos após a dissolução do Blondie, Harry e Stein se separaram. Sua separação finalmente encerrou uma colaboração que foi a base do sucesso da banda. Isso até 1997, quando o Blondie se reuniu.

Via UCR.

segunda-feira, 24 de outubro de 2022

O clássico álbum do Pink Floyd que Jerry Garcia considerou o melhor da década de 70

Grateful Dead e Pink Floyd se encontraram na trilha sonora do filme cult de Michelangelo Antonioni, "Zabriskie Point.

Apesar de serem dois dos grupos mais marcantes das décadas de 1960 e 1970, Pink Floyd e The Grateful Dead raramente se cruzaram fisicamente, em vez disso, forneceram as jams perfeitas para uma variedade de milhões de amantes da música. No entanto, apesar de as duas bandas serem muitas vezes consideradas sob o mesmo amplo guarda-chuva, suas abordagens eram marcadamente diferentes. Afinal, eles vieram de lados opostos do Atlântico e entregaram as mesmas jam sessions de alta qualidade com ética completamente diferente para os mesmos resultados de cair o queixo.

Antes do efeito homogeneizador da internet, a geografia de uma banda tinha um impacto notável em sua produção. Enquanto a música do Grateful Dead é enriquecida com gêneros exclusivamente americanos como R&B, bluegrass e gospel, álbuns como "Dark Side Of The Moon" e "Wish You Were Here" do Pink Floyd parecem mais um produto de estilos de vanguarda germânicos como a eletrônica da era Kraftwerk e Krautrock.

Na verdade, a única conexão que os dois grupos compartilham é que ambos foram apresentados na trilha sonora do filme cult de Michelangelo Antonioni, "Zabriskie Point". Na verdade, praticamente a única evidência que temos de que Jerry Garcia tinha ouvido falar do Pink Floyd vem de uma entrevista que ele deu em 1980, na qual ele falou sobre algumas de suas bandas favoritas dos anos 70. Garcia raramente compartilhava seu amor por muita música além da sua, e era notoriamente curto sobre isso. Então, encontrar uma entrevista em que ele confesse seu amor por outro disco é realmente surpreendente.

Durante essa entrevista, perguntaram a Garcia o que ele estava ouvindo no rádio durante aquela década explosiva: “Apenas o material que atingiu todo mundo. Gosto muito de "The Wall". Todo mundo gosta disso. Eu gosto de Elvis Costello. Sou um grande fã de Elvis Costello”, disse. “Gosto muito de Warren Zevon, quero dizer, ouvi coisas boas de quase todo mundo, assim como ouvi coisas ruins de quase todo mundo. "The Wall" certamente capturou a imaginação do mundo."

Lançado em 1979, o álbum foi a primeira aventura do Pink Floyd no mundo da ópera rock. Segue a história de um rockstar cansado que gradualmente se retira da sociedade. Seu isolamento do resto do mundo é exatamente o que forma a parede metafórica da qual o álbum recebe seu nome. O personagem central do disco foi baseado no trágico ex-vocalista do Pink Floyd, Syd Barrett, que foi forçado a deixar a banda depois de sofrer um colapso mental como resultado de seu uso frequente de LSD.

Embora "The Wall", um álbum em grande parte derivado diretamente da mente de composição de Roger Waters, tenha recebido críticas mistas no lançamento, com muitos acusando o Pink Floyd de ser exagerado e pretensioso, o LP deu ao Pink Floyd seu único single número um no Reino Unido e nos EUA com "Another Brick in the Wall, Part 2".

Pink Floyd: “Another Brick in the Wall (Part II)”, o single que explodiu a virada da década 70/80.

Hoje, o álbum, que traz faixas como 'Comfortably Numb' e 'Run Like Hell', é considerado um dos melhores álbuns conceituais de todos os tempos e um dos melhores trabalhos do Pink Floyd, imbuído de toda a tensão de uma banda no cúspide da implosão.

"The Wall" também marcou o início de uma queda na produção criativa do Pink Floyd ao longo da década de 1980. Mas, como Garcia observou: “Eu não acho que haja alguém que esteja constantemente lançando coisas boas, vez após vez. Mas todo mundo tem algo a dizer e há momentos em tudo isso que são realmente excelentes. Eu vou pelos momentos. Eu continuo ouvindo até ouvir algo que me nocauteia.” Para Garcia, "The Wall" foi um desses momentos, um álbum emocionante e impactante que, tantos anos depois, ainda parece tão presciente como sempre.

Via FAR OUT.

quarta-feira, 19 de outubro de 2022

The Beatles: A música que George Harrison escreveu sobre trabalhar contra o governo

Em 1965, George Harrison não era mais o membro ingênuo com cara de bebê dos Beatles que ele já foi. Depois de conquistar a América e solidificar sua voz na banda como um compositor igual com suas duas contribuições para "Help!", Harrison se tornou um homem com opiniões e pontos de vista fortes. Como ele logo descobriu, ser rico e famoso não era tudo o que se dizia.

Os Beatles tiveram que lidar com uma taxa de imposto notavelmente alta na Grã-Bretanha dos anos 1960. Essa quantidade absurda mais tarde inspirou uma das faixas mais virulentas e sarcásticas de Harrison, 'Taxman' do "Revolver". Mas antes disso, a mente de Harrison havia se expandido pelo uso de LSD, fazendo com que ele questionasse a autoridade talvez pela primeira vez. Como resultado direto desse questionamento, Harrison escreveu a faixa do "Rubber Soul", 'Think For Yourself'.

Think for Yourself” deve ser sobre “alguém” pelo que parece”, explicou Harrison em seu livro de 1979, I Me Mine, “mas todo esse tempo depois, não me lembro bem quem… Provavelmente o governo”.

Para se conectar com a nova perspectiva agressiva de Harrison, os Beatles decidiram adicionar um pouco mais de força ao seu som. Especificamente, Paul McCartney pegou seu baixo Rickenbacker recém-adquirido e o conectou a uma caixa de fuzz Tone Bender.

"Paul usou um fuzz box no baixo em 'Think For Yourself'", explicou Harrison. “Quando Phil Spector estava fazendo ‘Zip-A-Dee-Doo-Dah’, o engenheiro que montou a faixa sobrecarregou o microfone do guitarrista e ficou muito distorcido. Phil Spector disse: 'Deixe assim, é ótimo'. Alguns anos depois todos começaram a tentar copiar aquele som e então inventaram o fuzz box. Nós tentamos o baixo através dele e soou muito bom.

Fuzz não era um conceito totalmente novo, como Harrison apontou. A distorção pode ser rastreada desde a década de 1940, e meados da década de 1960 provou ser uma era de ouro da inovação fuzz. 1964 viu o lançamento de 'You Really Got Me' dos The Kinks, enquanto 1965 viu os Rolling Stones lançarem '(I Can't Get No) Satisfaction', uma das primeiras faixas a fazer uso do fuzz box. Como os Beatles estavam sempre procurando ficar à frente da curva, era natural incluir um pouco de fuzz em 'Think For Yourself'.

Via FAR OUT.

Confira 'Think For Yourself':

segunda-feira, 17 de outubro de 2022

Por que Robert Plant achou a reunião do Led Zeppelin "pesada demais"?

Concerto histórico deu origem ao CD/DVD/Blu-ray "Celebration Day".

O Led Zeppelin subiu ao palco pela última vez em 10 de dezembro de 2007, quando se despediu em grande estilo, derrubando o teto da O2 Arena de Londres e deixando 20.000 fãs impressionados com sua grandeza. É justamente lembrado como a maneira perfeita de terminar a história do Led Zeppelin e deixou os fãs clamando por mais. No entanto, apesar do sucesso, Robert Plant achou a reunião angustiante no geral e, além do show barnstorming, ele simplesmente não conseguiu aproveitar toda a experiência.

A reunião final do Led Zeppelin aconteceu quando eles concordaram em realizar um show único como atração principal no The Ahmet Ertegün Tribute Concert. Ahmet Ertegün, executivo musical, cofundador e presidente da Atlantic Records e personagem essencial na carreira do Zeppelin, ajudou a definir a música como a conhecemos hoje. Ele foi uma figura a quem o Zeppelin teve que agradecer por seu sucesso monumental, Ertegün acreditou neles e eles retribuíram a fé que ele demonstrou neles. Houve uma empolgação tangível em torno da reunião e o interesse no show foi verdadeiramente sem precedentes.

O Guinness World Records de 2009 afirmou que, na época, o show detinha o recorde mundial de 'maior demanda por ingressos para um show musical', com impressionantes 20 milhões de pessoas lutando pelos 20.000 ingressos dourados. O show deu ao Led Zeppelin a oportunidade de sair da inércia. Dito isto, todos os envolvidos, exceto Robert Plant, queriam que isso iniciasse uma reunião completa. Sua recusa permitiu que a banda deixasse as coisas em uma nota positiva e, se eles estivessem subindo ao palco todas as noites em uma turnê mundial, o brilho que brilhou em todo o show de Londres, sem dúvida, teria diminuído.

Plant conseguiu se permitir reentrar no ambiente assustador do Zeppelin para um show, mas qualquer coisa além disso era impossível de sua perspectiva. Falando com a Mojo em 2012 sobre por que a reação universalmente positiva à performance não levou a outras performances, Plant foi direto em sua resposta e se abriu sobre por que ele não achou a experiência completamente agradável.

Após o show, Plant lembrou que precisava escapar do ambiente agitado dos bastidores e toda a atenção sobre ele era demais. “Vinte minutos depois que terminamos, os irmãos Gallagher estavam encostados na porta do meu camarim”, lembrou o cantor do Led Zeppelin vividamente. “Um deles disse: 'Você é a porra da coisa, você é.E com isso, eu saí rapidamente.

Acabei no pub Marathon em Camden, bebi quatro garrafas de cerveja Keo e meia garrafa de vodka, depois fui para a cama”, acrescentou. “Porque eu tive que me afastar disso. Eu tinha feito isso. Eu tive que ir. Era muito pesado. Bonito, mas fale sobre examinar sua própria mortalidade! Louco."

"Eu fui tão longe em outro lugar que quase não consigo me relacionar com isso”, ele disse mais tarde sobre as chances de outra reunião com a Rolling Stone. “É um pouco chato para ser honesto. Quem se importa? Eu sei que as pessoas se importam, mas pense no meu ponto de vista, em breve, vou precisar de ajuda para atravessar a rua.

“Você nunca pode realmente voltar atrás”, ele reiterou mais uma vez em 2017. “Já é difícil se repetir com algo que tem um ano, não importa 49 anos. Eu tenho que continuar andando.

Como Plant diz carinhosamente, a noite foi realmente “linda”, mas ele não é um artista encharcado de nostalgia e é um crente fervoroso de que algumas coisas devem ser deixadas no passado. O cantor prefere seguir em frente sempre que possível. Plant construiu uma rica carreira solo que representa a pessoa que ele se tornou hoje e, embora o Led Zeppelin ainda tenha um lugar especial em seu coração, ele não é mais a mesma pessoa.

Via FAR OUT.

sexta-feira, 14 de outubro de 2022

David Bowie: "Heroes", o 2º álbum da icônica "Trilogia de Berlim"

Em 1976, foram os efeitos da cocaína; depois de um tempo passado em Los Angeles no meio das drogas, Bowie decidiu que era hora de limpar seu ser. Foi quando ele pulou pela Suíça e pela França antes de se mudar para Berlim Ocidental, na Alemanha ("o centro de tudo o que está acontecendo e aconteceria na Europa nos próximos anos", disse ele à Vogue em 1978) para lançar a lendária "Trilogia de Berlim". O primeiro deles foi "Low", lançado em janeiro de 1977, um trabalho tão à frente de seu tempo que a gravadora de Bowie detestou lançá-lo, chegando a # 11 na América.

Quando chegou a hora de Bowie sequenciar "Low", ele não facilitou as coisas para sua gravadora. Depois de excursionar como tecladista de Iggy Pop, ele retornou a Berlim com grande parte da mesma equipe que havia criado "Low", com a notável adição da lenda da guitarra, Robert Fripp.

"Houve muito entusiasmo em 'Heroes' porque Brian (Eno) e eu gostamos muito do que fizemos em Low", disse Bowie durante uma entrevista com Flo & Eddie em 1977. "Agora veio outro e acho que até um terceiro... o que aconteceu foi que eu não tinha o equipamento verbal necessário para descrever o que eu estava vendo, e era aí que eu precisava de ajuda. Estava tão confuso com todas essas pessoas abençoadas correndo na minha cabeça. Eno era alguém que eu conhecia há anos e nunca tive a chance de trabalhar."

A faixa-título do álbum foi lançada como seu primeiro single em setembro de 1977, indo em uma modesta corrida para chegar ao 24º lugar no Reino Unido, e nem mesmo se registrar no Hot 100 nos Estados Unidos. Poucas semanas depois, em 14 de outubro de 1977, David Bowie lançou "Heroes", seu segundo álbum completo do ano. Ao contrário de "Low", os críticos foram rápidos em elogiar o LP, com os fãs enviando o disco até o 3º lugar na parada de álbuns do Reino Unido. Na América, o álbum alcançou a posição #35 na Billboard 200. O segundo single "Beauty and the Beast" foi um sucesso menor na Inglaterra, alcançando a posição #39 na parada de singles do Reino Unido.

A faixa-título do álbum renasceu em 2016, após a morte de Bowie, alcançando um novo pico de # 12 no Reino Unido e # 11 da Billboard Hot Rock & Alternative Songs na América.

Via RHINO.

domingo, 18 de setembro de 2022

Black Sabbath: como "Paranoid" "matou" os anos 60

Às vezes, um álbum pode fazer você sentar e prestar atenção.  Às vezes pode pegar um grupo de indivíduos anteriormente desconhecido e transformá-los em sua nova banda favorita.  Raramente esses álbuns criam um gênero totalmente novo e, ainda mais raramente um álbum consegue fazer todos os três em apenas oito músicas.  Hoje, no aniversário de seu lançamento, estamos relembrando o magnífico "Paranoid" do Black Sabbath.

Olhando para trás, é fácil ver como o "Paranoid" acabou com o amor livre e os espíritos elevados dos anos sessenta com uma estaca no coração.  Black Sabbath viu o corpo ferido da década, sangrando esperanças tecnicolor de reinos da contracultura e vomitando as falsas promessas de uma geração de artistas e, em vez de realizar RCP, estava feliz em matar a década com uma mão forte sobre a boca e um  fogo nos olhos coletivos da banda.  Este foi o álbum que começou não apenas o domínio do rock do Sabbath, nem se tornou um modelo de heavy metal para todos seguirem.  Este foi o álbum que assassinou os anos sessenta.

O segundo álbum da banda estava cheio de intenções maliciosas quando foi lançado do estúdio por Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Bill Ward e Geezer Butler. Quer eles soubessem ou não, o Sabbath tinha acabado de colocar os anos sessenta em uma cova rasa e eles fizeram isso com um dos discos de heavy metal mais abrangentes de todos os tempos. No final de 1970, a visão do mundo dos anos sessenta e o movimento de amor livre que emanou de São Francisco em 1967 azedaram. Drasticamente.

Muito do que borbulhava no bairro de Haight-Ashbury, o epicentro do movimento de contracultura e o local privilegiado do Summer of Love, foi construído com base na esperança e na crença de que a ação coletiva poderia mudar as coisas. À medida que o tempo passava e nada parecia mudar, exceto a capacidade mental daqueles hippies que participavam continuamente de experimentos com LSD, a visão que havia sido mapeada na década oscilante estava começando a escurecer a cada passo. Em 1970, tudo ficou preto.

Entra o Sabbath.

Se você estava procurando a antítese do bairro nobre de São Francisco, então você só precisa virar a cabeça para os anos setenta de Birmingham, Inglaterra. A cidade sempre teve um coração industrial pulsante, mas agora essas indústrias estavam começando a empacotar. Deixou a cidade em ruínas e as ruas cobertas de pó de carvão não eram exatamente o tipo de lugar que você poderia andar descalço. É fácil ver como as visões e as paisagens sonoras criadas dentro deles combinam com a música que foi feita neles.

Claro, o álbum foi realmente gravado em Londres e supervisionado por Rodger Bain. Embora seja um pouco difícil chamar "Paranoid" de o primeiro álbum de heavy metal, o próprio stonker do Led Zeppelin foi lançado quase dois anos antes, mas certamente tem todas as características e talvez vá um pouco mais longe com sua iconografia obviamente mais distorcida. Enquanto o Zeppelin foi inspirado por Aleister Crowley, sempre parecia que Ozzy e a banda estavam realmente vivendo nele.

Através de músicas como a faixa-título, 'Electric Funeral' e 'Iron Man' os Sabbath criaram um som totalmente novo, extrapolando o melhor do blues e a revolução do rock que o antecedeu, mas agora com uma lâmina brilhante nas costas. Ozzy Osbourne era aquela lâmina muito brilhante, é quase impossível retirar seu carisma deste álbum, ele se integra a cada nota. Vocalmente, ele é magistral, sinceramente magistral. No entanto, é no comando das músicas que ele realmente brilha.

Sob sua orientação, embora não tenhamos certeza de quão consciente ele estava, ele supervisionou o Black Sabbath criando um dos álbuns mais potentes de todos os tempos.  Eles conseguiram porque Ozzy sempre se sentiu incrivelmente autêntico ao cantar as músicas.  Ou neste disco, onde vocalmente ele mostra o quão bom ele realmente era ou no palco – seja o que for, Osbourne tinha.  Na verdade, ele ainda faz.

No resto das oito faixas do disco, há lembretes de por que o Sabbath se tornou um muso-culto.  Seja o alívio enervante de 'Planet Caravan' ou o blues sombrio que ressoa em 'Hand of Doom', aqui está um álbum que é certamente tudo assassino e sem enchimento. Claro, talvez o álbum também tenha uma arma de abertura diferente de qualquer outro LP, a incrível música 'War Pigs'. A faixa tem uma intensidade inigualável e conta tudo o que você precisa saber sobre o que foi esse álbum. Guerra.

Este foi o álbum que confirmou toda a esperança e liberdade dos anos sessenta. Agora, a realidade de uma festa de uma década caiu pesadamente aos pés de uma nova geração. Ao invés de resgatar a situação, com "Paranoid", Black Sabbath acabou com a década inteira de sua miséria.

Via FAR OUT.

quinta-feira, 1 de setembro de 2022

Quando Bill Clinton falhou em reunir o Led Zeppelin

Quando você pensa no Led Zeppelin, a última pessoa que alguém associaria à banda é o ex-presidente dos Estados Unidos, Bill Clinton. No entanto, o ex-governador do Arkansas e executivo da América é um grande fã da banda inglesa e, há uma década, tentou, embora sem sucesso, reunir os membros sobreviventes para um último hurra.

Embora as pessoas normalmente equacionem Bill Clinton com a ideologia política da 'Terceira Via', Monica Lewinsky, e o impeachment, muitos não percebem que ele também é um grande fã de rock, o que muda um pouco as dimensões com que ele é visto.

A chegada do Led Zeppelin mudou a face da cultura popular para sempre. Formados a partir das cinzas da antiga banda do guitarrista Jimmy Page, The Yardbirds, eles rapidamente cultivaram uma base de fãs por trás de seu estilo de rock inspirado no blues, mas mais estrondoso, e ao longo de seus 12 anos como banda, seu som continuou a desenvolver com eles tornando a forma uma fera mais expansiva e encantadora do que nunca.

O poder combinado de Page, o vocalista Robert Plant, o baixista John Paul Jones e o baterista John Bonham foi um espetáculo para ser visto, e eles rapidamente se estabeleceram como a maior banda do planeta, quebrando o recorde dos Beatles de público em shows antes do álbum "Led Zeppelin II" tirar "Abbey Road" do primeiro lugar nas paradas de álbuns. Quando 1970 chegou, o Led Zeppelin era o rei indiscutível do rock, e a década seria deles.

Por que o Led Zeppelin não estava na mesma liga que os Beatles e os Rolling Stones?.

Em 2013, a CBS informou que Clinton revelou que tentou e não conseguiu fazer com que o Led Zeppelin se reformasse no ano anterior, segundo a Billboard. No referido relatório da CBS, David Saltzman, da Robin Hood Foundation, a organização por trás do programa beneficente Hurricane Sandy em Nova York, revelou que ele e o agora desgraçado executivo de cinema e estuprador condenado, Harvey Weinstein, voaram para Washington DC especificamente para se alistar. Clinton tentou ajudá-los a fazer o Led Zeppelin se reunir para o show que contou com nomes como The Rolling Stones, Eric Clapton e The Who.

Clinton concordou com o pedido de Saltzman e Weinstein e abordou Page, Plant e Jones em Washington, em noite de gala do Kennedy Center Honors, que ocorreu apenas alguns dias antes do evento beneficente em prol das vítimas do furacão Sandy. Refletindo o quão positivo era o sonho de Saltzman e Weinstein, nem mesmo o famoso ex-presidente de língua prateada conseguiu que eles se reunissem.

Harvey Weinstein teve essa grande ideia de que poderíamos convocar Bill Clinton para convencer o Led Zeppelin a se reunir”, disse Saltzman. “O presidente foi ótimo, "eu realmente quero fazer isso, será uma coisa fantástica, eu amo o Led Zeppelin’. E o próprio Bill Clinton pediu que o Led Zeppelin se reunisse, e eles não o fizeram.”

Via FAR OUT.

terça-feira, 30 de agosto de 2022

Pink Floyd: A música dos Beatles que Richard Wright chamou de "totalmente pueril"

Assim como os Beatles, o Pink Floyd era uma banda adornada com engenhosidade e talento musical. Após o declínio mental do líder criativo original da banda, Syd Barrett, Roger Waters assumiu as rédeas como coordenador conceitual da banda. Enquanto isso, David Gilmour banhava-se no centro das atenções como o extraordinário guitarrista da banda, oferecendo seu tempero melódico único ao seu material progressivo. Durante todo o tempo, parecia que seu pianista, sintetizador e ocasional cantor e compositor, Richard Wright, havia sido excluído.

Nick Mason: "Rick Wright merecia mais reconhecimento pelo que fez no Pink Floyd".

Apesar de aparecer sozinho apenas nos créditos de composição de 14 das 217 músicas lançadas do Pink Floyd, Wright foi uma força fundamental por trás de muitos dos momentos mais memoráveis ​​da banda durante seu mandato de longa duração. Paralelos podem ser facilmente traçados entre a posição de Wright no Pink Floyd e a de George Harrison nos Beatles.

Como uma roupa psicodélica emergente da década de 1960, o Pink Floyd foi eminentemente inspirado pelo último trabalho dos Beatles. Afinal, o sargento de 1967. "Pepper's Lonely Hearts Club Band" é muitas vezes considerado o primeiro álbum de rock progressivo e é regularmente citado como a força central por trás de grandes grupos como Genesis e Yes.

Enquanto Wright estava indubitavelmente intrigado com o último material dos Beatles que falava de submarinos amarelos, céus marmelada, homem-macaco e dez mil buracos em Blackburn, Lancashire, ele não estava tão preocupado com as cantigas de amor anteriores da banda.

Em uma entrevista de 1994 em sua residência em Earl's Court, Wright discutiu alguns de seus discos favoritos enquanto vasculhava sua coleção bestial. Um dos primeiros que ele escolheu foi "Music from Big Pink" da The Band.

Ouça a playlist: "A Arte de Richard Wright no Pink Floyd".

A peça central deste álbum, ‘The Weight’, é uma música incrível”, opinou Wright. “Lembro-me de ver a The Band no Albert Hall no final dos anos 60 e, na minha cabeça, posso praticamente ouvi-los cantando ‘The Weight’ naquele show até agora. A forma como a música é cantada é tão emocional que mal consigo descrevê-la. Como você descreve uma resposta emocional à música? Eu poderia lhe dizer que uma peça se move de um mi bemol maior para fá sustenido ou qualquer outra coisa, mas esse não é o ponto, é?"

Continuando, Wright explicou como The Band foi o primeiro grupo pop que seus ouvidos receberam de braços abertos. “A Band foi a melhor coisa que aconteceu naquela época. Quando eu estava no Floyd, eu não gostava de música pop, eu estava ouvindo jazz, e quando os Beatles lançaram ‘Please Please Me’, eu não gostei nada. Na verdade, eu pensei que era totalmente pueril. Não havia muita coisa na época que me excitasse, mas então eu vi The Band, e eles eram totalmente diferentes, totalmente emocionantes. Como todas essas gravações, há algo nesse álbum que me toca emocionalmente. A música é simplesmente adorável, e torna esta uma escolha particularmente sentimental. Também devo mencionar ‘Tears Of Rage’, uma música brilhante.

Via FAR OUT.

terça-feira, 23 de agosto de 2022

The Who: Como tocar bateria como Keith Moon

Por seu status lendário no rock and roll, Keith Moon não recebe o nível de respeito que merece como músico. Atribua isso às suas travessuras selvagens fora do palco, energia exclusivamente enlouquecida e deterioração infame no final de sua vida, mas aqui estão alguns termos que se ligam ao nome de Moon: desleixado, desfocado, maníaco, exagerado e superestimado.

A própria avaliação de Moon de suas habilidades também foi modesta. “Acho que como baterista, sou adequado”, disse Moon autodepreciativamente à Melody Maker em 1970. “Não tenho aspirações reais de ser um grande baterista. Eu só quero tocar bateria para o The Who e é isso.

Pete Townshend pareceu concordar. “A bateria de Keith Moon era uma expressão de sua personalidade e seu ego e sua grandiosidade e seu ridículo e sua teatralidade e seu senso de humor!” Townshend explicou durante o episódio Classic Albums do "Who's Next". “Muito do que Keith fez foi incrivelmente engraçado… apenas diferentes variações disso tocaram muito, muito rápido. E às vezes ele tocava ‘dum dum dum dum duda-duda-dum dum’ e depois caía no chão.

Mas os outros colegas de banda de Moon foram mais simpáticos. “Se tocássemos nossa música no estúdio, se pudéssemos tocar a bateria, saberíamos que música era porque ele sempre tocava com os vocais”, explicou John Entwistle durante o episódio. De todos os companheiros de banda de Moon, Roger Daltrey foi o que mais elogiou seu estilo de tocar.

Muitas pessoas realmente, realmente, nunca entenderam a importância do estilo de bateria de Keith para o The Who”, explicou Daltrey. “E eu meio que o descrevo pictoricamente como se você imaginasse Pete e John como duas agulhas de tricô e Keith como um novelo de lã. Ele meio que manteria tudo junto, e com os vocais no topo, produziria um produto. Se você tirar Keith disso, meio que desmorona.

Foi o produtor e engenheiro do "Who's Next", Glyn Johns, que provavelmente resumiu melhor o enigma de Keith Moon. “Eu acho que a imagem dele sendo um pouco fora dos trilhos foi algo que ele promoveu, e isso realmente fez com que ele falasse mais sobre qualquer baterista em qualquer banda como resultado, porque ele se tornou uma personalidade: sua imprevisibilidade”, compartilhou Johns. “Mas se você conversar com os fãs do Who, acho que descobrirá que todos o achavam um baterista brilhante, e se você conversar com os músicos, eles concordariam e diriam a mesma coisa. Eles falariam sobre sua habilidade de tocar bateria muito mais do que os outros episódios de sua vida.

Na verdade, você não precisa ir muito fundo para encontrar lendas da bateria como Dave Grohl, Roger Taylor, Clem Burke e Mike Portnoy cantando louvores a Moon the Loon. Praticamente qualquer pessoa nascida depois de 1960 que pegou um par de baquetas ouviu e provavelmente foi inspirada pelo estilo de tocar singular de Keith Moon. Não procure mais do que talvez o maior baterista de rock de todos os tempos, Neil Peart do Rush, para resumir adequadamente a genialidade de Moon.

Certamente é verdade que Keith Moon foi um dos primeiros bateristas a me deixar realmente empolgado com a bateria de rock”, Peart disse ao Modern Drummer em 1980. “Sua personalidade irreverente e maníaca, expressa através de sua bateria, me afetou muito. [Ele me ensinou] uma nova ideia de liberdade e que não havia necessidade de ser fundamentalista. Eu realmente gostei de sua abordagem de colocar pratos de impacto no meio de um rolo. Depois, comecei a adotar um estilo mais disciplinado, à medida que ganhei um pouco mais de compreensão do lado técnico. Para mim, ele era o tipo de baterista que fazia grandes coisas por acidente ao invés de design. Mas a energia, expressividade e inovação que ele representou na época foi muito importante e grande.

A personalidade de Keith Moon foi totalmente formada a partir do dia em que ele apareceu como uma “visão ruiva”, de acordo com Townshend, em um show inicial do Who e assumiu oficialmente o banco da bateria. Mas demorou um pouco para que seu estilo fosse totalmente liberado no disco. Nos primeiros discos do Who, como 'Happy Jack' e 'I Can't Explain', o estilo frenético de Moon é decepcionado pelos modestos padrões de produção da época. Moon está claramente morrendo de vontade de sair do confinamento, mas sua restrição a um pequeno tambor o estava segurando.

O avanço veio no quarto single da banda, 'My Generation'. Estridente e selvagem diferente de qualquer disco que veio antes dele, 'My Generation' apresentava uma estrutura de acordes simples e amplo espaço para Moon se soltar. Entre cada preenchimento vocal veio uma oportunidade para Moon soltar a fera, e no final explosivo da música, o id indomável de Moon foi mostrado para o público pela primeira vez.

Mas para qualquer um que afirmasse que Moon não conseguia manter o tempo ou tocar ritmos complicados, 'My Generation' funciona como um contador perfeito. O padrão shuffle de Moon apresenta o tipo de destreza de pulso amplamente reservada para bateristas de jazz, enquanto sua capacidade de parar e começar junto com as pausas para os vocais principais de Daltrey provou que ele tinha um forte senso inerente de tempo.

Nos anos seguintes, Moon começou a estabelecer a configuração que melhor se adequava ao seu estilo. Essa configuração de bateria e pratos dependia fortemente de toms de rack e pratos de choque, para Moon, era quanto mais, melhor. Em um ponto, Moon extirpou completamente o chimbal de sua configuração, uma decisão que paralisaria qualquer outro baterista. Moon também adicionou bumbos duplos para uma batida adicional, algo que pode ser melhor ouvido no álbum "Live at Leeds".

À medida que o The Who se tornava mais ambicioso em seu escopo, Moon estava ao lado de seus companheiros de banda em intensificar suas habilidades técnicas. 'Underture' de "Tommy", 'Bargain' de "Who's Next" e 'Love Reign O'er Me' de "Quadrophenia" mostraram que Moon entendia o delicado equilíbrio entre seu estilo incansável e a necessidade de contenção quando uma música pedia. O flash e a agressividade de seus hits geralmente são os motivos pelos quais Moon é marcado, mas esses são talvez os exemplos mais importantes a serem apontados ao avaliar as habilidades de bateria de Moon: sua compreensão, embora breve, de manter as coisas simples.

Se você simplesmente agitar a bateria em uma fúria bêbada, descobrirá que na verdade não soa muito como Keith Moon. Para replicar com precisão o estilo de Moon, você deve se concentrar em preenchimentos que seguem padrões vocais, trabalhando sua destreza de bumbo duplo e um estilo agressivo que toca em cada música individual. Para o bem ou para o mal, tudo o que Moon tocou em cada música do Who era diferente, e o que ele deixou para trás foram algumas das faixas de bateria mais fascinantes e emocionantes da história do rock and roll.

Via FAR OUT.

segunda-feira, 1 de agosto de 2022

A origem do palhaço em "Ashes to Ashes" de David Bowie

De todos os figurinos de David Bowie, o Blue Clown, usado para o vídeo de 1980 ‘Ashes To Ashes’, é de longe o mais enervante. Evocando os encantos góticos do cinema expressionista alemão, o vídeo mostra Bowie vestido com pintura facial pálida, um chapéu cônico e meias ao lado de vários frequentadores esquisitos do clube The Blitz, com quem o ícone glam havia esbarrado na noite anterior às filmagens. Os fãs analisaram a música e o vídeo até a morte, com muitos concluindo que era uma sequência do sucesso de Bowie de 1969, "Space Oddity", e que a marcha de personagens na frente de uma escavadeira simboliza a morte dos alter-egos anteriores do cantor. A origem do personagem mais marcante do vídeo é um pouco menos conhecida, no entanto.

Os palhaços aterrorizam as pessoas há séculos. Muitos deles têm suas raízes na Commedia Dell'Arte, uma marca de teatro renascentista que se originou na Itália e ganhou popularidade em toda a Europa entre os séculos XVI e XVIII. A designer Natasha Korniloff baseou o figurino de Bowie no personagem Pierrot, um diminutivo de Pierre (Peter) ou Pedrolino, um palhaço triste que é, apesar de sua aparência, um dos personagens mais simpáticos da Commedia dell’Arte.

Um dos primeiros exemplos de Pierrot vem da primeira produção de Molière e Don Juan, ou "A Festa da Pedra", que foi apresentada pela primeira vez em fevereiro de 1660 no teatro Palais-Royal em Paris. Na peça, Pierrot é o nome de um camponês que aparece no segundo ato. A popularidade do personagem foi tal que ele conseguiu sobreviver às mudanças nas tendências teatrais dos séculos 18 e 19, encontrando uma nova vida no cânone da música clássica do século 20 graças a Arnold Schoenberg. O compositor serialista alemão apresentou o personagem em seu Pierrot Lunaire, Op.21, cenário de 21 textos do ciclo poético de Albert Giraud. A versão de Schoenberg do palhaço triste estreou em Berlim em 16 de outubro de 1912, com Albertine Zehme no papel de Pierrot.

As composições atonais de Pierrot e Schoenberg tiveram um grande impacto na música popular do século XX. Veja Björk, por exemplo, que cantou Pierrot Lunaire durante uma apresentação única no Festival de Verbier de 1996. Pierrot também teve um impacto duradouro em Bowie. Antes de fazer seu nome, o músico estudou mímica e commedia dell'arte sob a tutela da dançarina Lindsay Kemp, fazendo sua estreia teatral em 1967 no Oxford New Theatre. O nome da produção? "Pierrot em Turquesa". Mais tarde, ele retornaria ao papel no vídeo 'Ashes To Ashes', no qual ele cumpre seu papel como o piadista triste.

Via FAR OUT.

Você pode conferir ‘Ashes To Ashes’, de Bowie, no player abaixo.

quarta-feira, 27 de julho de 2022

Por que Grace Slick, do Jefferson Airplane, não aguentou assistir show do Fleetwood Mac?

A história da música rock tem muitos dramas, conflitos, rixas e sangue ruim entre os atos musicais. Alguns deles resolvem após um acordo; outros duram anos. Como resultado, os artistas vão em direções diferentes depois de se encontrarem, fazem declarações desagradáveis durante as entrevistas ou ignoram completamente a presença um do outro em público.

Jefferson Airplane: O que aconteceu com Grace Slick?.

Embora ela não tenha opiniões diretas sobre outros artistas, Grace Slick tem algumas regras sobre tocar ao vivo e produzir rock. Portanto, ela admitiu que não suportava assistir Fleetwood Mac no palco em duas entrevistas separadas em 2015 e 2017. Vamos ver a razão única pela qual Slick não suportava assistir a um show do Fleetwood Mac.

Como Janis Joplin e Grace Slick inspiraram um clássico do Fleetwood Mac.

Grace Slick foi frontwoman do Jefferson Airplane, e trabalhou com a banda entre 1966 e 1972 e em 1989. Depois disso, ela se apresentou com suas bandas sucessoras, Jefferson Starship e Starship. No entanto, Slick decidiu se aposentar em 1989 após a reunião do Jefferson Airplane.

Arquivo Free Four: Grace Slick e a sua obra de arte chamada "Manhole".

De acordo com Slick, o motivo de sua aposentadoria foi o envelhecimento. Em uma entrevista de 1988, ela argumentou que todas as estrelas do rock com mais de 50 anos deveriam se aposentar porque parecem estúpidas. Em 2007, Slick ainda defendeu seu comentário, dizendo que rock e rap são para o público mais jovem, e é bobagem para uma pessoa mais velha tocar rock.

Falando ao Classic Rock em 2015, Grace Slick disse que estava bem ouvindo Fleetwood Mac, desde que não olhasse para eles. Dizendo que não podia assistir a banda, Slick argumentou que eles soavam ótimos quando ela desviou o olhar e imaginou jovens músicos cantando as músicas.

Fleetwood Mac: A música que Stevie Nicks escreveu para "assombrar" Lindsey Buckingham.

Aqui está o que Grace Slick disse ao Classic Rock sobre o Fleetwood Mac:

Eu vi um filme do Fleetwood Mac fazendo algo, e eu estava bem, desde que não olhasse para eles. Eu não conseguia olhar para eles. Eles soaram ótimos, e se eu desviasse o olhar e imaginasse jovens cantando, eu estava bem com isso.

Em uma entrevista de 2017 com a Variety, Grace Slick também falou sobre seus contemporâneos que ainda estavam em turnê. Ela afirmou que gostou de um dos shows de Madonna na TV porque sabia fazer uma produção com seus shows enérgicos e bem fantasiados. Slick novamente disse que não podia ver os shows do Fleetwood Mac porque eles são 'velhos cantando'.

Stevie Nicks e Chris Isaak lançam 'Cotton Candy Land', canção da trilha sonora da cinebiografia 'Elvis'.

Falando à Variety, Grace Slick disse o seguinte sobre seus contemporâneos:

Uma que eu vi na TV que achei bem feita foi Madonna. Eu não gostei dela quando ela apareceu pela primeira vez, mas pensei: 'Cara, alguém sabe como fazer uma produção.' Foi fantástico! Garotos dançando e explosões e merdas foram todos bem encenados e bem fantasiados. Ela não é uma grande cantora, mas é uma boa intérprete e fez um belo trabalho. Eu também vi um programa com Fleetwood Mac. Eles soaram bem, mas eu não consegui olhar porque tem todos esses velhos cantando.

Christine McVie lança sua compilação "Songbird (A Solo Collection)"; ouça.

Agora com 82 anos, Grace Slick defende que músicos com mais de 50 anos deveriam se aposentar. Devido às suas crenças, Slick acha difícil assistir Fleetwood Mac no palco, embora ela goste do som deles. Quanto a outros atos, suas regras se aplicam a qualquer músico de rock ou rap acima de uma certa idade, com o qual muitos roqueiros saudáveis ​​parecem não se importar quando pegam a estrada, independentemente de terem mais de 50 anos.

Via Rockcelebrities.

sexta-feira, 22 de julho de 2022

A rara música do Led Zeppelin que não integra nenhum álbum de estúdio

O Led Zeppelin não era propositalmente uma banda de singles. Durante a maior parte de sua carreira, os ícones do hard rock não lançaram um single em sua terra natal, o Reino Unido. Como seu público americano era exponencialmente maior, os singles eram males necessários, mas o Led Zeppelin se considerava um grupo focado em álbuns ao longo de sua carreira. Nunca houve um momento em que você não pudesse encontrar uma música em um single que já não estivesse em um álbum de estúdio.

Com uma exceção notável. Ao longo de toda a sua carreira, apenas um single lançado pelo Zeppelin apresentou um lado B que nunca chegou a um álbum de estúdio. Isso foi em 1970, quando o grupo lançou ‘Immigrant Song’ como single. A faixa acabou sendo a inicial do que se tornaria o "Led Zeppelin III", e seu lado B era representativo da direção mais acústica que o Zeppelin tomaria no resto deste disco. Curiosamente, a música em si não seria incluída.

Hey, Hey, What Can I Do’ é um passeio quase totalmente não elétrico para o Led Zeppelin. Apresentando Jimny Page nos violões e John Paul Jones no bandolim, o único instrumento plugado na mixagem é o baixo de Jones. John Bonham bate seus ritmos de assinatura enquanto Robert Plant corajosamente canta suas letras influenciadas pelo blues sobre seu parceiro que fica bêbado o tempo todo e não consegue permanecer fiel.

Misturando os clássicos do passado do Zeppelin com a direção mais folk de seu futuro, ‘Hey, Hey, What Can I Do’ seria o complemento perfeito para o "Led Zeppelin III". Mas por alguma razão, a faixa foi deixada de fora do corte final do álbum, fazendo sua aparição no single 'Immigrant Song' sua única aparição no catálogo do Zeppelin por vários anos. Se você estava no Reino Unido e não conseguiu colocar as mãos em uma cópia importada, há uma boa chance de você não ter ideia de que '‘Hey, Hey, What Can I Do’ é um passeio quase totalmente não elétrico para o Led Zeppelin. Apresentando Jimny Page nos violões e John Paul Jones no bandolim, o único instrumento plugado na mixagem é o baixo de Jones. John Bonham bate seus ritmos de assinatura enquanto Robert Plant corajosamente canta suas letras influenciadas pelo blues sobre seu parceiro que fica bêbado o tempo todo e não consegue permanecer fiel.

Misturando os clássicos do passado do Zeppelin com a direção mais folk de seu futuro, ‘Hey, Hey, What Can I Do’ seria o complemento perfeito para o Led Zeppelin III. Mas por alguma razão, a faixa foi deixada de fora do álbum final, fazendo sua aparição no single 'Immigrant Song' sua única aparição no catálogo do Zeppelin por vários anos. Se você estava no Reino Unido e não conseguiu colocar as mãos em uma cópia importada, há uma boa chance de você não ter ideia de que 'Hey, Hey, What Can I Do' existia.

A faixa nunca foi tocada ao vivo pelo Zeppelin durante sua carreira contemporânea, e seu status como um corte profundo foi bom o suficiente para conseguir 'Hey, Hey, What Can I Do' um lugar na coletânea de 1982 Coda. A essa altura, a música tinha mais de uma década antes de fazer sua primeira aparição em um álbum completo. A inclusão da faixa em conjuntos de caixas e compilações subsequentes a tornou mais conhecida pelos fiéis do Zeppelin, mas por vários anos, você poderia estar em um nível de elite do fandom se conhecesse as batidas folk de 'Hey, Hey , ‘Hey, Hey, What Can I Do’ é um passeio quase totalmente não elétrico para o Led Zeppelin. Apresentando Jimny Page nos violões e John Paul Jones no bandolim, o único instrumento plugado na mixagem é o baixo de Jones. John Bonham bate seus ritmos de assinatura enquanto Robert Plant corajosamente canta suas letras influenciadas pelo blues sobre seu parceiro que fica bêbado o tempo todo e não consegue permanecer fiel.

Misturando os clássicos do passado do Zeppelin com a direção mais folk de seu futuro, ‘Hey, Hey, What Can I Do’ seria o complemento perfeito para o Led Zeppelin III. Mas por alguma razão, a faixa foi deixada de fora do álbum final, fazendo sua aparição no single 'Immigrant Song' sua única aparição no catálogo do Zeppelin por vários anos. Se você estava no Reino Unido e não conseguiu colocar as mãos em uma cópia importada, há uma boa chance de você não ter ideia de que 'Hey, Hey, What Can I Do' existia.

A faixa nunca foi tocada ao vivo pelo Zeppelin durante sua carreira contemporânea, e seu status como um corte profundo foi bom o suficiente para conseguir 'Hey, Hey, What Can I Do' um lugar na coletânea de 1982 Coda. A essa altura, a música tinha mais de uma década antes de fazer sua primeira aparição em um álbum completo. A inclusão da faixa em conjuntos de caixas e compilações subsequentes a tornou mais conhecida pelos fiéis do Zeppelin, mas por vários anos, você poderia estar em um nível de elite do fandom se conhecesse as batidas folk de 'Hey, Hey, What Can I Do'.

Via FAR OUT.

Confira a gravação de estúdio de 'Hey, Hey, What Can I Do' no player abaixo.

quinta-feira, 21 de julho de 2022

Cinco personagens incríveis do mundo de Frank Zappa

A mente de Frank Zappa nos confunde. Quem deu à luz essa criatura e o que ela queria com a humanidade? Ele parecia ser um homem perpetuamente em jogo, como um mestre de marionetes demente fazendo o resto de nós pecadores dançar como uma marionete de todas as maneiras. O cerne dessa opacidade artística era uma mente insondável que respirava imaginação como uma floresta tropical de pensamentos distantes.

Eu nunca quis ser esquisito”, Zappa proclamou certa vez, “sempre eram outras pessoas que me chamavam de esquisito”. Algumas dessas outras pessoas eram, presumivelmente, manifestações de sua própria mente, como L. Ron Hoover ou Ms. Pinky, o robô sexual. Esses meta-Ziggy Stardusts são uma medida da abordagem de Zappa para a música – ele teceu em torno de sua própria musa errante e nada mais ou nada menos.

L. Ron Hoover

Zappa não tinha vergonha de dar uma opinião e uma das que ele ofereceu sem nenhuma pitada de ironia foi: “Meu melhor conselho para quem quer criar um filho feliz e mentalmente saudável é: mantenha-o longe de um igreja como puder.” Assim, não é surpresa que ele tenha mirado satiricamente no homem que montou uma igreja à sua imagem, L. Ron Hubbard, o líder da Cientologia.

Zappa coroou sua paródia O líder da “First Church of Appliantology”. Com isso, o estimado Hoover diagnostica músicos sitiados que continuamente perdem sua grande chance. O pobre Joe chega a Hoover em sua hora de necessidade, mas ele chegou via HMS Clownshoe e é condenado pelo diagnóstico de que ele é claramente um “fetichista de aparelhos latentes”. Infelizmente, isso deixa sua doença venérea incapacitante sem diagnóstico, tal é a vida do pobre e velho Joe.

Por uma pequena taxa, o velho sábio Hoover ficaria feliz em ajudá-lo também. No entanto, "… e isso não veio de mim …, mas se você quiser economizar tempo e dinheiro, é melhor tentar lidar com suas perversões de produtos brancos, pois esse será para sempre o diagnóstico desse vigarista."


Ms. Pinky

Ms. Pinky não é um personagem que deveria ter a frase 'presciência assustadora' anexada a ele. Mas não vou ficar folheando para sempre a página nove do jornal e ouvindo sobre outro sujeito solitário que tomou medidas drásticas e se casou com um robô. Ms. Pinky é o dispositivo dos sonhos para essas Eleanor Rigbys do sexo.

Com muitos trocadilhos sobre como eles nunca respondem, Zappa colocou o dedo em um fusível problemático na maneira como vemos o romance. A pobre e velha Sra. Pinky deve ver alguns estados lamentáveis. Este é o conto mais lúgubre de Zappa sobre o atrito da ciência sexual, e é ainda mais pertinente na era do R2ME2 – sempre trate os outros com empatia e respeito, até mesmo criações mecânicas.


Frunobulax

Em meio ao turbilhão de referências a monstros de filmes contidos em 'Cheepnis', há um demônio doentio que poderia atormentar seu sono como Freddie Krueger conhece o companheiro escarnecedor de sonhos Simon Cowell - um grande poodle.

Não se sabe o que esse maldito cachorro parece querer neste mundo, mas você não pode atirar um osso para ele nem lançar uma bomba nuclear para fazê-lo raciocinar. Frunobulax é aparentemente imune a ataques em massa e, no entanto, nunca parece ir além de simplesmente ser um poodle grande na estranha tradição de Zappa. Este cão um pouco grande abre um mundo de ambiguidade, mas talvez a resposta seja que, assim como seu criador, esse grande poodle é na verdade um galgo afegão.


The Idiot Bastard Son

Zappa pode ter sido um cara antidrogas fervoroso (o que ainda é surpreendente até hoje), mas ele não abordou isso sem empatia. Em sua história de um bebê desarrumado criado por maconheiros, há momentos em que o móbile sobre o berço da música brilha com uma terna poesia.

Apesar das circunstâncias terríveis, Zappa decreta que essa criança anteriormente perturbada “prosperará e crescerá, e entrará no mundo dos mentirosos, trapaceiros e pessoas como você”. É certo que não é tão alegre, mas pelo menos quase ninguém se diverte com a fúria de Zappa. E, estranhamente, há algo muito 'Breaking Bad' sobre essa história torta de uma sociedade aleijada.


The Slime

Frank Zappa disse uma vez: “A arte está se aproximando do comercialismo, e os dois nunca se encontrarão”. Sua preocupação, no entanto, não era necessariamente que você pudesse ser simultâneo e artístico, mas que o mainstream estava literalmente se tornando entorpecente. Na verdade, em meio ao dia a dia agitado da vida moderna, precisamos de um pouco de novocaína cerebral do nosso entretenimento nos dias de hoje, mas com The Slime, Zappa ofereceu um presságio de que tudo pode ir longe demais.

Esta substância nefasta caricatural tem permanecido por muito tempo no oposto do éter com a intenção de distorcer as mentes das massas em glóbulos ignorantes de gloop. Às vezes, essa coisa de maldito bastardo se manifesta como um desprezível que leva as coisas embora. O que é esse maldito difamador da decência e o que ele quer? Bem, Zappa oferece este enigma:

Sou grosseiro e pervertido. Estou obcecado e perturbado. Eu existo há anos, mas muito pouco mudou. Eu sou a ferramenta do governo e da indústria também, pois estou destinado a governar e regular você. Posso ser vil e pernicioso, mas você não pode desviar o olhar. Eu faço você pensar que eu sou delicioso, com as coisas que eu digo. Eu sou o melhor que você pode conseguir. Você já me adivinhou?

E a resposta é: eu sou a televisão e estou envenenando você. Mas é um aviso digno de ser gravado no final, Zappa está dizendo: entre no programa e leia um bom livro, não relaxe com os terraplanistas e comece a cheirar cola.

Via FAR OUT.

quinta-feira, 14 de julho de 2022

Fleetwood Mac: A música que Stevie Nicks escreveu para "assombrar" Lindsey Buckingham

Canção ficou de fora do aclamado álbum "Rumours".

O relacionamento de Stevie Nicks e Lindsey Buckingham foi uma montanha-russa que presenteou o mundo com uma música atemporal. Infelizmente, foi uma experiência traumática e marcante para ambas as partes, o que levou Nicks a escrever uma música para “assombrar” Lindsey Buckingham.

Stevie Nicks e Chris Isaak lançam 'Cotton Candy Land', canção da trilha sonora da cinebiografia 'Elvis'.

Os dois se cruzaram pela primeira vez quando eram adolescentes na faculdade e se uniram por causa de seu amor compartilhado pela música. A dupla começou a se apresentar depois que Buckinham a convidou para se juntar ao seu grupo Fritz. Juntos, a banda apoiou artistas como Janis Joplin e Jimi Hendrix antes de passar para novos pastos.

Com novas ambições, a dupla se mudou para Los Angeles e logo se envolveu romanticamente depois de formar a Buckingham & Nicks. “Eu o amava antes de ser milionário. Éramos duas crianças da Menlo-Atherton High School”, disse ela mais tarde em uma entrevista na televisão. “Eu o amava por todas as razões certas. Nós tivemos um ótimo relacionamento no início. Adorei cuidar dele e da casa.

No entanto, esse amor não durou para sempre, e quando chegou a chamada para se juntar ao Fleetwood Mac, eles estavam prestes a se separar. Eles decidiram deixar seus problemas de lado para impulsionar suas carreiras, mas o casal lutou para permanecer na mesma página e não demorou muito para que os problemas surgissem novamente.

Estávamos navegando na onda mais alta. Foi bom por um tempo, até que não foi. No final de 1976, foi quando explodiu”, disse Nicks mais tarde à Billboard. Tudo começou a desmoronar quando eles estavam fazendo sua obra, "Rumours', e o álbum retrata o colapso de suas vidas pessoais.

Uma música que não fez parte do corte final do álbum é 'Silver Springs', que foi substituída no disco por 'I Don't Want To Know', para frustração de Nicks. Na faixa, ela tenta se vingar de Buckingham para assombrar seu ex-namorado. Em 'Silver Springs', Nicks canta: "Eu sei que poderia ter te amado, mas você não me deixou, eu vou te seguir até o som da minha voz te assombrar".

Eu escrevi ‘Silver Springs’ sobre Lindsey. E estávamos em algum lugar em Maryland dirigindo sob uma placa de autoestrada que dizia Silver Springs, Maryland”, ela admitiu uma vez. “E eu adorei o nome... Silver Springs soou como um lugar fabuloso para mim. E ‘Você poderia ser minha fonte de prata’, isso é apenas uma coisa simbólica do que você poderia ter sido para mim.

Enquanto isso, em uma entrevista de 2009 à Rolling Stone, Nicks revelou que queria que Buckinham sofresse a mesma dor que ela. Ela disse: “Fui percebendo que Lindsey ia me assombrar pelo resto da minha vida, e ele tem feito isso”.

A música acabou sendo lançada como o lado B de 'Go Your Own Way', e mesmo que eles não estejam mais se falando, 'Silver Springs' é uma prova concreta do quanto Buckingham significou para Nicks uma vez.

Via FAR OUT.

terça-feira, 12 de julho de 2022

Rolling Stones: os 60 anos do 1º show da banda

A carreira dos Rolling Stones na verdade não começa com ninguém dos Rolling Stones. Em vez disso, começa com um homem chamado Alexis Korner, um fanático por blues cuja banda Blues Incorporated realizou um consistente show de quinta à noite no Marquee Club em Londres durante o início dos anos 1960. Jovens fanáticos por blues de toda a Inglaterra se reuniam para ouvir a banda de Korner tocar e, na maioria das vezes, Korner encorajava alguns dos presentes a pular no palco com a banda.

Alguns desses jovens atendentes foram Mick Jagger, Keith Richards e Brian Jones. O trio de jovens fãs de blues tinha acabado de começar a tocar com o pianista Ian Stewart quando Korner os abordou com uma oferta: Korner estava programado para aparecer no programa Jazz Club da BBC Radio e não poderia fazer um de seus shows semanais de quinta à noite no a Marquesa. A nova banda dos meninos se importaria em substituí-lo?

Houve alguns problemas logo de cara. Primeiro, o grupo ainda nem tinha um nome próprio. Depois de algum brainstorming, um riff em uma música de Muddy Waters (as fontes diferem se era o real 'Rollin' Stone Blues' ou um dos vocais improvisados ​​de Muddy em 'Mannish Boy') deu à banda seu título oficial: The Rollin' Stones.

O outro problema era que a banda não tinha uma formação definitiva. Um artigo de prévia para o show na edição daquela semana do Jazz Weekly anunciou a formação como Jagger, Richards, Jones (sob o nome artístico de Elmo Lewis), Stewart, o futuro guitarrista do Pretty Things, Dick Taylor, e o futuro baterista do Kinks, Mick Avory. Avory negou ter tocado com a banda no primeiro show, alegando que seu amigo Tony Chapman tocou em vez disso, enquanto os próprios membros da banda não conseguiam se lembrar se tocaram com um baterista.

De qualquer forma, o grupo recém-solidificado queria que o baterista da Blues Incorporated, Charlie Watts, se juntasse a eles, mas ele já estava preocupado com o grupo de Korner. Além disso, Watts estava ganhando um bom dinheiro com a Blues Incorporated – levaria mais um ano até que os Rollin’ Stones conseguissem desembolsar dinheiro suficiente para convencer Watts a se juntar a eles.

Um único setlist escrito à mão do show de 12 de julho sobreviveu, embora pareça ser menos um setlist real e mais uma lista de músicas que a banda pode extrair. Nenhum setlist real organizado da noite é conhecido, mas algumas das músicas que a banda tocou incluem 'Kansas City' de Little Richards, 'Bright Lights Big City' de Jimmy Reed e 'Dust My Broom' de Robert Johnson.

O grupo também incluiu 'Confessin' the Blues' de Jay McShann na lista. A faixa seria incluída no segundo EP da banda "Five By Five" lançado em 1964 e mais tarde no segundo LP americano dos Rolling Stones '12 X 5'. A autobiografia de Keith Richards, "Life" também lembra que 'Got My Mojo Working' de Ann Cole foi tocada naquele noite. Várias fontes tentaram reconstruir o setlist exato da noite, mas como nenhuma gravação de áudio da noite sobreviveu ou foi gravada em primeiro plano, é impossível saber exatamente o que a banda tocou naquela noite.

O que sabemos é que os Rollin' Stones causaram uma impressão forte o suficiente para receber um convite de volta. O Marquee Club viria a ser a base da banda nos primeiros dois anos. Taylor não durou muito tempo após o primeiro show da banda, e ele seria substituído por Bill Wyman. Eventualmente, os Rollin' Stones registraram shows suficientes para finalmente fazer Watts se juntar a eles de forma permanente, e não muito tempo depois o empresário Andrew Loog Oldham começaria a empurrar a banda como a alternativa mais suja e perigosa aos Beatles.

Via FAR OUT.

quinta-feira, 7 de julho de 2022

Como Cream e Jimi Hendrix ajudaram a formar o Pink Floyd

Ao discutir bandas de rock psicodélico, Cream, Jimi Hendrix e Pink Floyd são os três nomes mais eminentes que surgem. Enquanto o Floyd começou como uma banda psicodélica na era Syd Barrett antes de seguir uma rota mais progressiva, a posição de Cream e Jimi Hendrix como pioneiros da forma não pode ser questionada.

Pode ser uma surpresa para os fãs de todas as três bandas saber que elas estão realmente muito conectadas, pois Cream e Hendrix tiveram um impacto definidor nos membros do Pink Floyd, inspirando-os a formar a banda e, por procuração, mudar o paisagem musical no processo.

Syd Barrett e Jimi Hendrix!

A informação veio por meio do ex-baixista e frontman do Cream, o eminente Jack Bruce. Precursor de nomes como Geddy Lee, Flea e Geezer Butler, Bruce foi um dos primeiros baixistas do rock. Depois que o Cream implodiu em 1968, ele desfrutou de uma carreira prolífica, explorando a vanguarda e o hard rock, tocando com uma série de heróis, incluindo Rory Gallagher e Ringo Starr's All-Starr Band.

A quantidade de ícones que o citaram como inspiração é vertiginosa. Geezer Butler do Black Sabbath o considera como sua “maior influência e baixista favorito”.

O virtuoso baixista residente do Rush, Geddy Lee, elogiou Bruce no site da banda em 2015, dizendo: “(Ele foi) um dos maiores baixistas de rock de todos os tempos e uma verdadeira e profunda inspiração para inúmeros músicos. Ele foi um dos meus primeiros heróis do baixo e foi uma grande influência no meu jeito de tocar e na minha música.

Demonstrando o grande impacto que teve no Pink Floyd, depois que Bruce faleceu em 2014, o ex-cérebro conceitual e baixista do Pink Floyd, Roger Waters, lamentou que ele fosse “provavelmente o baixista mais talentoso musicalmente que já existiu”.

Sentado com Classic Rock em 2008, Bruce se lembrou de seus primeiros encontros com uma série de lendas dos anos 60, como os companheiros de banda do Cream Ginger Baker e Eric Clapton, bem como George Harrison e Graham Bond. Sem dúvida, o mais fascinante foi sua anedota sobre o primeiro encontro com Jimi Hendrix e como isso levou à formação do Pink Floyd.

Baker lembrou: “Conheci Hendrix quando nós [Cream] fizemos um show no Regents Polytechnic. Coincidentemente, os caras que se tornaram Pink Floyd estavam na plateia, e aparentemente vendo aquele evento os fez se animarem e formarem um grupo. Quando os vi recentemente, eles me disseram isso. Eu sabia que eles estavam lá, mas não sabia que éramos responsáveis ​​por eles ficarem juntos.

Divagando um pouco, ele ponderou sobre as consequências da formação do Pink Floyd: “Se isso é uma coisa boa ou ruim, eu deixo isso para você decidir. Sempre pensei que o Pink Floyd fosse uma banda para pessoas que não gostam de música ou rock'n'roll. Então, de qualquer forma, de volta ao Hendrix.

No entanto, ele continuou: “Estávamos tocando Regents Polytechnic. Eu estava tomando uma cerveja antes do show em um pub do outro lado da rua e apareceu um cara que acabou sendo Jimi Hendrix. Agora, já tínhamos ouvido falar de Jimi na videira. Jimi veio até mim e disse: ‘Oi. Eu gostaria de sentar com a banda.” Eu disse que estava tudo bem para mim, mas ele obviamente teria que checar com Eric e Ginger.

Concluindo esta história notável, Bruce disse: “Então fomos até o show, e Eric imediatamente disse sim e Ginger disse: 'Ah, não sei sobre isso' [risos]. Então ele veio e conectou meu amplificador de baixo, e até onde eu me lembro ele simplesmente nos surpreendeu. Hendrix teve um efeito positivo em todos, especialmente nos guitarristas. Ele veio para as sessões quando nós [Cream] tocamos "White Room" em Nova York e foi muito encorajador sobre a música. Ele veio até mim e disse: 'Uau, eu gostaria de poder escrever algo assim.' Eu disse: 'Jimi, o que você precisa perceber é que eu provavelmente tirei isso de você'”.

Via FAR OUT.

The Beatles: Como tocar bateria como Ringo Starr

Depois de 60 anos nas mentes e corações dos fãs de música em todos os lugares, não é nada controverso chamar Ringo Starr de um dos bateristas mais amados de todos os tempos. Através de uma mistura potente de ritmo contundente, afabilidade pateta, piadas oportunas, performances vocais ocasionalmente e aparições no cinema e na televisão, Ringo Starr é mais do que um baterista, ele é um ícone da cultura pop.

Nascido Richard Starkey em uma das áreas mais pobres de Liverpool, Inglaterra, Starr foi assolado por problemas de saúde que o forçaram a ficar fora da escola até que ele finalmente deixou a educação formal aos 15 anos. Starr encontrou uma fuga através da música, que manteve seu ânimo durante suas longas estadias no hospital. Ele veio em um momento potente quando meados da década de 1950 começou a explodir com uma nova forma de música que mudaria a vida de Starr: o rock and roll.

Construindo seu primeiro kit com tampas de lixo e pedaços de madeira quebrados, Starr passou por grupos de skiffle locais antes de desembarcar com um cantor chamado Al Caldwell em 1959. Não muito tempo depois que ele se juntou, Caldwell mudou seu nome artístico para Rory Storm, e Starr se tornou o baterista dos Hurricanes. Inspirado no novo batizado de Caldwell, Starr adotou oficialmente seu nome artístico, inspirado na cultura cowboy do velho oeste e na infinidade de anéis que adornavam seus dedos.

Quando Rory Storm and the Hurricanes começou a tocar residências em clubes em Hamburgo, na Alemanha, Starr se tornou amigo de outro grupo de Liverpool que estava dando o salto para o rock and roll: os Beatles. A essa altura, Starr havia dominado vários gêneros e estilos, incluindo rock, R&B, samba, swing e country, superando em muito as habilidades do então baterista dos Beatles, Pete Best. Os Beatles restantes tomaram nota, e uma rivalidade amigável logo se transformou em um convite oficial para Starr se juntar à banda em 1962.

O estilo de jogo de Starr foi atípico desde o início: sem treinamento formal, tudo o que ele podia fazer era aprender de ouvido. Ele era canhoto, mas adaptado para jogar em um kit destro. Ele preferia a pegada de partida em vez da pegada tradicional. Não havia ninguém que tocasse como Starr, e ele mesmo se opôs a influências diretas, afirmando que Cozy Cole foi o único disco de bateria que ele comprou. Ringo Starr não teve outra opção a não ser soar como Ringo Starr.

Durante quase toda a carreira dos Beatles, Starr permaneceu leal à empresa de bateria Ludwig. Em 1963, Starr comprou um kit Oyster Pearl Ludwig que se tornaria icônico, completo com uma caixa de 14 polegadas, tom de rack de 12 polegadas, surdo de 14 polegadas e bumbo de 20 polegadas. Essa configuração variaria apenas um pouco no final da carreira dos Beatles. Starr também usou pratos Zildjian principalmente na banda, com tamanhos variando de chimbals de 14 polegadas a pratos de passeio de 20 polegadas.

A única vez que Starr realmente reformulou sua bateria foi para a gravação dos dois últimos álbuns da banda, "Abbey Road" e "Let It Be". Starr pulou para um kit de maple que incluía um tom de rack de 13 polegadas adicional e um prato de colisão adicional. Apesar de ter praticamente a mesma configuração em toda a sua carreira com os Beatles, Starr conseguiu extrair sons extremamente diferentes de seu kit através de diferentes afinações, trocas de armadilhas, mudanças de pratos e uma quantidade saudável de experimentação em estúdio.

Starr faria qualquer coisa para obter o som certo: toalhas de chá foram usadas para abafar a bateria em 'Come Together'. Bongos foram contratados para dar um impulso adicional a 'You're Going to Lose That Girl'. Os tímpanos foram trazidos para dar a 'Every Little Thing' seu toque único. Assim como seus companheiros de banda estavam experimentando novos sons, Ringo também estava.

Depois disso, tudo se resumia à variedade de técnicas que Starr empregaria. Starr usaria um estilo de chimbal que muitas vezes é comparado a lavar janelas, uma espécie de sensação meio reta e meio balançada que você pode ouvir melhor em músicas antigas como 'All My Loving' e 'I Wanna Be Your Man', mas também em faixas posteriores como 'Fixing a Hole' e 'Your Mother Should Know'. Também essencial ao estilo de Ringo é o uso de chamas, batendo um tambor com as duas mãos ao mesmo tempo. Para se encher de chamas, confira 'She Loves You', 'Ticket to Ride', 'Eight Days a Week' e 'Drive My Car'.

A adaptabilidade de Starr tornou-se uma grande necessidade para os Beatles explorarem diferentes gêneros. Starr estava usando batidas inspiradas em samba e rumba já em 'Till There Was You', mas Starr realmente acelerou em 'I Feel Fine', utilizando batidas rápidas de pratos para manter o ritmo da música em movimento. Se ele ficasse preso, Starr não estava acima de simplesmente bater um único tambor repetidamente para manter as músicas no tempo, incluindo 'Good Day Sunshine', 'Good Morning Good Morning' e 'Come Together'.

Starr também não teve medo de usar o kit por tudo que valia. Padrões estranhos podem ser ouvidos em músicas como 'Anna (Go To Him)' e 'In My Life', onde uma batida direta simplesmente não funcionaria. Isso começaria a se transformar em um dos hábitos de bateria mais icônicos de Starr: preenchimentos.

Os preenchimentos de tom que Starr empregou em todo o catálogo dos Beatles são algumas de suas contribuições mais icônicas para toda a música. Seu hábito de pular ao redor do kit, mais uma vez graças ao seu canhoto, torna seus preenchimentos estranhos e um pouco instáveis. Em outras palavras: eles têm personalidade. Basta ouvir alguns de seus maiores sucessos: 'Rain', 'She Said She Said', 'A Day in the Life' e 'The End'.

À medida que a música dos Beatles mudou, também mudou a abordagem de Starr para tocar bateria. O estilo rock and roll pesado logo deu lugar a sons mais psicodélicos, com Starr adotando preenchimentos mais frenéticos para adicionar à mania. Com a música indiana vieram os címbalos ao contrário. Com lamentos lentos vieram embaralhamentos de blues. Com as canções de assassinato do music hall vieram as bigornas. As limitações de apenas tocar “bateria” nunca pareciam segurar Starr, mesmo que ele parecesse fazer tudo parecer incrivelmente fácil.

Essa facilidade também deu origem a um grave equívoco: que Starr não era um baterista muito talentoso. Sua atitude humilde, comportamento pateta e admitida falta de proeza de composição provavelmente contribuíram para essa noção, mas não se engane, Ringo Starr é altamente habilidoso e, talvez mais importante, quase impossível de replicar. Sem falhas, a maioria dos ouvintes podia apenas ouvir o padrão de bateria de Starr e identificar qual música dos Beatles era. Em alguns casos, a execução de Starr seria o aspecto mais interessante da faixa.

Tocar como Ringo Starr é tocar junto com a música como um colaborador igual. “Há um ritmo de vida. Há um ritmo para cada música. Você pode levantar a banda e a banda pode levantar você”, como Starr explicou em sua recente MasterClass sobre Drumming and Creative Collaboration. Mais do que qualquer outro baterista na história, Starr trabalhou duro para servir a música que ele estava tocando. A forma de tocar de Starr vem com muito pouco ego, o que pode ser o maior obstáculo ao tentar replicar seu estilo.

Em última análise, para tocar bateria como Ringo Starr, você só precisa ouvir, deixar fluir, se divertir e tocar alguns preenchimentos ao longo do caminho.

Via FAR OUT.