Confraria Floydstock: aniversários
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terça-feira, 13 de setembro de 2022

Yes: o lindo álbum "Close to the Edge"

"Close to the Edge", o quinto álbum de estúdio do Yes e possivelmente a obra-prima que define o rock progressivo,– foi originalmente lançado em 13 de setembro de 1972. Apesar de sua idade, a música em si permanece atemporal.

Embora tenham continuado a produzir música bonita, desafiadora e influente ao longo das décadas que se seguiram, esses britânicos com visão de futuro estabeleceram um precedente intocável durante esse período fértil, como "Close to the Edge" deixa mais do que evidente.

O maior motivo é a química visceral entre os músicos. O quinteto formado pelo vocalista e letrista Jon Anderson, o guitarrista Steve Howe, o baixista Chris Squire, o tecladista Rick Wakeman e o percussionista Bill Bruford fizeram apenas dois álbuns juntos: após um processo de mixagem especialmente árduo, Bruford saiu da banda para se juntar ao grupo liderado por Robert Fripp, King Crimson.

Mas de certa forma, eles disseram tudo o que precisavam dizer neste álbum. A combinação das letras psicodélicas e de olhos arregalados de Anderson e melodias vocais de hinos se encaixam perfeitamente com algumas das passagens instrumentais mais ferozes e intrincadas da história do rock. Essas passagens vieram como cortesia da finesse jazz-fusion de Bruford, da elegância tingida de clássico de Wakeman, do ecletismo de aranha de Howe e do baque surdo e musculoso de Squire.

Outra razão pela qual este álbum continua sendo uma pedra de toque é que ele nunca cai nas palhaçadas ou exibicionismo que atormentaram tantos álbuns de rock progressivo durante o auge do gênero. Em vez disso, "Close to the Edge" (particularmente a suíte-título de quatro partes e 18 minutos) é incrivelmente matizada, composta com um fluxo e economia tão magistral que cada solo, letra ou riff parece conectado de uma maneira cósmica e abrangente. Mesmo em sua forma mais complexa (a seção enganosamente complicada "Total Mass Retain"), as ideias mais simples brilham. O tema sublime da guitarra de Howe (que percorre toda a faixa-título) é um dos mais elegantes do canhão prog.

Mas enquanto "Close to the Edge" pode ser o destaque inevitável do álbum, duas outras faixas excelentes completam o disco: "And You And I" é um mini-épico, utilizando o trabalho de 12 cordas mais melódico e emocional de Howe e um arrepiante vocal principal de Anderson, enquanto "Siberian Khatru" fecha as festividades com um treino instrumental que mistura riffs de banda completa com interação estilo jazz-fusion, colocando o órgão borbulhante de Wakeman contra os solos ascendentes de Howe (co-arranjado por Bruford, em um exemplo clássico da banda escrevendo para os instrumentos uns dos outros).

Do ponto de vista lírico (e pessoal), Anderson estava cada vez mais interessado em explorar seu lado espiritual. Em particular, ele foi influenciado pelo romance Siddhartha, de Herman Hesse, no qual um homem indiano vivo na época de Buda experimenta um despertar interior através da natureza. Esses temas explodiriam em uma fascinante indulgência no álbum seguinte da banda, o frequentemente insultado (e amplamente subestimado) "Tales from Topographic Oceans", de 1973. Em "Close to the Edge", as visões espirituais e drogadas de Anderson atingiram o pico em clareza.

"Jon tiraria as coisas do sentido pessoal e autobiográfico e as colocaria em um sentido mundano", observa Howe no encarte do relançamento do álbum em 2003. "São todas as metáforas", Anderson disse mais tarde ao Sea of ​​Tranquility. "Foi quando eu passei por um período muito forte de apenas esboçar e escrever o que quer que eu cantasse como sendo um estado de consciência.

"Eu fumava um baseado e me divertia e escrevia: 'Uma bruxa experiente pode ligar para você das profundezas de sua desgraça / E reorganizar seu fígado para a graça mental sólida', e eu sei exatamente o que isso significa", acrescentou Anderson. "'Uma bruxa experiente pode chamá-lo das profundezas de sua desgraça' - Seu eu superior pode chamá-lo das profundezas de seus sentimentos vergonhosos, suas dúvidas. 'E rearranje seu fígado' - você pode reorganizar seu corpo para um 'sólido mental. graça.' O fígado é uma parte muito poderosa do corpo, por isso pode reorganizar o seu eu físico para um estado mental mais elevado.

"Perto da borda, na esquina", continua Anderson, "eu estava lendo Sidarta. Então tudo significa algo para mim. E as pessoas podem dizer o que quiserem. Não me importo, porque sei que o que eu estava dizendo era o que eu estava pensando, o que eu estava sonhando."

Na mesma entrevista, Anderson expande os temas espirituais do álbum. "Quando eu estava escrevendo 'Close to the Edge' com Steve [Howe], eu estava lendo muito sobre espiritualidade e como ela se estende por todo o mundo. Há uma conexão, como todos os rios levam ao mesmo oceano, então pensei: você sabe, 'Perto da borda, perto do rio.' E é tipo, as pessoas dizem que 'Close to the Edge' é sobre desastre', mas não, é sobre realização! Estamos nesta jornada, e a única razão pela qual vivemos é encontrar o divino. Encontrar Deus a partir de dentro."

As missões espirituais de Yes colheriam muitas outras recompensas ao longo dos anos. Mas do ponto de vista musical, eles realmente "encontraram Deus" em Close to the Edge, estabelecendo um precedente impressionante para o domínio do rock progressivo que nenhuma outra banda (inclusive Yes) conseguiu alcançar desde então.

Via UCR.

quinta-feira, 7 de julho de 2022

The Beatles: Como tocar bateria como Ringo Starr

Depois de 60 anos nas mentes e corações dos fãs de música em todos os lugares, não é nada controverso chamar Ringo Starr de um dos bateristas mais amados de todos os tempos. Através de uma mistura potente de ritmo contundente, afabilidade pateta, piadas oportunas, performances vocais ocasionalmente e aparições no cinema e na televisão, Ringo Starr é mais do que um baterista, ele é um ícone da cultura pop.

Nascido Richard Starkey em uma das áreas mais pobres de Liverpool, Inglaterra, Starr foi assolado por problemas de saúde que o forçaram a ficar fora da escola até que ele finalmente deixou a educação formal aos 15 anos. Starr encontrou uma fuga através da música, que manteve seu ânimo durante suas longas estadias no hospital. Ele veio em um momento potente quando meados da década de 1950 começou a explodir com uma nova forma de música que mudaria a vida de Starr: o rock and roll.

Construindo seu primeiro kit com tampas de lixo e pedaços de madeira quebrados, Starr passou por grupos de skiffle locais antes de desembarcar com um cantor chamado Al Caldwell em 1959. Não muito tempo depois que ele se juntou, Caldwell mudou seu nome artístico para Rory Storm, e Starr se tornou o baterista dos Hurricanes. Inspirado no novo batizado de Caldwell, Starr adotou oficialmente seu nome artístico, inspirado na cultura cowboy do velho oeste e na infinidade de anéis que adornavam seus dedos.

Quando Rory Storm and the Hurricanes começou a tocar residências em clubes em Hamburgo, na Alemanha, Starr se tornou amigo de outro grupo de Liverpool que estava dando o salto para o rock and roll: os Beatles. A essa altura, Starr havia dominado vários gêneros e estilos, incluindo rock, R&B, samba, swing e country, superando em muito as habilidades do então baterista dos Beatles, Pete Best. Os Beatles restantes tomaram nota, e uma rivalidade amigável logo se transformou em um convite oficial para Starr se juntar à banda em 1962.

O estilo de jogo de Starr foi atípico desde o início: sem treinamento formal, tudo o que ele podia fazer era aprender de ouvido. Ele era canhoto, mas adaptado para jogar em um kit destro. Ele preferia a pegada de partida em vez da pegada tradicional. Não havia ninguém que tocasse como Starr, e ele mesmo se opôs a influências diretas, afirmando que Cozy Cole foi o único disco de bateria que ele comprou. Ringo Starr não teve outra opção a não ser soar como Ringo Starr.

Durante quase toda a carreira dos Beatles, Starr permaneceu leal à empresa de bateria Ludwig. Em 1963, Starr comprou um kit Oyster Pearl Ludwig que se tornaria icônico, completo com uma caixa de 14 polegadas, tom de rack de 12 polegadas, surdo de 14 polegadas e bumbo de 20 polegadas. Essa configuração variaria apenas um pouco no final da carreira dos Beatles. Starr também usou pratos Zildjian principalmente na banda, com tamanhos variando de chimbals de 14 polegadas a pratos de passeio de 20 polegadas.

A única vez que Starr realmente reformulou sua bateria foi para a gravação dos dois últimos álbuns da banda, "Abbey Road" e "Let It Be". Starr pulou para um kit de maple que incluía um tom de rack de 13 polegadas adicional e um prato de colisão adicional. Apesar de ter praticamente a mesma configuração em toda a sua carreira com os Beatles, Starr conseguiu extrair sons extremamente diferentes de seu kit através de diferentes afinações, trocas de armadilhas, mudanças de pratos e uma quantidade saudável de experimentação em estúdio.

Starr faria qualquer coisa para obter o som certo: toalhas de chá foram usadas para abafar a bateria em 'Come Together'. Bongos foram contratados para dar um impulso adicional a 'You're Going to Lose That Girl'. Os tímpanos foram trazidos para dar a 'Every Little Thing' seu toque único. Assim como seus companheiros de banda estavam experimentando novos sons, Ringo também estava.

Depois disso, tudo se resumia à variedade de técnicas que Starr empregaria. Starr usaria um estilo de chimbal que muitas vezes é comparado a lavar janelas, uma espécie de sensação meio reta e meio balançada que você pode ouvir melhor em músicas antigas como 'All My Loving' e 'I Wanna Be Your Man', mas também em faixas posteriores como 'Fixing a Hole' e 'Your Mother Should Know'. Também essencial ao estilo de Ringo é o uso de chamas, batendo um tambor com as duas mãos ao mesmo tempo. Para se encher de chamas, confira 'She Loves You', 'Ticket to Ride', 'Eight Days a Week' e 'Drive My Car'.

A adaptabilidade de Starr tornou-se uma grande necessidade para os Beatles explorarem diferentes gêneros. Starr estava usando batidas inspiradas em samba e rumba já em 'Till There Was You', mas Starr realmente acelerou em 'I Feel Fine', utilizando batidas rápidas de pratos para manter o ritmo da música em movimento. Se ele ficasse preso, Starr não estava acima de simplesmente bater um único tambor repetidamente para manter as músicas no tempo, incluindo 'Good Day Sunshine', 'Good Morning Good Morning' e 'Come Together'.

Starr também não teve medo de usar o kit por tudo que valia. Padrões estranhos podem ser ouvidos em músicas como 'Anna (Go To Him)' e 'In My Life', onde uma batida direta simplesmente não funcionaria. Isso começaria a se transformar em um dos hábitos de bateria mais icônicos de Starr: preenchimentos.

Os preenchimentos de tom que Starr empregou em todo o catálogo dos Beatles são algumas de suas contribuições mais icônicas para toda a música. Seu hábito de pular ao redor do kit, mais uma vez graças ao seu canhoto, torna seus preenchimentos estranhos e um pouco instáveis. Em outras palavras: eles têm personalidade. Basta ouvir alguns de seus maiores sucessos: 'Rain', 'She Said She Said', 'A Day in the Life' e 'The End'.

À medida que a música dos Beatles mudou, também mudou a abordagem de Starr para tocar bateria. O estilo rock and roll pesado logo deu lugar a sons mais psicodélicos, com Starr adotando preenchimentos mais frenéticos para adicionar à mania. Com a música indiana vieram os címbalos ao contrário. Com lamentos lentos vieram embaralhamentos de blues. Com as canções de assassinato do music hall vieram as bigornas. As limitações de apenas tocar “bateria” nunca pareciam segurar Starr, mesmo que ele parecesse fazer tudo parecer incrivelmente fácil.

Essa facilidade também deu origem a um grave equívoco: que Starr não era um baterista muito talentoso. Sua atitude humilde, comportamento pateta e admitida falta de proeza de composição provavelmente contribuíram para essa noção, mas não se engane, Ringo Starr é altamente habilidoso e, talvez mais importante, quase impossível de replicar. Sem falhas, a maioria dos ouvintes podia apenas ouvir o padrão de bateria de Starr e identificar qual música dos Beatles era. Em alguns casos, a execução de Starr seria o aspecto mais interessante da faixa.

Tocar como Ringo Starr é tocar junto com a música como um colaborador igual. “Há um ritmo de vida. Há um ritmo para cada música. Você pode levantar a banda e a banda pode levantar você”, como Starr explicou em sua recente MasterClass sobre Drumming and Creative Collaboration. Mais do que qualquer outro baterista na história, Starr trabalhou duro para servir a música que ele estava tocando. A forma de tocar de Starr vem com muito pouco ego, o que pode ser o maior obstáculo ao tentar replicar seu estilo.

Em última análise, para tocar bateria como Ringo Starr, você só precisa ouvir, deixar fluir, se divertir e tocar alguns preenchimentos ao longo do caminho.

Via FAR OUT.

quinta-feira, 19 de maio de 2022

Urian Heep: Em 19 de maio de 1972 (há 50 anos) era lançado o clássico álbum "Demons & Wizards"

Nesta data, 19 de maio de 1972, há exatos 50 anos, a banda britânica de Hard Rock/Prog, Uriah Heep, lançava seu quarto full lenght, “Demons And Wizards”, pelo selo Bronze Records. O registro foi produzido por Gerry Bron.

Esse disco marcou a estreia dos saudosos Lee Kerslake (bateria e vocal) e Gary Thain (baixo e backing vocal), que substituíram Iain Clark e Paul Newton, respectivamente.

Tracklist:

 1.”The Wizard”

2.”Traveller In Time”

3.”Easy Living”

4.”Poets Of Justice”

5.”Circle Of Hands”

6.”Rainbow Demon”

7.”All My Life”

8.”Paradise/The Spell”

A Banda:

David Byron (vocal)

Mick Box (guitarra)

Ken Hensley (teclado, guitarra, vocal)

Gary Thain (baixo) (exceto faixa 1)

Mark Clarke (baixo na faixa 1)

Lee Kerslake (bateria e vocal)

Via MUNDO METAL.

sexta-feira, 25 de março de 2022

Deep Purple: os 50 anos da obre-prima "Machine Head"

O clássico sexto álbum de estúdio do Deep Purple, "Machine Head", chegou há 50 anos. O disco apresenta algumas das músicas mais emblemáticas dos roqueiros bretões, incluindo “Highway Star”, “Space Truckin”” e, claro, a música de assinatura da banda, “Smoke on the Water”.

Deep Purple - Ian Gillan: "Smoke On the Water" foi gravada só pra completar o álbum.

Impulsionado pela popularidade de “Smoke on the Water”, "Machine Head" tornou-se o álbum mais vendido do Deep Purple nos EUA, chegando ao 7º lugar na Billboard 200 e vendendo mais de dois milhões de cópias.

Smoke on the Water” alcançou o 4º lugar na Billboard Hot 100, o single da banda nos EUA com melhor desempenho, juntamente com “Hush” de 1968.

O Deep Purple gravou "Machine Head" no final de 1971 em Montreux, Suíça, no Lago Genebra. Enquanto a banda estava lá, ocorreu o infame incidente que inspirou “Smoke on the Water”. Frank Zappa estava fazendo um show no Montreux Casino e, durante o show, alguém na plateia disparou um sinalizador no teto de bambu do local, causando um incêndio que queimou o prédio.

Depois que a banda gravou uma faixa com o famoso riff do guitarrista Ritchie Blackmore, o cantor Ian Gillan e o baixista Roger Glover criaram a letra contando a história do incêndio.

Em 2016, a revista Guitar Player classificou o riff de “Smoke on the Water” como o segundo maior riff de guitarra de todos os tempos. Blackmore disse à ABC Audio que com músicas de The Kinks e The Rolling Stones em mente, ele intencionalmente escreveu o riff simplesmente imaginando que teria um apelo mais amplo.

[Minha] ideia era me afastar e pensar: ‘Quero tocar algo que o carteiro possa assobiar quando estiver… entregando cartas’”, explica ele.

Ritchie acrescenta: “Acho que é por isso que muitos guitarristas vão a lojas de música e tocam, porque é muito simples de tocar”.

Via everettpost.com

Ouça o álbum na íntegra:

Tracklist:

“Highway Star”

“Maybe I’m a Leo”

“Pictures of Home”

“Never Before”

“Smoke on the Water”

“Lazy”

“Space Truckin"”

quinta-feira, 3 de fevereiro de 2022

David Bowie: Caindo na Terra duas vezes: 25 anos de 'Earthling'

O álbum ganha vida com um som semelhante ao suspiro raivoso de um robô satânico que acaba de ser informado de que não trabalhará à noite na próxima semana. Segundos depois, uma melodia contrastante que não parece evitar a luz do dia vem à tona, uma bateria eletrônica pode mascarar, mas o refrão não é de longe as peças mais bonitas de "Hunky Dory". Na verdade, essa mistura estranha é um paradigma do disco e da arte de David Bowie como um todo.

Notavelmente, "Earthling" foi o 21º álbum de estúdio do Starman e seu olho ainda estava voltado para a inovação. Bowie nesta fase, no entanto, não estava necessariamente se destacando no futuro e orquestrando de longe. As ideias apresentadas no disco têm claras influências dos principais atos da época. Essas influências são então temperadas com a beleza inerente sempre no trabalho de Bowie e muitas vezes subnotificada, daí uma paisagem infernal industrial, intrometendo-se com uma tenra linha superior nos primeiros segundos do disco como um toque de laranja em uma seringa de lixo. Bowie estava sempre se movendo com os tempos, mesmo quando ele mesmo não os estava movendo, mas por baixo de tudo, havia uma espinha dorsal de composições atemporais.

O álbum foi seu primeiro LP auto-produzido desde "Diamond Dogs" 23 anos antes. Este é outro exemplo de Bowie como artista. Quantas pessoas por aí você acha que seriam ousadas o suficiente para não apenas arriscar um legado brilhante e voltar ao volante novamente depois de quase duas décadas e meia, mas para fazê-lo ao dirigir um protótipo com um manual completamente novo, ele não estava apenas se pressionando a gravar e distribuir cantigas acústicas aqui, este álbum foi tão fortemente produzido que você não ficaria surpreso ao ver Bill Gates receber um crédito.

Além do mais, a carreira de Bowie esteve um pouco vacilante por um tempo nesta fase. Ele enfrentou novos mundos a cada passo, mas seria difícil argumentar que a década anterior aos terráqueos foi a mais frutífera. O álbum quase parece um reconhecimento desse fato. Ele começou a gravar alguns dias depois de terminar sua última turnê e, por sua própria admissão, começou a retornar a algo semelhante a "Scary Monster (And super Creeps)", seu último álbum verdadeiramente magnífico na época.

Tudo isso é, obviamente, altamente crível. Na verdade, é uma marca registrada do trabalho de Bowie que, mesmo quando ele falhou, ele o fez com integridade e sempre havia algo a salvar, não apenas um reconhecimento de ousadia criativa. Mas e os próprios terráqueos como experiência de escuta?

Bem, a experimentação maníaca e a mistura de várias ideias malucas é certamente deslumbrante e não há dúvida de que um momento de tédio é tão estranho quanto um sanduíche de queijo na China no disco, mas além de 'Little Wonder', 'I'm Afraid of Americans' e talvez 'Dead Man Walking' não tenho certeza se muitas pessoas ainda ouvem. E mesmo quando se trata de 'I'm Afraid of Americans', não tenho certeza se alguém gostou tanto quanto Bowie.

Foi a hibridização das sensibilidades europeia e americana e, para mim, isso é emocionante”, disse ele ao Live! revista após o lançamento, “Isso é o que eu faço melhor. Eu sou um sintetizador.” Nunca uma palavra mais verdadeira foi dita, mas ele sintetizou melhor do que os terráqueos no passado e mesmo depois disso. Talvez haja muita coisa acontecendo na mixagem do álbum e, embora isso possa ter injetado em sua discografia uma dose de adrenalina de inovação após o lançamento há 25 anos, parece que depois a poeira que sacudiu foi admirável, mas agora se estabeleceu , você não estraga tudo com tanta frequência.

Via FAR OUT.

sexta-feira, 17 de setembro de 2021

Celebrando 30 anos de "No More Tears", Ozzy Osbourne divulga dueto de “Hellraiser” com Lemmy Kilmister

Faixa integra “No More Tears – Expanded Edition”, que chegara hoje, celebrando 30 anos de lançamento do álbum, trazendo vários bônus.

Ozzy Osbourne disponibilizara o dueto inédito de “Hellraiser”, que gravara com Lemmy Kilmister, saudoso frontman do Motörhead e co-autor desta e de mais 3 canções que integram o álbum "No More Tears" (1991).

Ozzy Osbourne passará por "grande cirurgia" na coluna.

Originalmente a música fora lançada somente separadamente, por Ozzy, no álbum em questão e por Lemmy com o Motörhead no álbum "March Or Die" (1992).

Desire”, “I Don’t Wanna Change the World” e “Mama, I’m Coming Home” completam a lista de composições da dupla.

Além da parceria musical, o madman e Lemmy mantiveram longa amizade, até a morte de Kilmister em 2015.

Espero que todos gostem da música. Esta é uma pequena forma de honrar meu amigo Lemmy. Sharon e eu conversamos muito sobre o quanto sentimos sua falta.

Tenho um monte de ótimas memórias sobre a produção do álbum. Trabalhamos duro no disco com John Purdell e Duane Baron, que se tornaram dois membros extras da banda. Antes de entrarmos no estúdio, discutimos o que iríamos fazer – tudo estava planejado. É tão bom quando você pega um produtor que é mais como uma parte da banda do que quando eles dizem: ‘não, faça desse jeito’.” - disse Ozzy.

Ouça "Hellraiser" com Ozzy e Lemmy no player abaixo:


Tracklist:

Mr. Tinkertrain
I Don’t Want to Change the World
Mama, I’m Coming Home
Desire
No More Tears
Won’t Be Coming Home (S.I.N)
Hellraiser
Time After Time
Zombie Stomp
A.V.H.
Road to Nowhere
Don’t Blame Me
Party With the Animals
I Don’t Want To Change The World (demo)
Mama, I’m Coming Home (demo)
Desire (demo)
Time After Time (demo)
Won’t Be Coming Home (S.I.N) (demo)
Mrs J. (demo)
I Don’t Want to Change The World (live)
Road to Nowhere (live)
No More Tears (live)
Desire (live)
Mama, I’m Coming Home (live)

quinta-feira, 12 de agosto de 2021

Mark Knopfler: celebre seu aniversário com vídeo do Dire Straits em Wembley

Mark Knopfler comemora seu 72º aniversário hoje. O aclamado guitarrista, cantor e compositor, produtor e compositor nasceu em 12 de agosto de 1949 em Glasgow, Escócia, mas cresceu em Blyth, perto de Newcastle, na Inglaterra.  As primeiras influências de Mark incluíram seu tio junto com o guitarrista do Shadows, Hank Marvin.  Knopfler ansiava por uma Fender Stratocaster vermelha como seu herói Marvin, mas se contentou com uma Hofner mais barata.  Ele logo pegaria o violão e também se apresentaria com seu herói.

Depois de se formar na Universidade de Leeds e trabalhar como professor universitário por três anos, Mark fundou a lendária banda de rock Dire Straits em Londres em 1977 com seu irmão guitarrista David Knopfler, o baixista John Illsley e o baterista Pick Withers.  Embora seu single de estreia, "Sultans Of Swing", tenha obtido sucesso, os quatro membros da banda trabalharam durante o dia e aprimoraram seus talentos em clubes de Londres à noite, juntamente com Withers sendo músico de estúdio de Gerry Rafferty e outros ao longo dos anos 70. Em 77, a banda surgira de uma demo que incluía "Sultans Of Swing" e, embora tenham sido rejeitadas algumas vezes, a música acabou chamando a atenção de um DJ da BBC chamado Charlie Gillet, que começou a tocar o disco em sua BBC Radio London  programa Honky Tonk.

A tração de "Sultans", que começou a subir nas paradas, levou a banda a assinar com a divisão Vertigo da Phonogram Inc. e a contar sua estreia homônima em 1978 com o produtor Muff Winwood (irmão de Steve Winwood).  A banda começou a turnê, abrindo para Talking Heads, e um relançamento de "Sultans of Swing" começou a escalar as paradas no Reino Unido chegando ao número 8. Isso levou a banda a assinar um contrato com a Warner Bros.  turnê pela América do Norte que colocou "Sultans" no Top 5 nos EUA. Bob Dylan pegou a banda em Los Angeles e convidou Knopfler e Withers para gravar com ele. Dire Straits havia atingido o grande momento.

A estrela da banda continuaria a crescer com os álbuns subsequentes e eles alcançaram um sucesso astronômico com seu álbum de maio de 1985, "Brothers In Arms", que incluía o sucesso da MTV "Money For Nothing", bem como outras canções de assinatura como "So Far Away", "Walk Of  Life ”e muito mais.  Em 10 de julho de 1985, no auge de sua fama, os Dire Straits se apresentaram na lendária Wembley Arena em Londres.

A banda viu algumas mudanças de pessoal e continha apenas os membros originais, o guitarrista Mark Knopfler e o baixista John Illsley.  A formação foi completada pelos tecladistas Alan Clark e Guy Fletcher, o guitarrista Jack Sonni, o baterista Terry Williams e o saxofonista Chris White.

O set de Wembley de 1985 viu o Dire Straits se apegando amplamente ao material de "Brothers in Arms", incluindo as já mencionadas "Money For Nothing" e "Walk Of Life" junto com a faixa-título - e seu álbum de 1980, "Making Movies", incluindo clássicos do último  como “Romeo And Juliet" e “Tunnel of Love”.  A banda também incluiu “Sultans” e deu as boas-vindas ao guitarrista Nils Lofgren em “Solid Rock”.  O set termina com "Going Home: Theme of the Local Hero", de Knopfler, que apresenta o guitarrista Hank Marvin.

Para comemorar o aniversário de Mark Knopfler, assista-o se apresentar com o Dire Straits em Wembley em 1985 no player abaixo.



segunda-feira, 24 de maio de 2021

Bob Dylan: as 8 décadas do mestre

Há 80 anos o mundo explodia em miríades de cores, ficando mais enigmático, e levando de chofre o mundo pop. Era a resposta da natureza à unilateralidade opaca dos Mestres da Guerra, uma procissão de múltiplos personagens à prova de opinião. 

'To be outside the law you must be honest'. 

O ladrão integro, o sisudo bobo-da-corte.

'There must be someway out of here'.

Em um irredímivel mundo hipócrita, Dylan encarna o fora-da-lei arquetípico, mas aos que o seguem fervorosamente em busca de revelação ele convida a cheirar a flor de plástico em sua lapela

O mundo que Dylan canta não é 'liberto pela arte', é a arte liberta que dita e desdita o mundo. Eros e civilização.

Trazendo a Lira de Apolo e reformando o culto Dionísico, o bardo concilia ciência e arte, derrubando os mais sedimentados cânones dos séculos, como a crítica de T S Eliot ao 'empobrecimento' da poesia pela música, tomando Alfred Nobel de assalto.

Dylan fez de si uma obra-prima inacabada, like a Rolling Stone. Tudo o que não faz parte de sua arte: origem, classe social e filiação, é absolutamente desprezível.

Tampouco lhe interessa a 'verdade' com que arrebatou uma legião de seguidores, que o chamaram Judas quando Dylan convocou uma banda para ‘escoltá-lo’ ao palco.

Assim é sua música: letra, melodia, impressões bem humoradas de um simples ser humano de inflexão anasalada em meio ao turbilhão dissonante da sociedade americana.

Tudo magistralmente encaixado em sua fórmula e em seguida descartado com a forma.

Pouquíssimos compreenderam tão bem a importância do mistério em detrimento da superexposição.

Em fins da década de sessenta, um acidente de moto em Woodstock e seu sumiço dos holofotes, a comunidade artística onde morava tornou-se local de peregrinação para os grandes como Hendrix e Clapton, e em 1969 abrigou um dos maiores símbolos da contracultura americana.

Nasce a lenda quando a arte é maior que a vida. Quanto a Dylan não se sabe, desde o início, qual imita o quê.

O sangue de uma vida assim sacrificada escorre direto para as faixas, "Blood on the Tracks". Mas a cada vez que desce ao inferno e experimenta seu corpo despedaçar, o mundo retorna mais consciente.

Viva Robert Allen Zimmerman, viva Bob Dylan!

Pelo confrade Renato van Azambergen.

terça-feira, 13 de abril de 2021

Show online celebra o centenário de Dona Ivone Lara

Apesar de ter nascido em 13 de abril de 1922, os documentos da Rainha e Grande Dama do Samba registram seu nascimento no ano anterior

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Xande de Pilares, Dudu Nobre, Dandara Mariana, Bruno Castro e André Lara estarão juntos no palco do Teatro Rival Refit para comemorar o centenário de Dona Ivone Lara no dia 13 de abril, a partir das 19h, com participações especiais dos dançarinos Juliana Costa e Adalberto Shock.

No repertório, sucessos da compositora e também canções nunca gravadas, que acabam de ganhar registro em EP, que será lançado no show. O EP acompanha a chegada às plataformas digitais do “Baú da Dona Ivone”, lançado em 2012. O espetáculo, com duas horas de duração, será transmitido pelo canal do teatro no YouTube, com retransmissão pelo canal da rádio FM O DIA.

Serviço:   Centenário de Dona Ivone Lara

Dia - 13 de abril, terça-feira,  às 19h

Teatro Rival Refit - https://www.youtube.com/channel/UCJhwBwkonCUAsd4MYNrbwQQ

Colaboração:

Doação amiga  a partir - R$15 (QUINZE REAIS); pelo link da sympla

Link : https://www.sympla.com.br/centenario-de-dona-ivone-lara---transmissao-ao-vivo---teatro-rival-refit-abrindo-portas-apresenta__1174097

sexta-feira, 9 de abril de 2021

Gonzaguinha: 30 anos de saudades

O Teatro Rival Refit recebe o tributo “Gonzaguinha: o eterno aprendiz – 30 anos de saudades” com transmissão on-line, no dia 29 de abril, às 19h30.A apresentação é justamente quando se completam 30 anos da morte do artista.

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No repertório, estão grandes sucessos do saudoso cantor e compositor que vão emocionar os fãs. Entre eles, clássicos como “Explode coração”, “Recado”, “Começaria tudo outra vez”, “Sangrando”, “O que é, o que é?”, “Eu apenas queria que você soubesse”, “Grito de alerta”, “É”, “Diga lá, coração”, “Espere por mim, morena” e  “Vamos à luta”. O espetáculo é estrelado pelo cantor e ator Rogério Silvestre, que sobe ao palco acompanhado pelos músicos Rafael Toledo (diretor musical, violão, teclados e voz), Cacá Franklin (percussão) e Dudu Dias (baixo), além dos cantores Wladimir Cabanas, Valdeir Valença e Imyra Chalar. 

Serviço : 29 de abril, às 19h30

DOAÇÃO:

Doação amiga a partir de : R$15,00 (QUINZE REAIS)

Link:  https://www.sympla.com.br/gonzaguinha-30-anos-de-saudades---teatro-rival-refit-abrindo-portas-apresenta__1175206

domingo, 28 de março de 2021

Pink Floyd: "The Division Bell"


"The Division Bell" ("Os Sinos da Divisão") é o álbum n°14 do Pink Floyd lançado em 28 de Março de 1994 pela gravadora EMI/Columbia.
CONCEITO/CAPA : O título do álbum refere-se aos sinos do Parlamento Britânico que são tocados nos debates e diálogos ou quando ocorrem divergências mais acirradas entre os parlamentares no momento de votação. Storm Thorgerson, colaborador de longa data, construiu duas cabeças metálicas de 4,5m de altura que formam uma única face. As duas faces em perfil indicariam o diálogo como um solucionador de problemas, visto que a COMUNICAÇÃO (como algo importante no relacionamento entre pessoas) é o tema que permeia o álbum.

Destaco a intensa tristeza da instrumental "CLUSTER ONE" que abre o disco. "WHAT DO YOU WANT FROM ME?" uma música forte (ainda que lenta) é trata de relacionamentos interpessoais. O título (O QUE VOCÊ QUER DE MIM?) foi dito por Gilmour ou pela sua esposa Polly Samson numa desentendimento de casal. POLES APART mostra o primeiro verso falando de Syd. O segundo verso fala de Waters. Minha música preferida do álbum. Bela, atmosférica e com aquela guitarra linda de Gilmour no final dramático. "A GREAT DAY FOR FREEDOM" aborda sobre o Muro de Berlim e a liberdade vinda por sua queda. Todavia parece haver um ar de descrença em meio as mudanças que não se concretizaram. "MAROONED" é aquela faixa instrumental que transporta a mente para uma ilha a ouvir sons e barulhos relaxantes. Uma viagem maravilhosa, proporcionada graças aos pedais DigiTech Whammy de David Gilmour. "MAROONED" ganhou o Grammy em 1995 como melhor faixa instrumental. "HIGH HOPES" é um épico sagrado! Como não se emocionar com tamanha obra-prima?

Uma letra que fala das lembranças de Gilmour sobre sua infância mas que podemos conjecturar sobre o que vivemos ao longo da vida e de nossas lembranças vivas que carregamos. Mística. O solo final com a lap steel guitar de Gilmour é simplesmente pra chorar. Maravilha sonora!

Nas tabelas ao redor do mundo, atingiu o número 1 em diversos países, entre eles : EUA (Billboard 200), Reino Unido, Alemanha, Noruega, França, Espanha, Austrália, Canadá, Holanda, Áustria, Suíça, Nova Zelândia e Suecia 27 anos de um belo álbum, ao qual, particularmente tenho um carinho enorme.

Pelo confrade Moisés Floydiano.


Tracklist:

1. Cluster One (5:58)
2. What Do You Want From Me (4:21)
3. Poles Apart (7:04)
4. Marooned (5:28)
5. A Great Day For Freedom (4:18)
6. Wearing The Inside Out (6:48)
7. Take It Back (6:12)
8. Coming Back To Life (6:19)
9. Keep Talking (6:11)
10. Lost For Words (5:14)
11. High Hopes (8:31)

Total Time: 66:24

A Banda :

David Gilmour / vocais, guitarras elétricas e violões, e-bow (7), teclados, baixo, vocal principal, talk box, programação, co-produtor
Richard Wright / teclados, piano, vocal (6), vocais de apoio
Nick Mason / bateria, percussão

Com:

Tim Renwick / guitarras
Jon Carin / teclados, programação, vocais
Bob Ezrin / teclados, percussão, co-produtor
Dick Parry / tenor saxofone
Guy Pratt / baixo, vocais
Gary Wallis / acústico e eletrônico percussão
Sam Brown / backing vocals
Carol Kanyon / backing vocals
Rebecca Leigh-White/ backing vocals
Durga McBroom / backing vocals
Jackie Sheridan / backing vocals
Stephen Hawkins / voz sintetizada
Michael Kamen / arranjos orquestrais
Edward Shearmur / orquestrações

quinta-feira, 14 de janeiro de 2021

Foo Fighters lança "Waiting on a War", canção de seu novo álbum; ouça

"Waiting on a War" integra "Medicine at Midnight", novo álbum do Foo Fighters, que chegará no dia 5 de fevereiro próximo, via RCA/Sony Music.

A canção chega marcando o 52º aniversário do frontman Dave Grohl.

Ouça no player abaixo:


Sequenciando, assista ao clipe de "Shame Shame" e ouça "No Son of Mine", ambas liberadas anteriormente.


Tracklist:

01. Making A Fire
02. Shame Shame
03. Cloudspotter
04. Waiting On A War
05. Medicine At Midnight
06. No Son Of Mine
07. Holding Poison
08. Chasing Birds
09. Love Dies Young


quinta-feira, 19 de novembro de 2020

Ex Libris celebra um ano de "ANN - A Progressive Metal Trilogy" com novo clipe de "𝘛𝘩𝘦 𝘋𝘪𝘢𝘳𝘺". Assista


"𝘛𝘩𝘦 𝘋𝘪𝘢𝘳𝘺" integra "ANN - A Progressive Metal Trilogy", álbum da banda Ex Libris, da frontwoman Dianne van Giersbergen, que chegara há exatamente um ano, trazendo 3 EPs compilados sobre as histórias de Anne Boleyn, Anastasia Romanova e Anne Frank.

A canção abre a história da 3ª homenageada desta ópera-metal. Assista ao clipe no player abaixo e em seguida saiba tudo sobre o álbum, que ficara entre os melhores de 2019, segundo a Confraria Floydstock :


Review: Ex Libris - ANN - A Progressive Metal Trilogy (Chapter 3 - Anne Frank) (in English)

Em um processo criativo que durara um pouco mais de um ano, três esplêndidas partes formaram, enfim, um todo maravilhoso.

A banda neerlandesa Ex Libris, capitaneada pela frontwoman Dianne Van Giersbergen, se lançou de cabeça em um projeto audacioso, porém, de resultado extremamente feliz: o álbum "ANN - A Progressive Metal Trilogy", concebido a partir de agosto de 2018, paulatinamente na forma de 3 EPs de aproximadamente 20 minutos, com 3 canções em cada, abordando em cada um deles a história musicada de 3 grandes "Anas" da história mundial, todas enormes vítimas do terror oriundo da própria raça humana, sendo elas:

Review: Ex Libris - “Ann, Chapter 1: Anne Boleyn”.


Review: “Ann, Chapter 2: Anastasia Romanova” - Ex Libris (also in English).


...E por fim, o recém-chegado "Chapter 3 - Anne Frank", sobre o qual discorrerei nas linhas abaixo.


No terceiro capítulo desta trilogia prog-metálica, Dianne e seus companheiros de Ex-Libris nos convida a explorar a história forte e triste de Anne Frank, mas com o encanto lírico impressionante que eles sempre conseguem entregar em suas obras.

Anne Frank, nascida em Frankfurt em uma família judia, que desesperada ante o terror nazista, se refugia na Holanda em 1943, onde Anne inicia a confecção de seu famoso diário, em holandês, num pequenino caderno que ganhara de presente no seu 13º aniversário, que posteriormente seria publicado por seu pai e traduzido para mais de setenta idiomas.

O trabalho começa justamente com a canção "The Diary", que nos remete à Dianne surgindo com sua linda e maviosa voz, acompanhada ao piano e teclados, pelo incrível Joost van den Broek, criando uma atmosfera ainda lúcida e tranquila, onde Frank inicia a escrita de seu diário, redigindo as primeiras linhas, ainda serena e com uma certa tranquilidade.

A harmonia e contemplação dá lugar ao medo, angústia e tensão ante a ameaça vindoura em "The Annex", segunda canção do EP, que chega eruptivamente jorrando os maravilhosos elementos prog-metal da Ex-Libris: riffs, fraseados e solos de guitarra poderosos de Bob Wijtsma, variações de andamentos, sempre permeados pela voz irrompedora de Lady Dianne. Aqui temos até mesmo um pequeno lindo trecho que nos remete à música flamenca, com violões e voz.

Subitamente, sirenes anunciam o pavor e viram "The Annex" para "The Raid", indubitavelmente uma das melhores canções de toda a carreira da Ex-libris. Uma maravilhosa suíte de dez minutos, trazendo o momento da prisão de Anne Frank e sua família pela Gestapo nazista em agosto de 1944 e a torturante permanência e morte no campo de concentração Bergen-Belsen, em fevereiro de 1945.

Aqui sobram qualidades. Em primeiro lugar, Dianne abusa de cantar bem, mostrando uma de suas maiores virtudes vocálicas: a sua capacidade de surfar intermitentemente entre o canto lírico e o metal rasgado. Além disso, o instrumental da canção é elaboradamente primoroso, com os musicistas parecendo brincar, como se mudar cadências melódicas daqui pra ali fosse algo extremamente fácil.

A canção, o EP e o álbum se encerra com Dianne van Giersbergen entoando um lindo canto sem letra, como se os espectros de Anne Boleyn, Anastasia Romanova e Anne Frank nos olhassem em despedida e agradecidas pela belíssima homenagem que receberam da Ex Libris.

Nota 10.

Ex Libris: Entrevista exclusiva com Dianne van Giersbergen



Tracklist:

1.The Diary (04:22)
2.The Annex (06:03)
3.The Raid (10:16)

A Banda:

Dianne van Giersbergen – Vocals
Joost van den Broek – Synth, Keys
Bob Wijtsma – Guitars
Luuk van Gerven – Bass
Harmen Kieboom – Drums


segunda-feira, 28 de setembro de 2020

Anette Olzon diz que está "orgulhosa" de sua atuação no álbum "Dark Passion Play" do Nightwish

Via Blabbermouth

Anette Olzon se juntara ao Nightwish em 2007 e gravou dois álbuns de estúdio com a banda antes de ser dispensada em 2012 no meio da turnê norte-americana do grupo. Ela fora substituída pela ex-vocalista do After Forever, Floor Jansen.

No sábado último (26 de setembro), Olzon acessou seu Instagram para escrever:

"Então, eu vi alguns de vocês compartilhando que hoje se passaram 13 anos desde o lançamento de "Dark Passion Play". Não posso acreditar que já se passaram tantos anos, mas este álbum é, claro, muito querido para mim. Foi o que me permitiu viver da minha música finalmente aos 36 anos e tem sido o meu sonho desde criança ser cantora a tempo inteiro e o sonho tornou-se realidade quando fui escolhida para o Nightwish.
A gravação foi de 3 semanas para mim, onde eu e o Tuomas (Holopainen, tecladista/líder do grupo) vivemos na floresta durante o inverno finlandês. Gravamos músicas, nos divertimos e foi ótimo. Eu não conhecia os meninos muito bem naquela época, mas a turnê que veio com o álbum foi enorme e eu pude ver o mundo. Foi um momento emocionante, mas também um momento difícil, já que eu não tinha ideia de quão grande a banda realmente era quando entrei e eu nunca tinha feito uma longa turnê, então foi um trabalho pesado tanto mental quanto fisicamente.
Eu tenho tantas boas lembranças e a coisa com este álbum é que ele foi muito amado pelos fãs de não metal também. Ele foi tocado nas rádios aqui na Suécia e foi o número um na lista das crianças e nós ganhamos o incrível Echo Award com ele. Então, eu sempre me sentirei tão abençoada por ter estado neste álbum e estou orgulhosa de minha atuação nele. As músicas não foram escritas para mim e foi desafiador muitas vezes gravá-las. Mas obrigado a todos vocês que compraram e por todo o apoio que recebemos com ele.

Feliz aniversário para mim, os outros meninos do Nightwish e, claro, para Dark Passion Play."

Em fevereiro passado, Olzon disse que estava "triste em muitos aspectos" com sua saída do Nightwish, explicando que ela e seus ex-companheiros de banda "tiveram uma coisa boa acontecendo por muitos anos". Em uma entrevista com Wayne Noon da "Rat Salad Review", Anette refletiu sobre seu tempo com a banda, dizendo: "Não quero falar sobre como acabou, porque toda vez que eu digo algo, toda a base de fãs deles salta sobre mim, então eu tenho que ter muito cuidado com o que eu digo. Mas eu estava triste [com a separação], porque eu senti que havia algo legal acontecendo por muitos anos antes de começar a ser um pouco difícil entre nós. E nós também éramos bem diferentes de como queríamos trabalhar; sou sueca e eles são finlandeses. Por isso, estou triste de muitas maneiras, porque era divertido - nos dias de diversão. Mas também estou muito feliz por ter feito isso. Não estou lá por causa da programação da turnê. "

Ela continuou: "Era muito estressante para mim ficar longe; quase nunca ficava em casa. Fiquei fora seis semanas, depois estive em casa talvez uma ou duas semanas, acabei de desfazer minhas malas e depois parti por cinco semanas novamente. Não é um estilo de vida que eu quisesse continuar por mais do que isso. E na verdade, agora eu sinto que tenho uma boa vida com a música e um trabalho normal, posso decidir o que quero fazer e ninguém me diz o que eu tenho que fazer. Então, eu sou um espírito livre mais agora do que era naquela época."

Olzon também abordou as críticas incessantes que foram feitas a ela por se colocar no lugar da cantora original do Nightwish, Tarja Turunen, cujos vocais operísticos eram muito diferentes da abordagem mais pop de Anette.

"Você não sabe como as pessoas vão ser, mas, claro, fui eu que ganhei todo o ódio e foi, claro, muito difícil para mim lidar com aquela situação", ela admitiu. “Se eu fosse a cantora original, não teria todos os comentários ruins no YouTube que tenho. E eles me seguem bastante. Agora está melhor - as pessoas começaram a parar de dizer tantas coisas ruins. Mas, como eu disse, se eu disser alguma coisa em qualquer entrevista, eles distorcem e viram. É meio triste que não possamos ser livres de expressão, então sou um pouco cuidadosa com o que digo. Mas estou feliz com os anos que tivemos e é ótimo que eles ainda continuem fazendo o que fazem. E se eles estão felizes, eu estou feliz. E é assim que as coisas acontecem."

Não muito depois de Olzon ser demitida do Nightwish, oito anos atrás, ela afirmou que uma discussão surgiu entre ela e a banda quando ela pediu que uma turnê australiana fosse adiada durante sua gravidez. Holopainen sugeriu que Jansen deveria cantar na banda temporariamente, mas Olzon disse que não.

Anette explicou em uma entrevista de 2014: "Eu estaria grávida demais para ir para a Austrália, então queria adiar as datas, mas Tuomas não queria isso. Discussões sobre uma substituta surgiram e, no início, eu estava, tipo, 'Sim, bem, ok.' Mas quando eles mencionaram Floor, foi um 'não' automático de minha parte. Não achei uma boa ideia, porque eu sabia o que iria acontecer - eu sabia que os fãs iriam adorar Floor, porque ela é uma cantora de metal e eu ' sou uma cantora pop e queria manter meu emprego."

Um ano após demissão de Olzon, a banda divulgou um comunicado negando que ela foi demitida por causa de gravidez ou doença. "Descobrimos que a personalidade dela não se encaixava nessa comunidade de trabalho e era até prejudicial para ela", disse o grupo. A banda prosseguiu, dizendo que Anette foi inicialmente receptiva à ideia de contratar uma substituta temporária se ela não pudesse "gerenciar tudo", mas que mais tarde "retomou sua decisão e as dificuldades realmente começaram. Medo de perder dinheiro e posição parecia óbvio." A banda também insistiu que "Anette e sua empresa" recebiam "um quinto de tudo o que foi feito durante seu tempo" com o NIGHTWISH.

Desde o final de sua passagem de cinco anos com o Nightwish, Olzon lançou um álbum solo, "Shine" de 2014, e formou o TheE Dark Element com o ex-guitarrista do Sonata Arctica, Jani Liimatainen. O álbum de estreia autointitulado do grupo foi lançado em 2017; o seguinte, "Songs The Night Sings", foi lançado em novembro passado.

Olzon e o famoso vocalista de metal progressivo Russell Allen (Symphony X, Adrenaline Mob) lançaram um álbum colaborativo intitulado "Worlds Apart" em março pela Frontiers Music Srl. O projeto foi emitido sob o nome de ALLEN/OLZON.

quarta-feira, 19 de agosto de 2020

Como o Fleetwood Mac se reuniu para o Ao Vivo "The Dance"


Via UCR

O Fleetwood Mac estava saindo de uma de suas eras mais decepcionantes. Isso levou a formação mais conhecida da banda a deixar de lado as diferenças do passado e se reunir para "The Dance", que chegara às lojas em 19 de agosto de 1997.

O trio vocal de Lindsey Buckingham, Stevie Nicks e Christine McVie concordou com mais uma temporada que seria destaque em um especial do MTV Unplugged. Querendo aproveitar uma rara oportunidade quando eles estavam todos juntos, o grupo também compusera uma série de novas faixas que se misturariam com suas canções clássicas.

No momento em que eles chegaram à Warner Bros. Studios em 23 de maio de 1997 em Burbank, Califórnia, a banda estava totalmente atualizada tanto com o material antigo quanto com o novo. Embora faixas como "Bleed to Love Her" e "My Little Demon" tenham se destacado durante as sessões, nenhuma delas ganhou destaque quando o álbum foi lançado. Em vez disso, os fãs gravitaram em torno das versões recém-despojadas de favoritas do passado, como "Landslide" e "Silver Springs", as quais passaram um bom número de semanas na parada Adult Contemporary. "Landslide" fora melhor na corrida das duas, chegando ao Top 10 do rádio.


"The Dance" foi o primeiro novo álbum desta edição de cinco peças desde "Tango in the Night" de 1987, uma década antes. Pouco antes do retorno de todos os três cantores, John McVie e Mick Fleetwood tentaram continuar sem sucesso com várias novas adições. Mas o sucesso de "The Dance", que catapultou para o primeiro lugar nas paradas, derrubando o rapper Sean "Puff Daddy" Combs - levou o Fleetwood Mac a reconsiderar o futuro e trabalhar em mais uma turnê juntos. O álbum viria a se tornar o quinto álbum ao vivo mais vendido de todos os tempos nos EUA, com mais de cinco milhões de cópias vendidas.

Quanto ao especial da MTV, também foi um grande sucesso. Os fãs puderam retomar seus hits favoritos como "The Chain", "Dreams", "Rihannon", "You Make Lovin 'Fun" e "Don't Stop", e havia um bônus adicional como o USC moderno. A banda marcial seguiu os passos de seus predecessores tocando "Tusk" com Fleetwood Mac na gravação. Eles também ficaram para "Don't Stop".


Aqueles que compraram o DVD puderam ver uma versão mais completa da performance real, que também mostrou as habilidades dos vários membros. Lindsey Buckingham trabalhou em um banjo para a música "Say You Love Me", que também contou com Christine McVie no pandeiro e John McVie nos backing vocals. Enquanto isso, Christine McVie tocava vários instrumentos, tocando teclado, piano, acordeão e maracas, além de cantar.

Mantendo o pouco de nostalgia fornecida com o disco, Fleetwood Mac ofereceu alguns acenos ao seu trabalho anterior na arte da capa do disco. O fotógrafo David LaChappelle tirou uma foto do grupo com Mick Fleetwood recriando sua pose da capa de "Rumours" e Buckingham segurando a bengala do LP de 1975 da banda.



terça-feira, 7 de julho de 2020

Syd Barrett: O Pink Floyd não poderia ter começado sem ele


"Havia um rei que governou a terra
Sua Majestade estava no comando
Com olhos prateados a águia escarlate
Banhou de prata as pessoas
Oh, Mãe, me conte mais
Por que você tinha que me deixar lá
Suspenso no meu ar infantil
Esperando
Você só tem que ler as linhas
Elas estão rabiscadas em preto e tudo brilha
Atravessando a maré com sapatos de madeira
Com sinos para contar ao rei as novidades
Mil cavaleiros místicos planam
Mais alto do que há algum tempo
Imaginando e sonhando
As palavras têm diferentes significados
Sim, elas tinham
Por todo o tempo gasto naquela sala
As casas de bonecas escuras, velho perfume
E os contos de fadas me seguraram acima das nuvens
Da luz do sol flutuando
Oh, Mãe, me conte mais
Conte-me mais
Ah
Ah
Ah"

"Matilda Mother" (Syd Barrett, IN Pink Floyd - "The Piper At Gates Of Dawn", 1967, By EMI).

Eram 7 de julho de 2006, o criador do Pink Floyd morria na sua casa em Cambridge, vítima das complicações do diabetes e pancreatite, aos 60 anos, morava só, mas sob cuidados constantes de sua inseparável irmã Rosemary, que já o assistia há 15 anos, desde a morte da mãe Winifred em 1991.

Syd Barrett deu nome, criou o conceito, o estilo e colocou o Pink Floyd no status das grandes bandas surgidas na década de 60, merecendo aplausos e bastantes atenção dos Beatles, Paul e Ringo sobretudo, que iam assistir as gravações do álbum de estréia do Pink Floyd, que contém a música que iniciou esse texto.

O disco era contemporâneo ao icônico "Sgt. Pepers And The Lonely Hearts Band", tendo sido lançado dois meses mais tarde e não menos psicodélico, muito pelo contrário.

Já nos singles desde 1965, com "Arnold Layne" e "See Emily Play", que estouraram na parada britânica, Barrett mostrava um estilo novo e proprio, cristalizando de uma vez por todas a psicodelia na música britânica, tratando temas com leveza ímpar.

Exemplo disso está na letra da música "Matilda Mother", supracitada, deixando entrever a infância doce e feliz no seio de sua mãe que lhe contava histórias para dormir, bem diferente da mãe do colega de escola e de Pink Floyd, Roger Waters, que fora criado por mãe rígida e superprotetora.

David Bowie, à época da morte de Barrett, declarou toda sua idolatria pelo gênio de Cambridge, atribuindo a ele o despertar de seu gosto pela arte.
Para Bowie, Barrett trazia consigo um Peter Pan eterno, um grande poeta fora de seu tempo, perdido no século XX.

Syd Barrett era o britânico atípico, longe da rigidez e cisura do inglês, ele se apresentava a alguém pela primeira vez com sorriso radiante, corpo solto e dizendo feliz: "Hi I'am Syd", coisa nada comum entre os bretães.

Como em toda sua arte, Barrett era um guitarrista dotado de imenso prazer em ousar e experimentar, gostava por exemplo de deixar ímãs caírem no braço do instrumento para gerar uma singular distorção.

Syd era isso, pouco lhe importava o duo "fortune-fame", ele tinha a arte inerente e queria expô-la na medida em que fosse surgindo, e mais para frente já queria mostrar algo além de música, suas pinturas e assim por diante.

Só que o mercado fonográfico e o showbiz não funcionam assim, comprimem a criatividade do artista, os tornando um macaco de auditório.

Barrett não estava pronto para lidar com isso, nem tinha interesse em se moldar para isso é muito menos a essa altura o suporte egóico e maternal para tal.

Como resultado, o lisergismo da época o consumiu, LSD, Mandrax foram fritando sua mente, culminando na esquizofrenia tóxica que o levou ao isolamento e "demissão" do Pink Floyd sendo afastado em janeiro e oficialmente desligado em abril de 1968.

Muitos fãs de Pink Floyd pouco olham para o criador, logicamente o Pink Floyd setentista se agigantou, nesta fase fizeram os álbuns milionários e de espetacular qualidade, sobretudo o álbum dos álbuns "The Dark Side Of The Moon", que os levou ao topo.

Mas lá estava Barrett, na tentativa de transcenderem a sua origem, mesmo assim ali estava ele em essência nas canções "Any Colour You Like" e "Brain Damage", mais uma vez reaparecendo literalmente em todo o seguinte álbum "Wish You Were Here" e tendo inspirado a loucura vista no personagem Pink, da ópera-rock do grupo, "The Wall".

Roger Waters disse: "o Pink Floyd não poderia ter começado sem ele, mas não poderia continuar com ele".

De fato, ele não tinha condições de seguir com o grupo, nem mesmo "A La Brian Wilson", ficando um tempo ajudando somente nas composições, e nem tinha tal interesse, mas afirmo aqui, que sem Barrett e sem o sucesso e respeito que "The Piper At Gates Of Dawn" conquistou, o Pink Floyd não teria sequer chegado aos anos 70, e se tivessem lançado somente este álbum, ainda assim seriam lembrados no mundo cult.

Barrett não fez parte do "famoso" Clube dos 27", de Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain e Amy Winehouse que deixaram a vida aos 27 anos de idade, embora simbolicamente Syd poderia ser incluído neste contexto por ter "morrido" como artista em 1973, aos 27, ano em que seria sua última entrevista e encerrou as atividades públicas, ficando a partir daí, recluso, aos cuidados da mãe e posteriormente da irmã, se tornando uma lenda.

Ouçam o criador na playlist "SydBarrett - A Obra do Criador", no link abaixo:


A última apresentação do Led Zeppelin

Via UCR

Os membros originais do Led Zeppelin se apresentaram juntos pela última vez em 7 de julho de 1980 no Eissporthalle em Berlim, Alemanha. O show foi a última parada programada em uma turnê européia de 14 datas em ao derradeiro álbum de estúdio do grupo, "In Through the Out Door" de 1979.

Problemas já circulavam na banda nos anos anteriores, com John Bonham e Jimmy Page lutando contra o vício em álcool e drogas.

O Led Zeppelin foi forçado a parar depois de apenas três músicas em 27 de junho, em Nuremberg, quando Bonham foi levado às pressas para o hospital depois de sofrer o que foi relatado como intoxicação alimentar, mas rumores de que o resultado era de um colapso cardíaco.

Assim como na turnê europeia, uma turnê norte-americana programada para começar em outubro fora comprometida pelos excessos de abusos durante a estrada. E em 24 de setembro, depois de beber 40 doses de vodka durante um período de 12 horas em um dia de ensaio, Bonham foi dormir na casa de Page e foi encontrado morto na manhã seguinte.

Alguns meses depois, em 4 de dezembro de 1980, o grupo divulgou uma declaração informando que estaria encerrando as atividades como resultado da morte de Bonham. Os membros sobreviventes se reuniram apenas algumas vezes desde então, incluindo o mini-show no Live Aid em 1985 e o concerto de 40 anos da Atlantic Records em 1988. Mais recentemente, eles realizaram um show em grande escala em 10 de dezembro de 2007, em Londres. que foi capturado no "Celebration Day", um filme de concerto lançado em 2012, chegando também no formato doméstico.

segunda-feira, 6 de julho de 2020

The Beatles: Quando John conheceu Paul, um dia que mudou o curso da história

Via Discovermusic

A fatídica história de como John Lennon e Paul McCartney se conheceram

Em 6 de julho de 1957, John Lennon, de 16 anos, conheceu Paul McCartney, de 15 anos. Foi na igreja paroquial de St. Peter, Woolton, em Liverpool, e John estava tocando com The Quarrymen em uma festa na igreja.

Era uma tarde de sábado e Paul tinha ido a uma festa com seu amigo Ivan Vaughan, para assistir ao grupo de John, The Quarrymen. (O grupo era formado por Eric Griffiths, Colin Hanton, Rod Davis, John Lennon, Pete Shotton e Len Garry.) O grupo recebeu o nome da Quarry Bank High School, da qual todos frequentavam.

Os Quarrymen tocaram em um palco improvisado, em um campo atrás da igreja. John tocou violão e cantou, enquanto Eric Griffiths também tocava violão, Colin Hanton, bateria, Rod Davies um banjo, Pete Shotton estava na percussão e Len Garry tocava o contrabaixo.

As coisas começaram a acontecer no início da tarde com uma curta parada por essa área de mercado de Liverpool, com dois caminhões trazendo a Rose Queen, no primeiro caminhão, e os Quarry Men no segundo caminhão. O maior desafio para John e seus companheiros na banda era ficar na vertical na traseira do veículo em movimento enquanto continuava tocando; Uma vez no campo atrás da igreja, as coisas ficaram um pouco mais fáceis.

À noite, o Quarrymen tocaram no The Grand Dance no salão da igreja, em frente à igreja; compartilhando o espaço com a George Edwards Band. Ivan Vaughan havia tocado baixo com os Quarrymen e foi ele quem apresentou Paul a John.

McCartney, vestindo uma jaqueta branca com manchas prateadas e as calças pretas obrigatórias, conversou com John por um tempo e depois de mostrar a John uma técnica de afinação, McCartney tocou algumas músicas, incluindo uma mistura das músicas de Little Richard, junto com Eddie Cochran, “Twenty Flight Rock” e “Be-Bop-A-Lula” de Gene Vincent.

De acordo com Paul, "lembro-me de John cantando uma música chamada 'Come Go With Me'. Ele ouviu no rádio. Ele realmente não conhecia os versos, mas ele conhecia o refrão. O resto ele apenas inventou. Eu apenas pensei: 'Bem, ele parece bem, ele está cantando bem e ele parece um ótimo vocalista para mim.' É claro que ele estava sem óculos, então ele realmente parecia suave. Lembro que John era bom."

Depois, John e Pete Shotton discutiram sobre a possibilidade de pedir ou não a Paul para se juntar aos Quarrymen. Eles decidiram que seria uma boa ideia e, algumas semanas depois, Shotton viu Paul andando de bicicleta em Woolton e pediu que ele se juntasse. Após um pouco de reflexão, Paul concordou em se tornar um membro.

E o resto, como eles falam, é história.