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segunda-feira, 6 de junho de 2022

Jefferson Airplane: O que aconteceu com Grace Slick?

Grace Slick foi uma figura importante durante os primeiros tempos da propagação do rock psicodélico pela cena musical em meados dos anos 60. Antes de sua aposentadoria, ela se tornou parte de muitas músicas e álbuns impactantes no ato do rock. Ela trabalhou como modelo e escreveu músicas antes de anunciar seu nome para o mundo da música. Slick inicialmente se juntou à banda The Great Society, que abraçou o gênero acid rock em 1965.

Depois que Darby Slick levou o grupo a examinar o gênero psicodélico influenciado pelo raga, eles ganharam mais reconhecimento na cena do rock. A banda gravou várias demos e 'Somebody to Love', que mais tarde seria regravada por Jefferson Airplane. Grace Slick estava nos vocais, guitarra e piano nesta faixa. Após a saída de Signe Toly Anderson do Jefferson Airplane em 1966, Grace se juntou à banda porque queria levar sua carreira musical a um ponto mais profissional.

A participação de Grace Slick no Jefferson Airplane.


O Jefferson Airplane tomou um novo caminho abraçando o estilo folk-rock com a entrada de Grace Slick na banda. Eles se tornaram a primeira banda a alcançar sucesso comercial em todo o mundo da Bay Area com várias músicas de sucesso. O álbum de 1967 do grupo, intitulado 'Surrealistic Pillow', trouxe-lhes um enorme reconhecimento por serem considerados as obras únicas do rock psicodélico inicial dos anos 60.

'White Rabbit' e 'Somebody To Love' deste álbum impactaram a cena do rock e levaram a banda a um lugar notável no mundo da música. Grace Slick tinha escrito e tocado ambas as faixas quando estava na The Great Society. Ela cantou essas duas músicas em um estilo diferente no álbum de Jefferson Airplane do que ela havia feito com o The Great Society. As músicas se tornaram hits e associadas ao Jefferson Airplane desde o seu lançamento.

Quando Grace se concentrou em sua carreira solo nos anos 70, ela lançou vários álbuns como 'Manhole', 'Dreams' e 'Software'. E embora o Jefferson Airplane tenha se reunido em 1989, ela decidiu se aposentar da indústria da música no mesmo período.

A razão pela qual Grace Slick encerrou sua carreira musical.


Além do alcoolismo e do uso de substâncias que afetaram sua carreira, a musicista se sentia distante do mundo do rock. De acordo com Grace Slick, como ela estava envelhecendo e não tendo problemas com o envelhecimento, ela decidiu que era melhor se aposentar. Durante a entrevista ao VH1 para o documentário Jefferson Airplane sobre sua aposentadoria da indústria da música, ela explicou que se retirar da cena do rock and roll depois dos 50 anos foi a decisão lógica.

Grace Slick disse em suas palavras:

Todos os roqueiros com mais de 50 anos parecem estúpidos e deveriam se aposentar.

Mais tarde, em uma entrevista de 2007, ela afirmou que o rock and roll era para os jovens que queriam expressar sua raiva. Ao ver o gênero por esse ponto de vista, a cantora decidiu que era melhor se aposentar do que fazer algo que não achava relevante.

Slick explicou:

Você pode tocar jazz, música clássica, blues, ópera, country até os 150 anos, mas rap e rock and roll são uma maneira dos jovens descarregarem essa raiva. É tolice tocar uma música que não tem relevância para o presente ou expressa sentimentos que você não tem mais.

Após sua aposentadoria, Slick começou a pintar e desenhar e exibiu suas obras em 2000. Ela enfrentou vários problemas de saúde e passou por cirurgias. Mais tarde, a cantora entrou em coma e depois reaprendeu a andar. Sua aparição mais recente foi no Grammy Lifetime Achievement Awards em 2016.

Via rock celebrities.

sexta-feira, 20 de maio de 2022

“Todos queremos deixar uma marca no planeta”: a história épica do nascimento do Metal Sinfônico

Faz 25 anos desde que Within Temptation e Nightwish inauguraram uma era de vocais operísticos, grandes refrões e vestidos ainda maiores.

Tuomas Holopainen teve a ideia de formar o Nightwish enquanto cumpria seu serviço nacional no exército finlandês. Seu plano era criar uma banda acústica para fazer “música de fogueira”. Felizmente para o metal, ele logo percebeu que uma vida cantando Kumbaya era uma péssima ideia. Ainda mais felizmente, seu serviço foi gasto na banda militar, tocando clarinete e saxofone, em vez de realizar treinamento intensivo de armas ou fazer manobras.

Eu não tive que brincar com armas ou qualquer dessas bobagens”, diz ele. “Havia muito tempo livre durante a noite, então consegui permissão para ir à sala de ensaio e tocar piano e teclado. Durante esses meses, compus todas as músicas para o debut.

O metal sinfônico era apenas uma agitação de cordas no início dos anos 90. Claro, o metal flertava com a música clássica – o Black Sabbath usou cordas e piano em "Changes" (1972), enquanto artistas como Paradise Lost, My Dying Bride e Celtic Frost encontraram maneiras de usar instrumentos orquestrais em metal extremo. Mas além de bandas como Therion e Emperor, que começaram a incorporar sons sinfônicos mais diretamente, a relação não havia sido formalizada.

Então veio 1997, e os álbuns de estreia do Nightwish e Within Temptation. Separados por mais de 2.600 milhas, Nightwish e Within Temptation não tinham como saber o que o outro estava fazendo. No entanto, eles compartilhavam traços comuns. Ambos escreveram letras fantásticas que se basearam em uma sensação de escapismo. Ambos tinham um talento para o dramático, usando elementos sinfônicos para sustentar seu som épico. E ambos tinham uma dupla principal de compositores masculinos/femininos que compartilhavam deveres de canto, com os vocais femininos operísticos no centro de seu som.

Ficou claro desde o início que [o Nightwish] precisava ter uma cantora”, diz Tuomas. “Eu era um grande fã de bandas como The Gathering e Theatre Of Tragedy, The Third And The Mortal e Therion. O álbum deles ["Lepaca Kliffoth" de 1994] pode ser o primeiro álbum de metal sinfônico de todos os tempos.

Tuomas Holopainen: "quando o Nightwish entregar tudo que puder, eu desisto".

Da mesma forma, Robert Westerholt, do Within Temptation, sente que Sharon den Adel foi a chave para transformar a música que ele havia escrito inicialmente para sua banda de death metal, "The Circle", no álbum de estreia do WT, Enter. “Por mais rudimentar que fosse, fazer demos para nossas primeiras músicas reais e ter Sharon em todas as músicas era como se tudo se encaixasse”, diz ele.

Ambas as bandas tinham um longo caminho a percorrer primeiro. Embora Tuomas já tivesse escrito grande parte do material para seu álbum de estreia, "Angels Fall First", enquanto estava no exército, ele ainda precisava de uma banda para tocá-lo. Ele recrutou o amigo de infância Emppu Vuorinen na guitarra, e juntos a dupla se aproximou de outra amiga, Tarja Turunen, para preencher a vaga de vocalista.

Acabamos de caminhar até a casa de nossa antiga amiga de escola, Tarja, batemos na porta e perguntamos se ela poderia cantar para essa coisinha chamada Nightwish”, lembra Tuomas. “Ela era apenas uma garota do campo, da mesma forma que nós éramos apenas garotos do campo, realmente ingênuos e cheios de vida.

Os meninos já tinham ouvido Tarja cantando na escola, onde ela muitas vezes imitava seu ícone, Whitney Houston. Mas quando ela se juntou ao Nightwish, ela passou por um treinamento clássico, transformando drasticamente sua voz. A primeira vez que a ouviram, ficaram maravilhados. “Não esperávamos que fosse tão operístico, tão… lírico”, diz Tuomas. "Pensamos: 'Isso é algo realmente único.'"


Abandonando o experimento acústico depois de experimentar três músicas (“foi meio chato”), eles foram ao estúdio para gravar uma demo. “Todo mundo estava tão chapado e tão livre”, lembra Tuomas. “[Embora] Jukka [Nevalainen, bateria] quebrou a perna ao descer da sala de gravação, então todos os bumbos da última música são feitos com um teclado!

Essa demo acabou na gravadora Spinefarm, que respondeu com entusiasmo e a lançou como "Angels Fall First", sem nenhuma regravação. Por mais emocionante que tenha sido, o endereço dos pais de Tuomas da cópia demo foi acidentalmente impresso na capa, o que levou a alguns encontros interessantes com os fãs. “Havia uma garota da Rússia que chegou à porta dos meus pais com duas malas enormes e disse: ‘Eu vendi tudo na minha vida. Vou vir aqui, casar com seu filho e morar com você agora'”, lembra. “Foi tão desconcertante, nem foi assustador! Resolvemos as coisas, mas coitadinha!"

Ao mesmo tempo em que Tuomas estava criando o Nightwish, as futuras estrelas sinfônicas do Within Temptation estavam começando na Holanda, após a separação de Robert Westerholt do The Circle. Formado em 1992 por Robert e alguns colegas de escola (incluindo o futuro tecladista do Within Temptation, Martijn Spierenburg), o The Circle começou a vida como uma banda de death metal, mas logo evoluiu.

Os altos dias do death metal estavam acabando”, diz Robert. “Você podia ver claramente nos últimos dias desse movimento as pessoas estavam procurando por mais melodia. Com bandas como Napalm Death e Carcass, os extremos foram explorados, então as pessoas estavam olhando para groove e melodia. Para mim, antes de descobrir o metal, eu gostava muito de música sinfônica: Pink Floyd, Marillion, Sisters Of Mercy, The Cure…”

Eles também começaram a receber dicas de bandas como My Dying Bride, The Gathering e Therion, mas problemas com a vocalista Carmen van der Ploeg causaram rachaduras na banda. Felizmente, Sharon den Adel estava pronta para atacar e salvar o dia.


Robert já estava no The Circle quando o conheci, mas contei a ele sobre a banda da escola e ele se juntou a ela também”, explica Sharon. “Ele gostou muito do meu canto e acabamos namorando. Um dia ele perguntou se eu cantaria para o The Circle porque o cantor deles não tinha aparecido muitas vezes, e eu fiquei tipo, 'Claro' - eu já estava praticando! Eu amei a música que eles estavam tocando.

The Circle se separou em 1995, e no ano seguinte Robert formou uma nova banda com Sharon nos vocais. As músicas que ele havia escrito para o The Circle formaram a base para o álbum de estreia do Within Temptation, "Enter", gravado no início de 1997. Ele se inspirou no lançamento de 1991 do Paradise Lost, que definiu o gênero Gothic, bem como influências mais esotéricas, como o grupo folk celta Clannad, combinando elementos de doom, gótico e folk com pop e cinema. Sharon cita o Drácula de Tori Amos e Bram Stoker como inspirações, enquanto Robert diz que “não havia regras”.

Não era como se houvesse uma cena para ajudar a construir o gênero naquele ponto”, explica ele. “No death metal as pessoas trocavam demos e fitas, então havia alguma conexão. Metal sinfônico ainda não havia evoluído, então você estava apenas fazendo suas próprias coisas.


"Enter" foi lançado em abril de 1997, seguido por "Angels Fall First" em novembro. Eles não incendiaram o mundo imediatamente, embora "Angels Fall First" chegasse ao número 31 nas paradas finlandesas em 1998. Primeiro, as pessoas tiveram que se acostumar com esse novo gênero de música.

Quando começamos a tocar com o Within Temptation, ninguém sabia onde nos colocar porque éramos melódicos, mas também tínhamos as vozes rosnantes e um som sombrio”, diz Sharon. “Nós éramos estranhos para o metal, mas também muito estranhos para o mainstream porque éramos muito sombrios. Era algo que eles nunca tinham visto antes, uma garota de vestido tocando com esse tipo de banda. Nós amamos isto!"

Eles não estavam sozinhos. Eles logo estavam tocando para multidões crescentes em sua Holanda natal e, para sua quarta apresentação, foram convidados a tocar no Dynamo ao lado de artistas de mente igualmente grandiosa, incluindo Therion e Dimmu Borgir. “Foi o maior festival de metal da Europa”, diz Sharon. “Não estávamos nem de longe tão visuais quanto somos agora. Lembro-me de ter ido a uma loja de casamentos e comprado todos esses vestidos que estavam em promoção, mas a gente nem tinha pano de fundo naquela época. Nós tínhamos flores da lua, no entanto!

O Nightwish demorou a fazer sua estreia ao vivo, tocando na véspera de Ano Novo de 1997, para 400 pessoas. “Lembro-me de vomitar antes do show porque estava com muito medo”, lembra Tuomas. Mas em poucos meses eles estavam tocando com seus colegas finlandeses Children Of Bodom. “Havia algumas bandas finlandesas surgindo ao mesmo tempo, pela primeira vez”, diz ele. “Stratovarius, Sonata Arctica, Children Of Bodom, HIM… Não havia nada acontecendo por décadas e então, de repente, em dois anos, todas essas bandas arrebentaram muito no exterior. Foi bom surfar naquela onda.

Em um gênero dominado por homens, Sharon e Tarja se tornaram modelos para mulheres e meninas que aspiravam a cantar em uma banda. “Eu não tocaria música se não fosse por eles”, diz a vocalista do Svalbard, Serena Cherry. “Tarja foi uma das primeiras mulheres que vi se apresentar no palco, no [festival alemão] Wacken. Você nunca pode subestimar esse poder de representação. Eu passei o dia todo assistindo caras se apresentando no palco, então de repente você tem essa presença incrível e essa voz alta; vendo isso como uma mulher na multidão, isso me fez pensar: 'Ei, talvez eu possa fazer isso também.' Todo o movimento do metal sinfônico - Nightwish, Within Temptation, After Forever, Epica... na frente do palco como cantoras e artistas válidas no metal.


Isso é realmente emocionante. Realmente é, ouvir esses tipos de comentários”, diz Tuomas em resposta. “Todos nós queremos deixar uma marca neste planeta, alcançar algo com nossas vidas e o que fizemos, então ouvir as pessoas dizerem algo assim traz lágrimas aos meus olhos.

Nightwish e Within Temptation podem não ter inventado o metal sinfônico, mas certamente o definiram, a imagem de espartilhos para sempre entrelaçados com teclas e cordas graças à sua influência. Vinte e cinco anos desde suas estreias, ambas as bandas estão mais fortes do que nunca. Cada um deles alcançou uma série de lançamentos no topo das paradas, tocou para multidões do tamanho de uma arena e continuou a impulsionar o gênero. Ainda hoje, Tuomas ainda tem um fraquinho pela abertura do "Angels Fall First", "Elvenpath", com sua letra: 'Home gnome me disse para manter a sauna quente para ele'. ele sorri. “Mas naqueles dias, estava em um nível diferente e exposto! Não há nada de que me envergonhe nesse álbum. Quando ouço as músicas, elas colocam um grande sorriso no meu rosto.

Enquanto isso, Sharon se orgulha de ter influenciado uma nova geração de bandas. “Acho tão legal, especialmente ouvindo que tantas garotas se inspiraram”, diz ela. “Acho bonito que havia uma nova onda de mulheres vindo para a mesa e tomando seus lugares. Eu gosto de desenvolvimento, e acho que se pudermos ajudar outras bandas a conseguir um lugar, isso é muito legal.

Via METAL HAMMER 361.

quinta-feira, 19 de maio de 2022

Como Frank Zappa influenciou o melhor solo de guitarra da carreira de David Bowie

A faixa começa com a maior letra de abertura do rock de todos os tempos: "I'm an alligator", David Bowie grita como um budista quebrando um antigo voto de silêncio porque a epifania de como tornar este mundo um reino mais etéreo de libertação finalmente o acertou na cabeça, e envolve rock 'n' roll. "Eu sou uma mamãe-papai vindo para você!", ele passa a decretar com a mão estendida para um milhão de jovens cujos crânios estavam girando com uma sensação de admiração por essa aberração espacial andrógina aparentemente anunciando o futuro.

Só Bowie teria a ousadia de começar uma música com um verso que bate como um beijo inesperado. É tão empolgante quanto possível, e é definido como 'Moonage Daydream' com uma sensação de originalidade absoluta. É uma introdução apropriadamente bombástica ao universo de Ziggy Stardust, mas não importa o quão singular possa parecer, tem um punhado de William S. Burroughs na mistura.

O mesmo pode ser dito do individualismo bizarro de Frank Zappa. Ele pode parecer um único na superfície, e de fato ele era de certa forma, mas a razão pela qual ele era tão singular era por causa de como ele espalhava liberalmente sua produção com o turbilhão de influência e inspiração que veio antes dele.

Como os chefs com estrelas Michelin, Bowie e Zappa não tiveram que manter suas receitas em segredo, assim, eles o receberam no mundo de suas influências selvagens, sabendo muito bem que você não poderia pegar a mesma mistura e fazer em casa. Afinal, quem chegou remotamente perto de ser como qualquer um deles desde o momento em que chegaram?

Assim, talvez não seja surpresa que Bowie tenha um olho afiado no trabalho de Zappa, principalmente quando se trata de solos de guitarra. “Freak out… far out…” é o epíteto que Bowie usa para animar o solo, e também são quatro palavras que podem ser usadas para definir todo o catálogo de Zappa.

Ao discutir o trabalho de Mick Ronson em 'Moonage Daydream', Bowie declarou: "Tinha tanta integridade. Você acreditava que cada nota havia sido arrancada de sua alma." A desolação da alma veio com um pouco de coçar a cabeça também, enquanto Ronson tentava descobrir exatamente o que Bowie queria dele.

Assim, Bowie recorreu à técnica Zappa para ajudar a garantir que os contornos musicais dos solos de guitarra se alinhassem com seu caleidoscópio musical. “Eu também desenhava literalmente no papel com um giz de cera ou caneta hidrográfica no formato de um solo. O de 'Moonage Daydream', por exemplo, começou como uma linha plana que se tornou uma forma de megafone e terminou como sprays de linhas dissociadas e quebradas."

Explicando no encarte do CD duplo do 30º aniversário, Bowie continua: “Li em algum lugar que Frank Zappa usava uma série de símbolos desenhados para explicar a seus músicos como ele queria que a forma de uma composição soasse. Mick poderia pegar algo assim e realmente tocá-lo, trazê-lo à vida.

Com essa técnica de taquigrafia, Bowie conseguiu transmitir algo em que Zappa era tão adepto com seus próprios músicos, ele conseguiu criar um som que desafiava a complexidade musicológica por trás dele, como se as notas estivessem sendo puxadas para fora do éter por um ímã sônico.

O solo de Ronson é um choque elétrico entregue com a facilidade do canto dos pássaros, e é apenas um dos momentos mais mágicos da guitarra livre já composta. Livre de qualquer egoísmo do tipo “veja o que posso fazer”, triunfa com uma pura explosão de exultação que enviou uma geração para longe, de fato.

Via FAR OUT.

segunda-feira, 18 de abril de 2022

Pink Floyd: Nick Mason explica porque David Gilmour e Roger Waters ainda estão brigando

O baterista Nick Mason está à frente de sua Saucerful of Secrets ao lado dos companheiros de banda Guy Pratt e Gary Kemp, que tecnicamente estão cantando no lugar dos músicos do Pink Floyd Roger Waters e David Gilmour. Gilmour se juntou ao Pink Floyd em 1968, parcialmente para reforçar Syd Barrett, que estava se tornando menos confiável como músico, mas acabou se tornando co-líder da banda. Waters escreveu a maior parte do material da banda, mas frequentemente recorria a Gilmour para cantar em seu lugar. Dependendo da sua persuasão, um era melhor que o outro, regularmente com vista para o baterista que impregnava os espaços arejados entre os dois músicos da frente.

Waters e Gilmour mal se falam nos dias de hoje, o que é perturbador ver depois de um período tão longo. Juntos, a dupla criou um tremendo corpo de trabalho que era partes iguais de intelecto e trabalho densamente calibrado, e é por isso que é uma pena ainda maior que eles não possam desistir de suas diferenças. É por isso que Saucerful of Secrets de Nick Mason é a saída perfeita para o percussionista, porque permite que ele mostre sua importância para a banda, sem colocar o chapéu em qual dos dois compositores está certo. Mason recentemente colaborou com Gilmour em um novo single do Pink Floyd, mas isso foi feito para um esforço de caridade. Ele diz que Waters e Gilmour nunca mais trabalharão juntos.

Pink Floyd se reúne para apoiar a Ucrânia: "Este é um ataque louco e injusto".

É uma coisa muito estranha na minha opinião”, disse Mason à Rolling Stone. “Mas acho que o problema é que Roger realmente não respeita David. Ele sente que escrever é tudo, e que tocar guitarra e cantar são coisas que, não direi que qualquer um pode fazer, mas que tudo deve ser julgado pela escrita e não pela forma de tocar.

O baterista tem direito à sua opinião, e ele faz questão de que o baixista deva ser julgado por suas proezas líricas sobre suas falhas de caráter, mas não posso deixar de sentir que a banda seria melhor deixar suas diferenças de lado para o mundo como um todo. O mundo precisa de sua música e, ao contrário dos Beatles, há membros sobreviventes suficientes para levar a órbita para o futuro. Do jeito que está, o Pink Floyd pode continuar sob Gilmour e Mason, mas realmente não parece real. Onde poderia ser melhor é em seu pessoal, porque por mais admirável que Pratt seja, nem ele consegue desencadear a emoção de assistir Waters no palco com os outros dois.

Pink Floyd: Roger Waters se manifesta sobre a invasão da Ucrânia pela Rússia.

Mas, novamente, Waters foi culpado de subestimar a importância dos outros membros da banda, e ele certamente zombou de seus esforços em entrevistas. "A Momentary Lapse of Reason" foi irregular, mas "The Division Bell" foi um álbum de grande empolgação, contenção, ambição e adulação para competir com o melhor da banda, com ou sem Waters. Mason sentiu que o baixista subestimou os esforços combinados da banda original, que incluía o tecladista Richard Wright.

Acho que o Roger cometeu um tipo de erro ao deixar a banda assumindo que sem ele a banda desistiria”, diz Mason. “É uma irritação constante, realmente, que ele ainda esteja se voltando para isso. Estou hesitante em ficar muito preso a isto, só porque é entre os dois e não eu. Na verdade, eu me dou bem com os dois, e acho realmente decepcionante que esses cavalheiros bastante idosos ainda estejam em desacordo”.

Mason não precisa se preocupar: sua apresentação em Dublin recentemente mostrou o baterista em um tremendo físico e equilíbrio, enquanto ele executava habilmente os preenchimentos de bateria que mantinham os fãs do Floyd interessados ​​na trajetória da banda muito tempo depois que Barrett deixou sua órbita.

Via FAR OUT.

Confira a Saucerful of Secrets, de Nick Mason, no player abaixo.

segunda-feira, 11 de abril de 2022

Jethro Tull: Ian Anderson culpa Eric Clapton por tocar flauta

Ian Anderson é o lendário vocalista do Jethro Tull. Seu álbum conceitual de 1972, "Thick as a Brick", e sua sequência de 2012, "Thick as a Brick 2", seguiram o personagem fictício Gerald Bostock. No início da entrevista, antes de entrar no assunto "Thick As A Brick 1 e 2" Anderson contou à Fox 411 (em 2012) sobre como a flauta entrou na sua vida.

FOX 411: Ok, conte-nos como surgiu a flauta.

"Ian Anderson: Eu, como a maioria dos adolescentes crescendo na época em que cresci, e imagino que seja praticamente a mesma coisa hoje, a guitarra é seu instrumento de escolha. Você conhece a guitarra, a Fender Strat, a Gibson Les Paul, essa é a F-18, você é um piloto de caça, você é um guitarrista. Um cara tocando bateria na parte de trás ou tocando baixo, você sabe, não, guitarra, guitarra solo. Isso sempre parecia ser a coisa atrevida e sexy a se fazer. Havia apenas um pequeno problema que eu tinha quando era adolescente começando a tocar, um pequeno problema, chamado Eric Clapton.

Quando o ouvi tocar pela primeira vez, pensei: não vou ser tão bom assim. Vai ser um passo longe demais para mim. Eu podia tocar solos e improvisar um pouco, mas simplesmente não tinha aquela fluidez e aquela sensação maravilhosa de facilidade rítmica que Clapton tinha e ainda tem.

Então eu pensei bem, o que mais há para fazer? Talvez a coisa seja ser um peixe grande em uma piscina muito pequena, instrumentalmente falando, e encontrar algo que não seja o instrumento cotidiano da banda de rock ou da banda de blues. Por nenhuma razão particularmente boa a flauta se anunciou reluzente na parede de uma loja de música, e como um "me compre" eu tinha que ter essa joia de prata brilhante, e eu não consegui tirar uma nota da maldita coisa porque provavelmente por boa parte de nove meses, mas de repente veio uma nota. Pensei nisso como soprar em uma garrafa, sobre o gargalo de uma garrafa, e fazer barulho.

E de repente eu entendi. E uma vez que consegui uma nota, consegui duas, e pude descobrir a ergonomia de tocar flauta. Eu nunca tive uma aula, eu não tinha um livro de instruções que dizia que é aqui que você coloca os dedos, você meio que descobre.

Ocasionalmente aparecia em algumas músicas pop como um instrumento decorativo, mas sendo um guitarrista eu queria dar-lhe mais autoridade e uma qualidade um pouco mais marcante, torná-la igual à guitarra que eu agora não tocava mais. Então, embora eu não fosse o melhor flautista da cidade, eu era provavelmente o mais barulhento."

Via Fox News.

Pink Floyd: Como David Gilmour se sente ao cantar as músicas de Roger Waters

Olhando para a história do rock, fica evidente que conflitos internos, divergências e diferenças são inevitáveis quando um grupo de pessoas se reúne para formar uma banda. Problemas como direções criativas individuais, prioridades diferentes, conflito de egos ou outras questões pessoais são comuns que os membros da banda enfrentam ao longo de suas carreiras.

Pink Floyd se reúne para apoiar a Ucrânia: "Este é um ataque louco e injusto".

Às vezes eles aceitam essas diferenças e tentam seguir seu caminho de qualquer maneira, mas também resulta em uma divisão permanente em alguns casos. Infelizmente, o famoso conflito entre David Gilmour e Roger Waters, do Pink Floyd, acabou com a saída deste último da banda. A rixa viciosa entre eles não parece se resolver em breve, o que entristece profundamente milhões de fãs do Pink Floyd.


As tensões dentro da banda aumentaram, especialmente durante o processo de criação de seu álbum de 1983, 'The Final Cut'. Roger Waters escreveu todas as letras e músicas para o álbum, mas David Gilmour pediu-lhe mais tempo para escrever material novo, rejeitado por Waters. Provavelmente foi a gota d'água, mas o conflito entre eles já havia se manifestado muito antes.

Consequentemente, essas diferenças criativas de longo prazo levaram Roger Waters a se separar da banda em 1985. Mais tarde, ele até começou uma batalha legal sobre o nome e o material da banda. Os dois lados chegaram a um acordo em 1987 e seguiram seus caminhos. Waters é considerado o gênio criativo por trás do Pink Floyd por muitos, pois escreveu a maior parte do material. Após sua partida, David Gilmour cantou as músicas de Waters e uma vez, se abriu sobre isso.

O que David Gilmour disse sobre cantar músicas escritas por Roger Waters?

David Gilmour deu uma entrevista em 2006, na qual refletiu sobre o processo de criação do terceiro álbum ao vivo da banda, 'Pulse', lançado em 29 de maio de 1995. O álbum é baseado na parte européia da 'Division Bell Tour' da banda. em 1994. Na verdade, eles não tinham intenção de gravar um álbum ao vivo, mas tocar 'The Dark Side of the Moon' mudou completamente de ideia e os convenceu a fazer um álbum ao vivo.

Durante a entrevista, Gilmour foi perguntado se ele se sentia confortável cantando as músicas de Roger Waters. Ele respondeu dizendo que se sentia à vontade e perguntou ao entrevistador por que havia feito tal pergunta. Em seguida, o entrevistador relembrou a briga entre ele e Waters e disse que ele pode se sentir desconfortável devido a todos esses conflitos que vivenciaram.

O ícone do Pink Floyd explicou que havia apenas três músicas de Roger Waters no disco, e ele cantou apenas as duas. Ele enfatizou que a maior parte do material do álbum foi escrita pelo resto da banda, então não havia razão para ele se sentir desconfortável. Ele ainda creditou Waters por escrever algumas das músicas, mas destacou que é um disco do Pink Floyd no final, então ele e os outros membros da banda se sentiram confortáveis durante a apresentação.

O entrevistador perguntou:

Você se sentiu confortável com essas músicas?

David Gilmour respondeu:

Sim, eu me senti absolutamente confortável em fazê-las. Por que você pergunta?"

Mais uma vez, o entrevistador disse:

Parcialmente porque, obviamente, no vídeo real, você generosamente presta homenagem por escrever músicas, e há uma suposição de que você pode se sentir desconfortável cantando as músicas de Roger”.

Segue a resposta de Gilmour:

Há três músicas de Rogers que são exclusivamente músicas de Roger nesse disco. Acho que há duas músicas que ele cantou originalmente. Então, eu nunca me senti remotamente desconfortável cantando as músicas que cantei em primeiro lugar. Claro, muitas das músicas foram escritas pelo resto de nós. Então eu acho que foi correto dar a ele o devido crédito por escrever as palavras, mas é um disco do Pink Floyd, e todos nós nos sentimos muito confortáveis em fazê-lo.

Via Rock Celebrities.

Você pode assistir a entrevista completa abaixo.

quarta-feira, 6 de abril de 2022

A canção dos Rolling Stones inspirada em 'Hey Jude' dos Beatles

Os Beatles e os Rolling Stones tinham uma amizade e uma "rivalidade" que definiram os anos 1960. Enquanto eles inicialmente se padronizaram na era do terno e gravata dos Beatles, os Stones acabaram se transformando nos anti-Beatles: sem gravatas, cabelos desgrenhados, blues crus e uma percepção pública volátil. Enquanto os Beatles eram amados por todos, havia uma sensação palpável de perigo e vantagem que seguia os Stones.

Ainda assim, qualquer rivalidade amarga entre as duas bandas era puramente comercial. Os membros de cada grupo eram conhecidos por frequentar clubes e festas ao redor da cena londrina e, em 1963, John Lennon e Paul McCartney deram a música 'I Wanna Be Your Man' aos Stones para que eles gravassem. Brian Jones participou da gravação de 'Yellow Submarine', enquanto Mick Jagger e Keith Richards fizeram backing vocals em 'All Your Need is Love', com os Stones rapidamente retribuindo o favor ao ter Lennon e McCartney com o backing em 'We Love You' .

Em 1969, os Beatles e os Stones estabeleceram seus próprios sons exclusivos. Ao mesmo tempo, ambas as bandas estavam mais do que dispostas a incorporar novas tecnologias, sons adicionais e amplas influências em sua música, incluindo psicodelia, music hall e pop orquestral. Os Beatles já eram grandes na orquestração, graças à assistência do produtor George Martin, mas os Stones também tinham muitas faixas de apoio orquestrais, principalmente nas músicas 'She's a Rainbow' e 'Have You Seen Your Mother Baby Standing in the Shadows' '.

Mas quando os Beatles utilizaram uma orquestra completa no épico de oito minutos 'Hey Jude', foi quando Mick Jagger realmente notou. "Gostei da maneira como os Beatles fizeram isso com 'Hey Jude'", disse Jagger em 1969. "A orquestra não era apenas para encobrir tudo, era algo extra. Podemos fazer algo assim no próximo álbum.” Os Stones estavam no estúdio criando "Let It Bleed" na época, e a influência foi mais claramente ouvida em 'You Can't Always Get What You Want'.

Com trompas e acompanhamento de coral do London Bach Choir, 'You Can't Always Get What You Want' não chegou a incorporar a orquestra completa de 36 peças que 'Hey Jude' tinha, mas as conexões entre as duas músicas e suas grandeza arrebatadora é clara. Mesmo que sua rivalidade criativa estivesse apenas esquentando, os Stones logo se viram sem um grande oponente: menos de quatro meses após o lançamento de "Let It Bleed", os Beatles se separaram oficialmente.

Via FAR OUT.

Confira o áudio de 'You Can't Always Get What You Want' no player abaixo.

sexta-feira, 1 de abril de 2022

Quando Bruce Willis fez um cover da música 'Lust for Life', de Iggy Pop

2003 foi um ano muito bom para o cinema. Ele viu o lançamento do filme final da trilogia "O Senhor dos Anéis" de Peter Jackson, "Big Fish" de Tim Burton, "Cold Mountain", "Love Really", "Holes", "Mystic River", "Dogville", "The Last Samurai", "Lost In Translation", "Freaky Friday" (não mexa com o Lohan), e o mais memorável de tudo, "The Rugrats Go Wild". Embora a versão cinematográfica do desenho animado do garoto amado possa não ter ganhado nenhum prêmio por abrir novos caminhos cinematográficos ou tocar em assuntos tabus, apresentou Bruce Willis fazendo um cover da faixa de 1977 de Iggy Pop 'Lust For Life', que na minha opinião é Digno de Oscar por si só.

'Lust for Life' foi uma escolha interessante para uma brincadeira de família alegre estrelada por Nigel Thornberry. A faixa, cujo título é tirado do romance biográfico de Irving Stone de 1934 sobre o pintor holandês Vincent Van Gogh, foca na vida corajosa de Iggy Pop como viciado em heroína. Com referências a tudo, desde strip-teases e drogas até galinhas hipnotizantes, não é de admirar que os criadores de "The Rugrats Go Wild" tenham decidido mudar as letras um pouco.

Em vez de se referir aos feitos sombrios e decadentes de Pop, Bruce Willis, sim, o mesmo homem que mata terroristas em "Die Hard", canta: “Yeah, I’m worth a million in chew toys / Yeah I’m through sleeping in the / Dog pound- no more licking my woo!”. O que, em nome de Deus, um cortejo é, eu não sei, mas parece nojento. A interpretação é surpreendentemente boa. Os vocais de Willis têm a quantidade certa de garra e sotaque, e a faixa de apoio também está no ponto certo.

De longe o hit mais famoso de Iggy Pop, “Lust For Life” foi co-escrito por David Bowie em, de todas as coisas, um ukulele. De acordo com a lenda, foi inspirado no tema de abertura do American Forces Network News, que a dupla ouvia com frequência durante sua estadia em Berlim, uma cidade que deveria servir como uma forma de reabilitação, mas, como Bowie confessou mais tarde, na verdade acabou sendo “a capital mundial da heroína”.

Falando à Q Magazine em 2013, Pop relembrou como a televisão berlinense inspirou o groove de bateria de 'Lust For Life': “Uma vez por semana a Armed Forces Network tocava Starsky & Hutch e esse era o nosso pequeno ritual. A AFN transmitia um ID quando entrava no ar, uma representação de uma torre de rádio, e fazia um sinal sonoro, 'bip-bip-bip, bip-bip-ba-bip. Vou aproveitar isso!'. David pegou seu ukulele, trabalhou os acordes e lá fomos nós.

Via FAR OUT.

quinta-feira, 31 de março de 2022

Pink Floyd: Qual é a opinião de Roger Waters sobre os Beatles e Bob Dylan?

Uma das bandas que ajudaram a levar o Rock Progressivo a outro patamar, o Pink Floyd se tornou uma das bandas mais vendidas de todos os tempos. O ex-baixista e cantor da banda Roger Waters deu sua opinião sobre muitas outras bandas e músicos ao longo dos anos sempre dando sua opinião real sobre eles e dois deles foram Bob Dylan e The Beatles.

Em uma conversa com Howard Stern em 2012 (transcrita pela Rock and Roll Garage), o ex-baixista e cantor do Pink Floyd Roger Waters deu sua opinião sobre Bob Dylan e os Beatles.

Quando eu estava na faculdade, ouvia The Beatles. Quando eles fizeram o "Sgt.. Pepper's" em 67 estávamos no mesmo estúdio fazendo nosso primeiro disco. Lembro-me de quando foi lançado, puxando o Zephyr Ford para um descanso e ouvindo a coisa toda, apenas sentado lá com a boca aberta dizendo 'Uau, isso é tão completo e realizado e soa fácil.

Mas também foi mais do que isso. Tinha uma tonelada de ideias e uma tonelada de narrativa nele. Sinto que mais do que qualquer outro disco foi o disco que deu a mim e a minha geração permissão para nos expandirmos e fazermos o que quisermos. Se eles podem fazer isso, nós podemos fazê-lo. Não precisamos mais do Tin Pan Alley, podemos escrever nossas próprias coisas, isso mudou tudo. Eles instigaram sua própria revolução, porque obviamente, quando eles começaram, era tudo 'Please, Please Me' e qualquer outra coisa.”

Eles transcenderam tudo isso e transcenderam todas as bobagens no Shea Stadium e você sabe, garotas gritando e ninguém sendo capaz de ouvir nada. Fazer músicas que as pessoas realmente queriam ouvir porque eram músicas musicais muito, muito inteligentes, inteligentes e lindas.

Em uma entrevista em 2015 com a estação de rádio KLCS, Waters disse que aprendeu com Lennon, McCartney e Harrison que não havia problema em escrever sobre suas vidas e como eles se sentiam.

A opinião de Waters sobre Bob Dylan

Na mesma entrevista com Howard Stern, Waters falou sobre Bob Dylan e revelou que uma música do músico mudou completamente sua vida. Quando perguntado por Stern se ele odiava a “regra” que as gravadoras tinham quando ele estava começando, de que as músicas não podiam ter mais de 3 ou 4 minutos, para que pudessem ser tocadas no rádio, Waters respondeu falando de Bob Dylan: ""Sad-Eyed Lady of the Lowlands" mudou minha vida.

Quando ouvi isso, pensei ‘Digno’, se Bob pode fazer, eu também posso. Tem 20 minutos de duração, é uma hora inteira e de forma alguma fica chato ou enfadonho ou qualquer coisa. Só fica mais e mais e mais intenso e cresce. Torna-se cada vez mais hipnótico quanto mais tempo dura.

Ao longo dos anos, Roger Waters fez cover de algumas músicas de Bob Dylan ao vivo durante shows especiais como “Forever Young” e até fez um cover de estúdio de “Knocking On Heaven’s Door” para a coletânea “Flickering Flame”.

No entanto, Waters criticou Dylan quando fez o álbum de covers “Shadows in the Night” em 2015, que consistia em faixas que foram gravadas apenas por Frank Sinatra.

Via Rock and roll garage.

quarta-feira, 30 de março de 2022

Qual foi a opinião de Ginger Baker sobre os Rolling Stones e Charlie Watts

Baterista dos Rolling Stones por 59 anos até sua morte em 2021, Charlie Watts foi um dos bateristas mais influentes da história como seu contemporâneo Ginger Baker, conhecido por seu trabalho com o supergrupo Cream. Ao longo das décadas, Ginger (Morto em 2019) que também era conhecido por seu mau humor, deu sua opinião real sobre os músicos e um deles foi Charlie.

O lendário baterista do Cream nunca teve problemas em dizer que não gostava de uma banda ou que os músicos dela eram ruins. Ao longo dos anos, ele sempre disse que odiava os Rolling Stones, mas gostava de Charlie Watts. Ele até disse que, de longe, o baterista era o maior músico da banda. Em entrevista ao Classic Rock em 2019, Baker falou sobre Charlie e os Stones, dizendo: “Eu gosto de Charlie. Ele é um bom amigo desde os velhos tempos do jazz e é perfeito para os Stones. Ele me deu um emprego no Alexis Korner’s Blues Incorporated. Eu o recomendei para os Stones. Mas eu odeio os Stones e sempre odiei. Mick Jagger é um idiota musical. É verdade que ele é um gênio econômico. A maioria deles são idiotas."

O baterista do evento disse à Rolling Stone em 2013 que Charlie era um grande amigo e foi vê-lo: “Quero dizer, Charlie é um grande amigo meu. Acho que o mundo de Charlie. Quando eu morava nos Estados Unidos, Charlie veio me ver em minha casa e disse: ‘Eu te daria alguns ingressos. Mas eu sei que você nunca iria!” Eu não vou a menos de 10 milhas de um show dos Rolling Stones”. Baker então explicou o motivo de não ter ido ao show porque, em sua opinião, eles não eram bons músicos e o melhor era Watts.

Watts deixou uma banda para que Ginger Baker pudesse se juntar a eles.

No início dos anos 60, antes dos Rolling Stones, Watts deixou a banda Alexis Korner’s Blues Incorporated para que Ginger Baker pudesse se juntar a eles. Baker relembrou esse episódio em uma entrevista de 1989 (transcrita pela Rock and Roll Garage), dizendo: “Charlie Watts estava tocando bateria (In Alexis Korner’s Blues Incorporated). Ele não estava realmente no nível do resto da banda, na verdade. De qualquer forma, Charlie ouviu que eu estava precisando de trabalho e ele deixou a banda para que eu pudesse me juntar a ela, o que é um passo inacreditável. Ele é um cara muito legal. Isso meio que mudou minha coisa toda. Isso foi em 1963, então isso me dá 24 anos. Eu estava em um estado terrível naquela época. Eu era um viciado e não uma pessoa muito legal.


O sempre tranquilo e educado baterista dos Rolling Stones, Charlie Watts, sempre admirou Ginger Baker e até foi entrevistado no documentário de 2012 “Beware Of Mr. Baker”, sobre o baterista onde relembrou seu trabalho na banda Graham Bond Organization, dizendo (Transcrito por Rock and Roll Garage): “Brilhante! Jack Bruce, Ginger Baker, Dick Heckstall-Smith e Graham Bond estavam no topo. Éramos uma banda tentando ser como uma banda em Chicago. Mas eles eram outra coisa, você sabe”.

Ele também falou sobre o Ginger Baker’s Air Force, supergrupo de jazz-rock fusion liderado por Ginger que atuou de 1969 a 1971 e fez uma reunião em 2015: “Foi muito emocionante. Achei que ia durar para sempre. Mas você sabe, as bandas de Ginger tendem a ser assim. Você ouve a música, (você pensa) 'isso é fabuloso' e que ele vai durar para sempre e (então) durará uma semana. Talvez isso seja apenas parte de ser ele. Não sei."

Charlie Watts já tocou na bateria de Baker.

Em uma conversa com a Down Beat em 1987, Charlie disse que queria tocar como seu contemporâneo e lembrou quando usou a bateria de Baker: “Ginger tinha uma bateria que ele realmente fez. O primeiro kit de plástico que eu já vi. Aqueles eram os dias em que você tinha cabeças de bezerro. Mas os dele eram como verdadeiros tambores africanos que na verdade são peles de animais, raspadas. Então, eles tinham cerca de um quarto de polegada de espessura.

Ele é o único cara que eu já vi tirar algum som de seus tom-toms. Eu peguei emprestado dele uma noite. Ele estava no primeiro ato, os Stones foram a próxima banda, e depois Ginger com Alexis – e não consegui chegar a lugar nenhum. Quebrou cerca de quatro baquetas. Eu não quebro baquetas normalmente. Mas as costeletas de Ginger são tão fortes. Elas ainda são. Eu tentei fazer com que ele tocasse nessa banda, na verdade. Mas não consegui contatá-lo.

segunda-feira, 28 de março de 2022

The Beatles: John Lennon realmente odiava jazz?

John Lennon era conhecido por comentários incendiários. Ele afirmou que os Beatles eram “maiores que Jesus”; ele disse que os Beatles fizeram George Martin, e não o contrário; e ele ainda teve a coragem de mirar no jazz, a única forma de música que dá ao pop uma via de entrada em termos de expressão, adoração e dedicação. “Jazz”, ele disse, “é apenas um monte de velhos bebendo cerveja no bar, fumando cachimbo e não ouvindo música”.

Bem, isso é um pouco demais, não é? Sim e não: Lennon disparou do quadril e dizia coisas que ele contradizia minutos depois de dizer. Basta olhar para sua entrevista com Jann Wenner, onde ele tanto insulta quanto adora a ética de trabalho de Paul McCartney. Ou simplesmente dê uma olhada em algumas das entrevistas que ele deu em 1980, tanto defendendo quanto criticando as virtudes de envelhecer. E há as observações que Lennon fez sobre o produtor dos Beatles, George Martin, que mais tarde ele se retratou.

O guitarrista George Harrison comentou que Lennon tinha uma maneira curiosa de mostrar como ele queria que uma música soasse. “Basicamente, a maioria das músicas de John, como as de Paul, foram escritas no estúdio”, explicou Harrison. “Ringo e eu estávamos lá o tempo todo. Então, enquanto as músicas estavam sendo escritas, elas recebiam ideias e estruturas, principalmente de John. Como você disse, John tinha um talento para 'sentir', mas ele era muito ruim em saber exatamente o que queria transmitir."

O guitarrista continuou: "Ele poderia tocar uma música e dizer: 'É assim'. Então ele tocava novamente e perguntava: 'Como é isso?' Então ele tocava de novo, totalmente diferente! Além disso, seu ritmo era muito fluido. Ele perderia uma batida, ou talvez pularia uma batida…” Harrison admitiu que Lennon era um pouco “velho cara do blues”, o que é interessante porque está apenas alguns tons de distância do jazz. Mas, apesar das acusações acima, Lennon era parcial para as tendências do jazz e regularmente infundia muitas de suas músicas no campo do jazz.

'I Want You (She's So Heavy)' funciona como um número de jazz, misturado com uma batida de samba, assim como 'Well, Well, Well', ouvida em seu álbum de estreia, pouco produzido. Muitas das faixas ouvidas em "Somewhere In New York City" são embebidas na forma de jazz, e é somente através da inclusão de outros músicos que o ex-Beatle pode se distanciar diretamente da influência. Ele estava genuinamente interessado na forma, apesar de suas afirmações de que era a verdade que ele sempre buscava.

O álbum "Imagine" também contém alguns sabores de jazz. Basta dar uma olhada em 'I Don't Want To Be A Soldier Mama', reforçada por uma batida de tambor, ou simplesmente ouvir 'Crippled Inside', e nos dizer que ele não foi influenciado pelo gênero em si. De fato, muitos dos padrões de bateria de Ringo Starr no álbum "Plastic Ono Band" são exposições orientadas para o jazz de excelência na percussão, então é justo que seu estilo de música tenha impregnado o álbum como um todo.

Para que não esqueçamos que Lennon regularmente criticava seu próprio trabalho, e passou a suspeitar de "Sgt.Peppers Lonely Hearts Club Band", especialmente porque seu trabalho assumiu um tom mais autobiográfico. 'Strawberry Fields Forever', comumente descrito como seu melhor trabalho, foi um que ele admitiu a Martin que gravaria tudo de novo, e mais tarde ele descartou 'And Your Bird Can Sing' como a expressão de um homem que não conseguia se reconciliar sua mente sobre a importância de seu trabalho.

'Eight Days A Week' foi outro single que ele descartou, sentindo que não representava a integridade de seu trabalho, e ele detestava admirar qualquer um dos números de 1967, exceto a melancólica 'Within You Without You' de Harrison.

O que também devemos lembrar é que este foi um homem que morreu na tenra idade de 40 anos, deixando um filho de cinco anos para trás, sem esquecer o filho adolescente que teve na Grã-Bretanha. Quem sabe o quanto Lennon poderia ter crescido, com seu filho para guiá-lo nas virtudes da paternidade? Talvez ele possa ter reavaliado o trabalho dos Beatles, como Harrison fez quando viu o valor do trabalho pelos olhos de seu filho. E talvez ele pudesse ter gostado de jazz, precisamente porque era uma forma muito difícil de música que ele nunca poderia dominar de verdade.

Tudo isso não dá para pensar. Lennon deixa um impressionante corpo de trabalho para trás e, embora seu trabalho solo raramente corresponda ao nível dos Beatles, o trabalho solo de McCartney foi muito mais inventivo, ele deixou sua marca com um forte álbum de estreia e uma coleção de singles arrumados lançados em breve. E não importa como ele via o jazz, os músicos de jazz ficavam felizes em reinterpretar o trabalho de Lennon como se estivessem tocando pela primeira vez. ‘Dear Prudence’ se presta muito bem ao jazz, como é evidente pela rearranjada versão de Al Di Meola.

Via FAR OUT.

Con o cover de jazz de ‘Dear Prudence’ abaixo.

A noite em que Frank Zappa satirizou Nico

A vida de Nico raramente foi a dela. Seja aparecendo em "La Dolce Vita" de Federico Fellini, sendo uma das 'Superstars' de Andy Warhol ou cantando com The Velvet Underground, suas personas sempre foram propriedade de outras pessoas e, normalmente, essas pessoas eram homens. Apesar disso, a vida criativa de Nico, que englobou modelagem, atuação e canto, foi sustentada por uma inegável autoconfiança. Em "La Dolce Vita", ela se destaca não apenas por sua beleza de outro mundo, mas porque passa por quatro idiomas como se não fosse nada. Como modelo, ela encarnava o auge da sensualidade europeia e se recusava a esconder seu desdém por aqueles que não correspondiam aos seus padrões: “Eu era alta, loira e digna”, disse ela uma vez. “Nada mais é necessário para fazer efeito”.

O que Frank Zappa achava do AC/DC?.

Essa autoconfiança também se traduziu em sua carreira musical. Apesar de não possuir habilidade musical inata, Nico foi convidada por Andy Warhol para se juntar à banda The Velvet Underground. Com Loud Reed, John Cale, Maureen Tucket e Sterling Morrison, Nico ajudou a gravar o álbum definitivo do grupo, cantando em muitas de suas faixas mais memoráveis. A aceitação, deve-se notar, não ocorreu. Nas primeiras sessões de estúdio, John Cale e Lou Reed ouviam as gravações e riam dos sotaques desafinados de Nico. No entanto, para ela, o amadorismo era uma forma de arte em si; foi o que a atraiu para o The Velvet Underground em primeiro lugar. “Eu os admirava porque eles não tinham medo de ser ruins", ela disse. “Achei que eles eram muito honestos”.

Infelizmente, nem todos apreciavam a honestidade tanto quanto ela. O álbum solo de estreia de Nico, "Chelsea Girl", pode ser reverenciado como um clássico agora, mas foi quase universalmente criticado na época. Nico odiou a produção do LP, e ela descartou o disco como música pop frívola, indigna de mais reflexão. Mas apesar dessa decepção, ela continuou a perseguir a música em seus próprios termos, pegando o harmônio depois que Jim Morrison sugeriu que ela aprendesse um instrumento e começasse a escrever suas próprias canções.

Depois de receber aulas do saxofonista de jazz Ornette Coleman, Nico mudou-se para Los Angeles com outra das superestrelas de Warhol e começou a desenvolver seu próprio som. De acordo com aquele coabitador sofrido, Nico praticava por horas com as cortinas fechadas, tocando os mesmos acordes simples e cantando no mesmo tom funerário, muitas vezes cercado por velas. Em pouco tempo, ela começou a tocar por conta própria.

O gerente de música Danny Fields estava em sua primeira apresentação em L.A. e lembra como ela era como “uma criança descobrindo um instrumento musical pela primeira vez. Ela apenas pressionava uma nota e dobrava o ouvido em direção ao teclado e ouvia, e pressionava novamente”. Aparentemente, Frank Zappa também estava na plateia naquela noite. Assim que ela deixou o palco, ele supostamente pulou na frente do microfone e começou a fazer uma paródia de seu set, tocando progressões de acordes bagunçadas e gritando bobagens distorcidas, para alegria do público. Ninguém conseguia entender por que essa linda mulher insistia em se levar tão a sério. Certamente, ela era tão frívola quanto a música pop que desprezava. Onde estava o Superstar de Andy Warhol? Onde estava a loira platinada "Chelsea Girl"? Nem aqui, nem em lugar nenhum.

Via FAR OUT.

sábado, 26 de março de 2022

Mick Jagger revela sua primeira impressão sobre o Led Zeppelin

Os Rolling Stones têm uma relação um tanto hostil com o Led Zeppelin, graças em grande parte à má vontade de Keith Richards para com seus contemporâneos ao longo de décadas. No entanto, é uma opinião que não é compartilhada por Mick Jagger, que tem uma perspectiva diferente de seu colega de banda no grupo de rock pioneiro.

Antes mesmo do Zeppelin ser formado, Jagger fez amizade com Jimmy Page e John Paul Jones depois que os Rolling Stones contrataram o guitarrista como músico de sessão em 1965. Ambos trabalharam com o grupo, com o último aparecendo em 'She's A Rainbow' do álbum "Their Satanic Majesties Request" (1967).

A gravação 'perdida' de Page com os Stones não viu a luz do dia até 2020, época em que a banda finalmente compartilhou 'Scarlet', e ouvi-los todos na mesma faixa continua sendo um deleite da maior proporção.

Jagger refletiu sobre quando eles gravaram o blues durante uma entrevista à BBC Radio 2 e se referiu a Page como “um dos melhores guitarristas de sessão da época”. Ele também lembrou: “Ele era muito jovem, eles costumavam jogar xadrez entre as tomadas, isso era coisa deles”.

Ele continuou: “E foi assim que conheci Jimmy, e foi assim que conheci John Paul Jones, porque ele era o baixista. Então eu os conhecia desde então, e então dez anos depois, ou um pouco menos, eles fizeram essa banda de muito sucesso”.

Jagger se lembrou de como ele assistia regularmente ao Led Zeppelin durante seus primeiros dias, quando eles estavam começando a se destacar e acreditavam que eram uma banda que precisava vir para agitar as coisas.

Com o tempo dos Beatles ao sol começando a chegar ao seu fim natural, como foi o período dos anos 60, algo novo precisava vir junto com o Led Zeppelin preenchendo esse vazio esplendidamente. Jagger explicou: “Eu costumava ir vê-los ao vivo, lembro-me de assistir seus shows ao vivo, foi ótimo, vibe estrondosa”.

Ele acrescentou: “E eu vi o último show deles também. E eles foram absolutamente incríveis. E fiquei tão desapontado que eles não fizeram uma turnê de reunião. Mas isso é problema deles, não meu”.

Outra reunião do Led Zeppelin agora parece estar fora da equação, e embora fosse um espetáculo, a maneira como eles chamaram isso de um dia em 2007 na O2 Arena de Londres foi um grandioso último "hurra" que permitiu que eles se curvassem em uma nota alta. . Se o Led Zep dividisse o palco novamente, arriscaria desfazer a magnificência de sua apresentação final, que parecia um capítulo final perfeito na história do Led Zeppelin, que começou todas aquelas décadas antes, quando esses músicos iniciantes saíram das sombras.

Via FAR OUT.

segunda-feira, 21 de março de 2022

U2: a história por trás da canção "With Or Without You"

A carreira do U2 pode ser dividida em dois segmentos bem organizados: havia a banda no início dos anos 80, e depois havia a banda escrevendo  o "lado b" de The Joshua Tree. Isso é interessante porque possui uma primeira metade mais forte, especialmente as três primeiras faixas, que são temperadas com as armadilhas de rocha que estão completamente ausentes da segunda metade.

A terceira e melhor faixa é “With Or Without You”, que era uma música estranhamente romântica de uma banda que parecia mais feliz discutindo suas inibições do que suas emoções na vida. Foi escrito em grande parte por Bono, um homem de herança protestante e católica compartilhada, e muitas de suas canções invocavam o estoicismo da fé protestante com o júbilo da religião católica. São essas vertentes díspares que preenchem 'With Or Without You', permitindo que o cantor solte um dos vocais mais impactantes de sua carreira.

A letra mostra sua dicotomia interna enquanto ele tenta reconciliar o rockstar (Bono) com o homem (Paul Hewson), reunindo uma pessoa que está excitada e com repulsa pelo monstro que ele criou involuntariamente. “Eu era pelo menos duas pessoas: a pessoa tão responsável, protetora e leal e o vagabundo e ocioso em mim que só quer fugir da responsabilidade”, explicou ele no livro "U2 by U2". “Eu pensei que essas tensões iriam me destruir, mas na verdade, na verdade, sou eu. Essa tensão, ao que parece, é o que me torna um artista.

Como a maioria das músicas do U2, Bono foi seu compositor, mas os outros três deixaram sua marca na faixa, desde o trabalho de baixo de Adam Clayton até os licks de guitarra agitados que absorvem a música durante seu refrão emocionante. The Edge afirma que a simplicidade dos arpejos era apropriada para a base da música e orgulhosamente exibiu os acordes em uma retrospectiva sobre a criação do álbum.

Não parecia apropriado imitar seu Jeff Beck interior durante o fadeout instrumental e optou por tocar uma série de power chords agitados que unem as letras.

Atrás do cantor vem o som retumbante de uma exibição de bateria, enquanto Larry Mullen Jr. toca em todo o kit, jogando cautela ao vento com uma coleção de demonstrações gravadas com precisão. Ele é excelente, mostrando que é o músico mais realizado e seguro da banda. À medida que Bono fica mais impaciente, os testes ficam mais poderosos; à medida que a música fica mais consciente, os pratos vêm à tona.

Ele sempre foi um dos percussionistas mais esquecidos de sua geração, mas este pode ser seu melhor momento, e é a combinação dos vocais espirituosos e a bateria que torna a música tão memorável.

Como costuma acontecer com o U2, a banda relutava em explicar o significado por trás de suas músicas, mas a música é ainda melhor por sua ambiguidade e mistério. A música permite que os ouvintes deixem que sua perspectiva e verdade preencham os espaços em branco da obra, e a música está tão em dívida com os problemas do mundo que lhes dá a oportunidade de recriar a essência de seus problemas.

Bono estava crescendo em confiança como vocalista, tendo se livrado das algemas de David Bowie e Mick Jagger, criando uma voz inteiramente nova que era dele e só dele.

O vídeo apresentava Morleigh Steinberg, uma dançarina que apareceria no palco durante a turnê Zoo TV de 1992, dançando do ventre ao som sensual de 'Mysterious Ways'. Ela se casou com o colega de banda The Edge em 2002, o que sugere que realmente havia um misticismo em jogo durante a gravação de "The Joshua Tree".

A música foi um sucesso imediato com o público ao vivo, levando Bono a lançar algumas letras adicionais no palco. Bono mais tarde admitiu que a música emanava de um sentimento de culpa que vinha de conversar com outras mulheres, o que pode ter resultado da perda de sua mãe quando ele era pouco mais que um menino.

Todos esses anos depois, a música ainda se mantém como uma das mais pensativas da banda.

Hinos subsequentes que mostraram a banda cantando de dentro para fora: 'One', 'Lemon', 'Miss Sarajevo', foram vistos pelos críticos como uma continuação do trabalho da banda em 'With Or Without You'. E se alguma vez houve alguma dúvida sobre as habilidades da banda em seus quatro primeiros álbuns, The Joshua Tree silenciou completamente os opositores, criando um trabalho que era tanto hino quanto cerebral.

'With Or Without You' tem muito 'anseio'", disse o produtor Daniel Lanois. “O que eu entendo disso é que você está pronto para aceitar, mas está pronto para deixar algo para trás, muito parecido com a própria vida. Algo vem em seu caminho, mas há um sacrifício e você tem que deixar outra coisa para trás.

Via FAR OUT.

Confira a música do U2 ‘With Or Without You’ abaixo.

sexta-feira, 18 de março de 2022

Pink Floyd: 8 bandas ou artistas que David Gilmour citou como suas influências

O guitarrista e cantor do Pink Floyd, David Gilmour, fez parte de alguns dos álbuns mais vendidos de todos os tempos com o grupo britânico de rock progressivo e ainda é uma grande influência para milhões de músicos ao redor do mundo. Na seção de perguntas frequentes de seu site oficial, o músico listou 8 bandas e músicos que influenciaram seu estilo e que também são alguns dos que ele mais gosta. A Rock and Roll Garage reuniu em lista o que o músico disse em entrevistas ao longo de décadas sobre esses artistas.

The Beatles.

Assim como quase todo músico de Rock and Roll, David Gilmour também foi inspirado pelos Beatles. O guitarrista e cantor compartilhou seu amor pelo grupo de Liverpool ao longo das décadas e ele ainda teve a chance de tocar ao vivo ao vivo com Paul McCartney em várias ocasiões. Ele também compôs o solo de guitarra para o hit de 1984 de McCartney “No More Lonely Nights”, tocado em “Flowers In The Dirt” (1989) e “Run Devil Run” (1999).

Em entrevista ao programa “Tracks Of My Years” da BBC Radio 2 em 2006 (Transcrito pela Rock and Roll Garage), Gilmour listou algumas de suas músicas favoritas de todos os tempos e uma delas era dos Beatles: fã louco dos Beatles. "‘You’ve Got To Hide Your Love Away’ é, eu acho, o primeiro momento de John Lennon sendo influenciado por Bob Dylan. Está muito na veia de Bob Dylan. Então é apenas um exemplo de centenas de coisas que eu poderia escolher. Qualquer coisa dos Beatles, na verdade. Canção fantástica”, disse David Gilmour.

Em conversa com a revista Mojo em 2015, o músico mais uma vez elogiou a banda dizendo que gostaria de ter sido integrante dos Beatles: “Eu gostaria muito de ter sido dos Beatles; Eles me ensinaram a tocar violão; Eu aprendi tudo. As partes do baixo, a liderança, o ritmo, tudo. Eles foram fantásticos.

Eric Clapton.

Conhecido pela sensação que coloca em cada nota que toca na guitarra, David Gilmour conseguiu isso dos músicos de Blues, incluindo Eric Clapton, como revelou durante sua carreira.

Os álbuns de John Mayall & The Bluesbreakers com Eric Clapton e Peter Green são os que mais inspiraram Gilmour como ele revelou em entrevista à revista Relix em 2015: "tocam seus licks perfeitamente.

Eu sugiro que qualquer jovem guitarrista tente sentar e fazer isso. Você acabará sabendo como tocar suas coisas muito bem, mas eventualmente você encontrará seu próprio estilo. Isso força a saída da cópia”, disse David Gilmour.

Jimi Hendrix.

Como quase todo guitarrista de Rock and Roll, Jimi Hendrix também foi uma influência para Gilmour e ele até era fã do falecido músico antes de se tornar “The Jimi Hendrix”. Em uma conversa com o programa da BBC Radio 2 “Tracks Of My Years” em 2006 (Transcrito pela Rock and Roll Garage), ele listou “The Wind Cries Mary” de Jimi Hendrix como uma de suas músicas favoritas de todos os tempos e lembrou quando ouviu pela primeira vez Hendrix: “Jimi Hendrix, fantástico. Eu fui a um clube no sul de Kensington em 1966 e esse garoto subiu no palco com Brian Auger e o Trinity e começou a tocar a guitarra ao contrário (de cabeça para baixo). Eu e todo o lugar estávamos de queixo caído.

Fui a lojas de discos no dia seguinte e disse ‘Você tem alguma coisa desse cara Jimi Hendrix?’ e eles disseram ‘Bem, nós temos um James Hendrix’. Ele ainda não tinha feito nada. Então eu me tornei um fã ávido esperando por seu primeiro lançamento. Além disso, esta é uma de suas belas baladas que eu realmente amo”, disse David Gilmour.

Pink Floyd: David Gilmour ajudou a mixar o show de Jimi Hendrix na Ilha de Wight em 1970.

Hank Marvin.

O guitarrista da banda instrumental britânica The Shadows, Hank Marvin foi uma grande inspiração para muitos guitarristas que cresceram nos anos 60. A forma como Gilmour toca as melodias está ligada à forma como Marvin toca no The Shadows, como afirmou numa entrevista ao Music Radar em 2006: “A forma como toco melodias está ligada a coisas como Hank Marvin e The Shadows o fazia. Aquele estilo de tocar guitarra onde as pessoas podem reconhecer uma melodia com um pouco de força.

Em uma entrevista em vídeo de 1981, Gilmour listou Marvin como uma de suas primeiras influências dizendo: “Ele foi o primeiro grande herói da guitarra elétrica para nós, britânicos”. Na mesma conversa, ele revelou que teve a chance de vê-lo tocar ao vivo várias vezes e disse que foi brilhante.

B.B King.

Outro guitarrista de Blues que influenciou David Gilmour foi o lendário B.B King e eles tiveram a chance de tocar ao vivo juntos em 1998 no show Jools Holland na BBC Two, interpretando a música “Eyesight To The Blind”.

O músico do Pink Floyd elogiou King em uma conversa com o The Guardian em 2006, dizendo: “Ele é um cara adorável. Suas primeiras coisas eram estupendas, e ele continuou. Eu o conheci em Nova York. Ele veio até mim e disse: 'Ei, cara, você tem certeza que não nasceu no Mississippi?' Eu toquei com ele algumas vezes desde então, em uma sessão do Later With Jools Holland e em um de seus álbuns. Quando ele está no camarim, ele passa o tempo todo escrevendo letras. Existem alguns guitarristas que são instantaneamente reconhecíveis, e depois há todo o resto”, disse David Gilmour.

Em uma entrevista com a Guitar Classics em 1985, ele listou King como um dos guitarristas de blues que mais o inspiraram: “Eu era um fã de blues, mas era um fã de música geral. Para mim, foi Leadbelly através de B.B. King e depois Eric Clapton, Roy Buchanan, Jeff Beck, Eddie Van Halen e qualquer um que você queira mencionar.

Bob Dylan.

Bob Dylan é um dos músicos mais influentes da história e também foi uma inspiração para David Gilmour ao revelar em entrevista ao jornal The Guardian em 2006 que amava o músico americano mesmo quando mudou para a guitarra elétrica: “Para mim, Eu nunca fui uma das pessoas que pensavam que Dylan era um monstro por virar "elétrico". Eu gostei da mudança. Mas devo dizer o poder do jovem Dylan como cantor de protesto acústico, que ele sempre negou.”

Mas desculpe Bob, você era um cantor de protesto. Só pegar seu violão e tocar para uma multidão de pessoas e é como uma flecha. Suas palavras saem e a música. Mas as pessoas subestimam suas habilidades musicais reais. As melodias e as palavras disparam como uma flecha. Acho que ele era inacreditável. E é".

Em uma conversa com a BBC Two em 2015 (Transcrito pela Rock and Roll Garage), Gilmour lembrou que seus pais lhe deram o primeiro disco de Bob Dylan em seu aniversário de 16 anos: "eu ganhei o meu primeiro disco de Bob Dylan vindo meus pais, comprado em Greenwich Village (Nova York). Antes disso, eles me enviaram o registro de Peter Seeger, que é minha única instrução real para tocar guitarra, foi com o registro de tutorial de guitarra de Peter Seeger”, disse David Gilmour.

The Beach Boys.

Uma das bandas americanas mais famosas da história, The Beach Boys também foi uma influência para Gilmour, principalmente quando ele ouviu seu clássico álbum “Pet Sounds”. Em entrevista à BBC Radio 2 em 2006 (Transcrito pela Rock and Roll Garage), o guitarrista disse que costumava tocar músicas dos Beach Boys com uma de suas primeiras bandas: “Eu amo os Beach Boys. Tocava muitas músicas deles em Cambridge, quando eu era adolescente.

Mas eu não queria interpretar um dos muitos surfistas. Eu simplesmente amo o lugar que Brian Wilson chegou, (quando ele saiu) de toda aquela Surf Music. Alguns desses momentos são simplesmente sublimes. 'God Only Knows' é uma das melhores coisas. É tão lindamente construído. Tão significativo também”, disse David Gilmour.

David Gilmour introduziu Brian Wilson no Music Hall Of Fame do Reino Unido.

David Gilmour foi o responsável por introduzir Brian Wilson no Music Hall of Fame do Reino Unido em 2006 e ele disse em seu discurso (Transcrito pela Rock and Roll Garage): "almas afins da minha cidade natal. Queríamos cantar harmonia. Então a harmonia que queríamos cantar era a harmonia dos Beach Boys. Também esse amor pela harmonia do canto permanece comigo até hoje. O homem que é a principal inspiração para esse amor é o homem que estamos homenageando aqui esta noite, é Brian Wilson.

Mesmo naqueles primórdios do The Beach Boys, músicas como 'In My Room' e 'Don't Worry Baby' davam indicações de que Brian Wilson pintava com uma paleta muito mais colorida do que a oferecida pela Surf Music que ele era tão adepto”, disse o músico do Pink Floyd.

Leadbelly.

Nascido em Mooringsport, Louisiana, Estados Unidos, em 1888, Leadbelly é lembrado por seus vocais fortes, talento no violão de 12 cordas e pelos padrões folclóricos que gravou. Gilmour costuma dizer que o músico American Folk foi uma grande influência e até disse à BBC Radio 2 em 2006 (Transcrito pela Rock and Roll Garage) que a música “The Rock Island Line” era uma de suas favoritas absolutas. “Leadbelly, eu o amava quando era muito jovem, adorava seu violão de 12 cordas. Sempre gostei de 12 cordas. Sua história, ele estava na prisão, ele foi libertado da prisão sob acusação de assassinato porque ele era um grande cantor.”

Mas para mim, ‘Rock Island Line’ foi uma das primeiras coisas que aprendi. Também é uma das coisas em que você pode realmente aprender um acorde, colocar os dedos na guitarra em uma posição e não se mover a partir daí, você pode fazer a música inteira e cantar essa música antiga para si mesmo. Então é uma grande coisa, parte da minha infância”, disse David Gilmour.

quinta-feira, 17 de março de 2022

Deep Purple: Qual é a opinião de Ritchie Blackmore sobre Jethro Tull e Ian Anderson?

Elogiado por seu trabalho de sucesso com Deep Purple e Rainbow, o guitarrista britânico Ritchie Blackmore também é frequentemente lembrado por não esconder sua opinião real sobre outras bandas e artistas. Ao longo das décadas, ele falou em entrevistas sobre muitos artistas, incluindo a famosa banda de Rock Progressivo, o Jethro Tull.

Ritchie Blackmore foi introduzido no Rock and Roll Hall Of Fame como membro do Deep Purple (mesmo que ele não tenha ido à cerimônia) em 2016. Tull ainda não foi escolhido pela instituição Rock Hall.

Já em entrevista à Rádio Melbourne em 1976 (Transcrito pela Rock and Roll Garage), Ritchie Blackmore já era fã do grupo britânico. Quando perguntado quais eram os artistas que mais admirava na época, ele disse: “Admiro Paul McCartney e Ian Anderson. Especialmente Ian Anderson, suas músicas estão além de mim”.

Eles estão além do público, pela forma como ele vende sua obra para eles. Se você morasse na América, ficaria surpreso porque ele atrai tantas (pessoas) quanto o Led Zeppelin e todo o resto. Um excelente artista no palco em todos os sentidos. Mas sua escrita é algo que nunca deixa de me surpreender, brilhante. Eu adoraria estar escrever dessa maneira para que ele pudesse colocar uma melodia. Eu apenas escrevo riffs e progressões de acordes. Mas estou trabalhando nisso”, disse Blackmore.

Ritchie Blackmore costumava assistir ao Jethro Tull ao vivo pelo menos 4 vezes por ano.

Em conversa com Steve Rosen no final dos anos 70 o músico declarou mais uma vez seu amor pela banda de Ian Anderson, dizendo: “Não diga mais nada. Ian Anderson é um gênio, especialmente com suas coisas posteriores. É horrível pensar como ele escreveu essas coisas. Mas se você falar com ele, ele diz: 'Ah, eu contei dois.' Mas você não pode contar dois sobre isso, é 9/5 1/2. O guitarrista deles (Martin Barre) e o resto do grupo têm memórias como computadores para lembrar disso.

Ele continuou revelando que naquela época costumava ir ver o grupo tocar ao vivo pelo menos 4 vezes por ano e relembrou uma história dos shows, dizendo: “Na verdade, a última vez que os vi foi em Paris. Eles me colocaram na primeira fila. Eu pensei: 'Por que eles me querem na primeira fila bem na frente de Ian Anderson?' Então chegou ao último número e Ian pula do palco. Ele pousa no meu colo e começa a cantar para mim.

Ele continuou:

Os holofotes estão em mim e estou tentando agir de forma legal porque minha namorada estava lá. Sempre que ele lança um novo LP, digo que espero que não seja tão bom quanto o resto deles, porque então me sentirei um pouco melhor por não poder escrever assim. E com certeza, ele sai com outro antolho. Ele fica tão envolvido que escreve uma sinfonia. Engraçado, tivemos um golpe com eles e eles se perderam; Barrie Barlow, o baterista, não consegue manter uma batida direta.

Martin é divertido, ele tem uma ótima memória. Mas ele não aprendeu a improvisar muito bem, eu acho. Ele tem um problema com os dedos, mas ainda é ótimo. Você não pode dizer nada contra ele porque ele é um cara tão legal. E John Glascock é um baixista brilhante, o melhor do rock no ramo. Rainbow estava atrás dele, mas não conseguimos pegá-lo. Se você o pegar sozinho, ele é ótimo e natural”, disse Blackmore.

Ian Anderson tocou no disco Blackmore's Night.

O líder do Jethro Tull, Ian Anderson, tocou na faixa “Play, Ministrel, Play” do álbum de 1997 “Shadows Of The Moon”, debut do Blackmore’s Night. A banda de música medieval foi formada por Blackmore e sua esposa Candice Night após o fim do Rainbow nos anos 90.

Em entrevista ao Classic Rock em 2016, Anderson disse que não conhece Blackmore pessoalmente muito bem e falou sobre o senso de humor único do guitarrista: “Ritchie não é alguém que é palatavelmente cômico. Seu senso de humor, é preciso dizer, pode ser cruel. Mas ele definitivamente não está bravo.

terça-feira, 15 de março de 2022

As 10 melhores músicas com mais de nove minutos de duração

A convenção de música popular tende a seguir uma regra não escrita onde as faixas atingem um ponto ideal entre três e quatro minutos. Se uma música tiver menos de três minutos, é provável que seja breve demais para entrar no ritmo e, se ultrapassar a marca de quatro minutos, a maioria dos ouvintes estará desligando ou mudando o registro. No entanto, esta é apenas a convenção para sucessos de impressão de dinheiro que agraciam o ouvinte comum no rádio.

Após a explosão da música experimental na década de 1960, composições mais longas tornaram-se mais comuns. Os épicos podem ser encontrados no catálogo de Bob Dylan para permitir-lhe mais espaço para girar seu fio poético lírico, ou nas odisseias intermináveis ​​​​do Pink Floyd - sim, estou pensando na implacável 'Atom Heart Mother Suite' que, para melhor ou pior, continua e continua por mais de 23 minutos.

Concedido, a música nunca deve ser muito longa, enquanto um filme típico dura cerca de 90 minutos, eu desafio um artista musical popular a fazer uma música tão longa e ver quantos de seus fãs ficam sintonizados durante a duração. Dito isto, houve algumas músicas na extremidade mais longa do espectro que atingiram a unha na cabeça, com os minutos extras usados ​​com sabedoria, adicionando ao mérito artístico geral da composição. Por exemplo, tente ouvir 'Atom Heart Mother Suite' e depois escute o hit de 1971 do Pink Floyd 'Echoes'. Aposto um bom dinheiro que, para a maioria, o tempo gasto ouvindo a fantástica 'Echoes' aparentemente passará mais rápido, apesar de ambas as faixas estarem próximas o suficiente como as músicas mais longas do Pink Floyd.

A música mais longa já lançada oficialmente, 'The Rise and Fall of Bossanova' do PC III tem 13 horas e 32 segundos. Felizmente para todos nós, essa música não aparece na próxima lista, não porque não seja boa, mas simplesmente porque não a ouvi. A lista abaixo irá explorar a minha escolha das dez músicas mais audíveis e criativamente atraentes com mais de nove minutos de duração.

As 10 melhores músicas com mais de nove minutos de duração - Por Jordan Potter para o FAR OUT.

Desolation Row’ – Bob Dylan (11:20)

Nosso compositor mais premiado, Bob Dylan, certamente não era estranho a uma composição robusta. Em 1966, Dylan encerrou seu álbum-prima "Blonde on Blonde" com 'Sad Eyed Lady of the Lowlands', que ocupa todo o lado D do lançamento do LP duplo em pouco mais de 11 minutos. Mais recentemente, Dylan encerrou seu álbum de 2020, "Rough and Rowdy Ways", com 'Murder Most Foul', que teve 16 minutos e 54 segundos, tornando-se sua música mais longa de todos os tempos.

Hoje, no entanto, trago sua atenção para o álbum de 1965 de Dylan, "Highway 61 Revisited", mais famoso por seu hit clássico 'Like A Rolling Stone'. Mas o álbum encerra o que acredito ser o melhor épico de Dylan, ‘Desolation Row’. A longa composição possui algumas das letras mais consideradas e criativas de Dylan, enquanto ele tece uma série de personagens e eventos familiares em uma torrente de enigmas poéticos. 'Desolation Row' manteve o título de música popular mais longa brevemente, até que os Rolling Stones lançaram 'Goin' Home' (11:35) em 1966.


The Tower’ – Julian Cope (10:16)

O excêntrico experimental Julian Cope partiu de suas origens humildes como o líder do The Teardrop Explodes em 1983 para seguir sua carreira solo. Ele nunca foi um estranho em experimentar drogas psicodélicas como meio de explorar os reinos da percepção e distorcer a realidade. Certa vez, ele até se viu viajando com LSD durante sua apresentação no Top of the Pops de "Passionate Friend" em 1981.

Os anos de exploração da mística em expansão da mente certamente orientaram a direção criativa de Cope, enquanto felizmente nunca o empurraram para o triste destino de Syd Barrett, do Pink Floyd. Em vez disso, a música de Cope começou a mergulhar em ideologias religiosas e existencialismo de forma cada vez mais frequente. Na época em que ele estava lançando seu álbum de 1992, "Jeovákill", ele começou a impor um estranho viés pagão em sua música. O álbum é um pomar multifacetado de intrigas, e um de seus frutos mais doces é a brilhante ‘The Tower’, que dura pouco mais de dez minutos, mas eu pessoalmente poderia mantê-lo em repetição por uma hora.


Shine On You Crazy Diamond, Pts. 1-5’ – Pink Floyd (13:29)

Pink Floyd nunca foi daqueles que evitam uma composição longa. Suas jams estendidas geralmente ficam um pouco cansadas no final, deixando o ouvinte querendo abortar algumas das viagens interestelares e pular para a próxima faixa prematuramente. No entanto, 'Shine On You Crazy Diamond, Pts. 1-5' não é uma dessas ocasiões.

O épico em vários capítulos aparece no álbum de 1975 do grupo, "Wish You Were Here". Os nove capítulos de "Shine On You Crazy Diamond" foram divididos em duas partes, com as partes de um a cinco sendo a introdução mais popular do álbum e as partes de seis a nove seguem as outras três músicas do álbum no final. A composição foi escrita como uma ode ao membro fundador ausente do grupo, Syd Barrett, que foi forçado a deixar o grupo em meio a um caso agravado de psicose induzida por LSD.


Sister Ray’ – The Velvet Underground (17:29)

Depois que o The Velvet Underground se libertou dos grilhões da gestão criativa do artista pop Andy Warhol, eles lançaram seu segundo álbum "White Light/White Heat". Esta continuação de "The Velvet Underground e Nico" foi mais um passo para a depravação obscura, continuando os temas de abuso de drogas e atos sexuais graves, mais claramente exibidos no épico de dezessete minutos, 'Sister Ray'.

Como o compositor Lou Reed uma vez descreveu a faixa: “‘Sister Ray’ foi feito como uma piada, não, não como uma piada, mas tem oito personagens, e esse cara é morto, e ninguém faz nada. Foi construído em torno dessa história que escrevi sobre essa cena de total devassidão e decadência. Eu gosto de pensar na 'Sister Ray' como uma traficante travesti. A situação é um bando de drag queens levando alguns marinheiros para casa com eles, injetando drogas e tendo essa orgia, quando a polícia aparece.


Fools Gold’ – The Stone Roses (9:53)

Em 1989, The Stone Roses lançou seu álbum de estreia homônimo, marcando tanto o pico quanto o início de seu sucesso mainstream. O álbum está absolutamente repleto de favoritos atemporais do rock alternativo, incluindo 'I Wanna Be Adored', 'I Am The Resurrection' e 'Waterfall'.

O álbum fecha com um stunner de um épico em 'Fools Gold'. O grupo Madchester estava procurando por um número funky e dançante, talvez para rivalizar com seus vizinhos de Manchester, Happy Mondays. Ironicamente, eles atingiram o ouro com a linha de baixo groovy em 'Fools Gold' e, com razão, optaram por fazer do hit uma gravação estendida.


The End’ – The Doors (11:43)

'The End' se apresenta, você adivinhou, no final do álbum de estreia do The Doors em 1967. A letra assustadora começa como uma música de separação, mas se transformou em um hino sombrio e pensativo, graças ao órgão arrepiante, percussão caindo e guitarra predominante inspirada no blues. A faixa foi lançada de volta à tona em 1979, apresentando como a faixa de abertura do filme clássico da Guerra do Vietnã de Francis Ford Coppola, "Apocalypse Now".

Toda vez que ouço essa música, significa algo mais para mim. Começou como uma simples música de adeus”, disse Morrison à Rolling Stone em 1969. “Provavelmente apenas para uma garota, mas vejo como poderia ser um adeus a um tipo de infância. Eu realmente não sei. Acho que é suficientemente complexo e universal em suas imagens para que possa ser quase tudo o que você quiser.


Voodoo Chile’ – Jimi Hendrix (15:00)

Jimi Hendrix lançou seu terceiro e último álbum de estúdio "Electric Ladyland" em outubro de 1968. O álbum mostrou Hendrix no auge de seu poder como um inovador do blues e prodígio da guitarra.

O álbum contém vários dos sucessos mais populares de Hendrix, incluindo seu cover de 'All Along the Watchtower' de Bob Dylan e o próximo 'Voodoo Child (Slight Return)' do álbum. O épico de 15 minutos, 'Voodoo Chile', aparece no álbum como a encarnação blueseira anterior e mais tradicionalmente estruturada da faixa de encerramento do álbum. A música começou como 'Catfish Blues', uma jam ao vivo e homenagem à lenda do blues Muddy Waters, de quem Hendrix era um grande admirador.


Achilles Last Stand’ – Led Zeppelin (10:31)

Em 1976, o Led Zeppelin lançou seu sétimo álbum de estúdio, "Presence". O álbum não fez jus às alturas vertiginosas de seu antecessor "Physical Graffiti", mas um de seus momentos mais puros, ou devo dizer dez, foi sem dúvida 'Achilles Last Stand'.

Robert Plant afirmou uma vez que 'Achilles Last Stand' e 'Candy Store Rock' foram a graça salvadora do álbum, graças à "seção rítmica disso, foi tão inspirado". De fato, as faixas são um testemunho do talento rítmico bruto do baixista John Paul Jones e do baterista John Bonham.


Cop Shoot Cop’ – Spiritualized (17:14)

Em 1997, J. Spaceman (AKA Jason Pierce), o líder do grupo de rock experimental Spiritualized, lançou "Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space".

O álbum é perfeitamente equilibrado com um gosto eclético de música de todos os cantos da música, do clássico ao rock psicodélico. A ousada e brilhante faixa de encerramento do álbum duplo, 'Cop Shoot Cop', começa com um ritmo lento e borbulhante inspirado no blues que, de repente, arremessa o ouvinte em um ataque de mística psicodélica antes de pousar de volta no chão por volta de a marca de 12 minutos enquanto você chega e se pergunta onde sua mente esteve nos últimos seis minutos.


Station To Station’ – David Bowie (10:14)

Após sua aventura com o petróleo em "Young Americans" de 1975, David Bowie voltou com uma nova persona como Thin White Duke ao nos apresentar seu fantástico álbum "Station To Station".

O álbum abre fortemente com um épico ousado e compartimentado, com pouco mais de dez minutos. A faixa de abertura homônima do álbum nos apresenta o estranho mundo movido a cocaína do Thin White Duke. O início se desenvolve lentamente com um som desolado e enervante que explode em cores no meio do caminho com uma convicção que nos deixa famintos pelo resto do álbum marcante.