Confraria Floydstock: Jethro Tull - Ian Anderson: "10 discos que mudaram minha vida"

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terça-feira, 10 de agosto de 2021

Jethro Tull - Ian Anderson: "10 discos que mudaram minha vida"

O frontman do Jethro Tull, Ian Anderson, escolhe dez discos que transformaram sua vida na música, do swing nos Estados Unidos ao folk finlandês.

Ian Anderson, sentou-se com o Classic Rock para mostrar suas seleções para os 10 discos que mudaram sua vida.

Obviamente, quando você está falando sobre discos que são‘ transformadores de vida ’, para usar esse termo, você geralmente está falando sobre peças de música que você ouviu na sua juventude”, diz Anderson. “Mas sou uma daquelas pessoas que nunca para de ouvir coisas novas, então, felizmente, algumas gravações tiveram um impacto dramático em mim nos últimos anos. Você nunca sabe quando algo vai bater em você e tocar aquele acorde, por assim dizer. É sempre uma surpresa maravilhosa quando isso acontece."

Glenn Miller and his Orchestra – "In the Mood" (1939).

Eu tinha sete anos quando ouvi algumas das big band do pai, 78s. Eu particularmente gostei de "In the Mood" de Glenn Miller e sua Orquestra, que é uma peça de swing brilhante e sincopada. Algo sobre a simplicidade me atingiu - talvez porque seja essencialmente um blues de três acordes. Quando criança, isso me deixou energizado de uma forma que a música da igreja e a música folk escocesa realmente não faziam."


Johnny Duncan & his Bluegrass Boys – "Last Train to San Fernando" (1955).

Eu tinha nove anos quando ouvi algum rock'n'roll antigo na forma de Bill Haley & His Comets. Estávamos começando a conseguir discos dos Estados Unidos porque ainda havia muitos militares americanos servindo no Reino Unido. Revistas, moda e certamente a música ajudaram a influenciar muito a juventude britânica dessa época.
Nessa época, ouvi uma música no rádio e gostei muito, e convenci meus pais a me deixarem comprar um exemplar com minha mesada. Era folk e tinha uma batida de skiffle, que estava se tornando moda na Inglaterra. Era "Last Train to San Fernando", de Johnny Duncan e seus Bluegrass Boys. Foi uma peça incrível de música americana, mas, curiosamente, é realmente uma canção calipso, mas feita de uma forma meio skiffle.


Muddy Waters – "Hoochie Coochie Man" (1954).

Esta é uma das primeiras canções de Muddy Waters que teve um grande impacto, não apenas em mim, mas em toda uma geração de aspirantes a artistas de R&B e blues na Grã-Bretanha. É uma de suas melhores peças. Antes de sua morte, Muddy até regravou com Johnny Winter e lançou outra grande versão da música.
Esta foi a minha introdução ao artigo genuíno - Chicago blues. Eu tinha ouvido coisas que derivavam do gênero e tinham vários matizes, como algumas das músicas swing de três acordes que eu ouvia. Mas quando você ouve a coisa real, você sabe disso, e "Hoochie Coochie Man" de Muddy Waters era indiscutivelmente a coisa real.
O verdadeiro blues americano tornou-se romantizado para nós, britânicos. Claro, não sabíamos nada sobre a tortura do comércio de escravos, o comércio de tabaco e o comércio de algodão, ou os horrores da pobreza ao longo dos anos da Depressão - não sabíamos sobre essas coisas. Mas sentimos essa forma um tanto heróica de música folk, e se é assim que vimos, é melhor do que a América branca de classe média, que não viu nada disso. Foi só quando nós, britânicos, mandamos Jimi Hendrix de volta para a América - o rock que era muito agressivo e negro - que se tornou revolucionário.


Graham Bond – "Spanish Blues" (1965).

Era um paralelo a toda aquela música americana, mas de uma forma mais eclética, tendo influências do blues e do jazz europeu mas também do clássico. Graham Bond não era um saxofonista alto de muito sucesso que em algum momento conseguiu um show com Alexis Korner’s Blues Incorporated. Depois de um tempo, ele roubou Ginger Baker e Jack Bruce daquela banda e os persuadiu a irem com ele quando ele formou a Graham Bond Organization.
Eles tocaram um amálgama caseiro de jazz e blues eclético, que teve um grande impacto em mim quando adolescente. Eu estava começando a tocar música neste momento. O uso do órgão Hammond, tocado por Bond, foi bastante forte, dramático e maravilhoso. Claro, como todos sabem, o núcleo da Organização Graham Bond formou o Cream, o que o levou ainda mais longe.
O blues espanhol não era blues ou jazz americano; era, como o título sugere, um tipo de faixa bastante europeia. Não é exatamente flamenco, mas tem uma sensação autêntica. Ouvir saxofone e órgão Hammond junto com baixo e bateria realmente me tocou. Isso me fez perceber que você poderia fazer algo com esse tipo de formação. Não precisava ser música negra americana; você pode pegar coisas da música clássica e usá-las. De certa forma, foi o início do que se tornou o rock clássico.


Pink Floyd – "The Piper at the Gates of Dawn" (1967).

"Houve dois álbuns seminais em 1967 que abriram um caminho para pessoas como eu no contexto do pop progressivo. Um era o "Sgt. Pepper" dos Beatles, é claro, e o outro era um caso totalmente mais surreal e progressivo, "Piper at Gates of Dawn", do Pink Floyd. Ambos os álbuns pegaram elementos de muitas fontes diferentes e os usaram de maneiras coloridas e criativas.
Para mim, o álbum do Pink Floyd tinha mais significado. Os Beatles eram um grupo pop, então eu pensei que seu material era um pouco artificial, um pouco twee. Eu gostei mais do elemento cantor e compositor do Floyd. As canções de Syd Barrett eram estranhas e engraçadas e complementavam perfeitamente o instrumental radical e drogado que a banda fazia. Você viu fotos e as apresentou com palavras e sons, em vez de pinturas.


Roy Harper - "Come Out Fighting Ghengis Smith" (1968).

Um ano depois, quando me mudei para Londres, ouvi um cantor folk que estava construindo um nome para si mesmo. Juntei algumas moedas e comprei este álbum, que mostrou meu interesse pelo jeito solitário de fazer música como cantor e compositor. A música "Another Day" realmente ressoou em mim. Muitas pessoas, além de mim, consideram isso um clássico cult. Kate Bush gravou a música.
Morando sozinho durante o verão de 68, este álbum significou muito para mim. Na verdade, conheci Roy Harper um pouco porque acabamos fazendo alguns shows juntos, incluindo o primeiro show no Hyde Park, que foi Pink Floyd, Jethro Tull, Roy Harper e Tyrannosaurus Rex.


Jethro Tull – "Aqualung" (1971).

A única música que realmente mudou minha vida, certamente de uma forma material, foi "Aqualung". Tínhamos um pouco de sucesso antes disso, mas este álbum nos estabeleceu em todo o mundo. No entanto, foi um processo gradual - não espalhou a mensagem em 1971 ou '72. Foram vendas estável por anos e anos.
O álbum nos levou à União Soviética, ao Bloco Oriental da Europa, aos regimes fascistas da América Latina e outros lugares. Fomos muito longe. Foi a música que mais mudou minha vida, pessoalmente. Isso me deu a oportunidade de lançar álbuns ainda mais aventureiros e, tão importante, eu poderia ir a todos esses lugares para tocar ao vivo.


Herbert von Karajan/ Berliner Philharmonic Orchestra – "Beethoven Symphony No. 9 in D Minor" (1963).

Depois do álbum "Aqualung", vi "Laranja Mecânica", e a música do Walter Carlos - que mais tarde se tornou Wendy Carlos - realmente despertou o meu interesse pela música clássica. Ele já havia se destacado pegando peças clássicas e interpretando-as em sintetizadores. Achei magnífico o tratamento que deu a Beethoven para a trilha sonora de "Laranja Mecânica".
Eu estive exposto à música clássica na minha adolescência, e um pouco quando fizemos o álbum "Stand Up" - há uma peça de Bach sobre isso - mas comecei a explorá-la mais depois de ver o filme de Stanley Kubrick. Em particular, desenvolvi um interesse por Beethoven. Tenho certeza de que muitas outras pessoas foram apresentadas a seu trabalho depois de terem visto "Laranja Mecânica". Isso levou ao meu interesse pela orquestração.
Na minha opinião, a melhor versão da 9ª edição de Beethoven, a gravação inédita, é de Herbert von Karajan e a Filarmônica de Berlim nos primeiros dias do estéreo.

Värttinä – "Aitara" (1994).

Com este álbum, descobri que a música folk da Europa pode conviver com o rock progressivo moderno. Esta é uma banda finlandesa com sede no oeste de Helsinque, composta por três cantoras folk e uma banda de jazz e músicos folk do Instituto de Música.
É uma música maravilhosa, especialmente a faixa-título, mas não tenho absolutamente nenhuma ideia do que eles estão cantando. Pode ser algo muito mundano e triste - acho que nunca vou saber. Mas isso não importa, porque o som de suas vozes e a música da banda são muito bonitos.


A.R. Rahman – "Bombay Theme" (1995).

Isso me fez começar a aprender a entender um pouco mais sobre a música indiana e até mesmo a escrever para alguns daqueles artistas indianos clássicos. Esta faixa em particular começa de forma muito visível com o som de uma flauta de bambu indiana.
Foi escrito e organizado por A.R. Rahman, que é, em grande parte, a força musical por trás de Bollywood. Ele é o principal praticante da música indiana no sentido comercial - certamente por seu trabalho no cinema. Eu ouvi o "Bombay Theme" pela primeira vez, que às vezes é chamado de "Mombay Theme", em um álbum cruzado, e isso me levou a investigar as coisas mais a fundo. Acho que é uma peça musical bastante extraordinária.

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