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segunda-feira, 14 de novembro de 2022

A canção que David Bowie achou melhor que a faixa-título de 'Space Oddity'

Muito antes de seu período experimental em Berlim com Brian Eno, ou mesmo de seus anos estelares sob a maravilha do glam rock de Ziggy Stardust e Aladdin Sane, David Bowie era um jovem vagabundo circulando pelas ruas de Londres que explodiu com a energia criativa dos anos 1960. Foi nessa época que Bowie fez seus primeiros esforços como artista de gravação, mas sua fama e fortuna acabaram se tornando uma xícara de chá lentamente.

Bowie saiu da armadilha com seu álbum de estreia homônimo em 1967. O disco teve um desempenho lamentável nas paradas e foi uma decepção esmagadora. As faixas pareciam limitadas por seu distanciamento das formalidades normais da música pop. Elas também eram difíceis de levar a sério com seu som irônico que parecia mais condizente com alguma produção bizarra de rima infantil.

O primeiro sucesso comercial de Bowie veio com o lançamento de "Space Oddity", um álbum que ainda não alcançou muita atenção crítica ou comercial, mas seu primeiro single homônimo foi perfeitamente sincronizado com os desembarque na lua nos EUA com seu lançamento em 1969 e se tornou seu primeiro grande sucesso. .

Enquanto Bowie seguiu a direção comercialmente lucrativa de “Space Oddity” em seus álbuns subsequentes e mais bem-sucedidos na década de 1970, ele sustentou que uma das faixas há muito esquecidas do LP "Space Oddity" merecia muito mais apreciação do que qualquer uma de suas faixas vizinhas.

Bowie estava apaixonado pelo lado de 9,5 minutos de "Space Oddity", 'Cygnet Committee' e esperava que sua gravadora lhe permitisse lançá-lo como um single ao lado de 'Space Oddity'.

A peça criativamente densa faz referência ao Beckenham Arts Lab de Bowie e sua namorada Angela Barnett. Eles montaram a instalação de arte para incentivar os jovens a serem criativos. No entanto, ele descontinuou o Arts Lab quando percebeu que a maioria das pessoas vinha apenas para vê-lo se apresentar e não para participar. 'Cygnet Committee' expressa o encontro decepcionante de Bowie com hippies durante esse período, pois ele sentiu que estava sendo usado pelos adolescentes: "Eu dei a eles [minha] vida... Eles drenaram minha alma..."

Em Living on the Brink, Bowie discutiu a faixa com George Tremlett. “Sou eu olhando para o movimento hippie, dizendo como começou tão bem, mas deu errado”, disse Bowie. “Os hippies se tornaram como todo mundo, materialistas e egoístas”, disse Bowie, antes de citar a faixa como a melhor e mais importante do álbum.

Muito trabalho foi feito no épico, e Bowie queria que sua mensagem permeasse a sociedade. Em uma conversa com a Interview Magazine em 1973, Bowie falou com paixão sobre a faixa mais uma vez. “Eu basicamente queria que fosse um grito para a porra da humanidade”, disse ele, mais tarde citando os escritores da geração Beat Allen Ginsberg e Jack Kerouac como “a forma mais verdadeira de qualquer forma de qualquer esquerda revolucionária”.

Continuando o ponto, Bowie explicou que os seguidores hippies do ideal da Geração Beat infelizmente perderam o rumo. “Os hippies, receio, não sabem o que está acontecendo”, disse ele à Interview, antes de acrescentar que Yoko Ono era o verdadeiro “underground

Via FAR OUT.

terça-feira, 8 de novembro de 2022

Lou Reed: "Transformer" é sua encarnação em sua forma mais melodiosa e acessível

Sucesso comercial e aclamação da crítica juntos ou separados não são realmente a verdadeira medida do trabalho de um artista. A história e a aceitação pública podem “transformar” a perspectiva e criar uma reavaliação, ou história revisionista de como a arte é vista. Nenhum outro trabalho tipifica isso mais do que Lou Reed com seu segundo trabalho solo “Transformer”.

"Transformer" é uma encarnação de Reed em sua forma mais melodiosa e acessível, perfeita para um quase adolescente. Apenas errado, você poderia dizer. Se as linhas de baixo arrebatadoras e os refrões gritantes me atraíam, as letras me mantinham fascinado e intrigado.“Shaved her legs and then he was a she”...“Up-all-oh”? “Angel dust”? “Giving head”? What about “”? Ah, como o Google teria me ajudado então.

Com o Velvet Underground, Reed tornou-se um farol para a experiência de forasteiros e, embora as vendas de álbuns estivessem baixas, críticos e músicos encontraram uma espécie de anti-herói a quem elogiar. Uma vez que os Velvets se separaram, Reed continuou suas histórias e de desajustes da contracultura, mas com um efeito mais comercializado no "Transformer". Produzido por David Bowie e seu guitarrista Mick Ronson, Transformer seria fortemente influenciado pelo então movimento 'glam' de Bowie e borraria as mesmas linhas andróginas que podem ser ouvidas cantando backing vocals (seu falsete parece óbvio em "Satellite of Love". No entanto, Reed usaria seu próprio tipo de observação irônica e entrega inexpressiva para criar personagens que viviam com e entre sua multidão em vez de incorporar o espaço dos personagens como Bowie fez com Ziggy e Aladdin Sane.

Assim como seu antecessor Lou Reed, "Transformer" contém músicas que Reed compôs enquanto ainda estava no Velvet Underground (aqui, quatro de dez). "Andy's Chest" foi gravado pela primeira vez pela banda em 1969 e "Satellite of Love" demo em 1970; essas versões foram lançadas em VU e Peel Slowly e See, respectivamente. Para "Transformer", o ritmo acelerado original dessas músicas foi desacelerado.

"New York Telephone Conversation" e "Goodnight Ladies" são conhecidas por terem sido tocadas ao vivo durante a residência da banda no verão de 1970 em Max's Kansas City; esta última toma o refrão título da última linha da segunda seção (“A Game of Chess”) do poema de T. S. Eliot, "The Waste Land: “Boa noite, senhoras, boa noite, senhoras doces, boa noite, boa noite”, que é em si uma citação de Ophelia em Hamlet.

Como nos dias do Velvet Underground de Reed, a conexão com o artista Andy Warhol permaneceu forte. De acordo com Reed, Warhol disse a ele que deveria escrever uma música sobre alguém cruel. Quando Reed perguntou o que ele queria dizer com vicioso, Warhol respondeu: "Ah, você sabe, como eu bati em você com uma flor", resultando na música "Vicious".

Estranhamente, foi “Walk On The Wild Side”, uma música que falava de transexualidade, sexo oral e uso de drogas que impulsionou o álbum a alturas nunca vistas pelo Velvet Underground ou pelo próprio Reed em esforços anteriores. Isso até a década de 1990, quando “Perfect Day” se tornaria um sucesso underground. A suposta ode ao seu vício em drogas, "Perfect Day", só funciona porque, não importa a quem a música seja dedicada, é uma bela balada. Depois, há o adeus épico e encharcado de neon à sua associação com Andy Warhol e seus acólitos de fábrica,

Em seu lançamento em 1972, "Transformer" recebeu críticas mistas de críticos que alegaram que era excessivamente “art-y” e excessivamente sexual. A história, é claro, lançou uma nova luz e "Transformer" hoje figura em quase todas as listas de "Melhores de todos os tempos" de revistas. Houve um documentário da BBC inteiramente dedicado a Walk on the Wild Side. Minhas perguntas foram respondidas. Havia Holly, que de fato “veio de Miami FLA”. Acontece que “Up-all-oh” era o teatro Apollo no Harlem, e “Sugar Plum fairy” um traficante de drogas. Embora Candy e Jackie tivessem partido deste mundo, Joe Dallesandro estava lá, contemplando melancolicamente oportunidades desperdiçadas. E então havia Lou, vestido com jaqueta de couro e pele de couro – reclamando de pessoas usando "Walk on the Wild Side" sem permissão.

Via THE FAT ANGELS SINGS.

sexta-feira, 4 de novembro de 2022

Como 'The Man Who Sold The World' lançou as bases para o sucesso de David Bowie

Durante a década de 1970, David Bowie tornou-se um dos músicos mais importantes do século XX. O cantor teve uma década em que passou seu tempo transitando entre diferentes formas de arte, gêneros, figurinos e personas, todos com a integridade que sugeria que ele se tornaria um dos artistas mais reverenciados de todos os tempos. Mas, se você fosse verificar a década anterior, você não teria encontrado David Bowie, mas Davy Jones, o cantor folk precoce com uma propensão para o elaborado.

Não foi até 1970 quando Bowie, junto com a ajuda de seu produtor e amigo de longa data Tony Visconti, montou um álbum como nenhum outro, o imperioso "The Man Who Sold The World". Sua posição no panteão da música rock é garantida mesmo que por um único fato; tornou-se a pedra fundamental sobre a qual o ilustre templo de Bowie foi construído. Lançou sua carreira e, talvez o mais importante, deu ao cantor licença para criar o trabalho que inspiraria uma nação e a si mesmo, em primeiro lugar.

Trabalhando com o 'Essex Music' na adolescência, nos anos 60, Bowie ficou entusiasmado por fazer parte de uma empresa tão promissora, uma gravadora que teve participação direta na ascensão do The Who, dos Rolling Stones e, mais tarde, do próprio glam de Bowie. contraparte do rock, Marc Bolan - seria como o par se conheceria pela primeira vez. No entanto, não foi até a introdução de Tony Visconti que as coisas ficaram interessantes. O americano também havia sido convocado para a Essex Music e, quando o proprietário David Platz enviou o cantor ao produtor, ninguém poderia prever a longa e feliz parceria que eles desfrutariam.

Visconti relembrou o que Platz lhe dissera à revista Starzone: “‘Temos esse jovem e não sabemos bem o que fazer com ele. Ele escreve cada música em um estilo diferente.' Eu já estava envolvido com Marc Bolan na época, e David Platz continuou a dizer: 'Já que você parece ser o especialista com essas pessoas estranhas - eu gostaria de ver o que você pode faça com David Bowie.'” A dupla começou a trabalhar imediatamente e se tornou a combinação vencedora por trás da música de lançamento de Bowie de 1969, 'Space Oddity'.

Naquela época, [Bowie] faria qualquer coisa para conseguir um disco de sucesso”, continuou Visconti, destacando o desinteresse de ambos pela música inspirada em 2001: A Space Odyssey, de Stanley Kubrick. que ele se concentrasse em um estilo de escrita, pois senti que era sua ruína que ele estava escrevendo em tantos estilos diferentes.” Esse foco veio durante um dos momentos mais agitados de Bowie, pessoalmente. Ele e Visconti estavam morando com suas parceiras no Haddon Hall, que não só incluía torres genuínas, mas até uma galeria no primeiro andar. Embora o aluguel fosse barato, o quarteto lutava para comer e era forçado a comprar comida coletivamente.

Concentrou as mentes dos dois músicos e eles rapidamente perceberam que a vida como artista solo não era apenas mais difícil, mas muito mais desgastante. Eles tentaram construir uma banda em torno de Bowie e recrutaram um certo Mick Ronson para cumprir o papel de guitarrista. Ele foi tão impressionante em seu primeiro encontro com Bowie que se juntou ao Starman para uma sessão da BBC no dia seguinte.

Ficamos sentados no apartamento dele”, lembrou Ronson ao Starzone. “Peguei uma guitarra e toquei com ele. Ele disse: 'Ei, você quer vir a este programa de rádio e tocar comigo ... ' Então fomos ao programa e eu toquei junto com ele. Depois disso, ele disse: ‘Bem, que tal vir e tocar comigo o tempo todo…’ Então eu concordei, e isso foi praticamente logo após o show. Ele disse algo como: 'Que tal voltar para Hull, fazer as malas e vir trabalhar comigo', foi isso. Então eu fiz e vim morar em Haddon Hall.” Lentamente se preenchia uma banda que Bowie poderia chamar de sua.

Ronson, um músico extremamente talentoso, foi capaz de captar as mudanças de acordes das músicas de Bowie sem nenhum problema, o que significa que a gravação de um novo disco poderia começar rapidamente. Ronson também recrutou o baterista Woody Woodmansey de sua banda anterior The Rats e, ainda mais tarde, Visconti foi substituído por Trevor Bolder do antigo grupo Hull. As aranhas de Marte finalmente chegaram e evoluíram de ratos.

A natureza orgânica do grupo também transitou para o próprio processo de gravação. Visconti já havia revelado o quão descontraído Bowie sempre foi ao fazer música, nunca se deixando intimidar pelo assunto, Bowie sempre teve seu tempo no estúdio. “Seu método é praticamente o mesmo que estabelecemos em "The Man Who Sold The World”, lembrou Visconti na mesma entrevista. “É só que ele escreve no último minuto. Ele não fica nervoso por entrar em um estúdio de antemão. Ele tem que realmente entrar na situação de estar em um estúdio de gravação antes que ele possa fazer qualquer coisa. No começo dos álbuns, ele é bem descontraído, fuma muito, lê jornal.

Acrescentando: “David acredita muito em química. Não há química quando ele está sentado sozinho em casa, mas ele tem esse jeito de juntar pessoas muito interessantes e depois interagir. Esse é o método dele.

Isso significa que o envolvimento da banda na criação da mística de Bowie é muito mais vital do que muitas pessoas imaginam. Falando com o The Quietus, Visconti disse uma vez sobre o cantor: “Um dos grandes atributos de Bowie é que ele permite que seus músicos façam suas coisas. Ele muitas vezes dava a qualquer um de nós um núcleo de uma ideia e nos deixava seguir com nossas habilidades específicas.” É o olho afiado de um visionário especialista ser capaz de orientar e direcionar as pessoas de forma tão eficaz. É também um lembrete agradável de que dentro das múltiplas mudanças de personalidade de Bowie sempre esteve a ideia de colaboração ou, talvez mais precisamente, uma reflexão.

O álbum não é exatamente repleto de hits matadores como alguns dos trabalhos de Bowie. De fato, em grande parte, especialmente ao refletir sobre o impressionante catálogo anterior do cantor, o álbum é bastante, bem, ‘normal’. Um leve som de folk-rock é intercalado com letras inteligentes e o existencialismo do final dos anos sessenta que metade do mundo estava sentindo na época. Além de capturar de alguma forma a apreensão de uma nova década, há outro truque neste álbum que paga dividendos.

Em nove faixas, Bowie expõe sua visão do futuro. Ele seria místico, como na faixa-título do álbum, ele seria pessoal, como a música sobre seu meio-irmão esquizofrênico em 'All the Madmen' e ele continuaria se esforçando para experimentar, como na música de abertura 'The Width of a Circle' que mistura os sons anteriormente separados de folk e psicodelia. É uma faixa em que ouvimos as primeiras notas de "Ziggy Stardust", enquanto as sementes de uma das criações mais famosas de Bowie começam a criar raízes. Pode ser um dos degraus para a grandeza de Bowie, mas é um dos saltos mais fortes que ele já deu.

"The Man Who Sold the World" nunca será considerado um dos maiores álbuns de Bowie, devido em grande parte ao seu enorme e impressionante cânone de trabalho. Mas deve ser considerado com razão como um dos primeiros momentos em que o mundo teve um gostinho do herói musical que estava por vir. Foi o primeiro lampejo da jornada criativa do Starman até o topo.

Via FAR OUT.

quinta-feira, 29 de setembro de 2022

David Bowie: "Hunky Dory" será lançado como uma reedição deluxe. Ouça versão inédita de "Kooks"

"A Divine Symmetry: The Journey to Hunky Dory" terá faixas inéditas, demos caseiras e gravações ao vivo.

"Hunky Dory", de David Bowie, está programado para ser lançado como uma reedição de luxo, intitulada "A Divine Symmetry: The Journey to Hunky Dory".

O tão esperado box set incluirá faixas inéditas, demos caseiros, gravações ao vivo e muito mais.

Uma versão blue-ray da coleção chegará em 25 de novembro de 2022 via Parlophone, enquanto a edição em vinil está programada para ser lançada em 10 de fevereiro de 2023.

Para marcar o anúncio, a Parlophone lançou a versão inédita de Bowie de "Kooks", que foi gravada no programa de rádio Sounds of the 70s da BBC com Bob Harris (ouça abaixo).

Em quatro CDs, "A Divine Symmetry: The Journey to Hunky Dory" celebrará os 12 meses que antecederam o lançamento de "Hunky Dory" em 1971.

O CD 1 conterá as primeiras demos de Bowie gravadas em quartos de hotel, bem como faixas inéditas como "King Of The City", "Right On Mother", "How Lucky You Are (Miss Peculiar)" e "Tired Of My Life". Os CDs 2 e 3 mostrarão suas aparições na BBC Radio, como sua performance no John Peel In Concert. O disco final oferece mixagens alternativas, singles e outras versões de várias faixas.

Além disso, o box set conterá "An Alternative Journey Through Hunky Dory", um disco que servirá como uma releitura do álbum, composto por takes inéditos em substituição de cada faixa original.

Além dos CDs, a coleção também vem com um livro de capa dura de 100 páginas, com recordações e fotos exclusivas, bem como uma réplica de 60 páginas dos cadernos de Bowie da época com letras manuscritas, desenhos de figurino, notas de gravação e setlists.

Por fim, o boxset terá notas escritas pelo especialista em Bowie Tris Penna, juntamente com contribuições do co-produtor de "Hunky Dory", Ken Scott, amigos de longa data de Bowie, Geoff MacCormack e George Underwood, Dana Gillespie e o guitarrista Mark Pritchett, entre outros.

Via CLASSIC ROCK.

quinta-feira, 22 de setembro de 2022

Há 50 anos David Bowie conquistava a América

O saudoso camaleão fez seu primeiro show nos EUA em 22 de setembro de 1972 e o pianista Mike Garson, recém-contratado para a banda à época, relata a sua experiência.

David Bowie fez seu primeiro show nos Estados Unidos em 22 de setembro de 1972. Como seu novo pianista, Mike Garson, logo descobriria, a empolgação pela estreia de Bowie vinha se acumulando ao longo de um longo período.

O fato de sua apresentação inicial ter ocorrido em Cleveland foi bastante apropriado. Bowie vinha recebendo desde o início o apoio de rádio do WMMS, a futura potência do rock que também era muito jovem em seu desenvolvimento. Brian Sands, um músico de Cleveland, também estabeleceu o primeiro fã-clube dos EUA para Bowie e sua música.

Billy Bass do WMMS disse que finalmente “viu a luz” quando o colega DJ Denny Sanders compartilhou o single de Bowie com ele, sabendo que havia algo lá. "Começamos a tocar 'Space Oddity'", disse Bass ao Cleveland Scene em 2018. "Quase no dia seguinte, ou assim parecia, "Hunky Dory" saiu. Agora, tínhamos mais para tocar desse tipo de música. E então, "Ziggy Stardust" sai. Também tivemos Lou Reed, Mott the Hoople e T. Rex. Quanto mais tocávamos, mais populares ficávamos.

Bowie continuaria a se tornar mais popular também, mas esses triunfos ainda estavam no horizonte. Nesta entrevista inédita, Garson relembrou a visita inaugural à América com Bowie, sua audição para se juntar ao Spiders from Mars e como tudo mudou em um curto período.

Quais são suas lembranças de tocar aquele primeiro show com David Bowie em Cleveland?

Eu tinha acabado de entrar na banda e por ser o primeiro show, eu não conhecia as cordas. Já, David havia despertado muita emoção na América, mesmo sendo a primeira turnê. Então, quando terminamos o último bis, eles não tinham me informado sobre o que estava acontecendo. A banda desceu por um elevador por um estacionamento e eles saíram correndo do palco. Estou colecionando minhas músicas no piano e tomando meu tempo porque estou acostumado a tocar em clubes de jazz e, de repente, há milhares de pessoas invadindo o palco. [Risos] Então, essa é a experiência que eu lembro.

A banda, antes de você chegar, estava em turnê por quase um ano naquele momento. O que os outros membros da banda disseram a você enquanto as coisas progrediam no que diz respeito à evolução das coisas e o que eles passaram durante o processo?

Todos eram pessoas do tipo trabalhador. Eu acho que o baterista [Woody Woodmansey] estava fazendo encanamento e alguém estava fazendo outra coisa, muito, muito operário. Acho que todos ficaram chocados que, de repente, os Spiders From Mars decolaram. Eu era meio que uma chave inglesa no pneu porque eu estava trazendo uma coisa totalmente diferente. De certa forma, isso interrompeu a vibração deles, mas também contribuiu para isso, então era uma faca de dois gumes. Ele adicionou muitos componentes excelentes. Mas para responder à sua pergunta, eles foram muito humildes sobre isso. Mick Ronson é um dos homens mais legais com quem já trabalhei, e ele é realmente um herói desconhecido. Fiz dois de seus álbuns solo e excursionei com ele. Ele nunca teve seu reconhecimento total, embora, você sabe, quem realmente conhece David sabe que sua contribuição foi extremamente forte.

Você fez o teste para o show com Mick Ronson. O que você acabou descobrindo sobre o que Ronson amava em você como músico?

Bem, antes de tudo, ele próprio era um pianista, certo?

Certo, sim.

Ele também era um orquestrador muito bom. Muitas dessas partes de cordas que você ouve nesses álbuns eram dele. “Life on Mars” e “Starman”, foram seus arranjos. Quando toquei a música “Changes”, tendo muita experiência no mundo do piano com virtuosismo e harmonias de jazz muito avançadas e habilidades de improvisação que geralmente estão fora do alcance de um músico de rock, tudo aconteceu nos primeiros oito segundos de música. Ele soube imediatamente: “Isso vai ajudar essa música”. Foi assim que a audição foi rápida: foram oito segundos.

Você fez dois discos solo de Ronson e duas de suas turnês. Qual é o vínculo que você viu se desenvolver entre você e Ronson como músicos?

Já toquei com centenas de guitarristas, literalmente. Há os guitarristas de jazz e há os guitarristas de fusio, vamos colocá-los em uma categoria separada. Digamos que eu toquei com 100 guitarristas de rock. Há Mick Ronson e então todo o resto vem por baixo dele. Isso é o quão bom ele era porque ele simplesmente não era um triturador barulhento. Ele era apenas um cara que era muito musical porque pensava como uma orquestra. Ele encontrou belas melodias e tinha um belo tom. Ele era ótimo em inventar ganchos. Ele era música. Você sabe, nós apenas saíamos para jantar à noite e ele era uma pessoa calorosa. Ele até me avisou para não fazer muito trabalho de estúdio depois que as turnês acabassem e tudo mais. Ele disse: “Você vai se transformar em torrada branca se estiver apenas tocando no álbum de todo mundo e não sentir isso. Faça apenas o que você gosta.” Em noventa por cento das vezes, fui capaz de seguir essas palavras.

Que tipo de conhecimento você tinha sobre Bowie indo para aquela audição? Estou curioso para saber o quão nervoso você estava ou não com base em sua consciência do que você estava procurando.

A consciência era zero porque eu nunca tinha ouvido falar do cara. Então eu não estava nem um pouco nervoso. Eu nem sabia para que eu ia fazer um teste. [Risos.] Eu não tinha Google ou YouTube para pesquisar sobre ele, sabe? Eu vejo esses personagens selvagens e eles são todos de cores de cabelo diferentes e as roupas diferentes que eles estão vestindo e eu estou lá de jeans e camiseta e penso: “Isso é loucura, mas eu gosto”. Foi o que aconteceu. Mas só fui contratado por oito semanas e acabei sendo o músico mais antigo.

Parece o espetáculo em que você entrou.

Vamos colocar desta forma. Estávamos ensaiando e havia esses grandes oradores de frente para mim. Estou acostumado a fazer shows de jazz acústicos sem nada. Eu disse: “Pessoal, o sistema de PA está na minha cara e apontando direto para mim”. Todos riram e apontaram para o sistema de som real, que era 6 metros mais alto do que o que estava de frente para mim. O que estava diante de mim eram apenas meus monitores, então foi um choque cultural. A boa notícia foi que David aproveitou meus talentos de jazz, música clássica e vanguarda, e ele meio que adicionaria isso à sua receita. Eu era talvez o chantilly no bolo ou algo assim.

Sim, você mencionou a perturbação que causou com os outros membros da banda. Foram suas tendências de improvisação e coisas assim que abalaram as coisas?

Eu penso que sim. Ainda é assim, mesmo com as bandas com as quais tenho viajado nos últimos quatro anos, sou um canhão solto e acho que era isso que ele gostava em mim. Você sabe, eu sei quando tenho que tocar as introduções e os finais e certas partes, mas provavelmente estou improvisando entre 50 e 70 por cento todas as noites. De todos aqueles 1.000 shows que fiz com ele, sempre foi diferente. Toquei “Life on Mars?” provavelmente 200 vezes, mas sempre foi diferente.

Via UCR.

quarta-feira, 21 de setembro de 2022

Roxy Music divulga setlist da turnê de 50 anos

Banda fará mais 4 shows nos EUA e 3 no Reino Unido em 2022.

Enquanto o Roxy Music continua a cruzar a América do Norte em sua tão esperada turnê de reencontro de 50 anos, o grupo compartilhou o último setlist executado no United Center de Chicago.

A banda Roxy Music comemora seu 50º aniversário este ano com uma turnê de reunião que também celebra o seu álbum de estreia homônimo de 1972. O setlist abaixo observa todo o catálogo dos oito álbuns do Roxy Music, abrangendo os dez anos altamente progressivos entre 72 e 82, o ano de "Avalon".

A turnê começou na América do Norte em 7 de setembro na Scotiabank Arena de Toronto, marcando a primeira vez que os membros da banda Bryan Ferry, Andy Mackay, Phil Manzanera e Paul Thompson estiveram juntos no palco desde a turnê 'For Your Pleasure' em 2011. Esta formação reúne o núcleo do grupo Roxy Music desde a saída de Brian Eno da banda em 1973.

Hoje à noite, o Roxy Music tocará no Texas 'Moody Center, em Austin, antes de mais alguns shows nos EUA. Em outubro, a banda volta para casa para a etapa do Reino Unido, que termina no dia 14 de outubro na O2 Arena de Londres.

Veja a programação restante da turnê abaixo.

Setlist:

‘Re-Make/Re-Model’

‘Out Of The Blue’

‘The Bogus Man’

‘The Main Thing’

‘Ladytron’

‘While My Heart Is Still Beating’

‘Oh Yeah’

‘If There Is Something’

‘In Every Dream Home A Heartache’

‘Tara’

‘My Only Love’

‘To Turn You On’

‘Dance Away’

‘Same Old Scene’

‘More Than This’

‘Avalon’

‘Love Is The Drug’

‘Editions Of You’

‘Do The Strand’

‘Jealous Guy’ (John Lennon cover).


Datas em 2022:

Setembro:

21 – Austin, Moody CEnter

23 – Dallas, American Airlines Center

26 – San Francisco, Chase Center

28 – Los Angeles, The Forum

Outubro:

10 – Glasgow, OVO Hydro

12 – Manchester, AO Arena

14 – London, The O2.

Via FAR OUT.

sábado, 20 de agosto de 2022

O filme erótico “agonizantemente ruim” que David Bowie fez com a ex-namorada Susan Sarandon

Encontramos o amor em um lugar sem esperança”, elogiou uma vez exuberantemente a cantora barbadense Rhianna; se ela estava ou não falando sobre o romance sensual que floresceu entre David Bowie e Susan Sarandon em meio à produção de sujeira de cachorro de "The Hunger" ("Fome de Viver")" é uma incógnita, mas certamente soaria fiel à vida. O filme de vampiros sexy esquecido que o crítico Roger Ebert descreveu como “agonizantemente ruim” é um lugar tão esperançoso para o amor florescer quanto o Estádio da Luz em uma tórrida terça-feira de janeiro.

Seu fracasso é uma estranheza quando se trata do pedigree envolvido. Você imaginaria que Tony Scott dirigindo Bowie, Sarandon e Catherine Deneuve em um triângulo amoroso com presas atrevidas em 1983 foi uma aposta infalível como uma brincadeira abrasadora. No entanto, quando você entra no âmago dos detalhes dos detalhes, fica com um caso espalhafatoso e confuso que faz com que o estimado desdém de Ebert seja um jogo justo.

O filme é uma adaptação livre do romance de mesmo nome de Whitley Strieber, lançado dois anos antes. A descrição do romance dá uma ideia vaga do que estamos lidando aqui, diz: “A juventude eterna é uma coisa maravilhosa para poucos que a têm, mas para Miriam Blaylock, é uma maldição – uma existência marcada pela morte e tristeza. Porque para a eterna Miriam, todos que ela ama murcham e morrem. Agora, assombrada pelos sinais da morte iminente de seu adorado marido, Miriam sai em busca de um novo parceiro, alguém que possa saciar sua sede de amor e resistir ao teste do tempo.

Se isso deixou suas calças pingando de emoção, então há mais emoções fortes nesta luta que se desenrola por amor e carne por vir. Continua: “Ela encontra na bela Sarah Roberts, uma jovem cientista brilhante que pode guardar o segredo da imortalidade. Mas uma coisa está entre a intoxicante Miriam Blaylock e o objeto de seu desejo: Dr. Tom Haver… e ele está prestes a perceber que amor e morte andam de mãos dadas.

Se isso ainda soa como um deleite, então essencialmente é porque, em um sentido abreviado, é. Até Ebert, que o pintou com 1,5 estrelas sujas, admitiu que era “uma espécie de erótico sonhador” e circulou em torno de “uma cena de sexo requintadamente eficaz”, mas são as emoções e os derramamentos no meio que dependem mais da história do que da química do celulóide que voam como um aborto que foi umedecido pelo resíduo fumegante que sobrou das cenas de banho atrevidas que não conseguem ventilar totalmente (confira o trailer sensual abaixo).

E se a química erótica é palpável entre o trio do triângulo amoroso ao longo do filme, é porque Bowie e Sarandon estavam desfrutando de um namoro lindamente atraente. Chegou em um momento em que Bowie queria sossegar e se aconchegou nos braços abertos de Sarandon. Como ele disse na época em que os dois foram entrevistados juntos: “Quando você é jovem e está determinado a realizar o grande sonho de 'eu tenho uma grande declaração e o mundo precisa ouvir minha declaração', há algo um pouco irresponsável sobre sua atitude em relação ao futuro. Um não reconhecimento de que o futuro existe. Acho importante que os jovens tenham isso”.

No entanto, infelizmente, como Sarandon explicaria recentemente a você, eles eram amantes e bastante intensos. Bowie queria que eles tivessem uma família juntos, mas “eu não deveria ter filhos”, diz Sarandon ao tocar em sua endometriose. O relacionamento não poderia sobreviver além disso. No entanto, seus dias de romance no set de "The Hunger" e além foram sempre lembrados com carinho.

Felizmente, eles também tiveram a chance de reconciliar seu passado antes da morte de Bowie. Como Sarandon explica sobre sua comovente reunião quando os dias de David estavam contados: “Tive a sorte de estar mais perto dele pouco antes de morrer, nos últimos dois meses. Ele me encontrou novamente. Conversamos e dissemos algumas coisas que precisavam ser ditas. Tive a sorte de poder vê-lo quando ele me contou o que estava acontecendo com ele.

Então, com carinho, ela lembrou: “Eu amo sua esposa Iman, alguém que era tão igual em estatura [a dele]. Era claramente com quem ele estava destinado a ficar. Eu estava tão feliz que ela estava com ele durante tudo isso. E tenho mantido contato com ela. A última vez que o vi foi na estreia de seu musical Lazarus.” Concluindo: “Houve um arco-íris duplo em Nova York no dia em que David Bowie faleceu.

Via FAR OUT.

segunda-feira, 1 de agosto de 2022

A origem do palhaço em "Ashes to Ashes" de David Bowie

De todos os figurinos de David Bowie, o Blue Clown, usado para o vídeo de 1980 ‘Ashes To Ashes’, é de longe o mais enervante. Evocando os encantos góticos do cinema expressionista alemão, o vídeo mostra Bowie vestido com pintura facial pálida, um chapéu cônico e meias ao lado de vários frequentadores esquisitos do clube The Blitz, com quem o ícone glam havia esbarrado na noite anterior às filmagens. Os fãs analisaram a música e o vídeo até a morte, com muitos concluindo que era uma sequência do sucesso de Bowie de 1969, "Space Oddity", e que a marcha de personagens na frente de uma escavadeira simboliza a morte dos alter-egos anteriores do cantor. A origem do personagem mais marcante do vídeo é um pouco menos conhecida, no entanto.

Os palhaços aterrorizam as pessoas há séculos. Muitos deles têm suas raízes na Commedia Dell'Arte, uma marca de teatro renascentista que se originou na Itália e ganhou popularidade em toda a Europa entre os séculos XVI e XVIII. A designer Natasha Korniloff baseou o figurino de Bowie no personagem Pierrot, um diminutivo de Pierre (Peter) ou Pedrolino, um palhaço triste que é, apesar de sua aparência, um dos personagens mais simpáticos da Commedia dell’Arte.

Um dos primeiros exemplos de Pierrot vem da primeira produção de Molière e Don Juan, ou "A Festa da Pedra", que foi apresentada pela primeira vez em fevereiro de 1660 no teatro Palais-Royal em Paris. Na peça, Pierrot é o nome de um camponês que aparece no segundo ato. A popularidade do personagem foi tal que ele conseguiu sobreviver às mudanças nas tendências teatrais dos séculos 18 e 19, encontrando uma nova vida no cânone da música clássica do século 20 graças a Arnold Schoenberg. O compositor serialista alemão apresentou o personagem em seu Pierrot Lunaire, Op.21, cenário de 21 textos do ciclo poético de Albert Giraud. A versão de Schoenberg do palhaço triste estreou em Berlim em 16 de outubro de 1912, com Albertine Zehme no papel de Pierrot.

As composições atonais de Pierrot e Schoenberg tiveram um grande impacto na música popular do século XX. Veja Björk, por exemplo, que cantou Pierrot Lunaire durante uma apresentação única no Festival de Verbier de 1996. Pierrot também teve um impacto duradouro em Bowie. Antes de fazer seu nome, o músico estudou mímica e commedia dell'arte sob a tutela da dançarina Lindsay Kemp, fazendo sua estreia teatral em 1967 no Oxford New Theatre. O nome da produção? "Pierrot em Turquesa". Mais tarde, ele retornaria ao papel no vídeo 'Ashes To Ashes', no qual ele cumpre seu papel como o piadista triste.

Via FAR OUT.

Você pode conferir ‘Ashes To Ashes’, de Bowie, no player abaixo.